¿Qué pintor pintó acuarelas durante el Renacimiento?

Renacimiento El Renacimiento europeo es también una etapa importante en el desarrollo de la historia mundial. Generalmente se refiere a los siglos XV y XVI. Italia, como cuna y centro del Renacimiento europeo, tiene que avanzar hasta el siglo XIV. El trasfondo de este movimiento fue que Italia en Europa vio por primera vez la germinación de una economía capitalista dentro de la sociedad feudal, la prosperidad de la industria y el comercio urbanos y su relativa independencia o autonomía política. El movimiento renacentista, que comenzó en Italia y luego se extendió por toda Europa, fue una revolución en el campo ideológico que fue lanzada por la burguesía europea emergente para heredar, aprender de y utilizar la cultura clásica de las antiguas Grecia y Roma, y ​​para lanzar una revolución. contra el feudalismo y la teología religiosa en el campo ideológico. Esta revolución fue un gran movimiento de emancipación ideológica que rompió las cadenas de casi mil años de ideología feudal y conceptos religiosos y teológicos sobre las personas. Trajo una prosperidad sin precedentes a la ciencia y la cultura europeas. Como señaló Engels, este fue "el mayor cambio progresivo que la humanidad haya experimentado jamás".

La principal razón por la que el arte renacentista alcanzó altos logros. En resumen, se debe principalmente a las siguientes tres razones:

1. Debido a que las mentes de las personas se liberan de las ataduras religiosas de largo plazo, desarrollan un espíritu de valentía para explorar y ser emprendedores, por ejemplo, Da; · Vinci, Miguel Ángel, Durero, etc. son personas polivalentes. Para expresar mejor a las personas, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel diseccionaron personalmente cadáveres humanos. Da Vinci diseccionó personalmente más de treinta cadáveres y dibujó muchos diagramas de anatomía humana. Miguel Ángel Su conocimiento de la anatomía humana superó el de los cirujanos famosos de la época.

2. Extraer nutrientes del arte clásico de la antigua Grecia y Roma. Por ejemplo, la antigua Grecia y Roma se centraron en la vida real, en métodos creativos para describir a las personas y en técnicas para expresar cuerpos humanos perfectos.

3. La invención de la perspectiva y la mejora de los materiales y técnicas de pintura al óleo.

Brunelleschi (1377-1446), un famoso artista de principios del Renacimiento italiano, inventó el método de perspectiva focal con la ayuda de las matemáticas, que permitía a los pintores reproducir fielmente imágenes objetivas sobre una superficie plana. del mundo realza enormemente la sensación de espacio en la imagen. En el siglo XV, los famosos pintores holandeses hermanos Van Eyck mejoraron los materiales y las técnicas de la pintura al óleo, mejorando enormemente la expresividad y los efectos cromáticos de la pintura al óleo. Antes de eso, las pinturas populares en Europa eran principalmente "fresco" (pintar en la pared mientras aún estaba húmeda) y "pintura al temple" (pintar sobre tablas de madera y otros materiales con clara de huevo mezclada con pigmentos). Todos ellos tienen limitaciones importantes. Basado en los intentos de sus predecesores de usar aceite para disolver la pintura, los hermanos Van Eyck usaron aceite diluido que contenía resina (en cuanto a qué aceite es, todavía hay opiniones diferentes), lo que hizo que el color fuera fácil de mezclar y fácil de usar con pinceles. , y se puede colocar en capas para formar niveles de color intensos y brillo. Después del secado, el pigmento tiene una fuerte adherencia y no se despega ni se decolora fácilmente. Estas ventajas mejoraron aún más la capacidad realista de la pintura europea. Como resultado, la pintura del Renacimiento se convirtió en el primer pico en la historia del desarrollo de la pintura europea y su influencia fue de gran alcance.

El humanismo es el pensamiento avanzado del Renacimiento europeo. Se originó en Italia en el siglo XIV y luego se extendió a otros países. El humanismo es un sistema ideológico formado por la emergente burguesía europea en sus luchas antifeudales y antiiglesias. En la Edad Media, la Iglesia dominó toda la cultura de la sociedad feudal europea e incorporó todas las demás formas de ideología a la teología religiosa. Las escuelas monásticas controladas por la Iglesia sólo enseñan teología y materias jurídicas, consideran la cultura clásica como una herejía y no se les permite leer ni estudiar los clásicos griegos y romanos antiguos, es decir, los "clásicos humanistas". Después del surgimiento de ciudades basadas en nuevas relaciones socioeconómicas, se desarrolló una cultura secular urbana, que se oponía a la teología, y se establecieron varias escuelas seculares opuestas a las escuelas monásticas, rompiendo el monopolio a largo plazo de la iglesia sobre la educación. Las escuelas seculares comenzaron a crear "asignaturas de humanidades". Las "humanidades" son una cultura secular diametralmente opuesta a la teología cristiana medieval, con los seres humanos y la naturaleza como objetos de estudio. De aquí proviene el nombre de "humanismo". El "humanismo" se opone a todos los viejos conceptos centrados en Dios, promueve que el hombre es el amo del universo y el fundamento de todas las cosas, lucha contra el "poder teocrático" con los "derechos humanos" y lanza un desafío heroico al gobierno de la iglesia medieval y a las doctrinas religiosas. . Los humanistas niegan la enseñanza de la iglesia de que las personas nacen con pecado, niegan la idea de que el propósito de la vida es la vida eterna después de la muerte y atacan ferozmente el ascetismo defendido por la iglesia.

