Características básicas del Renacimiento

El arte renacentista tiene un rasgo distintivo: realismo y humanismo. La mayoría de las creaciones del Renacimiento giran en torno a este tema. Esto incluye los sentidos humanos, las creencias humanas, el deseo sexual humano y la cosmovisión humana. Todas las obras de este período pedían romper con la teocracia feudal y el ascetismo feudal. Romper el bloqueo del sistema feudal sobre el espíritu e incluso el cuerpo de las personas. La mayoría de las obras de este período se basaron en la religión, y muchos comentarios decían que la religión se usaba como escudo. Me opongo a esta afirmación. Cualquiera que sepa un poco sobre el mundo occidental sabe que las creencias religiosas ocupan gran parte de sus vidas en Occidente. En última instancia, se puede decir que el arte religioso del Renacimiento es una especie de arte religioso humano, no el arte religioso de la iglesia bajo el sistema feudal. Primero es necesario aclarar este punto. Las características de las técnicas artísticas durante el Renacimiento se reflejan principalmente en la creación de técnicas de expresión basadas en la teoría científica y la investigación práctica, como la anatomía humana, reglas de perspectiva, etc. En términos de estilo y técnica, preste más atención a la coordinación de colores y la naturaleza, y no se ciña a un solo patrón. En términos de arte arquitectónico, su tarea principal es restaurar la tradición arquitectónica clásica y prestar atención a las leyes racionales de la belleza arquitectónica. Varias etapas del Renacimiento y sus principales representantes: El inicio del Renacimiento italiano (finales de los 13 años hasta la primera mitad de los 14 años): Este período es una etapa en la que los artistas exploran nuevos espíritus y elementos artísticos. El arte en ese momento aún era inmaduro y aún no había formado estándares idealizados, pero podía reflejar la búsqueda del artista de nuevas técnicas artísticas. ¿Cómo reflejar el contenido en pantalla de forma más realista? Se convirtió en el foco de los artistas italianos de esa época. Entonces comenzaron a estudiar esculturas antiguas y estilos de pintura griega y romana, y formaron un nuevo estilo realista. Quien tuvo una influencia decisiva en este nuevo estilo fue el pintor florentino Giotto di Bondona (1266-1337), entre sus obras representativas se encuentran: “La Huida a Egipto”, “El Beso de Judas”, etc. Giotto es considerado un pionero de la pintura occidental. Fue el primer artista que combinó un estilo realista con técnicas de luz y oscuridad, dando un paso crucial en la pintura. Además, combinó una hermosa narración con una observación fiel, haciendo que la pintura ya no fuera una simple descripción textual, sino un significado independiente. Pero es innegable que, como explorador de principios del Renacimiento, Giotto todavía era relativamente ingenuo en técnicas como la composición del espacio, el procesamiento del color e incluso el claroscuro. Pero como pionero en la historia, el mundo todavía reconoce la influencia de Giotto en las generaciones posteriores. Arte del Renacimiento temprano italiano (siglo XV): La progresión del arte del Renacimiento temprano italiano constituye un escenario muy complejo. Este fue un período en el que nacieron y prosperaron muchas escuelas de arte regionales, lo que refleja un período de influencia activa y lucha mutua entre diversas tendencias ideológicas. En esta era de investigaciones polémicas, prestaron atención a la perspectiva espacial y al modelado tridimensional de figuras, y hicieron buen uso de las líneas. Los tres maestros más famosos son el arquitecto Brunelleschi, el escultor Donatello y el pintor Masaccio. Aquí presentamos principalmente al pintor Masaccio. Masaccio Masaccio (1401-1428), entre cuyas obras representativas se encuentran "Fuera del paraíso", "Dinero sujeto a impuestos", etc. Los logros artísticos de Masaccio marcaron la llegada del floreciente período de la pintura del Renacimiento italiano. Fue el fundador de la pintura realista del Renacimiento. Masaccio aplicó sus conocimientos de anatomía y perspectiva a la pintura con un espíritu de investigación científica. Sus figuras son más realistas y poderosas que las de Giotto. También fue el primer pintor renacentista en dominar la perspectiva, el primero en mostrar la estructura humana bajo las líneas de la ropa y el primero en hacer un uso extensivo del claroscuro. Masaccio también integró paisajes en sus obras, volviéndolas magníficas, generales y reales. Usó paisajes para ampliar el alcance de la pintura y darle una sensación de vasto espacio. Su contribución, por un lado, es utilizar una actitud científica para describir y representar las imágenes (personajes) de manera más fiel y, por otro lado, coordinar el escenario y los personajes para que se complementen entre sí. Esto sentó una base sólida para el clímax del Renacimiento. El arte en el apogeo del Renacimiento italiano (65438 primera mitad del siglo VI): El Renacimiento fue el apogeo del Renacimiento italiano. En ese momento, por diversas razones sociales y políticas, los artistas ya no estaban contentos con sus habilidades y artesanía individuales. El concurso los alienta a explorar ampliamente y esforzarse por lograr mayores logros en ciudades líderes en ciencias naturales, cultura y arte.

