Características de la música clásica para piano
El período clásico es un período central en la historia del arte del piano. Heredó la racionalidad del período barroco y presagió las
emociones del período romántico. La música para piano de este período es un alto grado de unidad de razón y emoción; un alto grado de unidad de profundo contenido ideológico y perfecta forma artística. Nos dejó una profunda impresión con sus sentimientos sinceros, su lenguaje sencillo y su ritmo racional.
1. En términos de pensamiento estético
(1) El pensamiento cosmopolita bajo el ideal de la filantropía
El movimiento de pensamiento ilustrado irrumpe en el siglo XVIII. Como todos sabemos, el movimiento de la Ilustración ha jugado un papel decisivo a la hora de impulsar el progreso en el terreno ideológico. El tema del pensamiento de la Ilustración es "igualdad, libertad y fraternidad". Inspiró a la gente a oponerse a las cadenas de las ideas y la religión tradicionales feudales y abogó por la libertad de pensamiento y el desarrollo de la personalidad. El ideal de la filantropía
es la esperanza de que todos los seres humanos se conviertan en hermanos y hermanas unos de otros. Este ideal se extendió rápidamente por toda Europa. Muchos gobernantes no sólo patrocinaron y protegieron el arte y la literatura, sino también
.y también entusiasta de la mejora social. Por ejemplo, el poeta Goethe y compositores como "La flauta mágica" de Mozart, "Oda a la alegría" de Schreier y la Novena sinfonía de Beethoven, etc., son todos fraternidad.
el fruto de la doctrina.
La amplia difusión de la filantropía naturalmente trajo consigo el cosmopolitismo. El siglo XVIII
fue la era del cosmopolitismo. Las diferencias entre países y naciones eran las mismas que las de la humanidad. >
En comparación con la naturaleza humana, fue extremadamente subestimado. En 1952, Quinci intentó crear en Berlín
Una música ideal, una música que pudiera reunir las características musicales de todas las naciones humanas, "una
Esta música ideal no sólo debe ser comprendida y aceptada por una nación, sino que debe ser disfrutada por muchas
naciones. Debe basarse en una expresión racional y emocional. Una obra maestra que trasciende todo.
controversias." En 1785, Cabernet Sauvignon dijo que "Hoy en día sólo hay un idioma en Europa, que es el idioma universal de nuestro continente: sólo puede ser la música". La música rompe las limitaciones de las áreas locales y se convierte en un idioma mundial.
(2) Defensor de la naturaleza, la sencillez, la pasión y la teoría estética racional
Ideología
En la primera mitad del siglo XVIII, el "Movimiento de la Ilustración" jugó un papel importante en la literatura y el arte Humanismo que "se opone a la teocracia" defendida durante el Renacimiento (es decir, orientada a las personas, especialmente a los intereses personales)
Volumen 29, Número 3, Revista de la Universidad de Huaihua Vol1291No13
2 0 1 0 REVISTA DE LA UNIVERSIDAD DE HUAIHUA Mar. 2 0 1 0
intereses, valores y dignidad como punto de partida), planteó además la objeción a la monarquía
El lema aboga por volver a la naturaleza y defender el pensamiento racional de la gente. Desde entonces, la música occidental ha pasado del período barroco al período clásico. "Regresar a la naturaleza" lleva a la gente
a un ámbito ideológico simple. Los compositores deben intentar eliminar modificaciones redundantes y procesos engorrosos al escribir y volver a un estado natural, simple y conciso.
