¿Cuál es la pieza para piano más difícil del mundo?
Esta es una obra maestra con una gran estructura y un pensamiento musical magnífico y delicado, pero también es una obra hermosa, elegante, tranquila y serena. Es una suerte para la humanidad que el viejo y desconocido Sr. Bach pueda dejar atrás esta obra racional, grandiosa pero fácil de entender.
Mientras se desempeñaba como director musical de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, Johann Sebastian Bach luchó contra la indiferencia de las autoridades hacia la música. Pero hay ocasiones en las que tiene que mostrar sumisión y obediencia para mantener su posición. El Ayuntamiento de Leipzig no pareció apreciar la contribución de Bach a la vida musical de la ciudad y rechazó repetidamente sus razonables peticiones de mejorar la escuela de la iglesia y ampliar las instalaciones necesarias. En 1730, el ambiente de la ciudad finalmente se volvió insoportable para Bach. Le escribió a su amigo de la infancia George Edrmann (entonces cónsul del emperador ruso en Danzig), con la esperanza de encontrar otro trabajo fuera de Leipzig. Escribió en la carta:
"...descubrí que mi trabajo actual es mucho menos rentable de lo que describí originalmente; no puedo obtener ningún otro ingreso fuera de mi puesto; los precios aquí son tan tan alto que a mis superiores no les interesa la música en absoluto; mi vida está llena de fastidio, acoso y celos; espero que Dios pueda ayudarme a encontrar un trabajo satisfactorio fuera de Leipzig."
Nuestra respuesta a Edelman. Nada. Sólo sabemos que Bach permaneció en Leipzig hasta su muerte (la situación real es que Edelmann pronto se convirtió en director de la escuela de la Iglesia de Santo Tomás en Leipzig, y la situación de Bach mejoró mucho, que fue la razón fundamental por la que se quedó en Leipzig - Traductor ). En 1733 compuso la Misa Noble en si menor para la familia real, con la esperanza de obtener el título de compositor de la corte. Tres años más tarde fue nombrado oficialmente "Compositor del Elector de Sajonia y Rey de Polonia", todo gracias a la ayuda de Hermann Karl y el Barón von Kesselinck.
El conde Catalina es el embajador ruso en Dresde y la música es su mayor afición. En su ciudad natal, Neustadt, tenía una banda compuesta por los mejores músicos instrumentales de la época; Goldberg era uno de esos increíbles músicos de clavecín. Johann Goldberg nació en Danzig en 1727. Cuando era adolescente, estudió música para teclados en Dresde con el hijo mayor de Bach, Wilhelm Friedmann. Más tarde, el Conde Catalina lo envió a Leipzig para estudiar directamente con Bach. Sus destacados talentos lo hicieron famoso en todas partes. A veces parecía capaz de expresar lo que veía con la ayuda de su teclado. Bach debió estar encantado de tener un alumno así.
En cuanto al origen de las "Variaciones Goldberg", fue propuesto por primera vez por Johann Nicolaus Faucoeur, primer biógrafo de Bach, quien escribió en su biografía:
El conde Catalina es muy débil y sufre de insomnio severo. Gotemburgo, que vivía con él en ese momento, siempre le ponía algunas canciones relajantes en la sala de estar por la noche para ayudarlo a conciliar el sueño. Una vez, el conde le dijo a Bach que esperaba poder escribir algunos bocetos de teclado con algunas características realistas para Gotemburgo, de modo que pudiera obtener consuelo emocional durante esas noches de insomnio. Bach creía que lo mejor era cumplir este requisito en forma de variaciones y que toda la obra debía tener identidad en una estructura armónica fija; después de todo, el conde alguna vez le debía algo a Bach y él no había hecho nada ingrato. A lo largo de la vida creativa de Bach, la forma de esta obra es única. A partir de entonces, el conde llamó a esta pieza "sus" variaciones, quedó fascinado por ella y la olvidó durante mucho tiempo, cada vez que llegaban las noches de insomnio, siempre decía: "Querido Goldberg, por favor toca algunas de mis variaciones. " "Bach también recibió la recompensa más increíble de su vida: el conde le regaló una copa de oro llena de joyas francesas. Sin embargo, ahora parece que incluso si la recompensa para el "Conde Catalina" es decenas de millones de veces. Más cara. No es tan valiosa como la verdadera obra maestra de Bach.
