Una lectura obligada para obtener información útil: debe comprender los tres principales sistemas de enseñanza de música del mundo.
Sistema de educación musical Dalcroze;
Breve introducción de Dalcroze:
Nombre original: Neil Jacques Dalcroze.
El músico y educador suizo nació en Viena, Austria. Nacido el 6 de julio de 1865, fallecido el 6 de julio de 1950.
El salvavidas de Dalcroze:
La etapa de aprendizaje musical de Dalcroze (1865-1889)
Nacido en 1865, su padre era vendedor de relojes. Mi madre es profesora de música. . Comenzó a estudiar piano a la edad de 1871. Comenzó a escribir marchas a la edad de 1872. Cuando tenía 1875, regresé a Ginebra. En 1881, a la edad de 16 años, ingresó en una escuela secundaria para realizar dos años de estudios preparatorios para la universidad, durante los cuales estudió piano y composición en el Conservatorio de Ginebra.
En 1883, a los 18 años, ingresó en la Universidad de Ginebra. En 1884, a los 19 años, vino a París para estudiar teatro. Trabajó en el Teatro Francés y estudió música en. Al mismo tiempo, en 1886, a la edad de 21 años, fue invitado a Argel, en el norte de África, para conocer la música árabe. A la edad de 22 años, viajó con su padre a Viena en 1887, aprobó un riguroso examen y entró en la clase de composición de Anton Bruckner. A la edad de 24 años, fue admitido en el Conservatorio de Música de París en 1889, ingresó en la clase de composición de Fauret y estudió con el famoso compositor Dreb.
Etapa de educación musical de Dalcroze;
1892, 27 años, tras finalizar sus estudios, volvió a trabajar en el Conservatorio de Ginebra, enseñando historia de la música, armonía y canto visual avanzado. y formación auditiva y otros cursos, y también participó en un gran número de actividades de creación musical.
A la edad de 28 años, publicó su primer cancionero en 1893, y muchas de sus canciones fueron inmediatamente cantadas ampliamente.
A la edad de 29 años, publicó el libro de texto de canto visual y entrenamiento del oído "Practice with Pitch" en 1894.
A la edad de 35 años, en 1900 propuso una nueva teoría, que más tarde evolucionó hasta convertirse en el "Método de enseñanza del ritmo corporal".
En 1902, a la edad de 37 años, se vio obligado a dimitir del Conservatorio de Ginebra.
A la edad de 40 años, presentó por primera vez los resultados de su reforma educativa en 1905 en la reunión de la Asociación Suiza de Músicos.
En 1906, a la edad de 41 años, publicó cinco libros del "Método de enseñanza del ritmo corporal de Dalcroze".
En 1910, a la edad de 45 años, su carrera alcanzó la cima cuando fundó el Instituto Dalcroze System en Herelau.
De 1910 a 1914 se establecieron escuelas de ritmo corporal en Alemania, Londres, París, Viena y Nueva York.
En agosto de 1914, a la edad de 49 años, su carrera se vio interrumpida debido al estallido de la Guerra Mundial. De regreso a Ginebra, al año siguiente se fundó en Ginebra la Academia de Dalcroze.
De 1919 a 1930 publicó numerosos libros sobre enseñanza de la música del ritmo corporal, ritmo, música y educación, y arte y educación del ritmo corporal.
Murió en Ginebra en 1950 a la edad de 85 años.
En 1965, cuando tenía 100 años, los suizos realizaron actividades para conmemorar el centenario del nacimiento de Dalcroze y establecieron el Salón Conmemorativo de Dalcroze.
El sistema educativo de Dalcroze:
A partir de la reforma docente del canto visual y el entrenamiento auditivo, después de un largo período de exploración y construcción de las bases teóricas del "ritmo corporal", Enseñanza de improvisación Marcado por su introducción, se estableció un sistema de educación musical completamente nuevo. (Canto visual y entrenamiento auditivo, ritmo corporal, enseñanza de improvisación)
El ritmo corporal es diferente de la gimnasia rítmica y la danza. Básicamente sigue el ejemplo de la música. Utiliza su propio cuerpo como instrumento y experimenta cambios en la velocidad, intensidad y duración del ritmo musical a través de movimientos corporales, y luego "funde" los elementos necesarios para expresar la música en nuestros cuerpos y mentes, desarrollando sinestesia entre el ritmo sonoro y el cuerpo. ritmo, puede reflejar directamente las emociones con nuestros sentidos, capacitando así a los estudiantes para obtener un sentido del ritmo relajado y armonioso a través de la audición.