Afirman la vida real, elogian la alegría y la felicidad de este mundo, elogian el amor como la emoción humana más noble, creen que las personas tienen derecho a perseguir el honor y la riqueza, etc. Por lo tanto, el humanismo tiene un importante significado progresista al oponerse al gobierno de la iglesia medieval y a las doctrinas religiosas y derribar las viejas ideas de la sociedad feudal. Todas las obras de arte destacadas del Renacimiento europeo brillan con el brillo de las ideas humanistas.

Nederland es la transliteración del holandés Nederland. "Neder" significa "tierras bajas" y "tierra" significa "país" o "tierra", por lo que Países Bajos también se traduce como "país de tierras bajas". Se refiere principalmente a los Países Bajos, donde aproximadamente una cuarta parte del territorio está bajo el nivel del mar y un tercio del territorio está a menos de un metro sobre el nivel del mar. Los Países Bajos históricos también incluían la actual Bélgica, Luxemburgo y algunas zonas del actual noreste de Francia. Durante el Renacimiento, Países Bajos era un territorio dependiente del Reino de España. Estaba dividido en 17 provincias y contaba con más de 300 ciudades. Era una de las regiones con economía capitalista más desarrolladas de Europa en ese momento. La primera revolución burguesa del mundo, la revolución burguesa holandesa, estalló en el siglo XVI.

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Leonardo da Vinci (1452-1519) fue el pintor, científico e inventor más destacado de Italia durante el Renacimiento. Completó pocas pinturas en su vida, pero casi todas son obras inmortales. Sus obras tienen un estilo personal distinto de principio a fin, y saben combinar la creación artística y la exploración científica, que son profundas, implícitas y racionales. Se dedicó a la investigación científica en sus últimos años y tras su muerte dejó un gran número de notas, manuscritos y bocetos, que abarcaban casi todo, desde la física, las matemáticas hasta la anatomía fisiológica. Sus inventos tecnológicos también cubren todos los aspectos civiles, militares, de ingeniería y de maquinaria. Por ello Engels lo elogió: "No sólo es un gran pintor, sino también un gran matemático, mecánico e ingeniero. Ha realizado importantes descubrimientos en varios departamentos de física".

Mural "El último" "La cena". Fue creado por Leonardo da Vinci para el comedor del Convento de Santa Maria della Grazie en Milán. No es un fresco gris ordinario, sino mezclado con pintura al óleo, por lo que algunos libros de historia del arte no lo llaman mural, sino que lo etiquetan como "pintura de huevo a base de aceite". Debido a que se trataba de un nuevo intento inmaduro, la pintura original se desvaneció y deterioró gradualmente en el siglo XVI. Además, debido a la mala conservación por parte de las generaciones posteriores, ahora está muy borrosa. Actualmente, las partes interesadas están intentando repararlo con tecnología moderna, pero el progreso es lento.

"La Última Cena" se basa en la leyenda de la Biblia cristiana de que Jesús fue traicionado por Judas, uno de sus doce discípulos. Lleva el nombre de la última cena que Jesús tuvo con sus santos antes de su arresto en Jerusalén. Pinturas religiosas con este tipo de temática fueron creadas constantemente desde la Edad Media hasta el Renacimiento, y se formaron un conjunto de técnicas de expresión estilizadas. Esta obra de Leonardo da Vinci se ha convertido en una obra maestra inmortal debido a su ingenio único, excelente composición y profunda descripción psicológica de los personajes. En esta obra, Leonardo da Vinci capturó con firmeza la escena en la que Jesús de repente dijo "Uno de vosotros me va a traicionar" mientras cenaba con los doce discípulos, y los discípulos de repente mostraron varias expresiones. Este momento extremadamente expresivo se centra en representar el interior. mundo de cada personaje y expresa el amor y el odio distintos del artista por el bien y el mal, la belleza y la fealdad, la sublimidad y la despreciabilidad. La sutil descripción psicológica de los personajes ha alcanzado un nivel sin precedentes y la composición de todo el cuadro es perfecta. La imagen del estandarte tiene a Jesús en el centro, formando una composición estrictamente simétrica. Los doce discípulos estaban igualmente divididos en cuatro grupos simétricos. Debido a que estos grupos de personajes tienen estrechas conexiones entre sí y diversas posturas, parecen ricos y unificados. Además, en el procesamiento del espacio y el fondo de la imagen, se utiliza la perspectiva para dibujar un espacio de gran alcance. Todo esto hace de esta obra una obra maestra de fama mundial.

