Fuente: el dilema de Duchamp y su significado estético
Zhang
No hay duda de que cuando Duchamp envió a "Fountain" a participar en la exposición organizada por la Sociedad Estadounidense de Artistas Independientes en 1917, utilizó un método desviado que planteó una cuestión sobre Duchamp y le dio un golpe al "arte" y la "estética". Por un lado, la gente se maravillaba ante la inusual actitud desafiante y las fantásticas ideas de Duchamp; por otro, no podían evitar sentirse incómodos y desconfiados; Algunas personas incluso dicen que Duchamp es en realidad un mentiroso y un gamberro. Entonces, como obra maestra de Duchamp, ¿es "Primavera" una obra de arte? ¿O una obra no artística? ¿Cómo debemos entender la primavera? ¿Cuál es el significado estético de la primavera?
Primero, la primavera como obra de arte
Como todos sabemos, por un lado, la primavera es notoria y criticada, por otro lado, tiene una influencia de gran alcance y se considera un estándar. En cualquier caso, no podemos pasar por alto la existencia de manantiales. En 2007, Primavera ocupó el primer lugar entre las cinco obras de arte más influyentes del siglo XX (la clasificación específica es la siguiente: 1. Primavera, Marcel Duchamp, 1917; 2. Les Demoiselles d'Avignon, Picasso, 1907; 3. Oro Marilyn, Andy Warhol, 1962; 4. Guernica, Picasso, 1937; 5. Red Studio, Matisse, 1911), que ilustra plenamente su valor.
De hecho, cuando empezamos a hablar de primavera, siempre seguimos algunas normas estéticas establecidas o estándares artísticos de forma consciente o inconsciente, y todos tenemos una respuesta ideal en nuestra mente sobre las obras de arte. Cuando pensamos en la primavera como una obra de arte, nos centraremos principalmente en los siguientes aspectos.
En primer lugar, el urinario en sí tiene un elemento de belleza que puede despertar la atención estética de las personas, como su forma (si alguien descubre que diez pozos de agua están bellamente dispuestos, ¿significa "perfecto"? Alguien piensa eso su forma es como la estatua china de Guanyin), su color y textura, especialmente en el contexto de la sociedad contemporánea, son todos productos de la estética mercantil (los productos de baño actuales se han convertido cada vez más en una especie de arte), pero debemos recordar lo que Lo que siento es que estas bellezas de la primavera no son su contenido central ni sus temas fundamentales, sino que la primavera nos revela algo más.
En segundo lugar, el urinario de resorte ya no se llama urinario. Duchamp lo llamó Primavera después de firmarlo, convirtiéndolo en un "producto confeccionado". Este "nombrar" es significativo y deja un enorme espacio para la interpretación. En cierto sentido, el arte es un acto de descubrimiento, un acto de nombrar, un acto único de creación. En la historia del arte, Duchamp descubrió y creó por primera vez una fuente con un urinario como contenido, lo que la hacía de un valor extraordinario. Si alguien después de Duchamp repite las acciones y obras de Duchamp, será sólo una copia sin sentido.
Nuevamente, en apariencia, no hay mucha diferencia entre un urinario común y un resorte, pero el primero es solo un artículo común, un producto de producción mecánica, tiene funciones diarias y solo es necesario para vida diaria Los utensilios domésticos no aportan un significado estético especial ni valor artístico a las personas, estos últimos están separados de la vida diaria y se consideran obras de arte, "creando nuevas ideas", estimulando el pensamiento de las personas, estimulando la imaginación y las asociaciones de las personas, y creando. La gente se siente sorprendida, escéptica e incluso nerviosa. Así como Duchamp puso urinarios y fuentes en la mente de la gente, su sucesor Warhol nos lanzó la Caja de Brillo y la Caja de Brillo (exhibida en 1964). "Las dos cosas son similares entre sí, pero tienen significados e identidades diferentes". En opinión de Arthur Danto, "la caja de Harvey no es tan filosófica como la caja de Warhol, y por la misma razón. (Escrito por Ser. C. Danto) , traducido por Wang: "The Abuse of Beauty", Jiangsu People's Publishing House, edición de 2007, página 12)
En cuarto lugar, "Spring" fue enviada a una exposición de arte (Art Environment), en. de manera provocativa, obliga a considerarla desde la perspectiva del "arte". Además, la razón por la que la primavera puede convertirse en una obra de arte es inseparable de la identidad de Duchamp como artista.
Antes de Duchamp, la existencia de urinarios no podía aportar nada al desarrollo y mejora del arte, ni a la renovación de los conceptos estéticos; por el contrario, el surgimiento de la "primavera" cambió fundamentalmente el concepto del arte y la estética occidentales modernos. Cambió el proceso de desarrollo de la historia del arte occidental moderno.