Dado que el ritmo corporal es un movimiento físico que siente y reproduce la música escuchada, el cuerpo se convierte naturalmente en un instrumento:
Tono-gesto (o cuerpo) dirección y posición en el espacio.
Intensidad de la voz - intensidad del movimiento (músculos)
Color del tono - expresión de diferentes partes del cuerpo
Valor del tiempo - continuación de la acción
Pausa - Pausa
Melodía - Continuidad de cada acción
Contrapunto - Posición de diferentes movimientos, diferentes direcciones.
Acordes: la combinación y superposición de varios movimientos
Frases: pasajes de acción
Forma: la distribución del movimiento en el espacio y el tiempo
El proceso de enseñanza del ritmo corporal comienza con la escucha de música o sonidos rítmicos. Deje que los estudiantes escuchen música primero y provoquen respuestas cinestésicas mediante la escucha y los movimientos corporales. Guíe a los estudiantes para que interactúen con diversos elementos de la música a través de movimientos corporales. Debido a la participación de los movimientos corporales, los elementos musicales se vuelven visibles en las actividades físicas, y las funciones de estos elementos se revelan una por una.
La enseñanza del ritmo corporal convierte a la persona en un instrumento capaz de comprender los requisitos de la música y comprender y expresar la música. A través de este instrumento humanizado, se muestran los elementos centrales de la música y se mejora el arte a través del oído interno y las emociones de los alumnos.
Categorías de movimientos corporales en posturas rítmicas:
Actividades in situ y actividades espaciales (o actividades fijas y actividades móviles)
1. : aplaudir, balancearse, balancearse, dirigir, inclinarse, girar, dar un paso, hablar, cantar.
2. Movimiento espacial: caminar, correr, saltar, brincar, saltar, galopar y deslizarse.
Presta atención a la integridad de los movimientos y practica según los cuatro pasos de preparación, ejecución, continuación y recuperación.
Los profesores de ritmo corporal deben tener capacidad de improvisación.
Su música improvisada debe ser capaz de entrenar, controlar, dirigir y promover los movimientos de los niños. La improvisación en el piano requiere seis condiciones: (1) audición precisa; (2) la capacidad de inventar canciones y tocar melodías (3) coordinación al acompañar la melodía en diferentes métodos y modos (modificaciones).
(4) Lectura a primera vista precisa; (5) Memorizar muchas canciones infantiles, canciones populares, etc. como ejemplos o melodías con efectos dramáticos; (6) Utilizar sonidos musicales para reproducir el ritmo de los movimientos de los niños; la capacidad de los niños pequeños para improvisar movimientos y música.
La relación entre deporte y psicología:
1. Todos los ritmos son movimientos.
2.Todos los movimientos son movimientos corporales.
3.Todos los movimientos requieren tiempo y espacio.
4. En el deporte el espacio y el tiempo se reorganizan a través de sustancias que los transforman en ritmos externos.
5. Los deportes infantiles son deportes puramente físicos y también deportes inconscientes.
6. La experiencia física forma la conciencia.
7. La mejora de los medios físicos produce una percepción inteligente clara y ordenada.
8.Controlar el movimiento es cultivar el sentido del ritmo.
Sistema de educación musical de Kodály;
Resumen del auge de los métodos de enseñanza en Kodály:
Nombre original: Kodály Zoltan, nacido en 1882, fallecido en 1967 ( 85 años). Es un famoso compositor, filósofo y educador musical húngaro.
El sistema educativo de Kodály:
Primero, la secuencia de enseñanza.
2. Métodos de enseñanza (1, método de pasar lista de la primera melodía 2, método de lectura del ritmo 3, espectro de letras 4, uso de gestos 5, método de canto de notas fijas).
En tercer lugar, la fuente de los materiales didácticos.
En cuarto lugar, filosofía de la educación.
La base del método de enseñanza Kodály: el canto.
Objetivos de enseñanza de Kodály:
1. Cultivar en los niños un desarrollo equilibrado de habilidades sociales y talentos artísticos.
2. Cuando los niños crecen, pueden tener ese talento musical. Cuando ven partituras, pueden pensar en sonidos, y cuando leen y graban música, piensan en hablar y escribir.
Primero, la secuencia de enseñanza
La disposición de la secuencia de enseñanza debe respetar la ley del desarrollo de habilidades de los niños, en lugar de basarse en el sistema de materias. La enseñanza basada en el sistema de materias no combina la secuencia del plan de estudios con las características de la capacidad de desarrollo musical de los niños. Solo organiza el contenido de la enseñanza en un orden aparentemente razonable, lo que no favorece el aprendizaje y el desarrollo de la música de los niños.