"Mona Lisa" de Leonardo Da Vinci (óleo sobre madera, 53×77 cm, 1503-1506, recogida en el Museo del Louvre de París)

Generalmente se cree que " Mona Lisa" "Nalisa" es un retrato pintado por Leonardo da Vinci de la joven y bella esposa de un rico empresario italiano. Leonardo da Vinci pasó cuatro años trabajando en este proyecto. En ese momento, Mona Lisa acababa de perder a su hijo y estaba de muy mal humor. Para evitar que su retrato mostrara tristeza, Leonardo da Vinci invitó especialmente a músicos a tocar música hermosa para ella. Cuando escuchó esto, sonrió levemente, pero sus ojos aún estaban llenos de confusión y tristeza.

Leonardo da Vinci pintó esta sonrisa momentánea con sus magníficas habilidades artísticas. Por sus ojos y su dedo corazón, que está casi en el aire, se puede imaginar que está escuchando música. En el rostro de Mona Lisa, la luz nebulosa se cierne, haciendo que los contornos de sus ojos y boca sean algo borrosos y esquivos. Por lo tanto, la gente siente que su sonrisa tiene un sabor misterioso. Esta es la parte más importante de esta eterna obra maestra. encanto.

Donatello "David" (bronce, altura 126 cm, pintado entre 1443 y 1444, recogido por la Galería Nacional de Florencia)

Donatello (1386-1466) fue el artista italiano más destacado Escultor de principios del Renacimiento y uno de los importantes pioneros del arte realista. La estatua de bronce "David" es su importante obra maestra y la primera escultura humana desnuda durante el Renacimiento. Marca la restauración de las tradiciones del arte corporal griega y romana. Esta imagen de David de la leyenda bíblica fue un tema expresado a menudo por los artistas durante el Renacimiento europeo. Cuenta la leyenda que el antiguo rey judío David era famoso por matar al gigante Goliat con su truco de arrojar piedras cuando era un niño. "David" de Donatello muestra al joven David pisando la cabeza del gigante con su pie después de matarlo, mostrando la alegría y el orgullo de la victoria. La imagen de David no sólo tiene las proporciones correctas del cuerpo humano, sino que también tiene una postura hermosa y líneas suaves, lo que demuestra la gran habilidad de Donatello para moldear el cuerpo humano.

"Moisés" de Miguel Ángel (mármol, 2,55 metros de altura, 1545, recogido por la Iglesia veneciana en Roma)

Esta es una de las estatuas más famosas de Miguel Ángel, originalmente hecha para la tumba de Papa Julio II. Moisés es el líder político, religioso y legislador de la antigua nación israelita legendaria en la Biblia cristiana. Una vez guió a los israelitas a escapar de la esclavitud del faraón egipcio y, bajo la instrucción de Dios, llegó a un acuerdo con el pueblo para establecer leyes, concretamente los "Diez Mandamientos de Moisés". Era una figura heroica idealizada. La razón por la que Miguel Ángel eligió esta figura no solo refleja su admiración por los héroes antiguos, sino que también expresa sus expectativas para los héroes de la nueva era, es decir, espera que héroes como Moisés aparezcan en Italia, que actualmente se encuentra en un estado de división. unir la patria en China. Por lo tanto, el Moisés que creó era tan fuerte como un Hércules y todo su cuerpo contenía energía infinita. Los dos cuernos en su cabeza, que representan la luz de la sabiduría, y la hermosa barba que cuelga de su pecho están diseñados para resaltar la magia y la grandeza de esta mítica figura heroica. La visión profunda y la conducta recta de Moisés, así como su mano derecha protegiendo firmemente la tabla de piedra que simboliza los "Diez Mandamientos de Moisés", significan su lealtad y confianza en salvaguardar los intereses del pueblo. En cuanto al tratamiento extremadamente complejo de los patrones y texturas de la ropa por parte de la estatua, así como la representación de los músculos y venas de los brazos de Moisés, la gente olvida por completo que se trata de mármol frío, pero un cuerpo vivo de carne y hueso, lo que demuestra plenamente la magnífica capacidad de Miguel Ángel. Habilidades de grabado.

