Informe Académico de Arte Contemporáneo
——Experimente el informe académico del estratega cultural estadounidense profesor Zhao Xiaoming.
Según el reportero de China International News, Qi Washington, el 25 de mayo de 2008, presidente de la junta directiva del Instituto Americano de Cultura Asiática, presidente de la Editorial Internacional de Cultura China y famoso estratega cultural. y el profesor se encontraban ese día en la Avenida Pennsylvania en Washington. El Centro de Conferencias del Instituto Americano de Cultura Asiática presentó un informe académico especial titulado "Tradición, globalización y varias cuestiones que afectan el arte contemporáneo oriental y occidental". Más de cuarenta expertos, profesores, pintores, músicos, críticos, coleccionistas y académicos visitantes de universidades, bibliotecas, museos, galerías de arte, grupos musicales y galerías de Estados Unidos, Canadá y algunos países asiáticos asistieron a la reunión del informe.
El discurso comenzó desde el punto de vista de David Clark y analizó la intersección del arte moderno americano y europeo y el arte oriental premoderno desde una perspectiva histórica. Este artículo presenta muchos casos de artistas occidentales influenciados por la filosofía oriental para ilustrar que las obras de arte oriental que hoy se pueden ver en todas partes en las colecciones de los museos occidentales, especialmente el arte de la caligrafía tradicional china, han proporcionado una referencia ideológica para que muchos pintores occidentales creen obras abstractas. Este tipo de referencia y las resultantes obras artísticas con colores orientales han proporcionado al mundo occidental una imagen de la cultura oriental representada por China, que es completamente diferente a la occidental. Al mismo tiempo, los continuos esfuerzos de los artistas asiáticos y de los intérpretes de la cultura china en Estados Unidos también contribuyeron a esta convergencia.
Sin embargo, en el pasado, la comprensión simplificada del arte chino y el pensamiento oriental en los Estados Unidos y Europa dominó toda la historia del arte, y los círculos artísticos estadounidenses y europeos básicamente carecían de interés y contacto con los chinos existentes. cultura. Los maestros occidentales describen la historia del arte moderno porque sentían que no tenían nada que aprender del arte chino contemporáneo, aunque algunos artistas continuaron buscando intersecciones con el arte y el pensamiento orientales premodernos. Aunque el mundo actual se encuentra en una era de globalización, en la que los viajes interculturales y la circulación de información a alta velocidad son muy convenientes, la asimetría cognitiva entre Oriente y Occidente que existía en las décadas de 1920 y 1930 todavía existe hoy, es decir, los artistas contemporáneos chinos saben que sus homólogos estadounidenses y europeos hagan algo, y no al revés.
Desde que entramos en el siglo XXI, los estadounidenses se han interesado cada vez más por el arte chino contemporáneo, pero este interés está impulsado por la creciente integración de la economía china y la economía mundial, y por los curadores, no por los curadores. de artistas estadounidenses, y esta motivación a menudo debe sentirse en las exposiciones de arte comerciales estadounidenses, más que en los centros creativos y universidades de artistas estadounidenses. Por supuesto, algunas actividades académicas y exposiciones influyentes ya han comenzado en Estados Unidos. Por ejemplo, "Art on Capitol Hill" está copatrocinado por el Instituto de Estudios Culturales Asiáticos, la Biblioteca del Congreso y el Centro Nacional de Folklore. Estas actividades de intercambio y exposiciones se pueden llamar progreso. El poder cultural original de Oriente y Occidente ha sufrido cambios sutiles aquí, pero el profesor Zhao Xiaoming cree que esto no es suficiente. Está de acuerdo en que el arte chino contemporáneo aún puede brillar en la visión occidental centrada en Estados Unidos en un futuro próximo. Aunque David Clark todavía cree que el arte contemporáneo chino es una novedad temporal para Occidente, o ve como un alivio que el mundo oriental, que se parece cada vez más a Occidente, esté aprendiendo el lenguaje "artístico" de Occidente. . Por ejemplo, las obras de Wang Guangyi