Kodaly cree que existen varias características en el desarrollo de la capacidad musical de los niños;
1. Las canciones infantiles deben cumplir los siguientes requisitos: no más de seis tonos y el intervalo es mayor. de dos años de duración. Es difícil para los niños pequeños cantar con precisión medio intervalo.
2. Para los niños, los intervalos descendentes son más fáciles de aprender que los intervalos ascendentes, lo que significa que en el nivel principiante, los profesores deben elegir canciones con melodía descendente.
3. Para los niños, el tercer intervalo es más fácil de dominar que el segundo intervalo, y los intervalos grandes como el sexto y el octavo son más difíciles de aprender.
4. Un estudio sobre el rango vocal muestra que los niños tienen más probabilidades de cantar la tercera por encima de F, que es el sonido La.
Segundo, métodos de enseñanza
1. El método de pasar lista de primer tono.
2. Lectura de ritmo.
3. Espectro alfabético.
4. Uso de gestos.
5. Método de canto de notas fijo.
Aplicación de gestos
1. Creación de gestos.
2. Formas básicas de gestos.
3. El principio de los gestos.
4. Aplicación de la gestualidad en la enseñanza práctica.
En tercer lugar, las fuentes de materiales didácticos
1. Juegos, canciones infantiles e himnos en la vida de los niños.
2.
3. Música de composición clásica, es decir, música creada por compositores famosos.
Cuarto, filosofía de la educación
1. La posición central de los cursos de música.
2. La voz es el mejor instrumento musical y juega un papel importante en la enseñanza del canto.
3. El importante papel de la selección del material didáctico.
4. Requisitos estrictos para los profesores.
Una visión general de las ideas didácticas de Kodály;
Métodos de enseñanza adoptados: método de pasar lista, método de lectura rítmica, aplicación de letras y gestos.
Elige canciones populares y música de compositores famosos como material didáctico.
Destacar la importancia de la educación musical temprana.
Promover el uso del sonido como instrumento didáctico.
Creer que la música debe estar en el centro del plan de estudios y la importancia de la educación musical para el desarrollo integral.
Sistema de educación musical de Orff;
Biografía:
Karl Orff (1895-1982) es un compositor y educador musical alemán de fama mundial. Nacido el 10 de julio de 1895 en Munich en el seno de una familia de militares artísticos. Influenciado por su entorno familiar, Carl Orff desarrolló un fuerte interés por la música y el teatro desde temprana edad, lo que sentó las bases para convertirse en un maestro del teatro musical.
La experiencia musical de Orff;
1. La educación artística recibida en la primera infancia.
2. Actividades de teatro musical en la adolescencia.
3. Periodo de estudios en el Conservatorio de Munich.
4. Periodo escolar Gunter.
5. Regreso al periodo de creación de la comedia musical.
6. El desarrollo y la internacionalización de la educación musical Orff.
El concepto de “música original”;
Orff en su libro
“La música original no es de ninguna manera música pura, está relacionada con el movimiento, la danza y el lenguaje está estrechamente integrado; es una música en la que las personas deben participar, no como oyentes sino como intérpretes."
Diferencias entre la música tradicional y las ideas de Orff sobre la educación musical:
1. Música tradicional: Guías educativas que tienden a ser especializadas, basadas en habilidades y técnicas, centrándose en el antiguo modelo de aprendizaje musical basado únicamente en conocimientos de solfeo y habilidades musicales. Ignore las emociones y la experiencia de la música de los estudiantes, e ignore la iniciativa, la subjetividad, la personalidad y la creatividad de los estudiantes en el proceso de aprendizaje.
2. Música Orff: orientada a las personas, concede gran importancia al enorme papel de la educación musical en el desarrollo humano. El objetivo final es aprovechar el potencial interno de las personas a través del aprendizaje musical, cultivar una personalidad sólida y desarrollar. ricas habilidades creativas. Este es el punto de partida y el objetivo final de la educación musical.
Pensamientos de Orff sobre educación musical:
Educación en “música original”: la enseñanza musical se lleva a cabo integrando música, movimiento, danza, lenguaje, juegos, creación, etc. para guiar activamente a los estudiantes. participar en actividades musicales, sentirla y vivirla personalmente, para que los niños puedan integrar naturalmente la música en sus corazones en un ambiente relajado y feliz, logrando así la comunicación entre la música y el alma.
Y en este proceso, se cultiva el carácter de los estudiantes, se promueve el desarrollo de la capacidad de fantasía y la creatividad, y se establece la confianza en sí mismos. Entonces este tipo de estimulación emocional y experiencia, así como la adquisición de diversas habilidades, no son una infusión de conocimiento externo y una formación técnica, sino que se obtienen de forma espontánea, natural e intangible a través de la participación personal.