En segundo lugar, "Primavera" no es una obra artística.
Por supuesto, cuando se habla de fuentes, muchas personas suelen estudiarla desde la perspectiva de la "convención" y el "prejuicio", o Se dice que la gente tiende a tratar las cosas con conceptos estéticos "convencionales". Por ejemplo, con respecto al concepto de arte, el esteta cree: a. El arte es hecho a mano; c. El arte debe verse bello o bello; e. algunas habilidades o técnicas (Yu Hong: "Introducción a la cultura estética", Higher Education Press, 2006, p. 54). Estos puntos de vista básicamente resumen los hábitos y costumbres tradicionales de la gente sobre el arte, por lo que la gente considera la primavera como algo que no es una obra de arte, centrándose principalmente en los siguientes cuatro puntos.
1. Las obras de arte deben estar relacionadas con la belleza y deben brindar a las personas el placer y el disfrute de la belleza. "Spring" utiliza como objeto de expresión un urinario, feo, sucio y sin elegancia.
2. Las obras de arte deberían ser productos únicos creados por unos pocos artistas sobrehumanos talentosos, pero "Spring" no es así. Es un producto de máquinas y puede producirse en masa.
3. La obra de arte debe tener un significado especial y un atractivo único, y ser capaz de crear un "mundo de imágenes" novedoso, mientras que "primavera" es simple y directo, simplemente un objeto ordinario.
El arte debe surgir de la vida, pero al mismo tiempo el arte debe estar por encima de la vida. Los "productos confeccionados" como "Spring" no parecen tener una connotación profunda y todos pueden obtenerlos.
3. "Pensamiento Paradoja": Otra forma de entender la primavera
La discusión anterior sobre si "Fountain" es una obra de arte o una belleza en realidad no resuelve el "problema" de Duchamp. En nuestra opinión, el "problema" de Duchamp fue en realidad una revolución ideológica que apuntaba directamente a las teorías del arte y los estándares estéticos tradicionales, obligando a la gente a repensar los conceptos de "arte" y "estética", abriendo así un nuevo camino. arte y estética, que al menos muestra:
1. El arte no es igual a la belleza: el arte puede ser feo u otras bellas artes.
En opinión de Duchamp, el arte tradicional siempre se entiende como algo estéticamente agradable, y el arte parece tener una conexión natural con la belleza. La primavera es un desafío a esta noción tradicional. ¿Las fuentes muestran belleza? ¿La belleza explica el significado de la primavera? Aparentemente no. De hecho, los conceptos de "arte" y "belleza" han sido durante mucho tiempo los objetivos de artistas e historiadores del arte. El historiador del arte H Reid señaló una vez: "Tenemos muchos malentendidos acerca del arte, principalmente porque nos falta coherencia en el uso de las palabras 'arte' y 'belleza'... En casos específicos donde el arte no es bello, esta suposición de combinar belleza y arte a menudo obstaculiza inadvertidamente las actividades estéticas normales. De hecho, no es necesario reiterarlo (H. Reid: The True Meaning of Art, traducido por Wang Keping, Renmin University of China Press, 2004, página 4). ) El esteticista Wilsch atribuyó directamente a los dos conceptos de "belleza" y "arte" la "no belleza" provocada por la excesiva estetización en la sociedad contemporánea. Confusión y mal uso de conceptos. El arte tradicional enfatiza demasiado la belleza del arte.
2. El arte no es igual a la sensibilidad: el arte puede ser un pensamiento racional, una forma de "cuestionar" o un concepto casi abstracto.
En los conceptos estéticos tradicionales y las teorías del arte, el arte es ante todo una existencia perceptiva y material (color, forma, sonido, etc.), que apela a las formas artísticas y a los sentidos estéticos de las personas, y luego hace que las personas producir experiencia estética. Pero Quan abandona este punto y apunta directamente al ámbito de los conceptos humanos, al igual que el "encabezamiento" del budismo zen. Como dijo Arthur Danto, los "productos ready-made" de Duchamp pretendían "demostrar la separación más extrema entre estética y arte" y produjo "arte sin estética" y "la sustitución de la sensibilidad por el intelecto".
El significado de la fuente es romper las reglas y liberar el arte de las limitaciones de la materia y los materiales, creando así más posibilidades para que el arte ya no pueda limitarse a la "forma" sino a pensar directamente;
3. El arte no es un producto hecho a mano - puede ser un producto de máquina; el arte no es una "creación" - puede ser un "producto listo para usar".