Que sea claro y fácil de entender. La música para piano de este período reemplazó la religión con el humanismo en el contenido. El "hombre" reemplazó a Dios como protagonista de la obra. La música respetaba la racionalidad humana y muchos compositores mostraban libremente los talentos y personalidades de los artistas. . Las obras musicales comenzaron a perseguir la belleza objetiva, deshaciéndose del apego a los dioses en las iglesias y a los monarcas en los palacios, y se centraron en representar a las personas en la naturaleza. La búsqueda de esta belleza objetiva por parte de los músicos no es arbitraria ni es una expresión subjetiva privada. Más bien, expresa su compromiso con la igualdad y la fraternidad de una manera racional, la búsqueda de ideales burgueses libres. fuerte espíritu de confianza en sí mismo. Pero este tipo de racionalidad no es lo mismo que el ascetismo en la Edad Media. Es una especie de control racional emocional y análisis racional, pero al mismo tiempo, este tipo de racionalidad. La racionalidad está llena de pasión. Especialmente las obras de Beethoven
están llenas de un entusiasmo ardiente, mostrando el espíritu único de fraternidad y conciencia democrática en el mundo emocional del "tercer poder", la clase ciudadana
. [2] Por ejemplo, las sonatas "Pasión" y "Patética" de Beethoven expresan una emoción noble.
2. En términos de principios creativos: "proporción adecuada" y el principio de equilibrio natural
En Europa en la segunda mitad del siglo XVIII se produjeron enormes cambios ideológicos y políticos
Cambiar. El Movimiento de la Ilustración que surgió en ese momento propuso consignas contra la monarquía y los derechos especiales de los reyes feudales, y abogó por regresar a la naturaleza, estar en consonancia con la naturaleza humana y defender el pensamiento racional humano.
Bajo la influencia de este espíritu ilustrado burgués, todas las creaciones creen en una
"proporción adecuada" y el principio del equilibrio natural, es decir, nada extraño o poco convencional,
p>
Más bien, seguir principios normativos. [1] Esforzarse por romper las limitaciones de la religión, la historia y la corte,
para lograr un estado armonioso de "retorno a la naturaleza". Por lo tanto, los compositores básicamente siguen este concepto al considerar la creación musical, como permitir que la audiencia comprenda claramente el equilibrio tonal y los párrafos de la música, etc.
3. Tiene las siguientes características en cuanto a técnicas creativas
(1) Música en clave principal con melodía clara y armónica como cuerpo principal
En En Europa, en la segunda mitad del siglo XVIII, la gente experimentó cambios importantes bajo la influencia del espíritu de la Ilustración burguesa
La clase ciudadana emergente requirió que el género de las obras artísticas se abriera paso
Religión , historia, corte Para expresar los acontecimientos de la vida cotidiana y las emociones de la gente común, se requieren técnicas de expresión artística que sean fáciles de entender. En cuanto al estilo, la gente se oponía deliberadamente a la música barroca demasiado seria y favorecía la música de tono principal relajada y agradable. Bajo la guía del ideal estético de defender la naturaleza, la sencillez, la pasión y la racionalidad
, una melodía clara se libera de la anterior forma polifónica de varias partes:
Nunca ha sido la misma antes, la textura polifónica, que estaba dividida en líneas melódicas primarias y secundarias y tenía varias líneas melódicas en paralelo al mismo tiempo, se cambió a una textura de tono principal con la línea melódica como parte principal y otras partes como contraste; solía ser continuo
Imita la estructura polifónica en el centro de un tema y cámbiala a una estructura de tono principal ordenada y uniforme con lecturas de oraciones claras
; Se ha cambiado para que sea intrincado y altamente decorativo
El estilo principal es simple y claro como el cristal. [3] La mayor parte de este tipo de música de clave principal tiene una melodía clara
, aunque ocasionalmente hay una progresión de armonía más pesada (como la Sonata número 16 de Beethoven). Pero en la armonía todavía podemos encontrar notas altas melódicas prominentes.
Al mismo tiempo, las melodías de este período también tienen una pequeña característica, es decir, la mayoría de ellas
están en forma de armonía, es decir, la progresión de la La melodía está contenida en acordes funcionales. Por ejemplo, Beethoven
Los compases 1, 3 y 9 de "Sonata en fa menor" utilizan acordes de tercera regulares
otro ejemplo es el primer movimiento n.° 1, 5 de Mozart K457; y otros compases, K330 5,
6, 9, 10 y otros compases también utilizan tríadas regulares con sonidos repetidos.