Por supuesto, esto no convence a muchos músicos por tres razones: en primer lugar, cuando se publicó esta obra en 1742, no se mencionó ningún destinatario. Bach lo especifica también muy claramente: "Estudios de teclado compuestos por un aria y una serie de variaciones para clavecín". En segundo lugar, Goldberg sólo tenía catorce o quince años y sus habilidades con el teclado ya deberían haberse desarrollado. mismo nivel que ahora. Si no hubiera muerto joven a la edad de 29 años, podríamos saber más.
Finalmente, entre todas las producciones fijas de Bach no encontramos ninguna "copa de oro", aunque poseía una pitillera de ágata de valor incalculable (según las investigaciones, se la regaló el emperador alemán Federico II en sus últimos años). Realmente no importa cuál sea la verdad, es simplemente una buena historia (¡y un gran tema!), y no hay duda de que siempre estará estrechamente asociada con esta obra maestra.
En esta magnífica variación, Bach eligió como tema un aria, que se originó a partir de un tierno poema que escribió en 1725 para su segunda esposa, Anna Magdalena.
Pero todavía hay muchos músicos que dudan de su origen, que nada tiene que ver con apreciar la obra; lo que importa son las características y el ritmo de este tema -es una zarabanda solemne y noble, llena de delicadeza-. y emociones controladas. El estilo francés la embellece mucho: la ornamentación ya no es una adición aleatoria, sino la parte principal de la línea melódica. En comparación con la melodía superficial, la armonía implícita en el bajo es más llamativa, y es la base de las siguientes 30 variaciones. El tema consta de cuatro oraciones de ocho compases con la misma estructura armónica: una se basa en la tónica de sol mayor, luego pasa al acorde dominante después de la primera iteración, su subordinada se traslada a la tonalidad opuesta (mi menor); ), se inyecta más tensión en la música antes de volver a la tónica durante los últimos ocho compases (sigue una segunda iteración). Toda la obra * * * tiene tres variaciones en sol menor, en las que mi bemol mayor reemplaza a mi menor, y el modo sombrío parece brillante (excepto la variación particularmente especial n.° 25, que continúa estando envuelta en tristeza en mi bemol menor). .
Con estos cimientos en la mano, Bach pudo comenzar a construir su magnífico edificio, con proporciones excepcionalmente bellas y un flujo constante de cosas nuevas. El rigor y la profundidad del estilo alemán y la elegancia y elegancia del estilo francés están aquí altamente integrados y unificados.
Las 30 variaciones de esta pieza están organizadas en grupos de tres, y la última canción de cada grupo es "Snow Maiden". Son las más expresivas de todas las variaciones y, a veces, me absorto tanto en ellas que me olvido de pensar en su estructura, porque la música aquí es tan exquisita que me brinda una alegría infinita y una emoción indescriptible. Además, cada set comienza con las Variaciones sobre la libertad del Primer Ministro (algo similar a una pieza de danza pero siguiendo estrictamente el contrapunto), y la segunda canción suele ser una toccata técnicamente brillante diseñada para un teclado doble, que Gotemburgo puede tener la oportunidad de interpretar plenamente. demostrar su técnica clara y elegante.
El primer cambio creó un ambiente agradable. En la primera sección, los saltos y el ritmo de la mano izquierda se utilizan a menudo en la música de Bach para expresar la motivación de la alegría (al igual que el preludio en la bemol mayor del primer volumen de "Bien templado"). El cruce de manos en ambas composiciones es igualmente impresionante, ya que es casi una característica de las variaciones posteriores. Se suponía que era la segunda variante de la Torre Topeka, la que nos dio la primera sorpresa. Es cercano a Canon, pero en realidad es una trilogía simple. Al igual que en el preludio en re mayor del BWV936, en el contexto de un bajo continuo, las dos voces iniciaron un diálogo continuo. Luego viene el primer ejemplo de toda la canción: la tercera variación del homónimo. Debido a que se requiere una mano para tocar partes muy espaciadas, será un desafío para cada pianista transmitir completa y claramente estructuras complejas entrelazadas al oyente (un clavicémbalo es más fácil de expresar que un piano moderno). La mano izquierda explica la armonía de forma clara y elegante en los primeros cuatro compases, y la escala de textura se desarrolla rápidamente.
