Las pinturas más bellas de la historia

Hay millones de las pinturas más bellas de la historia todos los días, pero solo unas pocas pinturas tocarán nuestras almas, pero algunas pinturas son impactantes para el mundo. Por ejemplo, todo el mundo debería haber oído hablar de la sonrisa de Pamela Lisa. Estas son algunas de las pinturas más bellas jamás creadas.

El cuadro más bello de la historia 1 10. La madre de Whistler.

Originalmente se llamó Arreglo de Grises y Negros: La Madre del Artista. Esta es una pintura al óleo de 1871 del pintor estadounidense James McNeill Whistler. Es considerado uno de los cuadros más famosos del mundo pintado por un estadounidense fuera de Estados Unidos.

9. La chica del pendiente de perla

Mucha gente la llama la "Mona Lisa de los Países Bajos" y la "Mona Lisa del Norte". Fue pintado por el artista holandés Johannes Vermeer en 1665. Esta es una pintura al óleo de una niña que lleva un pañuelo en la cabeza y aretes de perlas. Se cree que la niña de este cuadro es María, la hija mayor de Vermeer. Tenía unos doce o trece años cuando fue fundada.

8. Tres músicos

Tres músicos pueden parecer a primera vista un collage, pero en realidad soy una pintura al óleo. Fue pintado por el artista español Pablo Picasso en 1921. En realidad, Pablo Picasso pintó dos cuadros similares, ambos refiriéndose el uno al otro como tres músicos.

7. La persistencia de la memoria

Esto fue pintado por el artista español Salvador Dalí en 1931. Es considerada una de las mejores obras de arte o se puede decir que es una de las pinturas más famosas del mundo. La idea básica de esta pintura es hacer pensar a las personas sobre su estilo de vida y la forma en que pasan su tiempo.

6. Gritando

Esto fue pintado por Edvard Munch en 1893. Fue uno de los pintores más famosos de su época. Dibujó sus obras más famosas sobre cartón utilizando únicamente óleo y crayones. Básicamente representa el grito de la naturaleza. La pintura muestra paisajes y expresiones de dolor. Al fondo se ve un cielo anaranjado.

5. La Creación de Adán

La Creación de Adán fue pintada por Miguel Ángel entre 1508 y 1512. Está colocado en el techo de la Capilla Sixtina en la Ciudad del Vaticano. Esta pintura básicamente representa la narrativa bíblica de la creación en Génesis. Muestra cómo Dios dio vida a Adán, el primer ser humano.

4. Guernica

Este cuadro se inspiró en el bombardeo de Guernica. Durante la Guerra Civil Española, Pablo Picasso completó una de las pinturas más famosas del mundo, Guernica, en 1937. El gobierno español encargó este cuadro como homenaje a los sufrimientos de la guerra, pero luego se convirtió en símbolo de paz.

3. La Última Cena

Es uno de los cuadros más famosos del siglo XV, pintado por Leonardo da Vinci. No se encuentra en ningún museo, pero cubre la pared trasera del restaurante Santa Maria del Grazie en Milán. Esta pintura representa principalmente la Última Cena de Jesús y sus discípulos.

2. Noche Estrellada

"La Noche Estrellada" es también una de las pinturas más famosas del mundo. Esto fue pintado por Vincent van Gogh. Aunque pintó muchos cuadros, este cuadro se considera una obra maestra. La pintura se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1941 y fue adquirida por Lillie P. y Bliss Bequest.

1. La sonrisa de Mona Lisa

"Mona Lisa" es una de las pinturas más famosas del mundo. Este es un retrato de una mujer pintado por el artista italiano Leonardo da Vinci. Es una de las obras de arte más famosas. "Mona Lisa" es la pintura sobre la que más se escribe, la más visitada y la más popular del mundo.

Los cuadros más bellos de la historia 2 Los retratos al óleo más bellos del mundo

1. "Pamela Lisa" de Leonardo da Vinci.

