Estilo artístico de Caravaggio
Desde finales del siglo XVI hasta principios del XVII, el realismo fue lo opuesto al arte manierista y al arte académico. La figura más importante de este período fue Caravaggio, quien llevó el arte realista a una nueva etapa e incluso influyó en toda Europa. El arte de Caravaggio está lleno de ideas democráticas distintas. Esto estaba relacionado con el turbulento ambiente social en Italia en ese momento. Aunque Caravaggio es una figura olvidada hace mucho tiempo, sólo a principios de este siglo atrajo cada vez más la atención de los historiadores del arte. Sin embargo, su arte no sólo permite ver la diversidad y la lucha del arte italiano en el siglo XVII, sino que también muestra su personalidad. Su singularidad ha jugado un papel importante en generaciones posteriores de artistas, incluidos Rembrandt y Velásquez.
Michelangelo da Caravaggio (caravaggio, 1573-1610) nació en Caravaggio y murió en Porto Ercole. Su nombre original fue Michelangelo Merisi, y más tarde nació en Topónimo. Su padre era arquitecto. Se mudó a Milán a los 11 años y comenzó a estudiar pintura. De Milán a Roma en 1590-1592, pasó más tarde a Nápoles, Sicilia y Malta. Pintó algunas pinturas de género y naturalezas muertas en Roma. Una influencia importante en su arte fue la obra de los maestros del Renacimiento italiano. Fue un pintor revolucionario que inicialmente adhirió al realismo. Sus características quedaron establecidas por una serie de pinturas de estilo, las cuales estaban repletas de jóvenes vestidos con ropas extrañas y con un fuerte sentido de decadencia. En el período posterior, su estilo cambió drásticamente, con una alta conciencia moral y pinturas religiosas reemplazando los temas anteriores. Utiliza temas religiosos como forma, pero el contenido no es la Virgen María, el Niño y los santos adorados y alabados por los artistas occidentales, sino gente del campo con profundas arrugas, ropas andrajosas y pies sucios. En términos de realismo psicológico, también intentó entrar directamente en el escenario descrito en la Biblia sin modificaciones.
Las obras de Caravaggio enfatizan el cuerpo humano. Las personas en las pinturas son casi de tamaño natural y generalmente se colocan al frente de la imagen. La dramática postura retraída hacia adelante parece trascender la imagen. La característica más importante del arte de Caravaggio es que representa fielmente la naturaleza independientemente de si la gente piensa que es hermosa o no, por lo que la gente lo llama un pintor "naturalista". Incluso en pinturas que expresan temas religiosos, hizo todo lo posible para hacer lo antiguo. Los personajes del texto parecen más reales y palpables, e incluso los métodos claros y oscuros que utiliza ayudan a lograr este objetivo. Su luz no hace que el cuerpo parezca elegante y suave, pero resalta obstinadamente y fielmente toda la extraña escena.
"La adivina" (Figura 95) es una de las primeras pinturas al óleo de Caravaggio. Este cuadro muestra una escena habitual: la gitana que lee la palma de la mano es una persona de la calle de clase baja. No hay ningún elemento de vergüenza o idealización. La imagen del joven a quien le leen la palma también es directa. modelado por el artista. Dibujado por un amigo. La audaz exploración de la vida por parte de Caravaggio naturalmente despertará el descontento de algunos conservadores. Algunas personas atacan su arte como una representación del "hombre natural rudo" y falta de belleza e idealización. Sin embargo, este es el valor real de su arte. Está abriendo una nueva era para el arte realista. A lo largo de su vida, ha sido un rebelde e innovador desde la vida hasta el arte.
La vocación del apóstol Mateo (Fig. 96) es un retablo pintado por Caravaggio para la Iglesia de Luigi de Francia en Roma. En la pintura hay dos figuras de tamaño natural. Matthew parece un granjero, como si tuviera dificultades para escribir. Debido a que esta figura fue pintada de una manera muy vulgar y naturalista, despertó un fuerte descontento por parte del encargado. Lo más destacado de la imagen son los dos gruesos pies de Matthew de cara al público. Bellori, un teórico académico que trabajaba para el gobierno en ese momento, dijo: "La imagen de Mateo no tiene la sublimidad de la imagen del santo ni la gracia. Este hombre está sentado allí con los muslos presionando contra las pantorrillas, especialmente sus dos pies torpes. está atrayendo al público”. Sin embargo, la comprensión de Caravaggio de la pintura religiosa es que los vagabundos, los agricultores y los pescadores deben ser introducidos en la iglesia sagrada. Este espíritu era sin duda progresista en aquella época. Aunque el estilo pictórico de Caravaggio fue ridiculizado y rechazado por la escuela académica "oficial", él siguió siendo el mismo y no retrocedió ante las burlas y los ataques. Caravaggio tenía sólidas dotes de realismo. El cuerpo humano en sus pinturas se elevaba como un relieve, pareciendo fuerte y fuerte. Además, también utilizaba un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad. El uso de la luz para resaltar las partes principales del cuadro es el llamado "estilo de pintura de sombras". Esta técnica fue heredada y desarrollada por Rembrandt y Velásquez.