La cuarta variación es una canción de baile que suena un poco salvaje. Las tres primeras notas individuales se imitan constantemente y la síncopa añade mucha diversión al mismo tiempo. Esta es una tocata. La quinta variación utiliza una técnica de toque típica italiana y es peligrosa en términos de dificultad técnica. Es muy peligroso saltar rápidamente de izquierda a derecha con la mano izquierda. La música comienza con la mano izquierda y luego la mano derecha toca una melodía de contrapunto invertido muy al estilo de Bach. Esta música, como dijo Wanda Landowska, "tiene una alegría imparable". La sexta variación es la segunda toma de toda la canción, guiando el sonido para que continúe replicándose.
Aunque se ha perdido el manuscrito original de las Variaciones Goldberg, hemos encontrado una copia firmada por Bach en 1974. En comparación con la versión internacional anterior, esta versión añade varios marcadores de tiempo, especialmente en la séptima variación del "Jig Rhythm". Se ha especulado que Bach podría haber querido que la música estuviera más cerca de Sicilia o Flanagan porque no quería que el tempo fuera demasiado lento, pero de hecho esta plantilla es muy similar a la obertura en BWV831.
Los ritmos dispersos y variados y la aguda ornamentación la convierten en una de las canciones más atractivas entre todas las variaciones. La octava variación se convierte en una demostración de técnica y dificultad. Cruzar las manos requiere que toques la misma parte del teclado al mismo tiempo. El mayor problema al tocar el piano es que requiere un alto grado de cuidado para evitar confusión de sonidos. Pero el ritmo de la octava variación sigue siendo confuso: sin mirar la partitura, algunos oyentes confundirán el tiempo de 3/4 al comienzo de la música con un tiempo de 6/8. Para evitar que la gente cometa errores, los pianistas tienden a enfatizar ligeramente los acentos. A medida que suena la música, las manos se acercan y separan constantemente, como en algunos estudios, y el cruce de brazos también proporciona un efecto visualmente excitante. El siguiente plano, la Novena Variación, el final del tercer grupo, está lleno de un lirismo encantador y la música fluye con recato. El bajo, que es más potente que la música de cañón anterior, proporciona un fuerte apoyo a la hermosa melodía.
La décima variación son las primeras cuatro fugas, íntimas y naturales, que me recuerdan la Marcha en re mayor de los Cuadernos de Anna Magdalena. El undécimo cambio implica muchas manos superpuestas. Este jig, con un tempo de 12/16 y algo parecido al Tokata, requiere tocar con suavidad. Consiste en escalas escalonadas, arpegios y trinos impredecibles, y finalmente desaparece en el aire flotante. Luego Bach nos dio el primer cañón invertido: la Variación 12. Me di cuenta de que hay algunas características de un rey en esta canción, así que pensé que no la apresurarían a tocar.
La variación 13 nos lleva a un mundo extremadamente sublime, y siento que la emoción de toda la obra ha cambiado silenciosamente aquí. Si la mayoría de las variaciones anteriores provienen enteramente del mundo material, la decimotercera variación nos aleja de allí por primera vez. Su melodía delicada y contenida parece provenir de un concierto en cámara lenta (¡pero no demasiado lenta!), utilizando los contornos acústicos de ciertos violines y dos suspiros para elevarse desde el patrón de acompañamiento hacia el cielo. Hacia el final, varias escalas cromáticas en la mano izquierda realzan una vez más la solemnidad y el misterio de la Tierra Pura. Mi mente se detuvo en algún lugar del piano, pero mis dedos estaban en otra parte del teclado. La Variación 14 comienza con la burla aguda y alegre de la que Bach nos despierta. La ironía es la única característica en una amplia gama de frases descendentes (que se vuelven ascendentes después de la repetición). A menudo se nos dice que en la música barroca las notas decorativas se tocan en el tiempo fuerte, pero aquí Bach escribió todas las notas antes del tiempo fuerte. ¡Hasta aquí las reglas! Tras un periodo de catarsis emocional, la decimoquinta variación nos muestra la primera pequeña variación de toda la canción en forma de quinto plano. La experiencia emocional contrastante es muy adecuada. Su frase descendente todavía está inmersa en el suspiro de trece cambios, lo cual es particularmente triste, pero la correspondiente melodía ascendente trae esperanza a la gente; Bach no permitió la desesperación total en su música, y esto se debió a sus fuertes y profundas creencias religiosas. La Decimoquinta Variación es un testimonio del poder expresivo de la música de Bach. Su ritmo tiende hacia Andante, en compás de 2/4, y la música fluye en tristeza. Los graves están llenos de atención dramática e imitan los suspiros y los amplios intervalos de los agudos. Al final inquietante de la música, nuestras manos se separan, con la mano derecha todavía en el aire a cinco grados del teclado; la música se desvanece, dejándonos solos en un profundo asombro mientras nos preparamos para enfrentar Más. Esto también es el final de la primera mitad de "Las Variaciones Goldberg".