El clásico óleo "Lisa Pamela" es mundialmente famoso y ahora está coleccionado por el talentoso artista Leonardo da Vinci en el Louvre. La mujer del retrato es la esposa de un comerciante de pieles y sólo tiene 24 años. El autor creó con éxito la imagen de una dama. En la pintura, Lisa en "Pamela" tiene una sonrisa aparentemente ausente en los labios y alegría en las cejas. Pero este tipo de sonrisa es muy sutil y puede ignorarse sin darse cuenta, por lo que las generaciones posteriores también la llaman la sonrisa más misteriosa.

2. Johannes Vermeer, el autor de "La joven de la perla"

"La joven de la perla" es una obra del pintor holandés Johannes Vermeer. La niña del cuadro es su hija mayor, María. Esta pintura es una pintura clásica transmitida de generación en generación.

La niña del cuadro lleva un pañuelo amarillo y azul en la cabeza y una falda marrón. Su temperamento es refinado, lo que le da a la gente un sentimiento de tranquilidad y paz, pero también hace que la gente se sienta un poco triste. El pintor representa vívidamente emociones delicadas, lo cual es admirable.

3. Giorgione, autor de "El sueño de Venus".

"Venus durmiente" es el óleo de mayor éxito del pintor italiano Joel Nar. Puede que no sea exacto decir que se trata de un retrato, pero Venus en el cuadro está dormida en un paisaje natural, y nadie que la mira se atreve a hablar en voz alta por miedo a molestar a la persona que duerme. Las líneas del cuerpo de Venus son elegantes y suaves, mezclándose con la naturaleza. Cuando la gente ve esta pintura, no hay ningún impacto físico, sólo una sensación de tranquilidad y belleza.

4. Rubens, el autor de "Helena Fellman".

"Helena Fellman" fue creada por Rubens y ahora se encuentra recogida en la National Gallery de Londres. Los colores de las pinturas al óleo son magníficos y hermosos, resaltando la belleza de las personas en las pinturas. Las líneas de este retrato son muy suaves y la imagen de la dama está al alcance de la mano. La figura regordeta y el bello rostro muestran plenamente la imagen de una dama. Si Rubens pintó a la mujer más sexy del mundo, debió ser hermosa.

Los cuadros más bellos de la historia 3 apreciación de los cuadros más clásicos del mundo

Mona Lisa - Leonardo da Vinci

Este retrato tomó Leonardo da Vinci Cuatro años. Cuando completó el retrato, no quiso regalárselo a Gio Condo (el rico hombre de negocios y marido de Mona Lisa) ni a nadie más. Cuando fue invitado por el rey de Francia, salió de Italia hacia Francia, llevándose el retrato. Leonardo da Vinci murió en Francia, por eso el cuadro "Mona Lisa" se encuentra en Francia. La gente lleva siglos hablando de su misteriosa sonrisa. Su sonrisa es realmente misteriosa: parece estar cambiando. Puede verse y sentirse diferente para diferentes audiencias o en diferentes momentos. Creo que a veces sonríe de manera muy cómoda y gentil, a veces se ve seria, a veces se ve un poco triste y, a veces, incluso muestra burla y burla. En un cuadro los cambios de luz no pueden ser tan distintivos como en una escultura. Pero en el rostro de Mona Lisa a veces aparecen sombras oscuras, con velos que cubren sus ojos y labios.

Sin embargo, la sonrisa de las personas aparece principalmente en las comisuras de los ojos y la boca. Pero Leonardo da Vinci pintó estas partes con mucha ligereza y sin límites claros, por lo que aparece esa esquiva "sonrisa misteriosa". Esta pintura tiene una historia. Cuando Leonardo da Vinci pintó la Mona Lisa, invitó a un músico a tocar junto a ella para que pudiera sentarse paciente y tranquilamente como un modelo. Sus ojos nos dijeron que estaba escuchando. Ahora, si miramos sus hermosas manos y las consideramos junto a su rostro, sentimos que esa mirada es más sincera. Su mano derecha descansaba ligeramente sobre su mano izquierda, su dedo medio completamente sin apoyo. Lo sentimos latir suavemente al ritmo de la música. Cuando miramos el paisaje detrás de un retrato tan realista, nos sorprende el fondo irreal. Picos de montañas, caminos, pequeños puentes y agua corriente aparecen en una atmósfera onírica y errática, como para demostrar que Mona Lisa está inmersa en un mundo de sueños.