"Descanso en el camino a Egipto" (Fig. 97) es la obra maestra de Caravaggio. El Renacimiento fue una época en la que los seres humanos estaban llenos de ideales sobre la realidad, pero el siglo XVII fue una época en la que los ideales comenzaron a hacerse añicos y la gente tenía dudas y críticas. Este tipo de dudas y críticas se reflejan en las obras artísticas de Caravaggio. Esta pintura está basada en la Biblia y muestra a la Virgen María y José llevando al Cristo recién nacido en su camino a Egipto para evitar la masacre del rey Herodes de Judea. El estilo de esta pintura es simple, con una sensación tranquila y gentil de las primeras obras de Caravaggio. El San José del cuadro parece un trabajador corriente, con el rostro curtido y la frente arrugada. Caravaggio sabe incorporar este espíritu crítico en sus obras. Se atrevió a dudar de lo que en la Biblia se consideraba natural. En lugar de embellecer a los personajes del cuadro, utilizó imágenes de personajes de clase baja de la vida real para representar a los santos y a la Virgen. pintura realista. Abandonó algunos "estilos sublimes", factores decorativos e idealización en sus pinturas, y anunció la llegada del realismo con sus claras y directas "pinturas de estilo brutal".
"La cena en Imus" (Fig. 98) también refleja el estilo realista de Caravaggio. Los personajes de la pintura parecen venir directamente de la vida. Sus ropas son sencillas y sus expresiones son significativas. Especialmente el hombre del frente izquierdo con su comportamiento casi obsceno y su ropa raída no se diferencia de un granjero que ha estado en el fondo. vida durante mucho tiempo. La imagen está envuelta en un tono marrón pacífico y tranquilo. Aunque la imagen es de una cena, el énfasis parece ser más similar a la libertad de expresión de la gente común cuando se reúne. Caravaggio tiene una extraordinaria habilidad realista. El pan, el pavo y las frutas que se disfrutan en la cena aparecen vívidamente en la página, especialmente las uvas de color verde cristal, que son aún más vívidas y atractivas. Otra característica de esta pintura es el fuerte contraste entre la luz y la oscuridad, que Caravaggio sabe utilizar mejor. Este contraste entre la luz y la oscuridad crea una atmósfera poética, haciendo que los personajes de la pintura sean menos vulgares y más reales y simples. El estilo artístico de Caravaggio es también un modelo seguido por generaciones posteriores, incluidos los artistas modernos.
"El triunfo de Cupido" (pintado en 1598) es una de las primeras obras de Caravaggio. La figura de Cupido en la imagen parece extremadamente real. Las formas son naturales y realistas, muy frescas y conmovedoras, y las imágenes están llenas de una sensación de intimidad cercana a la vida. Caravaggio hizo todo lo posible por utilizar las técnicas que dominaba para resaltar los personajes del cuadro, especialmente el uso de luces y sombras, que aportaron mucho a la imagen. Algunas personas dicen que las pinturas de Caravaggio son "personas naturales y groseras" y carecen de la idealización de la belleza. Sin embargo, ésta es también la singularidad del arte de Caravaggio. No podía encajar con los demás en la vida. A menudo era atacado y ridiculizado por su falta de estatus, por lo que se levantó para resistir. Esta situación de vida también creó su estilo de realismo arrogante e indisciplinado. Su vida fue una vida de sufrimiento y murió prematuramente con sólo 31 años. Sin embargo, es un gran pintor que siempre será famoso en la historia del arte.
"El Entierro de Cristo" (Figura 99) es una de las obras de Caravaggio con tendencia al estilo barroco, enfatizando el movimiento y las figuras exageradas (como la mujer con las manos levantadas en la espalda). Las figuras del cuadro tienen una estructura rigurosa, especialmente el cuerpo desnudo de Jesús y las piernas del anciano que va delante, regordetas y poderosas. Además, las seis figuras de la pintura están estrechamente concentradas en el centro de la pintura, dándoles una sensación escultórica de unidad. El estilo Caravaggio de esta pintura es la luz brillante sobre las figuras y la profunda oscuridad del fondo. Carlisle fue el primer pintor en explorar el lenguaje de la luz y la sombra.
"La Asunción de la Virgen" (Fig. 100) es un retablo pintado por Caravaggio entre 1605 y 1606. Está dedicado a Santa María. Hecho para la Iglesia de La Scala. En esta pintura, la Virgen María muerta está colocada en el centro de la imagen. La imagen es real y vívida. Su cabello está despeinado y su rostro está demacrado. Parece estar durmiendo extremadamente cansada en una pequeña cama en una granja destartalada. Sus pies descalzos son especialmente llamativos. Magdalena junto a la Virgen es una típica campesina italiana, sentada tristemente en un pequeño y tosco banco de madera. Aquí, la muerte de la Virgen es como la muerte de una campesina corriente, sin ningún sentido de ficción o religión. Nuestra Señora es tan simple como la vida misma. La única cortina ligeramente magnífica del cuadro fue pintada según el deseo del encargado. Pinturas como ésta, que representan directamente la vida pobre, eran raras en la Italia de principios del siglo XVII. Esto también refleja el amor del autor por la clase baja. su estética simple y materialista. El contraste entre la luz y la oscuridad en esta pintura no es tan fuerte como en las pinturas anteriores, pero los personajes y el fondo están envueltos en una suave luz natural, lo que realza el realismo de la imagen. Precisamente por este evidente espíritu innovador, este cuadro fue atacado y difamado más que otras obras, e incluso el encargado se negó a aceptarlo.
Rubens elogió mucho este cuadro y convenció al duque de Mantua para que lo comprara para poder conservar esta gran obra.