Los círculos musicales suelen considerar que las Variaciones Goldberg son el cuarto de los Estudios para teclado de Bach, aunque él nunca lo explicó exactamente. Este conjunto de estudios es bastante grande. El Volumen Uno contiene las seis Partitas, el Volumen Dos incluye el "Concierto italiano" y la "Obertura francesa", y el Volumen Tres son las variaciones del canto de órgano. En estas obras, las características de las oberturas francesas se pueden ver en todas partes: como la apertura de la cuarta Partita en re mayor; ni que decir tiene la obra del mismo nombre en el segundo volumen y luego el tercer volumen es el preludio en mi; bemol mayor para órgano Canciones y fugas. En las Variaciones Goldberg ocurre lo mismo con la Variación Decimosexta. Esta canción abrió la segunda mitad de Gotemburgo con una atmósfera graciosa y elegante. Está dividida en dos partes: una es una gran escala continua, un vibrato brillante y un ritmo feroz, hasta que al modo dominante de 16 compases le sigue un fragmento de fuga más rápido; La textura musical aquí, aunque clara y transparente, todavía tiene una sensación muy orquestal. Tenemos dos compases rápidos en 3/8, cada uno usando la armonía original.
La "Variación 17" es una tocata animada que Bach obviamente compuso con gran placer para clavecín con dos teclados. En la expresión del piano moderno, las manos se apilan juntas durante mucho tiempo para tocar.
Como sexto cañón, Dieciocho Cambios continúa con este hermoso sentimiento. El bajo es hermoso, saltando alegremente bajo el sonido de los dos cañones.
La Variación 19 es un baile atractivo y sofisticado. Cambiar diferentes técnicas táctiles puede hacer que los tres motivos funcionen mejor y conservar la repetición también puede presentar una mayor belleza acústica. Este cambio les da a los artistas un momento para relajarse, ¡ya que la cima más empinada está justo frente a ellos!
Veinte variaciones: Bach fue escrito para los lo suficientemente valientes como para tener suficiente control sobre el instrumento de su oponente, pero es más que una simple interpretación virtuosa. Cuando el intérprete ingresa los acordes rotos en los compases 25 al 28, las notas parecidas a bosques sólo sirven para expresar alegría y humor. En la música de Bach, los momentos de gran alegría son a menudo momentos de tristeza inesperada, y la Variación 21 nos lleva de regreso al abismo sin fondo de Sol menor. La escala cromática en el bajo realza la expresividad de este canon. En el tercer compás comienza el motivo giratorio en el bajo. Aunque esta música está llena de dolor, no se debe tocar demasiado lento; en cualquier caso, la verdadera misericordia del menor ha llegado.