La Última Cena - Leonardo da Vinci

La víspera de celebrar la Pascua, Jesús y sus doce discípulos se sentaron a la mesa y cenaron para celebrar la Pascua. Había trece personas en la mesa. Esta fue su última cena juntos. En la mesa, Jesús de repente se sintió muy molesto. Les dijo a sus discípulos que uno de ellos lo traicionaría. Pero Jesús no dijo que era Judas y los discípulos no sabían quién traicionaría a Jesús. La Última Cena del gran artista italiano Leonardo da Vinci es la más famosa de todas las obras sobre el tema. ¿Pintó este cuadro directamente en la pared del comedor de un monasterio en Milán? Los doce discípulos estaban sentados a la mesa, divididos en cuatro grupos. Jesús se sentó en medio de la mesa.

Extendió las manos e hizo un gesto triste, indicando que algunos de sus discípulos lo habían traicionado. La mayoría de los discípulos saltaban de emoción, pero la imagen de Jesús estaba muy tranquila. Podemos ver su silueta clara contra la pared de ventanas del fondo. A través de la ventana podemos ver el tranquilo paisaje. El cielo azul es como el nimbo sobre la cabeza de Jesús. En el grupo a la derecha de Jesús, vemos un rostro oscuro, inclinado hacia atrás como si se escondiera de Jesús. Tenía los codos apoyados en la mesa del comedor y sostenía una billetera. Lo conocemos como el traidor Judas e Iscariote. La bolsa en la mano de Judas es un símbolo de él, recordándonos que él era quien guardaba el dinero para Jesús y los demás discípulos. La bolsa contenía treinta monedas de plata como recompensa por vender a Jesús.

Incluso si no tiene billetera, podemos identificar al malvado enemigo Judas en el cuadro de Leonardo da Vinci. Junto a la sombra de Judas está San Pedro, cuya cabeza plateada y manos blancas también podemos ver. Se inclinó hacia el joven St. John. Pedro sostenía en su mano derecha un cuchillo que colgaba de su cadera y, como por accidente, la punta del cuchillo apuntaba a la espalda de Judas. La cabeza de San Juan se inclinó hacia Pedro.

De todos los discípulos, él era el favorito de Jesús. Juan estaba tan tranquilo como Jesús. Entendió las palabras de su maestro. A su izquierda está el pequeño James. Trató de darle sentido a las terribles palabras que escuchó. Abrió las manos y dijo en voz alta. Mirando por encima del hombro de Jacob vemos a Santo Tomás, Tomás confundido, cuya mirada escéptica se expresa a través de sus dedos erguidos. Al otro lado de Santiago, San Felipe se inclina hacia Jesús con las manos en el corazón, como diciendo: "Tú conoces mi corazón, y sabes que nunca te traicionaré. Su rostro está lleno de amor y lealtad". y doloroso. Los seis discípulos al lado de Jesús son el centro de la historia. Bartolomé y el viejo Jacob se inclinan hacia ellos. Junto a ellos, el viejo Andrés no se levanta, pero quiere escuchar, por lo que levanta la mano como para preguntar. por silencio. Quedan tres discípulos a la derecha, están discutiendo lo que dijo Jesús, y sus dedos señalan el centro de la mesa. Todo lo que ven sucede en esta obra maestra, pero cada vez que lo apreciemos, aprenderemos del. Los sentimientos y pensamientos de los discípulos adquieren un nuevo significado en el personaje.