subvierten el método del retrato durante la Revolución Cultural, ridiculizan el productismo y hacen concesiones a la cosmovisión capitalista. Hasta cierto punto, esto es fácil de entender para las personas que apoyan los valores capitalistas. Esta interpretación hace que estas obras sean totalmente consistentes con la ideología de la desintegración del socialismo en todo el mundo que guió la política exterior estadounidense en la era posterior a la Guerra Fría. Otras cosas en la obra solo se consideran colores regionales. Incluso si hay algunos rastros políticos obvios en el patrón, son seguros y controlables. No representan ningún desafío para los valores o sistemas nacionales estadounidenses. impacto en el status quo de Occidente. Antes de la desintegración de la ex Unión Soviética, las obras de algunos artistas de vanguardia de la ex Unión Soviética eran muy buscadas en los Estados Unidos. Estas obras eran consideradas por los coleccionistas estadounidenses y europeos como "la auténtica voz de una minoría bajo el régimen". presión del totalitarismo." Sin embargo, después del colapso de la Unión Soviética, se sorprendieron al descubrir que estas obras realistas que verdaderamente reflejaban la vida de las personas se habían convertido en un espectáculo importante en la antigua Unión Soviética, destrozando la imaginación de los coleccionistas estadounidenses y europeos sobre las formas de vida socialistas. Una vez fueron precios altísimos. También cayeron al suelo. Vale la pena señalar que otro pintor chino contemporáneo, Wang, difundió el valor oriental de la libertad artística, que no se da por sentado en la América liberal.
Durante tres meses, durante una exposición de arte americano organizada por el Instituto de Culturas Asiáticas en su honor, el público americano y los museos americanos discutieron algunas de sus obras expuestas en Estados Unidos por motivos políticos y de libertad artística, con universidades, galerías y los medios Continuaron sonando dos grupos de agudos sonidos de confrontación. ¿Está en contra de la guerra o en contra de Estados Unidos? Sin embargo, es esta oposición la que le ha valido a Wang y al arte contemporáneo chino una voz valiosa y huellas históricas llamativas.
La promoción de los intercambios juega un papel fundamental en la mejora del estatus del arte chino en Occidente, representado por Estados Unidos, porque los intercambios pueden resaltar el trasfondo social y cultural del arte cuando el arte contemporáneo chino aparece en Estados Unidos. Biblioteca del Congreso, el Centro Nacional de Folklore de Estados Unidos y el Museo Nacional de Arte Smithsonian, aceleró el establecimiento de la reputación de China en el mundo occidental. Sin embargo, hoy en día, la sombra del culto al dinero, fuertemente comercializado en el mundo del arte chino, ha amenazado este esfuerzo académico. Una razón es que pocos curadores comerciales en China entienden completamente a Estados Unidos, por lo que tienen poca capacidad para “descubrir” una plataforma relativamente desconocida para el intercambio artístico. El arte chino suele quedar aislado en las exposiciones internacionales. Occidente tiene su propio marco de comprensión inherente para los temas que China enfatiza, pero los artistas contemporáneos chinos no se sienten incómodos dentro de este marco. Este es un status quo que debe cambiar rápidamente. Por otro lado, aunque los curadores chinos han llevado el arte contemporáneo chino al público occidental, la imagen que han dado al mundo sobre los antecedentes del arte contemporáneo chino está muy fragmentada, por lo que la importante tarea de proporcionar esta lectura de antecedentes debería centrarse en el arte chino. historiador. Sin embargo, hasta el día de hoy, la historia del arte ha demostrado que el círculo de historia del arte está lejos de ser bueno a la hora de mostrar los logros artísticos de China. Si el círculo de la historia del arte de China quiere afrontar plenamente los desafíos de esta era, todavía necesita muchos cambios. Sin embargo, el profesor Zhao Xiaoming presentó más tarde que ha comenzado a prestar atención a los cambios en este campo y, como instituciones, la Academia de Arte de China y la Academia Central de Bellas Artes son las precursoras de esta fuerza.