(2) Lenguaje claro de armonía funcional
Se han establecido las grandes y pequeñas expresiones del período clásico, y también se ha perfeccionado el sistema de armonía funcional
La armonía en ese momento era principalmente un acompañamiento en la dirección "dominante - subordinado - dominante - dominante. Eran tonos de acordes muy regulares y raramente utilizados". La progresión y dirección de la armonía también son muy claras. La mayoría de los compositores siguen el concepto básico del "principio de equilibrio natural" al considerar la progresión de la armonía. Esta sensación de equilibrio entre armonías le da al oyente una sensación clara de armonía. cómo va progresando la música. Las formas más comunes de textura armónica en ese momento eran los acordes en bloque y los patrones de "bajo Alberti". Este método de disposición armónica resalta la melodía y la simplifica enormemente, lo que está muy en consonancia con la tendencia de pensamiento de "retorno a la naturaleza" de la Ilustración. La madurez del sistema de funciones de armonía hace que la armonía sea el mejor fondo para la melodía.
(3) Estructura equilibrada y regular
Este principio de "proporción adecuada" y equilibrio natural también se refleja en los apartados estructurales
. A diferencia de la música polifónica del período Barroco, la música del período Clásico
tiene una estructura más cuadrada y una estructura más equilibrada. La mayor parte de la música clásica se basa en la estructura de frases "4 + 4". Es decir, cuatro compases son una oración, la segunda frase es una frase paralela de los mismos cuatro compases y ocho compases son una sección (como el primer movimiento de Mozart K282, la Sonata n.º 23 en f de Beethoven). Por supuesto, también hay algunos que utilizan la estructura de frase de "8 + 8". Todas estas son muy cuadradas, y el contraste entre las dos frases cuadradas es la "forma única de dos partes" (AB luego se agregó nuevamente). Ahora es la "fórmula de una y tres partes" (); ABA). Si cada parte se expande
en una sola fórmula de tres partes "(A (aba) + B + A' (aba)')", es un complejo
tres -parte formula forma musical. Por supuesto, el número de secciones no es rígido y puede ampliarse o reducirse. [3 ]
Por ejemplo, la parte principal del primer movimiento de la "Sonata en fa menor" de Beethoven (Op. 2 No. 1) tiene la estructura de 8
+ 12 , y la segunda frase 12 es 8 Ampliación de secciones. Aunque hay un pequeño deslizamiento en el número de compases, esto no obstaculiza el equilibrio de la estructura general de la música.
(4) Sintaxis lineal de escalas y arpegios
Otra característica importante de este período es el uso frecuente de escalas y formas cambiantes de arpegios
como melodía o paso. oración. Las escalas y los arpegios pasan a formar parte de la melodía, y muchas conexiones melódicas y transiciones de modo también se realizan utilizando escalas. Por ejemplo, los compases 12 y 14 de la K330 de Mozart; los compases 4 y 10 de la Sonata n.º 8 de Beethoven; los compases 98-113 de la Sonata n.º 7; los compases 30-45 de la Sonata n.º 16, etc., hacen un uso extensivo de las escalas. (o escalas cromáticas) y frases rápidas con arpegios cambiantes como transiciones musicales. La conexión de la melodía es muy natural y suave.
(5) La forma de sonata clásica basada en el "principio de contraste" es dominante, y el "principio de habla" se convierte en el requisito para la interpretación cantada del movimiento Allegro
El logro más notable del desarrollo de la música instrumental en el período clásico es que perfeccionó algunas formas musicales instrumentales a gran escala: sonata solista, música de cámara, concierto, sinfonía, etc. Pero en el terreno del piano lo más importante es la sonata. La sonata ha sido mejorada continuamente por Haydn, Mozart y Beethoven, y se ha convertido en una de las formas musicales más utilizadas. La principal característica de la forma sonata en la expresión musical es que
hay dos temas contrastantes, y el desarrollo resultante, y finalmente debe haber un tema principal
Volumen 29, Número 3 Song Yanbin: "La colisión de la razón y la emoción" ·113 ·
Reaparición del problema. El contraste y el desarrollo aumentan enormemente el poder expresivo de la música. Y este principio de contraste proviene indirectamente de la ópera cómica.