Girasol-Van Gogh

El arte de Van Gogh fue grandioso, pero sus obras no fueron reconocidas por la sociedad durante su vida. La conciencia, su fuerte personalidad y su búsqueda única de la forma estaban muy por delante de su generación, y era realmente difícil para la gente en ese momento aceptarlo. Usó el entorno para captar el objeto y una vez más cambió la realidad para lograr la verdad. En realidad, esto dio lugar al nacimiento del expresionismo. La época en la que más se le malinterpretaba era cuando más confianza tenía en su creación, por lo que dejó obras de arte permanentes, que influyeron directamente en el expresionismo alemán. En los retratos abstractos líricos que surgieron a principios del siglo XX, el girasol se produjo en el soleado sur de Francia, y el pintor parecía una llama ardiente, imbuida de una pasión ardiente que daba la apariencia de movimiento y rotación aparentemente interminable de las pinceladas. tan espeso y poderoso, y el contraste de color es simple y fuerte, sin embargo, en este espesor y simplicidad, está lleno de sabiduría y aura. Al ver esta pintura, el espectador siente el emocionante efecto de la imagen y su corazón tiembla, su pasión. El girasol en las obras de Van Gogh no es solo una planta, sino una vida con impulso y pasión originales.

Un paso - Van Gogh

Esta obra fue copiada por Van Gogh. de la obra homónima de Miller. La imagen muestra una finca rural con la casa de un granjero en la parte trasera. En el lado derecho de la imagen, una campesina sostiene a su pequeña hija mientras aprende a caminar. La niña de la izquierda se agacha en el suelo y la anima a seguir adelante. Aunque se trata de una copia de Van Gogh de la obra de Millet, toda la pintura revela la personalidad de Van Gogh. Los colores de esta pintura son brillantes, principalmente azul y amarillo. y verde Estos magníficos colores y colores naturales hacen que la gente se sienta activa y enérgica. Una influencia obvia del arte japonés también se suma a la sensación realista de la pintura, al igual que el uso de pinceladas curvas y arremolinadas, comunes en sus pinturas maduras. La escena hace que la gente sienta la vida real de los agricultores, ordinaria pero llena de cariño.

Creación del mural representativo de Adán-Miguel Ángel. Una parte importante del proyecto. Florencia, el entonces Papa Julio II lo invitó a participar en la realización de la tumba papal, que luego fue interrumpida. En 1508, se vio obligado a aceptar el encargo de pintar frescos en el tejado de la Capilla Sixtina. Estaba de mal humor, pero el mural se convirtió más tarde en la mayor obra maestra de su vida. El mural del techo de la Sixtina cubre un área de unos 500 metros cuadrados y es uno de los murales más grandes de la historia del arte. Miguel Ángel pintó nueve pinturas religiosas consecutivas de diferentes tamaños en el centro de la sala según el marco arquitectónico, todas ellas. que se basaron en el mundo de la Biblia, la historia del arca desde el principio hasta el diluvio, y fueron llamados "La luz divisoria de Dios", "Creación del sol, la luna, la hierba y los árboles", "La tierra de Dios". Agua", "La creación de Adán", "La creación de Eva", "Tentación y exilio al cielo" y "Noé" tardaron más de cuatro años en completarse. Tenía el cuello rígido por los largos períodos de dibujar con fuerza en la espalda y había que levantar las letras.

Entre ellos, la creación de Adán fue la mejor. La imagen de Adán en la pintura es fuerte y majestuosa, con fuerte voluntad y fuerza. Muestra el inusual tratamiento ideal del artista basado en el realismo y ha dado una profunda inspiración a sus contemporáneos.

Sueño - Picasso

En 1927, Picasso, de 47 años, conoció por primera vez a una joven rubia de 17 años de figura regordeta. Desde entonces, la niña ha sido modelo para las pinturas y esculturas de Picasso. Después de cumplir 17 años, Picasso, de 64 años, le envió una carta de cumpleaños en la que decía: "Para mí, hoy es tu cumpleaños número 17, aunque te llevó el doble de años. Conocerte es mi primer cumpleaños en este mundo". El comienzo de la vida.">Esta pintura fue pintada en 1932 y se puede decir que es la encarnación más perfecta del amor de Picasso por el espíritu y el cuerpo.