Además del estudio de la historia del arte chino, también existe una lamentable brecha entre la historia del arte y la crítica de arte. Tanto los críticos de arte como los curadores han desempeñado un papel activo en la introducción del arte chino contemporáneo a un público más amplio, pero no han logrado proporcionar la rica investigación de antecedentes necesaria. En gran medida, el público occidental suele sentir que el arte contemporáneo chino se desarrolla en un vacío histórico. Si queremos evitar enmarcar el arte chino contemporáneo en una recepción occidental superficial, el mundo del arte chino debe presentar enfoques poderosos a Occidente de manera integral y precisa. La abolición total del pensamiento occidentalcéntrico y de las articulaciones de la modernidad artística.
En esta conferencia, el profesor Zhao Xiaoming obviamente no quiere cubrir simple y extensamente el arte moderno y contemporáneo chino que ha sido marginado en documentos anteriores de la historia del arte mundial, sino que quiere abrir un nuevo capítulo en todo el arte. perspectiva histórica para desmantelar la hegemonía occidental existente. Sólo cuando estas perspectivas nuevas y diversas surjan a través del diálogo, en lugar de la priorización, la academia podrá decir que la historia del arte se ha convertido en una disciplina global. La globalización requiere una comprensión de la naturaleza de la importancia regional y la eliminación de perspectivas uniformes y condescendientes.
Hoy en día, los miembros extranjeros que trabajan en universidades e instituciones culturales estadounidenses desempeñan un papel importante a la hora de llamar la atención sobre las contribuciones culturales de las minorías a los Estados Unidos. De manera similar, el número de estadounidenses de origen chino también está aumentando rápidamente. La conciencia política de los chinos que viven en los Estados Unidos es cada vez más fuerte. La sociedad multicultural en los Estados Unidos también ha respondido a esto. Están dispuestos a ofrecer obras de arte contemporáneo chino. Una de las razones para realizar una exposición.
“Lo importante ahora es mostrar al mundo el contexto regional en el que creció el arte chino. En este contexto, el arte contemporáneo chino juega un papel cultural activo y específico. Por supuesto, eso no significa que el arte. Sólo puede estar en él. El lugar de origen es significativo, ni significa que el trasfondo sea la única forma de entender la obra. El énfasis en la región no es para demostrar que el trasfondo regional es más real y específico que otros contenidos, ni tampoco lo es. Es negar el concepto de globalización en la cultura. No es un espacio cultural residual imaginario. Este concepto considera a la región como un contexto relativamente independiente en el que las fuerzas de la globalización juegan un papel. Sobre este tema, el profesor citó específicamente la celebración anual. del "Mes de Asia" en los Estados Unidos en abril de 2007. Durante este período, Qiu, un cantante artístico del Conservatorio de Música de Shanghai de China, celebró un popular concierto en solitario en Washington, demostrando la fortaleza de la región en los intercambios interculturales.
Al hablar del arte contemporáneo estadounidense, el profesor Zhao dijo que desde la fundación del país, se considera que la historia del arte estadounidense no surgió de la sombra del arte europeo, sino de Andy? A partir de la generación de Warhol, el arte estadounidense no sólo tuvo su propia perspectiva artística independiente, sino que también formó un completo sistema de arte moderno que consistía en crítica histórica del arte, exposiciones en museos, carreras artísticas y fondos artísticos, lo que lo convirtió en el centro del arte mundial después de la Guerra Mundial. II se trasladó de París a Nueva York. Es más, el arte pop, el arte conceptual, el land art, el minimalismo y el videoarte que creó en las décadas de 1960 y 1970 influyeron en el arte europeo en términos de pensamiento artístico y estético.
Por un lado, los milagros creados por el arte estadounidense y su estatus como centro de arte mundial están directamente relacionados con la fuerza nacional integral del imperio establecido por Estados Unidos después de la guerra. Esto se refleja en la fortaleza económica de los Estados Unidos, que ha permitido que un gran número de la burguesía estadounidense emergente comenzara a coleccionar arte contemporáneo en menos de diez años. Han surgido en gran medida varios museos de arte, fundaciones y galerías nacionales y privados. Objetivamente, Estados Unidos tiene una base económica; por otro lado, la estructura imperial supranacional de los Estados Unidos de posguerra y la formación de un sistema cultural comercial y urbano maduro han dado a los estadounidenses una visión del mundo y una visión del mundo. mundo autoemocional que otros países y regiones no tienen nuevas características, que en gran medida proporcionaron nuevos recursos emocionales y antecedentes ideológicos para el nuevo arte estadounidense. Además, el departamento de medios global y el sistema de investigación cultural de élite de las universidades se establecieron en. Los Estados Unidos después de la guerra también proporcionaron objetivamente un resumen teórico y un trasfondo ideológico para el arte estadounidense. La comunicación global proporciona el impulso.