Pintura del techo de la Capilla Sixtina (fresco, 36,54×13,14 metros, unos 480 metros cuadrados, mayo de 1508-octubre de 1512, recopilado por la Capilla Sixtina en el Vaticano)

El techo de la Capilla Sixtina La pintura es la mayor obra maestra de la pintura de Miguel Ángel. Se extiende por el techo de toda la basílica de la iglesia. Todo el techo tiene 36,54 metros de largo, 13,14 metros de ancho y una superficie plana de 480 metros cuadrados. Sin embargo, debido a la estructura arqueada del techo, la imagen está ligeramente curvada. El área real es de unos 500 metros cuadrados. Uno de los murales más grandes de la historia del arte.

La idea de que Miguel Ángel completara la pintura del techo de la Capilla Sixtina resultó ser idea del celoso arquitecto Bramante (1444-1514), quien intentó De esta manera Miguel Ángel, quien carecía de experiencia en la creación pictórica, se avergonzaba en público y lograba el propósito de menospreciar a Miguel Ángel. Por eso, cuando el Papa insistió en que Miguel Ángel asumiera esta tarea creativa, sí se sintió muy avergonzado. Pero el tenaz Miguel Ángel aceptó valientemente esta desafiante tarea creativa. Rápidamente transformó su sentimiento inicial de gran tristeza e indignación en una pasión por la creación. Se negó a cooperar con los asistentes y pintó solo en un andamio de 18 metros de altura. Después de cuatro años de trabajo extremadamente duro, finalmente completó brillantemente esta magnífica creación. . Tarea.

Al principio, el diseño de Miguel Ángel para este mural era relativamente simple, simplemente pintaba algunos profetas y santos cristianos alrededor del techo y lo decoraba con patrones en el centro.

Después de repetidas consideraciones, se decidió utilizar la magnífica estructura arquitectónica de esta iglesia como marco y dividir el techo de todo el salón rectangular en dos partes: el centro y las partes circundantes, con el centro como parte principal y todo pintado con Historias y figuras religiosas cristianas. Entre ellas, las historias religiosas se basan en el "Génesis" cristiano, que es la llamada historia de Dios creando el mundo. Por eso, la pintura del techo de la Capilla Sixtina también se llama mural del "Génesis". Según la leyenda cristiana del "Génesis", Dios creó el mundo en seis días: el primer día fue para separar la luz y las tinieblas en el universo; el segundo día fue para dividir el agua en agua del cielo y agua subterránea y el tercer día; fue crear La tierra y diversas plantas; el cuarto día creó el sol, la luna y las estrellas; el quinto día creó las aves y los peces; el sexto día creó varias bestias y hombres y mujeres; A la pintura del techo creada por Miguel Ángel se le agregaron temas como "Adán y Eva fueron expulsados ​​del Paraíso" y "Diluvio". Sobre esta base, según la división plana de todo el techo, pintó "Dividiendo la luz y las tinieblas" y "Dividiendo a Dios". Oscuridad". Nueve pinturas de historias religiosas a gran escala incluyen "Creación del sol, la luna, la hierba y los árboles", "Dios separa la tierra y el agua", "Creación de Adán", "Creación de Eva", "Tentación y expulsión del paraíso". , "El sacrificio de Noé", "Diluvio" y "La embriaguez de Noé". En las paredes de las bóvedas alrededor de los marcos del edificio circundante están pintadas doce profetas y profetas. En las cuatro esquinas también hay pintadas varias imágenes de adolescentes sobre y en los espacios entre los componentes del edificio. Hay hasta 343 figuras distintas en todo el mural, la mayoría de las cuales son más grandes que personas reales, y algunas son incluso dos veces más grandes que personas reales. Se puede decir que la escala es enorme y magnífica. Después de que el mural se exhibiera públicamente, fue reconocido como una obra sin precedentes. Debido a que Miguel Ángel pintó boca arriba a gran altura durante cuatro años, su cuello estaba tan rígido que tenía que mirar hacia arriba cuando leía o escribía. Puedes imaginar las dificultades de su trabajo.

Aunque muchos de los personajes de los murales son figuras religiosas, no son los esclavos sumisos y pecadores que predica el cristianismo, sino que tienen cuerpos fuertes y una fuerte voluntad y fuerza, lo que demuestra que Miguel Ángel utiliza el humanismo. ideas para expresar estas figuras religiosas, encarnando su constante búsqueda de reverencia e ideales para figuras heroicas. Por lo tanto, esta obra no es tanto una representación de la leyenda ilusoria de la creación del mundo por parte de Dios como una recreación de leyendas religiosas por parte de Miguel Ángel.