Gran Ángel Odalisca

Mientras esperaba estudiar en Roma, Ángel recibió una orden de Lieja (ahora Bélgica) pidiéndole que sirviera como el primer gobernante allí. Este fue el importante período de 1803, es decir, después de la ejecución de Luis XVI, Napoleón lanzó un golpe de estado destinado a derrocar el Directorio el 18 de Brumario. El primer cónsul quería implantar una dictadura militar en todo el país, que el pueblo odiaba. Ángel aceptó completar tal retrato. En 1806 pintó Napoleón I en el trono, un elogio que celebra esta dictadura militar. Ángel se mantuvo al margen de la política y reivindicó sus derechos en estas dos pinturas. Cuando la obra se exhibió en el Salón de París ese mismo año, fue ridiculizada por los medios de comunicación. Cuando Ángel se enteró de la reacción de este cuadro en Roma, se sintió muy pesado y dijo enojado: "La gente siempre piensa que el Salón es un lugar para fomentar la pintura, pero en realidad, proporciona un camino triste para la pintura".

En 1813, se casó con la señorita Madeleine Chapel, lo que finalmente le proporcionó algo de consuelo. Dijo: "Chapelle es un modelo de autosacrificio y se ha convertido en el consuelo de mi vida. En ese momento, además de pintar mitos, también pintó varios cuadros grandes de sujetos desnudos, preparándose para enviarlos a París". para reaparecer. Esta pintura "Gran Doncella" (en ese momento, la clase alta de la aristocracia francesa estaba muy interesada en la vida en el palacio interior turco y tenía un fuerte sentimiento oriental. Algunos pintores representaron deliberadamente la vida miserable en el tocador turco para satisfacer a los Necesidades visuales de los aristócratas. Pintura de Angel Varios retratos de doncellas turcas. El título de "Las Meninas" es para distinguirlo de otro óleo "Las Meninas", que es una de sus obras maestras que representa sujetos desnudos durante este período. Cuando se exhibió en París, atrajo mucha atención. Hubo más críticas del público que decían que, como alumno de Dawit, Ángel había ido demasiado lejos. Dijeron sarcásticamente: "El señor Ángel dibuja a una persona viva, como un geómetra. dibuja un sólido." ¡Se hizo todo lo posible para darle al boceto una sensación de dimensión con sus líneas presupuestarias! Acercó y alejó todas las partes del cuerpo humano, al igual que los prisioneros en la cama de Procusto, los legendarios ladrones griegos antiguos. que ataban a sus cautivos a camas de hierro. Si eran demasiado largos, les rompían las piernas.

A veces se sentía opresivo y dejaba de reforzar la tridimensionalidad maldita. duelo con una vaina en lugar de una espada El crítico De Cratry dijo una vez a los alumnos de Angel: "Hay al menos tres vértebras más en la espalda de su doncella, sin embargo, Amaury Duval, uno de los alumnos de Angell y biógrafo de su maestro". Más concretamente: "Puede que tenga razón, pero ¿y qué? Quizás fue debido a esta cintura delgada que ella es suave y puede someter a toda la audiencia a la vez. Si las proporciones de su cuerpo fueran absolutamente precisas, probablemente no lo haría". "El estricto estilo clásico de esta "dama de palacio" tiene muchos aspectos "desviados". En primer lugar, el color. La "gama" está muy dañada, el azul intenso y el amarillo de la piel expuesta en el fondo. En segundo lugar, con la figura exagerada mencionada anteriormente, este tipo de desnudo femenino casi se ha convertido en un experimento de belleza deformada, una completa traición a la orden judicial de la maestra. El alumno de Angel, Duvall, intentó defenderlo por esto. Dijo: "No quiero decir que el señor Angel fuera un romántico. Pero también quiero asegurarme de que nunca fue lo que él entendió en ese momento. Un 'clasicista'. ' en ese sentido."

Ingres parece expresar su independencia frente a la naturaleza en esta pintura, pero debido a la firmeza de las creencias estéticas de Ingres, aquí la actuación hace que la gente se sienta ambigua sobre sus puntos de vista, y ataca y Las críticas son inevitables. Desde una perspectiva histórica, creemos que Ángel tiene el coraje de explorar, aunque el personaje que pintó es muy ficticio.

Esta pintura se completó alrededor de 1814 y mide 91 x 162 cm. Ahora en el Louvre de París.