Por supuesto, sería demasiado simplista pensar que Nueva York podría reemplazar a París como centro de arte mundial basándose únicamente en su fuerza económica desarrollada y las amplias ventajas del imperio. De hecho, cuando la economía japonesa despegó en la década de 1980, también gastó mucho dinero comprando arte occidental, pero no se convirtió en un centro de arte, ni siquiera en un centro de arte asiático. ¿El auge del arte americano se debe sin duda a la aparición de personas como Andy? Grandes artistas como Warhol, Leut, Smithsonian y Nauman realmente han cambiado o al menos cuestionado la naturaleza del arte que el arte europeo ha construido durante mucho tiempo, en términos del concepto de arte en sí, arte y comercio, arte y Ha habido grandes avances. en cultura popular, arte y galerías de arte, arte y filosofía, arte e imágenes electrónicas, arte y visión abstracta, etc. Por otra parte, aparte de Beuys, no hubo arte europeo moderno después de la Segunda Guerra Mundial.
El arte moderno se originó en París y el periodo Modernista en Europa. Antes de la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos básicamente sólo estudiaba el futurismo italiano, el constructivismo soviético, el surrealismo y el dadaísmo parisino. Pero después de la Segunda Guerra Mundial, le llegó el turno al hermano mayor europeo de imitar al hermano pequeño estadounidense.
En la década de 1950, después de la Segunda Guerra Mundial, los estadounidenses de clase alta como la familia Rockefeller y artistas como el crítico Greenberg comenzaron a elaborar y promover el arte contemporáneo con el estilo artístico estadounidense. Debido a la oportunidad de la Guerra Fría Cultural, la burguesía de derecha estadounidense representada por el Museo de Arte Moderno de Nueva York y la CIA promovieron conjuntamente el arte expresionista abstracto representado por Pollock y de Kooning como arte puro estadounidense de posguerra para promover Una imagen cultural no ideológica para contrarrestar el arte ideológico socialista. Si bien el arte abstracto todavía surgió de la tradición moderna de Europa, Greenberg enfatizó su carácter de "vaquero" de espíritu libre en la América moderna. El expresionismo abstracto fue en realidad el período incipiente del arte estadounidense con una autoconciencia inflada y un énfasis activo en la no europeización, pero no se desvió esencialmente de la naturaleza básica de la pintura moderna europea.
El profesor Zhao Xiaoming señaló luego que en los libros de texto de arte, a menudo se cree firmemente que la pintura abstracta es una creación original de artistas occidentales, desde Mondrian (1872 ~ 1944, pintor holandés) hasta Kandinsky (1866-1944; pintor ruso), y luego hasta el expresionismo americano, la historia del arte abstracto se fija en el tiempo y el espacio contemporáneos de más de 100 años. Sin embargo, según la comprensión del profesor Zhao, el espíritu interno y los elementos expresivos de la pintura abstracta tienen sus raíces en la tradición artística de China, cuyos orígenes históricos se remontan a la pintura de la dinastía Jin en el año 400 d.C., e incluso a los jeroglíficos y el arte de la caligrafía chinos. Tradición. Él cree que el origen de la pintura abstracta está en Oriente, no en Occidente. La pintura oriental, el arte poético y la tradición filosófica tienen una cosa en común, que es la búsqueda de una "concepción artística" y un énfasis en el reino etéreo que "sólo puede entenderse pero no expresarse con palabras".