Generalizaron y resumieron basándose en las exploraciones de artistas anteriores, haciendo que el arte alcanzara un estado de gran madurez y perfección a principios del siglo XVI. No solo los temas se expandieron del contenido religioso a la vida real, sino que también comenzaron a prestar atención a los paisajes naturales, sus imágenes eran más perfectas y tenían personalidades y necesidades psicológicas más complejas. Si los artistas del Renacimiento temprano exploraron principalmente leyes científicas como la perspectiva y la anatomía, los maestros del apogeo ya no estaban restringidos por estas leyes, sino que prestaron más atención a los efectos visuales y exploraron el dramatismo y el nuevo lenguaje artístico de sus obras. Se puede decir que el arte próspero es la combinación perfecta de arte y ciencia. Durante este período aparecieron muchos maestros clásicos, como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Bramante, Tiziano, etc. No sólo desarrollaron sus habilidades artísticas a alturas sin precedentes, sino que también hicieron contribuciones inmortales a la construcción de la teoría del arte. Se selecciona a Leonardo da Vinci (1452-1519) como principal objetivo de introducción, y entre sus obras representativas se encuentran "Mona Lisa", "La Última Cena", etc. El genio de Leonardo da Vinci no se limitó al arte, sino que también incluyó las matemáticas, la ingeniería mecánica, la medicina, la geología y más. En términos de arte, Leonardo da Vinci resumió los resultados de las investigaciones de los artistas del siglo XV y logró logros en la composición de la pintura, luces y sombras, perspectiva, color, etc. Su lenguaje artístico más singular es el uso de luces y sombras para crear imágenes tridimensionales. Leonardo da Vinci dijo una vez: "El mayor milagro de la pintura es hacer que una pintura plana parezca desigual". Utilizó el principio de cambio de luz de una esfera para ser pionero en el método de transferencia de luz y oscuridad (también conocido como método de gradiente de luz y oscuridad). , es decir, la transición de claro a oscuro en la imagen es continua, como el humo, sin límites obvios. La Mona Lisa es un ejemplo de este método de pintura. La magia de "La Última Cena" radica en la comprensión por parte del maestro de las expresiones de los personajes de la imagen, que puede considerarse una obra histórica pionera. En el pasado, independientemente de la composición o la técnica del cuadro, la representación de las expresiones de los personajes siempre parecía rígida y aburrida. La razón por la que el maestro tomó esta iniciativa histórica es por su profundo conocimiento de la anatomía humana, su dominio de las expresiones faciales y las actividades musculares humanas, y su profundo conocimiento de la anatomía humana y las proporciones humanas. Además, Leonardo da Vinci también tuvo muchos conocimientos destacados en la teoría del arte. Él cree que la pintura es superior a cualquier otro arte porque contiene todo lo que hay en el mundo, y el corazón del pintor realmente puede reflejar el mundo como un espejo, convirtiendo el universo en una segunda naturaleza. Se puede decir que Leonardo da Vinci no es sólo uno de los representantes más destacados de todo el Renacimiento, sino también uno de los representantes más destacados de la historia del arte mundial. Hubo otro gran artista: Miguel Ángelonarotti 1475-1564. En el pasado, el premio Nobel Romain Rolland hizo una profunda descripción de la vida de Miguel Ángel en "La vida de los tres gigantes". Como maestro del Alto Renacimiento, además de su genio y logros sobresalientes, lo que lo distinguió de los demás fue el color trágico de su vida (esto se detalla en las tres biografías de gigantes de Romano Rolland, no mencionadas aquí). Ha experimentado los altibajos de la vida y la indiferencia del mundo, lo que hace que sus obras tengan efectos dramáticos, un impulso majestuoso y una naturaleza humana trágica. Sus esculturas representativas incluyen "David" y "Moisés", y sus pinturas representativas incluyen "Génesis" y "Doomsday". En sus dos murales clásicos, la variedad y majestuosidad de las figuras son una característica sorprendente. Pero aun así, las historias expresadas por cada personaje aún se encuentran fragmentadas. Demuestra plenamente las características de personalidad de los propios personajes y es numeroso pero no confuso.