"Creación de Adán" de Miguel Ángel (parte de la pintura del techo "Génesis", 1508-1512)

Este es el famoso mural "Génesis" de Miguel Ángel. Adán es el antepasado de la humanidad en las leyendas religiosas cristianas. Fue un hombre creado por Dios del polvo a su propia imagen. Luego sopló vida en sus fosas nasales y se convirtió en una persona viva con alma. La imagen que se ve aquí muestra a Dios dándole vida a Adán. Aunque Adam en el lado izquierdo de la imagen ha tomado forma, no puede ponerse de pie debido a la falta de vitalidad y solo puede acostarse de costado. Para darle vida a Adán, Dios, Jehová, estaba apuntando su mano derecha hacia Adán, a punto de hacer contacto con los dedos de Adán, y darle vida a Adán. La figura de Adam estaba a punto de ponerse de pie y su fuerte cuerpo pareció estallar con un poder infinito, y un gigante de pie estaba a punto de ponerse de pie. Adán aquí no es tanto una figura de leyendas religiosas como la alabanza de Miguel Ángel a la aptitud, la fuerza y ​​la sabiduría humanas, y su deseo del despertar humano.

"Madonna in the Chair" Raphael (Italia) (óleo sobre madera, 71 cm de diámetro, pintado en 1515, recogido por la Galería Beati de Florencia)

Raphael (1483 - 1520), al igual que Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, fue un maestro del arte italiano durante el Alto Renacimiento y es conocido como los "Tres Maestros" del Renacimiento italiano. Es 30 años menor que Leonardo da Vinci y 8 años menor que Miguel Ángel. Aunque solo vivió un corto período de 37 años, supo absorber las fortalezas de sus predecesores artísticos, incluidos Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, e integrarlas para crear una obra maestra que fue respetada como modelo por los clasicistas posteriores. y hermoso mundo del arte. Además de la "Madonna en la Silla" apreciada en esta lección, entre sus obras maestras importantes se encuentran la "Madonna Sixtina", el mural "Escuela de Atenas", etc.

"La Virgen en la Silla" es la obra más exquisita de la serie de estatuas de Madonna de Rafael. En esta obra, una madre amable y afable ocupa el lugar de la santa y majestuosa Virgen. Como una madre corriente, sostuvo a su Niño Jesús sobre sus rodillas y lo besó tranquilamente en la mejilla, en la que podía sentir la ternura de una madre. Se dice que la imagen de la Virgen en este cuadro fue creada por Rafael basándose en su amante, Fornais. Rafael creó una imagen típica de belleza ideal mediante la representación de amantes.

En esta obra, Rafael siguió estrictamente muchas reglas tradicionales de la pintura de temática cristiana desde la Edad Media, como la abertura pintada en la cabeza para mostrar la divinidad de la Virgen, la copla junto al niño Jesús, El pequeño San Juan que sostiene ambas manos tiene un bastón que simboliza su identidad (San Juan predijo una vez la venida de Cristo como un pastorcillo, y el bastón usado por el pastorcillo insinúa la identidad del pequeño San Juan). El manto rojo de la Virgen está cubierto con un manto azul (el cristianismo estipula que el rojo simboliza el amor de Dios y el azul simboliza la realidad de Dios. Al mismo tiempo, también están las creaciones del propio Rafael, por ejemplo, la aureola en la cabeza). La Virgen ha pasado de ser un disco dorado en la Edad Media a un círculo que parece estar ahí y no lo hace en absoluto natural y armonioso con el conjunto. Para dar otro ejemplo, el cristianismo estipula que la parte superior del cuerpo de la Virgen debe estar cubierta con un manto azul. Para lograr armonía en la imagen, Rafael los procesó de la siguiente manera: el manto azul de la Virgen fue completamente quitado y cubierto sobre sus rodillas. ella sostenía al niño Jesús. Las mangas del top rojo quedaban al descubierto en sus brazos.

Vale la pena señalar que justo entre los dos bloques de colores brillantes, rojo y azul, se encuentra la ubicación del niño Jesús. La ropa del niño Jesús es amarilla, lo que crea un efecto contrastante y armonioso de los tres colores primarios rojo, amarillo y azul en la imagen. Al mismo tiempo, se agrega un gran trozo de amarillo entre el rojo y el azul. lo que añade un rico color a la imagen.

Además, Rafael mostró habilidades compositivas únicas al manejar la composición de esta pintura circular. Por ejemplo, ahora vemos la postura de la Virgen sentada en una silla con respaldo: la rodilla izquierda, es decir, hasta la rodilla en la imagen, ubicada sobre el pecho del pequeño San Juan, está muy elevada en la vida real. , es un camino muy largo para sentarse. Una postura incómoda y antinatural. Pero la gente rara vez se da cuenta de esto cuando mira cuadros. Esto se debe principalmente a que la cabeza de San Juan sobre la rodilla izquierda de la Virgen llama la atención de la gente. Si cubres la cabeza de San Juan con el dedo, inmediatamente notarás que la rodilla izquierda sobresale de forma poco natural en el cuadro. La gente también pensaría que con la rodilla izquierda levantada tan alto, la pierna izquierda debe estar pisando algo para que parezca más alta que la pierna derecha. Pero la Virgen sostuvo al niño sobre su pierna derecha. Generalmente esto no se hace en la vida. Todos estos son para adaptarse a las necesidades de la composición circular, y no son fáciles de notar para las personas, lo que hace que las personas se sientan antinaturales. Aquí es donde reside el ingenio de Rafael.