En la década de 1820, se formó una nueva forma de ópera en Italia
: la ópera cómica. Esta forma de ópera tiene como objetivo complacer al público y se presenta de una manera divertida y con humor. Debido a su tendencia de popularización, se extendió rápidamente por Europa
Europa. El estilo de la música de piano durante este período estuvo profundamente influenciado por esta ópera cómica
. Los compositores se dieron cuenta de que el piano no sólo debía modelar la imagen sonora de la naturaleza, sino también imitar el canto y el habla de los personajes de la ópera, especialmente el habla y la expresión de las emociones de la gente común.
Cantar. [4] La naturaleza cantada y recitativa de la melodía surgió debido a la relación contrastante entre estas dos propiedades melódicas, en principio se establecieron el "principio de contraste" y el "habla". Es decir, hay contrastes y diálogos en la melodía y los materiales estructurales, haciendo la música más plena, vivaz e interesante. Este "principio de contraste" se vuelve más claro con la mejora de la forma sonata. El "principio del habla" es particularmente prominente en las melodías de las obras de Mozart y Haydn, en las obras de Beethoven se transforma en un "habla" de emociones internas en lugar de que el lenguaje "habla". La mayoría de las melodías de Beethoven no son aptas para coro, y las emociones de las obras están principalmente en el corazón. Hay un contraste emocional obvio, similar a un diálogo espiritual, que combina el "principio de hablar" La expresión
parece más interno.
4. Características del estilo de tocar el piano
(1) Una velocidad claramente marcada, estable y bien proporcionada
Debido a la creencia en la "proporción adecuada" y El principio del equilibrio natural y su estructura uniforme, por lo que la velocidad de la música debe ser uniforme. La velocidad de ejecución en el período clásico era mucho mayor que en el período barroco, lo que también es el resultado inevitable del desarrollo de la música en clave principal. También aparecen marcadores de tempo, y se anota cada cambio de tempo. Por ejemplo, la Decimoséptima Sonata de Beethoven tiene diferentes cambios de tempo, pero hay marcas de tempo claras antes del cambio. La velocidad comienza a expandirse hacia ambos extremos, el movimiento rápido de Beethoven es mucho más rápido que el de Haydn y Mozart, generalmente entre 120 y 126 por minuto y la potencia expresiva es profunda. Los movimientos del Adagio tienden a ser más lentos; [5] Pero la tendencia general actual es no tocar movimientos felices demasiado rápido y los movimientos lentos no tocar demasiado lento. La música clásica también tiene ritmo y cadencias libres. Estos lugares se pueden tocar libremente.
Debemos tener mucho cuidado al utilizar métodos de modificación del ritmo como aumentar la velocidad, desacelerar y extender libremente, pero
no debemos tocarlo como romántico. música. El clasicismo sólo puede aflojar o tensar el ritmo en una escala muy pequeña. Es muy importante dominar el tamaño adecuado y limitado. En resumen, la velocidad al tocar obras clásicas debe ser cuantitativa y se debe utilizar la misma velocidad, estable y bien proporcionada durante toda la interpretación, no sea rápido ni lento, y no es necesario que haya un crescendo. Cuando es rápido, cuando está desacelerando, es lento. Mantén la misma velocidad completamente, no exageres, no vayas demasiado lejos, no lo hagas contraproducente.
