¿Cuáles son las figuras y obras representativas del arte clásico (no neoclasicismo)?
Las estrategias de implementación y la estética del clasicismo durante el Renacimiento
Las características, la estética y los métodos de implementación del clasicismo sentaron una base visual sólida en los períodos griego y romano, y en el Renacimiento durante En este período, esta tradición fue considerada como una norma racional con diversos métodos y estructuras, lo que permitió que su poderosa fuerza continuara con su forma unificada, estructura estricta y orden regular más de dos mil años después.
1. Anatomía
El antiguo filósofo griego Aristóteles comenzó a diseccionar animales en el siglo IV a.C. para observar el mundo real con un sentido de indagación a principios del siglo XIII; Se establecieron las primeras escuelas de medicina y los artistas aprendieron a estudiar anatómicamente los tejidos, músculos y huesos del interior del cuerpo humano para comprender la estructura del cuerpo. Y explore profundamente la estructura del cuerpo humano, rompiendo las limitaciones visuales de la expresión externa. En 1435, Alberti (1404-1472, arquitecto, artista, músico y poeta italiano) creía que los artistas debían aprender los conceptos básicos de la pintura diseccionando el cuerpo humano: desde el ejercicio temprano de la estructura muscular hasta la representación de cuerpos humanos artificiales y más tarde expresiones naturales maduras. , la anatomía humana se ha convertido en una habilidad esencial para que los artistas representen el cuerpo humano. A principios del siglo XVI, la anatomía humana se convirtió en el tema más interesante para todos los artistas de Florencia. Leonardo da Vinci utilizó una asombrosa cantidad de bocetos (Figura 1) para estudiar y practicar la anatomía humana, de modo que sus pinturas al óleo pueden brindarnos una experiencia visual perfecta con imágenes elegantes y naturales. Y las obras de Miguel Ángel, debido a la extensión del expresionismo personal, están llenas de hombres y mujeres musculosos. Incluso en las representaciones de bebés, sus extremidades están representadas con músculos exagerados y nervudos, y un amor descarado por la anatomía.
2. Visión
Para representar con éxito el espacio tridimensional sobre una superficie plana, los artistas del Renacimiento desarrollaron varios métodos de perspectiva, algunos basados en la observación real como los clasicistas tradicionales, y otros. se basan en métodos de mecánica geométrica. El observador real proviene de la experiencia visual del espectador y puede expresar un punto de vista subjetivo. Por ejemplo, "La ejecución de Santiago" de Andrea Mantegna (Figura 2) sitúa el punto de vista más allá del límite inferior de la imagen, creando una imagen noble, audaz y dramática de abajo hacia arriba. Sin embargo, según la medición mecánica de la geometría, se utilizan uno o dos puntos de fuga para ayudar a la perspectiva, y los puntos de fuga supuestos en el espacio se utilizan para producir un efecto tridimensional de profundidad de gradiente.
La perspectiva mecánica se basa en conceptos teóricos y puede causar fácilmente efectos visuales antinaturales, pero si se combina con la observación real, los artistas pueden expresar el espacio de una manera más ordenada y natural, haciendo que el plano parezca profundo y haciendo que el espacio sea más profundo. Las proporciones de los personajes se ajustan a esta estructura espacial, de modo que el volumen y la relación espacial entre personas y objetos puedan reconciliarse entre sí, de modo que la descripción realista pueda alcanzar un estado más perfecto. Por ejemplo, las proporciones de los edificios, pisos, escaleras y personas representadas por Rafael en la Academia de Atenas (Figura 3) están cuidadosamente construidas según la perspectiva para expresar una profunda sensación de espacio. La aplicación del principio de la perspectiva en la expresión artística durante el Renacimiento se ha convertido en una técnica clásica muy valorada y ampliamente utilizada porque ayuda a expresar el espacio real tridimensional.
3. Los artistas son científicos.
Los artistas renacentistas, al igual que los científicos, tenían un gran interés por observar y estudiar los fenómenos naturales. La información y los procesos obtenidos de estas observaciones y estudios les ayudan a buscar detalles, refinamiento y expresión correcta en sus obras.