A menudo siento como si hubiera renacido en los albores de las Veintidós Variaciones, y el regreso de Sol mayor es tan hermoso. Al igual que en las imitaciones de canciones clásicas, el diálogo se utiliza ampliamente: parece que a partir de la canción, una serie de variaciones formarán espontáneamente una secuencia hacia el final de toda la obra. Para aquellos que sienten una afinidad especial por la canción, el final de Gotemburgo se siente como si el otro lado hubiera aparecido a la vista y finalmente supiéramos adónde nos llevará. Bach le dio mucha diversión a la Variación 23. Aquí, ambas manos juegan a "atrápame si puedes". Se mueven hacia adelante y hacia atrás uno encima del otro (compases 27 a 30) y terminan abruptamente en el último acorde. Se puede decir que esta técnica ultrarrápida en los dos intervalos de tercera y sexta es la máxima expresión del piano en ese momento y también allanó el camino para compositores posteriores. Obtenemos una enorme alegría y entusiasmo no sólo de la música en sí, sino también de las actuaciones individuales. Después de demostrar su técnica exagerada, Canon creó una sensación de tranquilidad con veinticuatro variaciones y una octava. La parte dominante de esta canción pastoral en compás de 9/8 cambia en la mitad de la música (entre los compases 9 y 24). La tercera de la mano derecha al final conduce perfectamente a la tercera de la mano izquierda al comienzo de la siguiente canción. El cambio de estos dos acordes hace que toda la atmósfera cambie repentinamente.
Tocar las veinticinco variaciones -sin duda las más destacadas de toda la obra- requiere no sólo un alto grado de técnica, sino también una profunda experiencia interior y expresividad por parte del pianista. El ritmo de la canción vuelve a la obra original de Sarabande, la melodía poética entrelazada con la belleza y el dolor muestra una profundidad emocional incomparable, y la triste escala cromática muestra la fuente del romanticismo. La pieza de Landuska, llamada "La Perla Negra", tiene un tempo más lento que las otras variaciones, aunque todas tienen el mismo número de compases. La "repetición" decorativa de la apertura está llena de canto y expresividad. Bach utilizó a menudo esta técnica en algunas obras emocionalmente intensas, y más tarde Chopin también utilizó esta técnica. La melodía descendente va acompañada de disonancia a medida que la tensión se libera gradualmente, terminando finalmente en la tónica. En algunos momentos privados, sentía otro mundo completamente ajeno al mundo (creía intuitivamente que Sarabande era de la 6ª Partita).
Si quieres completar todo el espectáculo en Gotemburgo de una sola vez, lo más difícil es reagrupar tu energía y energía para afrontar las peligrosas 26 variaciones después de agotar toda tu fuerza interior - solo tenemos una Hubo un descanso de unos segundos y luego nos lanzaron a otra toccata muy técnica. Los brazos deben estar cruzados durante mucho tiempo durante la interpretación de la canción. Manteniendo el ritmo de Sarabande pero más rápido, Bach todavía escribe aquí dos valores de tiempo: la semicorchea continúa en tiempo de 18/16, con el acorde que lo acompaña en tiempo de 3/4, con ambas manos al unísono, la interpretación final; termina en tiempo 18/16. Excepto en la versión de 1974, no hay etiqueta en el segundo tiempo fuerte de todos los compases. Si no te importa agregar más comentarios, ¡encontrarás que realmente funciona! ¡Después de completar con éxito esta canción, sentirás que puedes galopar hacia tu destino final ahora!
El último canon, Variación 27 - La única obra de Bach que abandona el bajo menor. En el marco armónico del tema, los dos cañones chirriaron amistosamente y juguetonamente, ¡y el final fue repentino e inesperado! Luego me apresuré a la Variación 28: ejercicios de vibrato. El fuerte en forma de campana y los grandes saltos me trajeron una alegría infinita. La claridad de un buen piano es fundamental para la interpretación de esta canción.
No hace falta decir que la variante 29 es el último Tokata. Sigue siendo el comienzo de la alegría, comenzando con una nota fuerte como un tambor de la mano izquierda y luego "tocando" los acordes en el teclado de doble capa. El salto de doble octava en la mano izquierda añade mucha potencia extra. Siento que la expresión de esta canción debería comenzar con cierto grado de improvisación libre, pero el orden descendente a continuación debe controlarse estrictamente. Después fuimos llevados a los jubilosos Treinta Cambios. Ya esperábamos que este fuera el décimo cañón, pero Bach sorprende a menudo. Esta canción es un "Quodlibet", que se refiere a una broma musical que aparecía a menudo en canciones populares de la época: a los cantantes les gusta agregar algunas letras con características o emociones completamente diferentes a la canción original para lograr efectos de entretenimiento. A la gente le gusta mucho jugar a este juego en reuniones familiares, especialmente después de una comida completa. En aquella época, la familia Bach celebraba una gran fiesta cada año. Suelen comenzar con un coro religioso festivo y terminar con un "quodlibet" improvisado. La fiesta terminó en un ambiente completamente opuesto al que comenzó, las letras elegidas para "quodlibet" eran a menudo muy divertidas y a veces incluso risibles. Al final de todas las variaciones, Bach eligió dos canciones populares que le gustaba cantar en las reuniones familiares. La letra es-
La primera canción:
Hace mucho que no te veo.