La contribución de los artistas occidentales contemporáneos al arte abstracto radica principalmente en la integración de las técnicas de expresión de la pintura al óleo en el arte pictórico occidental, especialmente la aplicación del "color" y el "sentido de la luz" a los elementos de expresión de la pintura abstracta "a mano alzada", formando así el Formación de la pintura occidental moderna. Un género de arte, este es un excelente ejemplo de nueva vida artística después de la integración de las culturas oriental y occidental. Sin embargo, si entendemos la pintura abstracta como obra original de artistas occidentales, estamos poniendo el carro delante del caballo. El profesor Zhao también cree que debido a la influencia de la filosofía racionalista, la pintura abstracta occidental moderna expresa una forma separada del mundo de los objetos, por lo que es una especie de "expresionismo formal" o "abstracción formal". Este "formalismo" carece de la intensidad y profundidad de la vida y carece de integración orgánica con el mundo de las imágenes. Finalmente, como lenguaje artístico, floreció durante un tiempo, pero fue difícil triunfar. Esto puede explicar por qué la pintura abstracta occidental, "de forma en forma", sólo ha pasado por más de 100 años y se ha convertido en agua sin fuente. Sólo volviendo a la tradición estética oriental y tomando la experiencia emocional de la vida como objeto de arte, la pintura abstracta puede mantener la juventud de la vida artística para siempre. En este sentido, el profesor Zhao Xiaoming mencionó específicamente a Wu Shaoqing, un pintor abstracto chino contemporáneo.
La verdadera deseuropeización del arte americano comenzó en las décadas de 1960 y 1970. ¿Andy? Warhol comenzó a identificarse con la cultura comercial y la visión popular estadounidenses. No hay nada de malo en sus numerosos comentarios, obras artísticas y estilo de vida, que enfatizan la comercialización del arte, la cultura popular cool, la creación de estrellas por parte de los artistas y su reconocimiento del materialismo. Esta actitud de "me gusta, por eso estoy aquí" hacia los negocios es al mismo tiempo impensable en la sociedad europea.
Pero, de hecho, ¿otros artistas americanos no son exactamente como Andy? Warhol enfatizó la erosión de los negocios y la capitalización del arte. Las tendencias artísticas más destacadas de la década de 1970 eran en realidad antiempresariales y antisistema, como el terraplén en espiral de 1.500 pies de Earth Artist Smithson en Nevada, Utah Salt Lake; una enorme grieta que tenía 1.500 pies de largo, 50 pies de profundidad y 30 pies de ancho, y * * * explotó 240.000 toneladas de roca; María utiliza rayos naturales para construir un "campo de rayos" con miles de postes de metal en la naturaleza. Estos artistas llevan mucho tiempo creando obras de arte que no se pueden coleccionar en espacios deshabitados y el land art también ha traspasado el concepto de arte dentro de los muros de los museos.
El arte conceptual de Leut también rompió el prejuicio de que el arte estadounidense no tiene ideas filosóficas, llegando casi al extremo de la autosubversión desde el arte moderno europeo, y también sentó las bases ideológicas para la tendencia del arte conceptual que más tarde arrasó con el mundo. . Los propios pensamientos de Leut son rigurosos. Él cree que el arte es ante todo un concepto. Ésta es la explicación teórica más rigurosa del arte conceptual desde Duchamp.
Vale la pena señalar que, aunque la fuerza nacional integral y la base económica de los Estados Unidos alcanzaron su apogeo después de la guerra, de hecho, en los treinta años comprendidos entre los años cincuenta y setenta, los artistas que hicieron Las exploraciones pioneras se encontraban en tiempos de crisis económica extremadamente difíciles. La mayoría de los estadounidenses, las clases media y alta, en realidad no se identificaron ni entendieron estas artes de vanguardia que más tarde ganarían la influencia global y la imagen imperial de Estados Unidos. Pollock era casi indigente en la década de 1950; Las obras de Warhol fueron ignoradas por primera vez en la década de 1960 y luego vendidas en masa una década después. Aunque personas como Hindes casi viven la vida de artistas errantes en el desierto, nunca han abandonado su búsqueda infinita del arte.