Pensamientos de Orff sobre educación musical:
1. Abogando por la integralidad.
2. Centrarse en la improvisación y la creatividad.
3. Enfatizar la practicidad.
4. Enfatizar la localización.
5. Para todos.
1. Abogando por la amplitud
La amplitud aquí refleja una vez más su concepto musical "original". La llamada integralidad significa que la forma de educación musical debe ser un arte global que integre la música, la danza y el lenguaje.
Orff creía que expresar pensamientos y emociones es un deseo instintivo de los seres humanos, que se revela naturalmente a través del lenguaje, el canto (incluso tocar instrumentos musicales), la danza y otras formas. Ésta es la habilidad innata del ser humano, es la situación original del ser humano y también es la más cercana al corazón humano. Sólo a través del arte integral original de cantar, caminar, moverse y hablar, los estudiantes pueden encontrar la manera más directa y vívida para que los seres humanos expresen sus emociones, tocando así los corazones de las personas.
En la enseñanza musical de Orff, se debe permitir a los niños combinar lectura, baile, movimientos, juegos y otras actividades mientras cantan y juegan, para que los estudiantes puedan dedicarse de todo corazón al aprendizaje musical. Al mismo tiempo, este proceso de enseñanza integral no solo cultiva las habilidades musicales de los estudiantes (reconocimiento de tonos, memoria de melodías, interpretación de instrumentos, reconocimiento de formas musicales, etc.), sino que también mejora la experiencia emocional de la música de los estudiantes.
2. Centrarse en la improvisación y la creatividad.
Las experiencias de vida de los niños no están determinadas por muchas influencias sociales. La improvisación es un instinto natural y una reacción instintiva que irradia del alma. Por ello, Orff enfatizó la necesidad de guiar activamente a los niños a desarrollar esta creatividad innata en la música. Después de ver una imagen, pueden expresarla musicalmente según su propio entendimiento, improvisando a través de instrumentos sencillos. Cuando no hay instrumentos musicales, pueden tocar música en lugar de música con las manos, los pies, los palillos y los periódicos, lo que refleja plenamente su creatividad en los instrumentos musicales.
Por lo tanto, el método de enseñanza de Orff no es aquí una "regla" fija y cerrada. Su contenido y enfoque generales alientan e inspiran a las personas a crear y organizarse por sí mismas. No se recomienda adoctrinar a los niños con lo que tienen. Pero con orientación e inspiración, los niños pueden dar rienda suelta a su imaginación y creatividad.
3. Enfatizar la practicidad.
Orff cree que la educación musical original es "música en la que las personas deben participar por sí mismas, y las personas participan no como oyentes, sino como intérpretes, por lo que enfatizó que los estudiantes en el proceso de aprendizaje musical, es". necesario para realizar emociones estéticas y experiencias psicológicas como la asociación, la imaginación y los sentimientos emocionales a través de actividades musicales personales. Lograr realmente la correspondencia y comunicación entre la música y el corazón.
4. Enfatizar la localización.
En la educación musical de Orff, abogó por comenzar desde el entorno local, como el idioma, la cultura y el arte con el que los estudiantes están familiarizados, y extraer materiales de la vida con la que los estudiantes están más familiarizados.
Esto puede aumentar el interés de los estudiantes en aprender, ayudarlos a aprender y crecer y lograr buenos resultados en la educación musical. Al mismo tiempo, la cultura nacional ha sido bien heredada y desarrollada.
Una razón importante por la que los pensamientos educativos de Orff son ampliamente reconocidos es que Orff enfatizó partir de la cultura local y respetar la existencia de diversas formas culturales.
5. Para todos
La enseñanza musical de Orff no es sólo para niños, sino también para todos. Todo el mundo merece una educación musical y los métodos de enseñanza de Orff son adecuados para todos.
La aplicación de la práctica de educación musical de Orff en China:
La aplicación del lenguaje en la enseñanza de la música, empezando por la recitación
El papel de los movimientos en la enseñanza de la música Aplicación - movimientos combinados
Aplicación de los instrumentos musicales de Orff en la enseñanza - enseñanza de la música instrumental
(1) Introducir el lenguaje en la enseñanza de la música es una de las ideas de Orff para la enseñanza de la música escolar Gran aporte. El lenguaje es la primera y necesaria habilidad que todo el mundo aprende después del nacimiento. Aprender música con el lenguaje encarna plenamente un principio importante de la educación de los niños, que es comenzar con el entorno y las cosas que les son familiares. Al mismo tiempo, Orff abogó por una educación musical basada en la cultura local y la cultura nacional y local integrada, es decir, la "cultura de la lengua materna" en la educación musical.