Por favor, acércate, acércate, acércate
Segunda canción:
No me gusta la col ni la remolacha.
Si mamá cocinara más carne,
Creo que me quedaría mucho tiempo.
Al citar estas canciones populares, Bach integró sus elevados pensamientos en cada día e inyectó calidez y amor en nuestros corazones. A los ojos de la mayoría de la gente, Bach era un adicto al trabajo dominado por una fuerte racionalidad, pero aun así sabía cómo disfrutar de la vida y esperaba compartir la tristeza y la felicidad con nosotros. Ahora todas las fiestas y banquetes habían terminado, la multitud se alejaba; las arias llegaban lentamente desde algún otro lugar, muy lejano. Ya no es tan solemne y clara como al principio de toda la canción. Está envuelta en una niebla, llena de hermosos recuerdos, uno de los momentos más conmovedores de toda la música del mundo, y nos dice en el tono más simple: el largo viaje ha terminado y es hora de que regresemos a donde estamos. vino de lugar.
Landowska se quejó una vez: "Me entristece y me frustra que la gente se apresure a comprar entradas para conciertos en Gotemburgo estos días. ¿Lo hacen realmente por amor a la música? No, simplemente lo hicieron". No lo entiendo, simplemente los impulsó una simple curiosidad de ver cómo esta canción para teclado, la más difícil desde la antigüedad, fue conquistada por una técnica excepcional. "Por supuesto, las palabras anteriores fueron escritas en 1933. En ese momento, Landuska acababa de completar la primera del mundo. grabación de este trabajo. Hoy en día, Gotemburgo se ha convertido en uno de los mayores símbolos del pensamiento humano. ¡Afortunadamente, las entradas para los conciertos todavía se venden bien! Para todo traductor, mantener la repetición durante la interpretación es una cuestión a largo plazo, al menos para ver si la duración del trabajo se duplica. Pero no importa lo que elijas hacer, es imposible complacer a todos. Francis Tovey creía que "tocar todo el tiempo es un signo de ignorancia"; Busoni también se opuso a la repetición e incluso afirmó que algunas variaciones podrían eliminarse por completo. La mayoría de los directores de conciertos no quieren tocar sólo una pieza de 80 minutos en un concierto; durante los últimos 25 años, a menudo he tocado las Variaciones Goldberg omitidas en la segunda mitad del concierto. En este nuevo disco, mi interpretación conserva toda repetición - encuentro que el efecto de la obra se amplifica infinitamente - la belleza arquitectónica de la música nunca ha sido tan impresionante - ¡las variaciones limitadas abren una variedad infinita! Creo que seguiré tocando la versión sin repetición muchas veces en el futuro, pero mi voluntad interior siempre será interpretarla según la forma en que Bach la escribió.
Debemos preguntarnos: ¿Por qué esta obra tiene una penetración espiritual tan fuerte? Escucharla hablar muchas veces me sitúa en un tiempo y espacio momentáneo que me parece familiar, escondiendo ese sentimiento en mi interior, como si lo hubiera estado buscando toda mi vida. ¡Olvídalo, tal vez esto siempre sea un misterio, un sueño! Cuando decidí escribir algo sobre Gotemburgo, el texto se volvió rígido y conservador; sentí lo mismo, recordando el extraordinario tratado de Ralph Kirkpatrick de 1934 sobre esta obra maestra:
Aquí hay algo más sagrado de lo que escuchamos. Es la parte más oscura del mundo creado por el Creador; como una melodía que escuchamos, sólo el mundo mismo, que lo ve todo, puede comprender su significado completo.