Uno de los ejemplos más famosos se remonta a Leonardo da Vinci, quien realizó un estudio muy rico y profundo del cuerpo humano y también se interesó por las discusiones sobre el proceso reproductivo. Por eso, cuando estudió la estructura fisiológica de hombres y mujeres, utilizó los métodos de reproducción de las plantas para compararlas con los humanos. Además de representar los órganos internos sin perder el ritmo, también utilizó el análisis y la observación científicos para comparar y registrar detalles, haciendo que la herencia de la tradición clásica sea más profunda y clara. Esta es también una manifestación de su compromiso a largo plazo con la pintura.
Combinando la investigación científica en múltiples campos, los artistas del Renacimiento llevaron la comprensión clásica de la pintura y la escultura al ámbito de la más alta expresión técnica.
4. La idea de buscar la perfección
La estructura espacial perfecta no solo proviene de la ayuda de la perspectiva, sino que también se basa en la experiencia de observación acumulada del artista; El rendimiento no sólo depende de las proporciones correctas. La combinación también depende de las estructuras musculares y esqueléticas resumidas y dispuestas en la anatomía. Para las pinturas y esculturas del Renacimiento, la relación entre "personas" y "espacio" representa la comprensión y exploración del mundo por parte de un individuo. La búsqueda de la perfección requiere una cognición racional para idealizar las condiciones imperfectas de la vida real.
Miguel Ángel utilizó la estructura idealizada del cuerpo humano y la estructura muscular que se ajusta a la belleza estándar para alabar a la patrona de Florencia. En la Escuela de Atenas (Fig. 3), Rafael sitúa a un grupo de profetas bajo una luz inequívoca según su importancia. En "Mona Lisa" (Figura 5), Leonardo da Vinci utilizó una composición en forma de pirámide para colocar al personaje en el centro de la imagen, utilizó una "perspectiva aérea" para expresar la naturaleza del fondo y utilizó una impecable proporción áurea, luz. , y representación facial que muestra la expresión pacífica y misteriosa de la mujer.
5. Persigue la armonía.
La gente del Renacimiento creía que los humanos debían equilibrar sus diversos talentos e intereses no sólo en el arte sino también en la vida. Leonardo da Vinci dijo una vez: "¿Sabías que nuestras almas están compuestas de armonía? Cuando prestamos igual atención a la estructura de todas las partes de las cosas, la armonía surge naturalmente".
Da Vinci persigue la vida La creencia Esta armonía es evidente en la película "La era de los maestros": en la película, Leonardo da Vinci pinta la "Mona Lisa" en el estudio y los músicos tocan la música. Leonardo da Vinci dejó su pincel para estudiar su invento inacabado, luego tocó un instrumento antes de regresar al lienzo. Ya sea que estas acciones se superpongan o ocurran una tras otra, crean una estética armoniosa entre el estudio y la vida.
El dominio que los pueblos del Renacimiento tenían de sus talentos e intereses era como el amo del universo, ordenado e ininterrumpido. Creen que los humanos pueden dominar el equilibrio y la armonía del universo ("Libro de los cambios": el cielo se mueve vigorosamente y un caballero se esfuerza por superarse).
El clasicismo está divorciado del contexto histórico.
En los dos mil años de vida del clasicismo, el Renacimiento del siglo XV jugó el apogeo de su destino. Sin embargo, antes del Renacimiento, había dos tendencias artísticas diferentes en la historia del arte occidental: la tradición clásica de Grecia y Roma y el arte de la Edad Media. Aunque la civilización occidental partió de la cultura clásica de Grecia y Roma e influyó profundamente en el desarrollo del Renacimiento, la cultura religiosa de la Edad Media acabó con la continuación de esta tradición.