El padre de Rafael era un pintor de segundo nivel de la corte, por lo que aprendió pintura de su padre desde pequeño. Cuando tenía 11 años murió su padre y trabajó como ayudante de un pintor. Posteriormente, estudió las obras de artistas florentinos del siglo XV y absorbió activamente las ventajas y fortalezas de varios pintores. Formó su propio estilo artístico armonioso, claro, grácil y elegante y comenzó a emprender el camino de la originalidad.

Rafael se dedicó a estudiar las características artísticas de los maestros de varias escuelas de pintura y aprendió de sus puntos fuertes, especialmente las técnicas de composición de Leonardo da Vinci y la expresión física y el fuerte estilo de Miguel Ángel. Con el tiempo, formó un estilo hermoso, redondo y suave con un espíritu clásico único. Junto con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, fue conocido como las tres figuras destacadas del mundo del arte renacentista.

Rafael creó un gran número de Madonnas, mostrando su extraordinario genio.

Su serie de retratos de la Virgen María encarna ideas humanistas con calidez maternal y aptitud juvenil. Entre los más famosos se encuentran "Las bodas de la Virgen", "La dama del oropéndola", "La dama de la hierba", "La dama del jardín", "La Virgen Sixtina", "La dama de la silla". ", "Forlì", "Madame Novella", "El hermoso jardinero", "Madame Alba", etc.

Las "Bodas de la Virgen" pintadas por Rafael cuando tenía 21 años no sólo muestra que absorbió plenamente la esencia artística de Perugino, sino que también vino desde atrás e introdujo innovaciones en la composición y creación de imágenes. En particular, el equilibrio del cuadro, la descripción del fondo y la dignidad y elegancia de la Virgen María son poco comunes en las obras de pintores anteriores.

El óleo a gran escala "Madonna Sixtina" es el cuadro de Madonna más exitoso de Rafael y es un himno a la Virgen compuesto por él con sentimientos piadosos. La imagen adopta una composición estable en forma de pirámide, los personajes son similares a los de tamaño natural, solemnes y equilibrados, y el fondo de la imagen está compuesto íntegramente por cabezas de angelitos, lo cual es novedoso y único. La imagen de la Virgen es suave y santa, mostrando la alegría y la grandeza del amor maternal.

En "La Virgen en la Sillita", Rafael retrata la imagen de la Virgen de una manera más humana. La vestimenta de la Virgen está profundamente influenciada por costumbres exóticas, coloridas y llenas de sentimiento oriental. Toda la obra tiene una composición completa y refleja plenamente las incomparables habilidades pictóricas de Rafael.

Los frescos más famosos de Rafael fueron pintados por la Academia de Atenas para el Palacio del Vaticano. Este mural gigante reúne a más de 50 filósofos y pensadores famosos desde la antigua Grecia, entre ellos Platón, Aristóteles, Sócrates, Pitágoras, etc. , para celebrar la búsqueda de la sabiduría y la verdad por parte de la humanidad, así como la creatividad humana.

En la Academia de Atenas, Platón y Aristóteles en el centro del cuadro, un dedo señala al cielo y el otro al mundo que tienen delante, mostrando sus diferentes visiones filosóficas: el idealismo de Platón y El idealismo de Asia. El materialismo de Aristóteles. Algunos eruditos famosos, con ellos dos como centro, fueron pintados por ambos lados, realistas y nada desordenados.