[4 ]
(2) Intensidad plena y controlada
Casi todas las obras de aquella época fueron interpretadas bajo el "principio de contraste", en la música
La La cantidad está llena de contrastes. Por ejemplo, el primer movimiento de la Undécima Sonata de Beethoven tiene 14 p, 11 pp, 4 fp, 17 f, 61 sf y 13 ff. También hay muchos crescendos y diminuendos. , etc. Estos muchos cambios de intensidad hacen que la música sea extremadamente plena, pero este tipo de plenitud no es el concepto moderno de plenitud. Pero hay control.
Este control se basó en la tecnología de fabricación de violines de la época. Antes del clasicismo todavía se utilizaba el clavicémbalo o clavecín. No fue hasta 1709 que se produjo el primer piano en el sentido moderno. Sin embargo, debido a las limitadas condiciones de fabricación de los pianos en aquella época, se amplió su volumen y alcance. era un nivel completamente inferior al de los pianos modernos. Por ejemplo, ff en el período clásico era igual a f en los pianos modernos, y p era igual a pp en los tiempos modernos, etc. Por tanto, al interpretar obras clásicas, la intensidad debe controlarse entre pppp y f. Por lo tanto, incluso al tocar la sonata más magnífica de Beethoven, se deben hacer algunas reservas para que se pueda restaurar el verdadero efecto sonoro dado por el compositor. Además, también hay que distinguir la antigüedad de las obras y distinguir cuáles fueron compuestas para clave o clave y cuáles para piano. El volumen de las obras para clavicémbalo o clavicémbalo se debe controlar ligeramente, y los cambios no deben ser demasiados. Para las obras escritas para piano se debe aumentar el volumen, pero no
. Toque demasiado alto y la duración entre los sonidos no debe ser demasiado larga. En definitiva, teniendo en cuenta las características del piano en aquella época, cuando tocamos música clásica debemos ser claros y acertados a la vez, evitar el exceso y evitar la exageración. Domina los límites del estilo y el sentido de la proporción, y no toques demasiado alto.
(3) La "escuela de fuerza de los dedos" es la principal y el estilo de juego corporal es la tendencia de desarrollo
Métodos de juego
Hablando de este período En cuanto al método de tocar el piano, tenemos que remontarnos a las teclas táctiles de Bach en el período barroco: Volkel escribió una vez: "El método de digitación de Bach es casi indiferente. Para movimientos ligeros, por muy difícil que sea tocar el pasaje, utilice el Forma natural de la mano. Las manos no abandonan el teclado y solo usan la primera articulación para tocar. Incluso si tocas el vibrato, solo tiembla un dedo y las otras partes del cuerpo están completamente inmóviles.
Eso es todo. Tocar sólo con movimientos de los dedos sentó las bases para tocar el piano clásico. Este tipo de interpretación utiliza las yemas de los dedos para tocar las teclas. Después de la aparición del método de interpretación con peso, se le llamó colectivamente "estilo de fuerza con los dedos". Este también fue un estilo único del período del clasicismo. [6] Pero no todo es estático. Debido al desarrollo de la industria de fabricación de pianos, la textura del piano ha cambiado y ha aparecido el piano de martillo con un sonido fuerte, este tipo de volumen alto no se puede producir con los dedos. y debe utilizar la cooperación del cuerpo. En el último período de Mozart, las últimas cinco sonatas de Haydn y las obras para piano número uno de Beethoven después de la Séptima Sonata se tocan con el cuerpo, y este método de ejecución se convirtió en el precursor del romanticismo.
En resumen, las características de la música para teclados en el período clásico se pueden resumir en:
Alta unidad de razón y emoción, profundo contenido ideológico y arte perfecto
<; p>Alto grado de unidad de forma. En términos de técnicas creativas, heredó la polifonía tradicional europea y los logros musicales principales y estableció el estilo estructural y la forma de la música sonata moderna.Rompió los grilletes de la tradición, permitió la reconstrucción de nueva música para piano y creó una página gloriosa en la historia del arte del piano.