"Escuela de Atenas" (Italia) Rafael (cuadro al óleo, ancho de base 8,2 metros, pintado entre 1509 y 1510, recopilado por el Museo del Vaticano)

Esto es lo que hizo Rafael Uno de los cuatro grandes murales pintados por el Papa en una sala donde el Papa firma decretos en el Vaticano, también conocido como "Filosofía". Toma como título la Academia de Atenas fundada por el famoso filósofo griego Platón y se centra en Platón y su discípulo Aristóteles. Describe a más de 50 eruditos famosos en diversos campos desde la antigua Grecia, con el fin de elogiar el amor de los seres humanos por. unos a otros. La búsqueda de la sabiduría y la verdad alaba la creatividad humana. Platón y Aristóteles, que están en el centro de la imagen, uno señala con el dedo al cielo, mientras que el otro extiende su mano derecha y señala el mundo frente a él para expresar sus diferentes puntos de vista filosóficos: el idealismo de Platón y el materialismo de Dodd de Aristóteles. . Con los dos como centro, algunos eruditos famosos están dibujados en ambos lados. Por ejemplo, el anciano calvo a la derecha debajo de los escalones, sosteniendo una brújula e inclinándose para dibujar un círculo, es el famoso geómetra Euclides (algunos). digamos que es Arquímedes). Los personajes son vívidos y sus respectivas actividades y dinámicas se unifican en el elevado tema del debate libre para la búsqueda de la verdad, sin confusión alguna. La composición de toda la obra es grandiosa, con capas claras, personajes que se juntan y dispersan y una densidad adecuada. Los arcos de tres pisos de altura al fondo no sólo muestran la fuerte sensación de profundidad de la imagen, sino que también realzan la grandeza de toda la pintura. En cuanto al procesamiento del color, el fondo amarillo cremoso y el rojo, amarillo, blanco, morado, etc. de la ropa de los personajes se entrelazan, lo que resulta brillante y armonioso.

La parte principal del "Retablo de Gante" de los hermanos Van Eyck (Países Bajos) (pintura al óleo sobre madera, la parte principal mide 3,5 metros de alto y 2,5 metros de ancho, 1426-1432, San Juan, Gante, Bélgica Colección de la Catedral de Bafon)

Esta es una obra importante en la historia del desarrollo de la pintura al óleo europea, porque es la primera obra maestra pintada con materiales innovadores de pintura al óleo. Antes de que los hermanos Van Eyck reformaran los materiales y técnicas de pintura al óleo, las pinturas al óleo europeas eran en realidad pinturas al temple, que se hacían mezclando pigmentos con yemas de huevo a las que se añadía agua. Este material no es resistente a la humedad y tiene malos efectos de color. Hubo intentos de reforma, pero no tuvieron éxito. No fue hasta que los hermanos Van Eyck descubrieron por primera vez en la práctica una fórmula disolvente ideal que contiene aceite (probablemente debido principalmente al uso correcto de la resina) y lograron un gran avance.

Dado que en aquella época las técnicas de pintura sólo se enseñaban en secreto entre maestros y aprendices, esta nueva técnica seguía siendo desconocida. Por lo tanto, las generaciones posteriores todavía tienen opiniones diferentes sobre esta técnica. Pero su efecto real ha sido demostrado durante mucho tiempo por la práctica. Por eso, en la historia del arte se suele decir que los hermanos Van Eyck son los inventores de la pintura al óleo. A juzgar por el estilo pictórico de esta obra, la mayor diferencia entre los pintores holandeses y los pintores italianos es que el pintor persiguió deliberadamente la autenticidad de la descripción, y tanto las descripciones grandes como las detalladas fueron extremadamente precisas. Su capacidad para detallar, luchar por la perfección y su estilo riguroso y sincero no tienen precedentes.

Una pintura de altar es una pintura religiosa similar a un biombo chino que se encuentra sobre un altar. Hay muchas formas, como la pintura de un solo marco, la pintura alada de tres partes y las pinturas de paneles múltiples. El "Retablo de Gante" es una enorme obra de esta última forma, con un total de 26 paneles. Lo que se selecciona en el libro de texto es la parte principal, las últimas cuatro imágenes. En el centro de la parte superior se encuentra la imagen de Cristo, con la Virgen María y San Juan a los lados izquierdo y derecho. La parte inferior es la parte que da título a todo el cuadro (este cuadro originalmente se llamaba "La adoración del Cordero"). El cordero es un símbolo de Cristo, por eso los creyentes lo adoran. Curiosamente, las ceremonias religiosas solemnes se llevan a cabo en la hermosa naturaleza, lo que refleja el amor del pintor por la naturaleza. Esto rara vez se vio en pinturas religiosas cristianas anteriores.