En los conceptos estéticos tradicionales y las teorías del arte, el arte siempre se ha considerado como el producto de la obra del artista, lo que requiere esfuerzos a largo plazo e incluso "creación" por parte de los artistas. Es un acto creativo típico de "hacer algo de la nada", que encarna la personalidad, el talento y el trabajo duro del artista, por lo que a menudo es único y no se puede copiar. Por ejemplo, la Mona Lisa de Leonardo da Vinci es así. Todos los "productos prefabricados" de Duchamp provienen de cosas que ya existen en la vida, incluso cosas que son producidas en masa por máquinas. Es simplemente la "deformación" y el "reinicio" del artista, como en "Rueda de bicicleta", donde un objeto ordinario (rueda de bicicleta) se coloca boca abajo sobre otro objeto ordinario (banco de madera), convirtiéndose así en una "obra". Duchamp dijo con picardía: "Es muy gratificante sentir la rotación de la rueda". Prefería la apariencia de esta obra a la función real de la rueda. De hecho, las creaciones de "productos ready-made" de Duchamp son en realidad el abandono o la suspensión de las funciones prácticas de las cosas originales, adquiriendo así diferentes significados.
4. La primavera ha cambiado en gran medida el proceso de desarrollo de la historia del arte occidental. Abre un nuevo camino del arte posmoderno, que "repara" y "reconstruye" la relación entre arte y vida. Muestra que el arte y la vida no son diametralmente opuestos. El arte puede ser vida, y la vida también puede ser arte. Para Ortega, el arte moderno tiene una clara tendencia a “deshumanizar”. Ya no persigue la armonía, la tranquilidad y los efectos estéticos realistas del arte clásico, sino que fortalece los límites entre el arte y la vida, enfatizando que el arte es superior, superior y más allá de la vida. Por ejemplo, "La mujer que llora" de Picasso y "Las señoritas de Aviñón" son los ejemplos más típicos. Las imágenes femeninas de estas obras ya no son suaves, hermosas y realistas. El arte posmoderno abandona este concepto y enfatiza la "vida" del arte, o lo "artístico" de la vida. Se cierra la brecha entre la vida y el arte, como "Lo que hace que las familias de hoy sean tan cálidas y especiales" (arte pop), "tallado". cuerpo" (arte de instalación).
5. El arte no es privilegio de unas pocas personas, puede ser propiedad del público, incluso en el contexto posmoderno "todos pueden ser artistas". Como resultado, el arte finalmente fue revelado. Ya no tenía el "encanto" sagrado y se convirtió en algo común en la vida diaria.
Al mismo tiempo, la discusión sobre "Primavera" también nos hace dudar de la forma en que preguntamos "¿Es hermosa la obra?" y "¿Es una obra de arte?". Este tipo de juicio sobre el bien y el mal a menudo parece impotente frente a obras como "Spring". Esta es la limitación del modo de pensamiento binario. Por lo tanto, defendemos que ante obras como "Primavera", debemos suspender el juicio sobre el bien y el mal y abandonar la esencia y la definición. Es decir, no debemos simplemente afirmarlo o negarlo, sino discutirlo de manera paradójica. una visión más abierta y compatible, su impacto y consecuencias, su valor y significado.
En cuarto lugar, la cuestión de "Primavera" y "El fin del arte"
En 1917, cuando Duchamp firmó un urinario y lo envió a una exposición, desafió el "Arte". ¿Qué es el arte? ¿Qué es una obra de arte? ¿Qué es la belleza? ¿Es el arte algo para que la gente lo mire o piense? Duchamp parecía haber traspasado la línea roja del pensamiento de la gente. Se apropió directamente de los "productos prefabricados" en su visión artística, destruyendo casi por completo los conceptos tradicionales de la gente. Noventa años después, parece que todavía no podemos deshacernos de la fuente de Duchamp. Cuando mucha gente la considera una "obra maestra artística" con recelo, ¿hemos oído la risa de Duchamp en algún rincón de la historia? (En 1962, Duchamp escribió a Hans Richter: "Estaba pensando en los gases y en la estética de los gases cuando descubrí el producto terminado... Les arrojé a la cara botelleros y orinales como muestra de Mi desafío, pero ahora adorarlos por su belleza estética". El interrogatorio de Duchamp se refiere al "fin del arte".