El contenido y los métodos del lenguaje en la enseñanza de la música;
1. Observar la enseñanza de la recitación rítmica desde la perspectiva de las palabras y los nombres.
Ejemplos: Wang, Jingjing, Wang, Jingjing.
2. Practica la enseñanza de frases cortas rítmicas utilizando modismos y refranes.
3. Práctica de recitación rítmica de canciones infantiles y rimas infantiles.
Ejemplos de canciones infantiles y rimas infantiles:
Ratoncitos, subid al candelero y robad el aceite. Si no puedes bajar, llama a la abuela. Si la abuela no viene, chirrido, bájate.
Renacuajos con pequeñas colas nadan buscando a sus madres. "Mamá, mamá, ¿dónde estás?", "Ya voy, ya voy". Llegó una rana grande.
Una hormiga vino a llevar el arroz, pero no podía cargarlo. Dos hormigas vinieron a llevar el arroz, colgando aquí y allá. Tres hormigas vinieron a llevar el arroz y lo llevaron suavemente al hoyo.
Sostiene una copa de flores en la mano, toma un sorbo de agua, levanta la cabeza, cierra la boca y escupe el agua con un gorgoteo.
La aplicación de los movimientos en la enseñanza musical-movimientos combinados.
El propósito de la enseñanza acción:
1. Desarrollo equilibrado del cuerpo y la mente.
2. Desarrollar habilidades auditivas, de atención y de reacción.
3. Desarrollar la creatividad.
4. Entrenamiento del ritmo.
5. Desarrollar la educación básica sobre la musicalidad.
La aplicación de los instrumentos Orff en la enseñanza de la música instrumental.
Clasificación y características de los instrumentos Orff:
Categoría 1: Instrumentos de percusión sin serie de tono fijo, que son los que solemos llamar instrumentos de percusión.
Categoría 2: Los instrumentos musicales con tono generalmente se clasifican en función de las materias primas y las características tímbricas del instrumento. Esto se refiere principalmente a instrumentos musicales.
1. Instrumentos de percusión:
(1) Cuero: tambores. Los de uso común, como pandereta, pandereta, caja, tambor grande y pequeño, caja, batería, tambor de fila, timbales, etc.
Características del instrumento: dado que los tambores generales son tambores forrados en cuero con * * sonidos, la característica más importante es que el * * sonido es muy fuerte, el volumen es grande, profundo y rico, y se utiliza como parte de bajo, dando una sensación de estabilidad en medio de un ritmo potente.
(2) Madera: Fabricadas con bambú y madera, como tambores simples, tambores dobles, cajas de ranas (castañuelas), badajos (palos de madera), peces de madera, etc.
Características del instrumento: El sonido es nítido, brillante, corto, discontinuo y con una fuerte granulosidad. Por lo tanto, en la enseñanza, los patrones rítmicos con ritmo complejo y velocidad rápida se utilizan a menudo como "parte melódica", y el ritmo es claro y limpio.
(3) Metal: Fabricado con cobre y otros metales. Como triángulos, campanas, gongs, platillos (de una cara, de dos caras), etc.
Características del instrumento: sonido largo, sonido brillante, fuerte poder de penetración. Los gongs y platillos son ruidosos, así que tenga cuidado al tocar en conjunto. A menudo se utilizan como instrumentos especiales. Los triángulos y los cascabeles se utilizan ampliamente en las aulas, pero su volumen es generalmente pequeño y no es adecuado para tiempos fuertes. Debido a que el sonido persistente persiste y las partículas no son claras, es difícil producir un ritmo con muchas notas y una velocidad rápida, para que no se mezcle con el sonido.
(4) Sanyin: Este tipo de instrumento musical recibe su nombre principalmente en función de sus características de pronunciación, como campanas de metal, Sist (hecho de sacudir muchas piezas pequeñas de hierro), pandereta (otro uso es sacudir el tambor). tiene un pequeño trozo de hierro en su aro (sonaja), varios martillos de arena de bambú y madera (ahora plástico, cáscara de coco), etc.
Características del instrumento: volumen bajo, sonido detallado y dificultad para controlar el ritmo al tocar, por lo que generalmente no es adecuado para ritmos fuertes y tipos de ritmo rápidos y complejos, sino porque la duración del sonido está controlada por Douyin. , es adecuado para tocar Macronote es un instrumento de percusión ideal para sentir la duración del sonido.
2. Instrumentos musicales
Glockenspiel, arpa de metal, xilófono.