San Rafael

En el cuadro vemos a la Virgen sentada en un taburete, con dulzura y paisaje a sus espaldas. En este día soleado pudimos ver las montañas lejanas mezclándose con el cielo azul claro. Los arbustos de la derecha nos llamaron la atención sobre la capilla de la colina. Esto nos recuerda que la joven madre y su bebé pertenecen al mundo religioso. Los dos halos que rodean las cabezas de la madre y el niño son símbolos de su santidad. Rafael no necesitaba este símbolo para expresar lo que quería expresar. Pintó a su joven madre con tanta dulzura y su rostro soñador con tanta ternura que cuando la miramos sólo podemos pensar en la Virgen. Sus grandes ojos no veían nada en absoluto, porque seguían sus pensamientos. Estaba tan perdida en sus pensamientos que no pareció notar que el niño Jesús colocaba sus piececitos sobre sus rodillas. Sostuvo al bebé en su otro brazo. Cuando juntamos sus manos y su rostro en comprensión, sentimos como si se hubiera olvidado del bebé y estuviera pensando en Jesús y su futuro. Comparado con su madre, era natural que el niño Jesús fuera más grande que otros niños de su edad. La forma en que Rafael creó el retrato del niño estableció el papel central de Jesús en la pintura. Al observar el rostro de la Virgen María, se puede ver que los contornos suaves, los ojos grandes, la nariz recta y la boca pequeña son sorprendentemente similares a la cabeza de Venus creada por el destacado escultor griego Plaxi Torres. Esto se debe a que Rafael era un artista del Renacimiento que había estado estudiando el arte antiguo. Pero hay diferencias. Rafael pintó el rostro de la Virgen con más dulzura. Hizo las expresiones de las diosas antiguas más delicadas y suaves, dando a una antigua obra de arte pagano un nuevo significado como Cristo. Rafael dio nueva vida a la antigua belleza. En sus pinturas, el arte antiguo cobra nueva vida y se desarrolla hacia una forma nueva y diferente de perfección. Los logros de Rafael representan el nivel más alto de la pintura renacentista.

El niño flautista - Manet

Manet recibió seis años de educación académica en sus primeros años, y luego estudió las obras de muchos maestros del pasado. Sus pinturas tienen tanto las formas tridimensionales de las pinturas tradicionales como los colores brillantes, vivos y fotosensibles del impresionismo. Se puede decir que es un pintor importante que conecta el pasado y el futuro. Sus obras (especialmente los retratos) reflejan naturalmente el carácter y la psicología de los personajes. "El flautista" muestra la realidad de los personajes casi sin sombras, y se puede ver que en él se deja ver el talento y la soberbia de Manet. Esta pintura está claramente influenciada por los grabados japoneses Ukiyo-e. Nota: El nombre Manet lleva inscrita la inscripción en latín "Manet Manebite", que significa: "Vive y vivirá".

Mujer con sombrilla - Monet

Esta obra es Una pintura impresionista temprana de Monet. En el centro de la foto, a la derecha aparece una mujer sosteniendo una sombrilla, mientras que en el extremo izquierdo está su hijo. Era una mañana soleada y dos madres y niños caminaban sobre el césped. Toda la pintura utiliza únicamente colores naturales simples como azul, verde y marrón, lo que brinda a las personas una sensación de tranquilidad y comodidad. La funcionaria del cuadro ocupa la mayor parte del espacio del cuadro y se convierte en el centro interesante del cuadro. El pequeño hijo de la izquierda también forma un triángulo con la sombrilla y la dama, consiguiendo un efecto equilibrado. Aunque esta pintura es una de las primeras obras de Monet, se puede ver que capturó muy bien la luz, la sombra y la impresión momentánea en la pintura. El uso de colores oscuros en el rostro y la parte superior del cuerpo de la mujer indica que se encuentra bajo la sombra de una sombrilla. El área de sombra de toda la sombrilla, la cara, el vestido y el césped contrasta con la luz y la sombra del lado claro del vestido de la dama (lo mismo ocurre con el hijo menor), tal como se ve en la realidad. Además, el pañuelo ondeante y los pliegues de la falda larga también realzan el movimiento del cuadro.