¿Qué historia hay en su caja Brillo? ¿Cuál es el punto? ¿Cuál es el valor de la humanidad? De manera similar, el retrato dorado de Marilyn Monroe (1962) está impreso con cinco fotografías de Marilyn Monroe, todas con cabello amarillo, labios rojos y tez atractiva. Aparte de ligeras diferencias en el brillo causadas por la impresión, estos retratos de Monroe son todos prácticamente idénticos. Estas imágenes de Monroe pueden reproducirse sin restricciones por sí mismas a través de negativos fotográficos, convirtiéndose en un símbolo puro, una "imagen sin masa". ¿Cuál es su significado y valor? Las creaciones de Andy Warhol son la mejor encarnación de la teoría del arte de Danto, porque Warhol es un "artista liberado del bagaje de la historia" y puede hacer lo que quiera y con el propósito que quiera, o crear libremente sin ningún propósito. Warhol creó para nosotros un "mundo de objetos" emocionante y sin vida, e incluso deseaba poder seguir haciéndolo como una máquina. Comparando un par de zapatos campesinos de Van Gogh con los Diamond Dust Shoes de Warhol, podemos ver intuitivamente la enorme diferencia entre ellos. Según Jameson, esta diferencia es la diferencia entre modernismo y posmodernismo. Cuando el filósofo Heidegger analizó las obras de Van Gogh, propuso los conceptos de "tierra" y "mundo" y creía que las obras de arte luchaban por sobrevivir en la brecha entre ellos. Heidegger dijo: "La exposición oscura dentro de los zapatos gastados encarna la dureza del trabajo". En este par de zapatos de campo, duros y pesados, se reúne la tenacidad de caminar con el viento frío en los campos interminables y monótonos. lentitud. Los zapatos estaban cubiertos de tierra húmeda y fértil. Al caer la tarde, estos lenguados pasean por los senderos del campo. En este zapato, resuena el llamado silencioso de la tierra, mostrando el silencioso regalo de los granos maduros de la tierra, simbolizando la brumosa hibernación de la tierra en los campos desiertos durante el ocio invernal. Este vaso está imbuido de la ansiedad por la estabilidad del pan y del gozo silencioso de la victoria sobre la pobreza, que implica el temblor en los dolores de parto y el temblor ante la proximidad de la muerte. Este instrumento pertenece a la tierra (del) y se conserva en el mundo de la campesina (mundo). Es gracias a esta propiedad preservada que el instrumento mismo emerge y se sostiene a sí mismo. "Esto es obviamente una utopía poética, y también está obsesionado con la creación de un 'mundo del arte'. Pero no podemos ver estas cosas en los zapatos de polvo de diamantes de Warhol. Abandona la poesía, la emoción, el pensamiento y el dolor, y acerca a la gente. Una alucinación y euforia fetiche, es una representación de algo sin tiempo, profundidad e historia, y muestra signos de una sociedad posmoderna en la que la "muerte del sujeto" es una "estandarización sin precedentes", el tiempo fluye uniformemente. y todo está sujeto a los constantes cambios de las modas y los medios" (Jameson). Esto es exactamente lo que Baudrillard dijo "una sociedad de imitación", que sin duda trae consecuencias devastadoras para el arte. Aquí, la existencia del arte tradicional ha encontrado impactos y consecuencias sin precedentes. Por supuesto, Arthur Danto no es tan pesimista y desesperado como Adorno y Baudrillard. Espera ayudar a la gente a comprender el mundo contemporáneo de hoy con su propia construcción teórica.
Si Duchamp llevó. El "fin del arte" a través de su práctica artística desviada, entonces fue sin duda un genio precoz, y su enorme efecto de demostración se ha reflejado bien en el arte pop, el arte de performance, el arte de instalación, el land art, el arte conceptual y otros campos. Hasta el día de hoy, su energía espiritual no se ha agotado, y Arthur Danto explicó y promovió teóricamente el "fin del arte". Nos mostró la verdad de la narrativa de la historia del arte con la visión amplia de un filósofo, haciéndonos comprender de repente que después de Duchamp. , el arte no tiene nada de malo, tiene total libertad, y algunos incluso dicen que Duchamp proporcionó un "arte" antiarte y una "estética antiestética" después de Arthur Danto, la gente se dio cuenta de que incluso conceptos como "; "El arte" y la "historia del arte" son sólo productos de una construcción subjetiva y son inevitables en un período histórico específico. Hacia el final. Entonces, todos ellos muestran que no importa cómo se desarrolle la sociedad, el arte siempre es abierto y sin fin.
Después del fin del arte, el arte no tiene una dirección de desarrollo única, una cadena lógica sólida, ni características de estilo fijas ni estructura histórica. Después del fin del arte, el arte rompe las limitaciones de la filosofía, la estética y la política, y finalmente se convierte en lo que es; es decir, después del fin del arte, la relación entre la vida y el arte ha sido revisada, el arte ya no es distante y misterioso, y todos pueden incluso convertirse en artistas.
Este artículo es un resultado gradual del Proyecto Occidental 2015 del Fondo Nacional de Ciencias Sociales, el número de proyecto es 15 xxxx 023.