En su época dorada (480-430 a.C.), el desarrollo del clasicismo griego utilizó la cognición humanista racional e idealizada para conseguir grandes resultados en el arte, la arquitectura, la filosofía, la poesía, el teatro, etc. Un logro impresionante. En esta exploración humanista diversificada, también se inyectan muchos cuentos de hadas famosos para explicar la esencia de la naturaleza humana y el significado de la vida. Entre ellos, el dios del sol Apolo es considerado el representante de la razón y el dios del vino Dioniso es el representante de la sensibilidad. Estas características de oposición binaria siguen apareciendo en el curso de la vida humana. Este es el "arquetipo" que los seres humanos deben afrontar para sobrevivir, y también es el destino trágico que los seres humanos no pueden evitar. Friedrich Nietzsche también creía que este espíritu dualista es la fuerza de interdependencia y crecimiento del cuerpo y el espíritu humanos en la tragedia griega, y su equilibrio es el pensamiento filosófico que lleva adelante las características racionales y armoniosas del clasicismo griego. (Figura 6)
Después de que Roma conquistó el mundo y estableció un imperio en territorio griego, la tradición clásica de Grecia no fue destruida, al contrario, los romanos tomaron como modelo el clasicismo griego y mostraron su belicosidad; y el secularismo, reuniendo las culturas de las regiones que conquistaron (desde Inglaterra hasta Egipto, desde España hasta el sur de Rusia) para crear el clasicismo romano. Además de las reglas tradicionales, crearon arcos y cúpulas para aumentar el espacio práctico del edificio. Por otro lado, en las esculturas y algunas pinturas heredadas de la antigüedad, debido a su belicosidad, suelen estar dominadas por figuras conmemorativas realistas, como emperadores y generales, que se diferencian de las figuras mitológicas griegas. Aunque Grecia y Roma tenían diferentes antecedentes cognitivos humanistas en la expresión del clasicismo, ambas heredaron y completaron las características de equilibrio, idealización, armonía y racionalidad en la arquitectura, la escultura, la pintura, etc., sentando las bases tradicionales de la civilización occidental. (Figura 7)
Sin embargo, este profundo logro clásico colapsó debido a la invasión bárbara en el siglo V d.C. y con el surgimiento de la fe cristiana en el siglo I, la gente comenzó a cambiar su comprensión de la vida; , la redención del "pecado original" inherente al nacimiento se considera la principal expectativa y trabajo en esta vida, con la esperanza de reformarse en la próxima vida.
En este sentido, en el pasado, la visión griega y romana de la vida se basaba en la creencia de que la vida existe en este mundo y es dueña de este mundo. Sin embargo, los hombres de la Edad Media, una vez terminada su vida, se encomendaban al más allá y consideraban la religión como moneda de cambio para su paso al más allá. Aunque en la Edad Media se desarrollaron magníficos edificios de iglesias y había complejos patrones decorativos dentro de las iglesias, percepciones humanistas tan diferentes hicieron imposible que la tradición clásica continuara.
Por ejemplo, en la Edad Media, la gente consideraba a Dios como el único creador y creía que los personajes realistas representaban el mundo tangible, por lo que se sospechaba que las descripciones realistas ofendían a la religión. En esta era religiosa, sólo se permite el modelado irreal, estilizado y conceptual para expresar una cognición abstracta que obedece a la religión y ayuda a los humanos a entrar en la otra vida. El clasicismo fue asesinado por tales conceptos religiosos y permaneció latente durante casi mil años. No fue hasta el Renacimiento en el siglo XV que volvió a revivir. Este período medieval también se conoce desde una perspectiva clásica como la "Edad Oscura".
Los artistas del siglo XV se liberaron de la compleja filosofía y el gobierno de la iglesia en la Edad Media. Comenzaron a darse cuenta de que eran individuos independientes que buscaban la verdad. Creían que eran el centro del universo y que podían darle sentido al mundo a su manera, pero por lo tanto no necesitaban depender de un Dios imaginario o abstracto y sus enseñanzas para sobrevivir. El clasicismo, que representa las civilizaciones griega y romana, se convirtió en el objeto de investigación de su exploración del concepto de ser humano y en el foco de su búsqueda de la cognición racional. Florencia en esta época se convirtió en la "Nueva Atenas" para los artistas y eruditos del Renacimiento.
En términos de expresión artística, las esculturas de figuras y las pinturas de principios del Renacimiento comenzaron a mostrar la humanidad. Su volumen, proporción, luz y color muestran efectos naturales y reales, y los personajes están retratados vívidamente mediante una expresión tridimensional. Esculturas como "San Kyle" de Donatello (Fig. 8) se basan en el estilo clásico tradicional, colocando el peso del cuerpo del santo sobre una pierna para mostrar una verdadera postura autónoma, pinturas como "El nacimiento de Venus" de Botticelli; (Figura 9) muestra la mitología clásica y representa vívidamente a la elegante Venus, sus asistentes y el dios del viento. Ya sea desnuda o con una falda fina, hay expresiones físicas sustanciales, y el paisaje y los edificios alrededor de la imagen también se procesan según el principio de la perspectiva.