En su discurso, el profesor Zhao dijo que un artículo que leyó recientemente, titulado "Arte y Dinero: el curso glorioso del arte contemporáneo chino". El artículo comienza: “En una sala VIP del restaurante y salón New Vision de Shanghai con vistas al Bund, los filetes de ternera condimentados y la lubina frita acompañaron una variedad de platos occidentales, acompañados de ruidosos brindis y vítores sonoros. Aquí no están sentados empresarios ricos ni burócratas. , pero más de 20 artistas chinos de vanguardia contemporánea e invitados como Wang Guangyi, Zhang Xiaogang, Fang Lijun, Yue Minjun y Zeng Fanzhi.
Por supuesto, no están aquí sólo para el gran espectáculo. Comieron un trozo de carne y bebieron de un tazón grande. Vinieron desde Beijing y otros lugares para asistir a la exposición individual de Zeng Hao, otra estrella en ascenso en el mundo del arte contemporáneo chino, un artista de Shanghai. Bebió un sorbo de vino tinto chileno y dijo con un puchero. Ha habido banquetes de este tipo antes, pero ha habido muchos recientemente. "El banquete se celebró un sábado por la noche en Three on the Bund, un edificio histórico construido en 1916. Bajo el alero de Three on the Bund, se encuentran al mismo tiempo la tienda insignia de Armani y la Galería Shen Hu, lo que parece reflejar La brillantez del arte contemporáneo chino. El viaje del “dinero”.
Respecto al orgullo realista de los artistas chinos contemporáneos descrito en este reportaje, el profesor Zhao no hizo ningún comentario ni análisis como de costumbre sobre el sentido general de responsabilidad social, misión, valores y poder moral del artista para buscar la verdad.
Al final del discurso, el profesor Zhao Xiaoming presentó el sistema y los métodos de patrocinio de la cultura y el arte en los Estados Unidos y dijo: Según el presupuesto de 2003 del Fondo Nacional de las Artes, los EE.UU. El gobierno destinó 6.543,8+0,5 mil millones de dólares a la cultura y al arte. El Fondo Nacional de las Artes es la mayor fuente de financiación para artistas y académicos respaldada por el gobierno de Estados Unidos. Se estima que el patrocinio total anual de la cultura y las artes por parte de fondos públicos y privados en Estados Unidos es de 654.380 millones de dólares. La brecha entre estas dos cifras ilustra un mecanismo descentralizado, en gran medida voluntario y altamente dinámico para apoyar causas culturales en Estados Unidos. Aunque el mecanismo estadounidense es diferente de la gestión centralizada de algunos países, está profundamente arraigado en la historia estadounidense y cuenta con un amplio apoyo del pueblo estadounidense.
Relativamente hablando, Estados Unidos sigue siendo un país descentralizado. En los Estados Unidos, muchos de los servicios proporcionados por los estados en otras áreas son brindados por estados y localidades o a través de organizaciones de apoyo. La mayoría de los estadounidenses prefieren llamar a este país gobierno federal, en lugar de gobierno central. El gobierno federal desempeña un papel importante en el mantenimiento de un entorno cultural vibrante, y los individuos, corporaciones y otras organizaciones no gubernamentales estadounidenses proporcionan la mayor parte de la financiación. La ventaja de este sistema es su vitalidad: diversas y cambiantes artes culturales están respaldadas por miles de fuentes de financiación, y casi todos los estados tienen algún canal para proporcionar patrocinio.
El modelo europeo de patrocinio centralizado de la cultura y el arte se originó a partir de la tradición de los nobles reales que apoyaban la cultura y el arte, y luego fue heredado por los países modernos. Por el contrario, Estados Unidos nunca ha tenido una familia real ni una nobleza hereditaria. Estados Unidos mantiene en alto la bandera de la libertad individual para patrocinar la cultura y el arte, y ha establecido un sistema que depende enteramente de organizaciones benéficas privadas, complementadas con patrocinio gubernamental, y fomenta las donaciones privadas.