"Retrato de los Arnolfinis" de Jan van Eyck (Óleo sobre madera, 82×60 cm, 1434, ahora en la National Gallery, Londres)

Jan van Eyck Eck (aproximadamente 1390 -1441) y su hermano Hu Van Eck (1370-1426) son conocidos colectivamente como los "hermanos Van Eck" en la historia del arte. Fueron pintores famosos en los Países Bajos durante el Renacimiento. Jan van Eyck era un erudito y lleno de espíritu investigador. "Hacer lo mejor que pueda" es su lema artístico. Sus características artísticas incluyen una observación meticulosa y una representación meticulosa, centrándose en la representación de personajes, prestando atención al procesamiento de la composición espacial y la expresión de la luz y el color. Su obra maestra más famosa, "Retrato de los Arnolfinis", encarna sus logros y características artísticas.

El óleo "Retrato del señor y la señora Arnolfini" es una de las obras más importantes de la historia del arte mundial. En primer lugar, se pinta utilizando materiales de pintura al óleo reformados y técnicas de pintura al óleo. Muchas escenas del cuadro están bellamente representadas. Por ejemplo, la textura metálica cuidadosamente pulida de las lámparas de velas de cobre de la habitación, las pesadas túnicas nobles de terciopelo de los hombres y el pelaje rígido de los cachorros son todos muy realistas y naturales. En segundo lugar, la técnica de expresión de esta obra es novedosa y original. Esto se refleja principalmente en el hecho de que este tipo de retrato doble de cuerpo entero de un hombre y una mujer no tiene precedentes, y el fondo de este retrato es una escena interior muy real, que además es rara; Posturas rituales que plantea la pareja. Es concebible que se trate de una especie de ceremonia, es decir, se esté llevando a cabo una ceremonia matrimonial, lo que nunca antes había sucedido. Por supuesto, esta obra también conserva muchas técnicas alegóricas y simbólicas comúnmente utilizadas en el arte medieval. Por ejemplo, quitarse los zapatos de un lado significa matrimonio, la cama es un símbolo de matrimonio, las naranjas junto a la ventana significan fertilidad y el cachorro simboliza. amor, el pañuelo blanco de la novia representa la pureza; el vestido verde simboliza la fertilidad; la cortina roja representa la armonía, los candelabros y las velas en la habitación simbolizan la luz de Dios, el espejo redondo en la pared representa el cielo predicado por el cristianismo y. El rosario es una metáfora de lealtad comúnmente utilizada en el arte, y una vela en un candelabro se usa a menudo en ceremonias de juramento, especialmente en bodas. Otra cosa llamativa es un pequeño espejo redondo en el cuadro y la firma en el cuadro.

Este pequeño espejo redondo no solo es un símbolo del cielo predicado por el cristianismo, sino también una importante decoración interior. También es un medio para que los pintores amplíen el espacio del cuadro y mejoren la expresión artística. Es decir, el pintor utilizó este pequeño espejo redondo para dibujar las espaldas de los novios y de las personas que presenciaban la boda. También hay 10 pequeños cuadros pintados alrededor del pequeño espejo redondo, lo que una vez más nos muestra la atención al detalle y el meticuloso estilo de tallado de la pintura holandesa. La firma del cuadro fue escrita por el propio artista y dice: "Aquí Jan van Eyck, 1434". La razón por la que el pintor dejó deliberadamente esa firma es en realidad para que esta obra que representa una ceremonia nupcial tenga el valor de un certificado de matrimonio. Como Jan van Eyck y Arnolfini, el protagonista del cuadro, eran buenos amigos, Arnolfini invitó a Jan van Eyck a crear este cuadro, lo que de hecho permitió al pintor actuar como su testigo. Por tanto, no importa desde ningún punto de vista, este es un retrato muy original de una pintura de género.

"Los cuatro apóstoles" de Durero (óleo sobre madera, 215×75 cm, 1523-1526, recogida en la Antigua Pinacoteca de Múnich)