Mientras los primeros artistas del Renacimiento exploraban y expresaban los principios del clasicismo, los tres famosos maestros del Renacimiento, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, se comprometieron a practicar el concepto griego de perfección, impulsando el espíritu del clasicismo. a su apogeo. Como lo propuso el arquitecto Vitruvio del siglo I, el cuerpo humano representa un estándar de proporción: cuando nuestras manos y piernas se enderezan, simplemente forman un cuadrado y un círculo "perfectos", y las matemáticas se consideran una verdad suprema. amplió este concepto y creyó que "toda investigación de la verdad humana debe analizarse a través de las matemáticas" y dibujó el cuerpo humano pintado por Vitruvio (Figura 10): "La altura del cuerpo se baja a 1/14 de la altura original, y luego se eleva tus brazos de manera que tus dedos medios queden a la misma altura que tu cabeza. En este momento, tus extremidades formarán un círculo perfecto, con tu ombligo en el centro del círculo, y el espacio entre tus piernas debe formar un círculo equilátero. triángulo."
Las proporciones estándar del cuerpo humano pueden formar tres formas geométricas: círculo, cuadrado y triángulo equilátero. Por lo tanto, los seres humanos han encontrado la base perfecta en sí mismos, enfatizando una vez más que "el hombre es la medida de todas las cosas", y la exploración de la autocapacidad se ha convertido en la comprensión básica del Renacimiento. Desde entonces, los artistas del Renacimiento han sido más activos en la aplicación de técnicas como la "anatomía" y la "perspectiva" en sus obras, y continuaron el desarrollo de conceptos clásicos. Se consideran a sí mismos "artistas y científicos" y persiguen conceptualmente la creencia de "perfección" y "armonía".
El clasicismo renacentista comenzó a decaer tras la muerte de Rafael, y sus valores y normas fueron cuestionados por el "emocionalismo". La actuación del artista se desarrolló gradualmente en la dirección de desintegrar su rigurosa estructura, haciendo que la gente se sintiera visualmente "decadente" y "degenerada", y el desarrollo del clasicismo sufrió otro destino accidentado. Aunque el período barroco intentó recuperar la esencia de la visión, la cognición, el entorno de vida y la filosofía de vida extremadamente cambiantes de ese momento no podían permitir que se volviera a valorar el clasicismo tradicional.
No fue hasta el siglo XVIII que se inició una corriente de arqueología. En 1738, se excavó la antigua ciudad romana de Pompeya, sepultada bajo el monte Vesubio durante casi 1.700 años, lo que reavivó el interés por el coleccionismo de antigüedades y, posteriormente, por el clasicismo. En este momento, el artista comenzó a representar verdaderamente a Roma como telón de fondo, expresando los nobles sentimientos y valores morales de los antiguos.
Por ejemplo, Jacques-Louis David estudió los grabados de medallones, relieves, bronces y pinturas romanas realizados por historiadores de la arqueología. En "El juramento de los hermanos Horacio" (Figura 11), las ambiciones políticas de Napoleón en el siglo XVIII se expresan con pinceladas rigurosas, colores constantes, composición equilibrada, trasfondo arquitectónico romano, soldados valientes y íntegros y figuras tristes y débiles con trajes antiguos. .mujer para expresar metafóricamente. Este efímero cuarto de siglo de "fiebre antigua" fue reemplazado por la tendencia romántica de emancipación impulsada por la Revolución Francesa, que aflojó el dogma tradicional del clasicismo que había sido revivido durante más de dos mil años.
Desde entonces, una profunda introspección ha inspirado el pensamiento libre del modernismo: romanticismo, naturalismo, realismo, impresionismo, postimpresionismo, etc. Derivado de él, dio forma a las diversas e impresionantes expresiones artísticas de la primera mitad del siglo XX: fauvismo, cubismo, expresionismo, dadaísmo, surrealismo, arte ópalo, arte extremo, surrealismo, arte conceptual... (Por ordenar)
(Anotación)
Kenneth Clark, "Desnudo", p.193.