La casa del colgador - Cézanne

A finales de 1872, Cézanne salió del hotel por Pontoise y se dirigió al pueblo de Auvers. A través de sus colaboraciones con Pissarro y Guillaume en Pontoise, Cézanne hizo pleno uso de las técnicas impresionistas que había aprendido en sus pinturas. Sus colores eran más brillantes que antes, sus pinturas estaban llenas de vitalidad y sus pinceladas eran más delicadas. Sin embargo, aún conserva su carácter rugoso y tosco original. En esta composición, hay una fuerte pendiente entre los altos tejados de la derecha y la casa de la izquierda. En el plano medio sólo se ven los tejados de las casas del pueblo. La escena es la brillante tierra seca y el cielo del pueblo de Orville. Los tejados, edificios y carreteras en primer plano son todos sólidos y dan a la gente una sensación de pesadez. Aquí no se pueden ver las hojas planas que se ven comúnmente en las obras impresionistas.

El enorme objeto en primer plano bloquea la vista lejana, que es como golpear una gran cuña en un paisaje pacífico y estable. Utilizar una composición así y elegir el tema de "La casa del colgador" no puede evitar recordar a la gente las actividades internas de Cézanne y su estado mental.

Ángeles de la fuente

Jóvenes desnudos sostienen ollas y sartenes para dejar que el agua se escurra, sus músculos realzados por las hermosas y suaves curvas de los ángeles. El uso del color es muy suave y variado. Muestra la belleza noble, única y solemne. Este cuadro "Primavera" comenzó a elaborarse cuando Ángel vivía en Florencia, y se necesitaron más de 30 años para finalmente completarlo.

Sunrise Impression - Monet

"Sunrise Impression" representa una mañana brumosa en el puerto de Le Havre. El agua de mar cubierta por la luz de la mañana aparece de color naranja o lavanda, y el cielo está representado con varios bloques de color, reproduciendo los colores de la superficie causados ​​por la fuerte reflexión atmosférica. Esta exploración del propio lenguaje de la pintura fue aceptada por muchos pintores de generaciones posteriores, formándose así una tendencia general con el impresionismo como punto de partida, y el arte emprendió un viaje hacia la modernidad.

Rastreador del Río Volga-Rebin

Rebin (1844-1930) fue uno de los principales representantes de la pintura del realismo crítico ruso de finales del siglo XIX en Rusia "Rastreadores del Río Volga". " 》 es su obra maestra. Cuando era estudiante, el duro trabajo en el río Neva en San Petersburgo despertó la simpatía de Repin. A partir de entonces, quiso pintar una obra de rastreadores para recordar a los trabajadores de clase baja la vida miserable y la injusticia social. En el verano de 1870, Repin fue al río Volga para dibujar con su compañero Vasilyev (más tarde también pintó cuadros sobre rastreadores). Los paisajes típicos rusos y la vida de los rastreadores le dejaron una impresión inolvidable. En esta pintura, Repin pintó a 11 trabajadores curtidos por la intemperie, luchando por tirar de una cuerda en la playa caliente junto al río. Los rastreadores tienen diferentes experiencias y personalidades. Viven en la base de la sociedad, pero este es un equipo que ha sido entrenado para ser resiliente e interdependiente a través del sufrimiento. El color del fondo es tenue y confuso, y el espacio está vacío y extraño, lo que da a la gente una sensación de melancolía, soledad e impotencia que penetra profundamente en el corazón del acosador. También es un retrato fiel del estado de ánimo del pintor, que juega un papel importante al encarnar el propósito de la pintura y resaltar las emociones. Por tanto, la composición, trazos, pinceladas y demás técnicas pictóricas de este cuadro están bastante acertadas.

Chicas de Aviñón - Picasso

Los pintores del pasado siempre miraban a las personas o las cosas desde un ángulo y solo pintaban el lado tridimensional. El cubismo fue una forma completamente nueva de expresar las cosas. Observan desde varios ángulos, desde varios ángulos no visibles de frente, mostrando varios lados no visibles de frente de manera paralela o superpuesta. En "Les Demoiselles d'Avignon" se utilizan cinco tonos nude sobre un fondo azul. El fondo está dividido arbitrariamente, sin sensación de distancia, y los personajes están compuestos por figuras geométricas.