El pintor más joven entre los tres artistas italianos destacados durante el Renacimiento, su obra maestra "Madonna Sixtina".
El estilo de sus obras es elegante y bello. Es bueno pintando "dioses" en imágenes "humanas". La Virgen que pintó es la imagen de una madre corriente que vive una vida elegante y de buen corazón. Su obra maestra es el fresco "La Virgen de la Capilla Sixtina". Esta obra refleja el estilo pictórico único y los pensamientos humanistas de Rafael.
Rafael (1483 ~ 1520)
Pintor italiano. Nacido en Urbino el 6 de abril de 1483, fallecido en Roma el 6 de abril de 1520. Su nombre original era Raphael St. George. Estudió pintura con su padre (pintor de la corte del duque de Urbino) desde niño, y posteriormente se trasladó a la escuela de Perugino, donde inició su carrera en 1500. Las primeras obras de Rafael muestran un genio extraordinario. "Las bodas de la Virgen" fue pintada a la edad de 21 años, lo que no sólo demuestra que absorbió plenamente la esencia artística de Perugino, sino que también vino desde atrás e introdujo innovaciones en la composición y la creación de imágenes. En particular, el equilibrio del cuadro, la descripción del fondo y las imágenes dignas y elegantes de la Virgen María y su esposo José son poco comunes en las obras de pintores anteriores. De 1504 a 1508 vivió en Florencia, donde fue restaurado e influenciado por la política, el espíritu democrático y el pensamiento humanista. Al mismo tiempo, comprendió cuidadosamente las características artísticas de los maestros de cada escuela de pintura y aprendió de sus puntos fuertes. En particular, se dedicó a estudiar las técnicas de composición de Leonardo da Vinci y la expresión del cuerpo humano y el estilo heroico de Miguel Ángel, para que su belleza. Su estilo con un espíritu clásico único se hizo cada vez más maduro. Rápidamente logró grandes logros tan famosos como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Sus series de retratos de la Virgen María se diferencian de temas similares pintados por pintores medievales. Todos encarnan ideas humanistas con calidez maternal y aptitud juvenil. Entre los más famosos se encuentran "Notre Dame de Oriole" (Galería de los Uffizi, Florencia), "Notre Dame on the Grass" (Kunsthistorisches Museum, Viena) y "Notre Dame in the Garden" (Museo del Louvre). De 1512 a 1513 pintó el gran óleo "Madonna Sixtina". Las figuras son de tamaño natural, y la composición triangular compuesta por la Virgen y los santos es solemne y equilibrada. La Virgen María y Jesús son fuertes y poderosos, mostrando la alegría y la grandeza del amor maternal. La otra, más alta, es la Virgen de Forino en forma de retablo, así como la Virgen de la Silla y la Virgen de Alba, creadas posteriormente, ambas obras perfectas suyas. Después de 1509, fue invitado por el Papa Julio II a pintar murales en el Palacio del Vaticano, entre los que destacan los murales de la Sala de las Firmas. Las pinturas repartidas por las paredes y el techo de la sala representan cuatro aspectos de la actividad espiritual humana: teología, filosofía, poética y derecho. Además de su estilo pictórico único, sus obras también prestan especial atención a la plena armonía entre la expresión pictórica y la decoración arquitectónica, dando a las personas un sentimiento rico y solemne. Otras obras importantes de este período son: La Expulsión de Heliodoro del Templo y la Misa de Bolshina en el Salón de Eliodoro, El Incendio de Borgo en el Ministerio de Bomberos, Fanet "El Triunfo de Galatea" en Villa Cina. La forma de la imagen y el uso de la luz y el color en estas obras han alcanzado un nuevo nivel y son conocidas como la cúspide del arte mural antiguo y moderno.
Sus retratos también fueron un gran éxito. Tanto físico como espiritual, lleno de encanto. La mayoría de ellos adoptan una postura ligeramente de lado para ocultar el fondo, y en la imagen sólo destaca el comportamiento natural y amigable de los personajes.