Wylie Sypher, Las cuatro etapas del estilo renacentista, p. 65, “Sabes que nuestras almas están hechas de armonía, y que la armonía surge sólo cuando las proporciones de las cosas se ven u oyen al mismo tiempo. ?"
F. Murray Abraham, Mark Franco y John Grove, directores, Season of the Giants, una producción de la RAI con Turner Pictures Associates Ltd., 1991. La película describe a tres maestros del Renacimiento, Miguel Ángel, Rafael y Leonardo da Vinci, sus luchas artísticas y sus relaciones.
Friedrich Nietzsche, "El nacimiento de la tragedia y la genealogía de la moralidad", trad. Francis Golf, Nueva York: Doubleday Anchor Books, 1956.
Kenneth Clark, El desnudo: un estudio de la forma ideal, Princeton, Nueva Jersey: Universidad de Princeton, 1972, p.
Wylie Sypher, Las cuatro etapas del estilo renacentista: transformaciones en el arte y la literatura, Garden City, Nueva York. Corporación, 1955, pág. 61.
Ibíd., pág.
Editado por Jacques Marseille y Nadeije Laneyrie-Dagen. , Historia del Arte Mundial, Editorial Lianjing, 1998. Páginas 214-215.
Pensamiento posmoderno sobre el clasicismo
En la expresión del arte posmoderno, también existe una escuela que se centra principalmente en el retorno al clasicismo. El clasicismo en esta época ya no es un puro énfasis y adoración del conocimiento clásico. Por el contrario, estos artistas vivieron el bautismo del arte conceptual en los años 1970. En los años 1980, comenzaron a cansarse de los conceptos abstractos de la nada, por lo que regresaron a la pintura, la pintura clásica. Pero en la expresión de la pintura ya no podemos reconocer la imagen, como la creencia en ideales y normas en la pintura clásica. Por lo tanto, estos artistas pueden volver a la expresión pictórica, pero representan imágenes clásicas y representan el contenido de la mitología griega. Sin embargo, el "contexto" que dispusieron detrás de las obras es la "dislocación" y el "caos" del pensamiento contemporáneo. Por ejemplo, en "Sumisión a manos de intelectuales" (Figura 12), Carlo Maria Mariani y dos hermosos hombres que se parecen al poeta griego laureado se sientan uno frente a otro y se dibujan, no solo revelando la situación actual en la mesa El mensaje "homosexual" que se discute acaloradamente en Internet también representa el elogio de la poesía por parte del poeta laureado. En términos de forma, el diseño clásico nos hace sentir familiares y nostálgicos, pero en términos de transmisión de contenido de información, hace que la gente se sienta sorprendida y desprevenida.
La obra de Sharon Cassius “El robo de las sabinas de Poussin” (Figura 13) utiliza un método de relieve rígido para reproducir la Francia del siglo XVII cosiendo algodón y empapando fibra de poliéster del cuadro al óleo del artista Poussin “El rapto de las sabinas”. Sabina" (Figura 14). La pintura original de Poussin fue pintada de manera clásica, y el lenguaje corporal en la pintura debe estar en constante discusión. Cumple con la calma de las leyes clásicas, utilizando estatuas clásicas griegas como estándar para representar personajes. El contenido de la obra describe a los antiguos romanos legendarios que capturaron y violaron a las mujeres sabinas durante las celebraciones y luego se casaron con ellas para reproducir a los romanos. Todas las ceremonias nupciales recuerdan esta violación colectiva, y el matrimonio es un "restablecimiento de la dignidad". Basado en el trabajo de Xie, Xie cuestiona la objetivación y trivialización de esta leyenda histórica en La costura de las mujeres, y hace una suave protesta contra la leyenda centenaria de que Sabine sigue apareciendo en las cajas del ajuar de las novias y lavando el cerebro a las mujeres.
Como dijo Simone de Beauvoir: "Las mujeres no nacen, se hacen". Si podemos volver al lienzo puro que no ha sido coloreado y presentarlo en forma de marioneta involuntaria, ¿podremos salvar la inconsistencia de género? igual destino? Además, la obra original de Poussin expresa la expresión tridimensional en el plano que le apasiona desde el Renacimiento, mientras que su obra defectuosa capta firmemente las características tridimensionales del relieve y expresa de manera más sustantiva la expresión tridimensional del espacio bidimensional. Pero después de tal transformación, la profundidad visual de la obra se aplana. Es como si el estándar clásico apuntara a la perfección, pero al final del camino volviera a los resultados planos de la Edad Media. Kankan es un concepto posmoderno de clasicismo y expresa dudas sobre el resurgimiento de la conciencia de género y el mecanismo de la pintura clásica.