Durero (1471-1528) ) es también uno de los representantes destacados del Renacimiento europeo. Fue el grabador y pintor al óleo más destacado de Alemania en aquella época y también realizó importantes creaciones en el ámbito de la ingeniería. En cuanto a las bellas artes, realizó numerosas xilografías, aguafuertes y pinturas al óleo a lo largo de su vida. Su óleo "Los cuatro apóstoles" (también traducido como "Los cuatro santos") es la obra maestra más importante de sus últimos años. Cuando el pintor creó esta obra acababa de terminar la Guerra de los Campesinos Alemanes (1524-1525). El pintor intentó expresar su profunda preocupación por el destino de su patria y su exigencia de justicia y condena del mal representando a los cuatro santos en los que creía el cristianismo protestante popular de aquella época: Juan, Mateo, Pablo y Marcos (de izquierda a derecha). derecho). Por lo tanto, en la imagen de Juan, uno de los cuatro apóstoles, adoptó directamente los rasgos del retrato de Myron Hutton, un destacado activista del movimiento de reforma religiosa alemán. En conexión con la imponente figura creada por esta obra y el lugar donde está colgada, el Ayuntamiento de Núremberg, podemos comprender el verdadero significado de la creación de esta obra por parte del pintor. Además, en esta obra también podemos ver algunas características importantes del arte de Durero, a saber, forma sólida, líneas fuertes, composición rigurosa y grandeza.

Logros y significado

Aunque el Renacimiento se caracteriza por el estudio de la música clásica, no es de ninguna manera una simple retrospectiva. En esencia, es la creación de una nueva cultura a través de ella. el estudio de la música clásica. El arte clásico de Grecia y Roma ha quedado bastante dañado debido a la destrucción prolongada en la Edad Media. Aunque se han hecho esfuerzos para restaurarlo, los beneficios aún son limitados. Sin embargo, cuando la gente del Renacimiento estudiaba música clásica, no se limitaban a imitarla, sino que adoptaban su espíritu.

Las formas específicas del arte clásico son ciertamente inspiradoras, pero lo más importante es que podemos aprender de ellas los métodos del realismo y las ideas democráticas de la sociedad clásica. El arte controlado por la Iglesia en la Edad Media era básicamente irrealista, y la teología religiosa lo abarcaba todo. El nuevo arte antifeudal del Renacimiento tenía como objetivo principal implementar el realismo y encarnar ideas humanistas que se oponían al ascetismo religioso, y fue precisamente en el arte clásico; que estos dos aspectos se han convertido en buenos maestros y amigos útiles para el nuevo arte. Por tanto, el estudio del arte clásico en el arte renacentista es diferente de la tendencia de retrospección e imitación de la antigüedad en otras épocas; también es diferente del fenómeno ocasional del uso habitual de formas clásicas en el arte medieval; De manera relacionada, desde la perspectiva de la característica esencial del realismo, parte del arte del Renacimiento temprano en Europa occidental (como el arte holandés), aunque no ha habido mucho desarrollo en el estudio de los estudios clásicos, también debería serlo.

Considerado un destacado representante del nuevo arte.

Los métodos realistas y las ideas humanistas del arte renacentista están estrechamente integrados en la práctica creativa. El humanismo enfatiza la sublimidad de la naturaleza humana y la perfección integral del cuerpo y la mente, otorga gran importancia a la vida real secular y se opone a la autoridad teológica y los privilegios feudales. Los personajes reales y perfectos y las escenas realistas vívidas y ricas creadas por el nuevo arte pueden encarnar mejor esta idea y producir las reacciones más amplias e intensas. Además, en las condiciones específicas de aquella época, la creación de arte nuevo era una forma cultural más fácilmente aceptada por las masas y la burguesía emergente. Por lo tanto, el arte se convirtió en el representante más popular de la cultura renacentista y el más fructífero. El arte renacentista es la fuente del arte occidental moderno. Su estilo básico y sus técnicas de expresión constituyen la principal tradición del arte occidental moderno y su influencia es de gran alcance. En términos de artes plásticas, toma como máxima prioridad los faxes realistas y crea técnicas de expresión basadas en teorías científicas e investigaciones prácticas, como la anatomía humana y las reglas de perspectiva, lo que le permite alcanzar una nueva cima después del arte clásico. técnicas Es fundamentalmente diferente del arte oriental y de todo el arte premoderno. En términos de arte arquitectónico, su primera tarea es la restauración de la tradición arquitectónica clásica y, al mismo tiempo, se centra en explorar las leyes racionales de la belleza arquitectónica, estableciendo así una forma modelo de arquitectura occidental moderna que ha durado cientos de años. años. En términos de identidad social y formación profesional, los artistas del Renacimiento también experimentaron una evolución desde la Edad Media hasta los tiempos modernos. Entre los siglos XIV y XV, los artistas todavía estaban organizados en gremios y equivalían a artesanos, y sus habilidades se enseñaban en talleres desde maestros hasta aprendices.

A partir del siglo XVI, se produjeron cambios graduales. Los artistas se convirtieron en miembros de la clase intelectual similar a los tiempos modernos. Los gremios se convirtieron en sociedades o academias de arte. Se reconocieron las personalidades de los artistas, sus talentos personales y sus características estilísticas. A partir de esta época también comenzaron a surgir biografías, comentarios e investigaciones de historia del arte sobre el artista.

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