El gobierno federal proporciona aproximadamente el 2 % de los fondos necesarios para la cultura y las artes, y las agencias estatales y locales proporcionan aproximadamente el 8 %. Sin embargo, el patrocinio gubernamental a menudo puede producir efectos semilla y multiplicadores. Incluso con menos financiación federal, la nueva organización sería importante. Una vez que un artista o una institución artística es reconocido por el gobierno federal, a menudo adquiere cierto estatus a los ojos de los patrocinadores privados. El Fondo Nacional de las Artes, la mayor fuente de financiación federal, estima que cada dólar de financiación gubernamental ayuda a las instituciones beneficiarias a atraer entre 7 y 8 dólares en patrocinio e ingresos privados.
Debido a que muchas decisiones de patrocinio no se toman en Washington, los artistas en Estados Unidos no tienen que ser tan agresivos a la hora de demostrar el valor de su trabajo a los funcionarios gubernamentales. Ninguna agencia gubernamental ha tenido un impacto enorme en la vida cultural estadounidense.
El Fondo Nacional de las Artes nunca ha utilizado sus recursos para imponer su voluntad a la comunidad artística estadounidense. Al mismo tiempo, la filantropía estadounidense es grande y puede patrocinar de manera confiable una gran cantidad de actividades culturales y artísticas. Hay 1.500 teatros profesionales, 1.200 orquestas sinfónicas y alrededor de 120 compañías de ópera en Estados Unidos. En un país que abarca todo el continente americano, donde mucha gente vive lejos de los centros culturales de las grandes ciudades, las políticas de descentralización ayudarán a acercar la cultura y el arte a la gente.
Se puede decir que la mayor contribución del gobierno federal de Estados Unidos a la cultura y el arte son las deducciones fiscales por donaciones caritativas. La mayoría de los estadounidenses pueden deducir las donaciones a organizaciones sin fines de lucro calificadas de sus impuestos sobre la renta adeudados. Incluso sin tales incentivos fiscales, los estadounidenses todavía están dispuestos a patrocinar la cultura y el arte. La cultura de las donaciones caritativas privadas en Estados Unidos es mucho anterior al nacimiento del impuesto sobre la renta. Pero gracias a las exenciones fiscales, las donaciones privadas superan con creces el patrocinio directo del gobierno federal. Se estima que en 2003, el patrocinio total proporcionado por fondos privados a artistas y grupos artísticos fue de 654.380 millones de dólares, de los cuales 42 dólares per cápita en los Estados Unidos provinieron de donaciones individuales y un tercio de fundaciones. , y el resto de corporaciones y empresas.
El patrocinio estadounidense de la cultura y las artes no se limita a donaciones. Los grupos culturales estadounidenses dependen más de la venta de entradas que los países europeos. Por ejemplo, una orquesta estadounidense gana el 40% de las entradas para conciertos, mientras que una orquesta alemana puede recibir el 80% de su patrocinio directamente del gobierno. El sistema estadounidense ayuda a todos a utilizar sus propios dólares en entretenimiento para patrocinar la música, el teatro y la literatura que le gustan.
¿Andrew, el magnate del acero estadounidense? Andrew Carnegie donó 350 millones de dólares, parte de los cuales se utilizó para construir 3.000 bibliotecas públicas y una universidad.
Carnegie dijo una vez: "Decidí detener la acumulación y comenzar la tarea más seria y difícil de distribuir sabiamente la propiedad. Otros gigantes empresariales que establecieron fundaciones incluyen a Henry". ¿Ford, Juan? Rockefeller y cols. Hoy en día, muchos siguen patrocinando la cultura y las artes. No podemos realizar un estudio completo de los esfuerzos culturales y artísticos de Estados Unidos sin comprender el papel fundamental de la interacción entre los sectores público y privado de Estados Unidos.
Los países de todo el mundo esperan patrocinar la cultura y el arte de una manera que sea coherente con los valores específicos y el patrimonio histórico de su país, y crear una rica vida artística y cultural. Estados Unidos apoya la cultura y el arte a través de mecanismos flexibles, utilizando fondos públicos como palanca para fomentar las donaciones privadas y promover la autonomía individual.
Al final del maravilloso discurso de una hora y media, el profesor Zhao Xiaoming dijo: "El poder del arte puede tocar el alma y ampliar la mente".