"El hombre de pie con una toalla" de Muriel Kastanis (Foto 15) proviene de las "Tres Diosas" (Foto 16) del período griego. "Las Tres Diosas" es una pieza de piedra tallada en la suave textura de una tela, que es un testimonio de la capacidad de expresión artística de los griegos. Sin embargo, la cabeza y las manos de la diosa se perdieron durante mucho tiempo, pero la elegante postura y expresión de la diosa nunca se perdieron. Las Tres Diosas son la historia de las manzanas de oro en la mitología griega. Tres bellezas, Venus, Atenea y Silas, compitieron por el campeonato en un concurso de belleza y sobornaron a Parsis con amor, poder y riqueza. Parsis aceptó el amor de Venus, lo que desencadenó la Guerra de Troya. Este disco épico llevó a Castagni a crear "Standing in a Towel". Ella es tan defectuosa como los demás, y creada a partir de algodón empapado en poliéster, Castagni, por un lado, cree que la "belleza" es invisible (por lo que la cara y las manos de la protagonista son invisibles) y, por otro lado, implica que cualquiera puede convertirse en un Dios de la belleza con solo dar un paso. En el edificio posmoderno cerca de China diseñado por Philip Johnson y John Birch en San Francisco (Figura 17), las obras de Castagni están colocadas en el techo a modo de decoración, y tres a cada lado del edificio cuadrado (tres diosas), junto con las Las estatuas en los tejados de los edificios clásicos occidentales protegen edificios y ciudades. La decoración clásica de Castagni va más allá de cuestionar la cognición clásica y es una expresión clásica relativamente pura.
Desde el juego de Mariani con el pasado y el presente, cuestionando el espíritu clásico y los conceptos tradicionales de género, hasta el regreso de Castagni de la definición de belleza al espacio público, los artistas clásicos contemporáneos exploran sus técnicas de expresión y su mitología. Se recorrió el territorio histórico. En un registro nostálgico, no quiero ver el retorno completo como una especie de redención, sino más bien jugar con la ética y el orden de una manera paradójica. Aunque hay una capa de expresión clásica en la imagen, es un registro dividido e irrelevante en el contexto de las letras, incluso si se basa en hechos históricos clásicos en connotación, es una trama contemporánea en expresión; La cognición social y la ideología contemporáneas permiten a las personas entrelazarse en situaciones visuales familiares pero desconocidas, ya sea con humor negro y vocabulario irónico, o con imágenes históricas subversivas y críticas. Cuando los artistas juegan con la conciencia o la imagen que simboliza el clasicismo, blasfeman el espíritu de "eternidad, idealidad, racionalidad y pureza" del clasicismo, pero también permiten a la gente reentender el arte con una experiencia visual familiar y estética.
El clasicismo de las generaciones anteriores al siglo XX siempre perdió su espacio de supervivencia porque se aferraba con demasiada fuerza. Esta advertencia hace que el pensamiento clásico posmoderno decida no cargar con el equipaje de la historia, permitiendo que el significado de las imágenes históricas sea manipulado en la cognición diversa del artista, rotando con cada atención y cognición independientes. En este sentido, tenemos que admitir que si bien el destino del clasicismo fluctúa con el cambio de generaciones, su tenaz vitalidad nos hace admirarlo sinceramente.
(Nota)
Robert Atkins, Advocate for the Arts, Nueva York: Abbeville Press, 1990, 131-133. El "posmodernismo" apareció por primera vez en la investigación arquitectónica en la década de 1960 y fue ampliamente utilizado en la crítica de arte a finales de la década de 1970.
H. W. Jensen, Una historia del arte, Harry N. Abrams, Inc., 1991. Página 588.
Lillian H. Zilpolo, "Botticelli's Spring—Advice to the Bride", Feminismo e Historia del Arte, Norma Browder, Mary D. Jay Editado por Ladd, traducido por Xie Hongjun, Liuyuan Publishing House, 1998. Páginas 203-222.