Entre sus obras representativas se encuentran "Imagen de Castiglione" e "Imagen de una mujer con velo". El primero describe a un erudito afable y conocedor, lo cual se muestra vívidamente. Este último representa a una niña cuya apariencia es similar a la imagen de la Virgen en las obras del autor, pero cuyo elegante vestido y su fuerte figura representan apropiadamente a la mujer en la vida. En la primavera de 1520 cayó gravemente enfermo y todavía pintaba la Transfiguración de Cristo. Aunque no se completó, las piezas creadas por él siguen siendo brillantes y magníficas, lo que indica que todavía estaba explorando, enriqueciendo y perfeccionando su propio estilo en el último momento de su vida.
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Información 2: Justo cuando Miguel Ángel colocó su famosa escultura de bronce "David" en la plaza del Salón de Gobierno, Daphne Mientras Qi creaba cuidadosamente su obra maestra "Mona Lisa", otro joven llegó a Florencia. Pronto, con su sensibilidad artística única, absorbió las fortalezas de los maestros, la grandeza de Miguel Ángel, la riqueza interior de Masaccio y la agilidad y suavidad de Leonardo da Vinci, y encontró una nueva manera de representar a la dulce y hermosa Virgen con el Niño, que se ganó los elogios. los círculos pictóricos florentinos. Este joven es Rafael, el tercer gigante del Renacimiento italiano. Se puede decir que la "Imagen de la Virgen" de Rafael incluye todas las imágenes de la Virgen del Renacimiento, sin ningún encanto. Se dice que los florentinos de aquella época estaban ansiosos por ver la Virgen pintada por Rafael y deleitarse con ella. Cada obra puede mantener al público entretenido, de modo que cientos de años después, un dicho que alaba a las mujeres se extendió por toda Europa: "Como la Madonna de Rafael".
Rafael (1483 ~ 1520) (Raphael Sanzio) (1483-1520) es un gran pintor italiano. Su nombre original era Raphael St. George. Nació en Urbino el 6 de abril de 1483 y murió en Roma el 6 de abril de 1520. Mi padre era un pintor común en la corte provincial del duque de Urbino. Rafael ha sido influenciado por su padre desde que era niño. Desafortunadamente, perdió a su madre cuando tenía 7 años y su padre murió cuando él tenía 11 años. La duquesa de Urbino lo adoptó. Primero fue enviado con el colega de su padre, Vitti, para aprender pintura, y pronto fue trasladado al estudio de Perugino, el famoso pintor de la Escuela Beluga, donde comenzó su carrera pictórica en 1500. El estilo gentil, claro, sereno y sosegado del maestro, su percepción profunda y refinada y su meticulosa percepción poética tuvieron una gran influencia en Rafael. Rafael siguió a su maestro en la práctica de su técnica fluida de marcar líneas y equilibrar la estructura general de la imagen. Las primeras obras de Rafael muestran un genio extraordinario. "Las bodas de la Virgen", de 21 años, con su atmósfera solemne y sagrada y su estilo pictórico lírico y elegante, no solo demuestra que ha absorbido plenamente la esencia artística de Perugino, sino que también vino desde atrás e hizo innovaciones en composición y creación de imágenes. En particular, el equilibrio del cuadro, la descripción del fondo y las imágenes dignas y elegantes de la Virgen María y su esposo José son poco comunes en las obras de pintores anteriores.
Residió en Florencia de 1504 a 1508, donde se recuperó e influyó por la política, el espíritu democrático y el pensamiento humanista. Al mismo tiempo, comprendió cuidadosamente las características artísticas de los maestros de cada escuela de pintura y aprendió de sus puntos fuertes. En particular, se dedicó a estudiar las técnicas de composición de Leonardo da Vinci y la expresión del cuerpo humano y el estilo heroico de Miguel Ángel, para que su belleza. Su estilo con un espíritu clásico único se hizo cada vez más maduro. Rápidamente logró grandes logros tan famosos como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Sus series de retratos de la Virgen María se diferencian de temas similares pintados por pintores medievales. Todos encarnan ideas humanistas con calidez maternal y aptitud juvenil. Entre los más famosos se encuentran "Notre Dame de Oriole" (Galería de los Uffizi, Florencia), "Notre Dame on the Grass" (Kunsthistorisches Museum, Viena) y "Notre Dame in the Garden" (Museo del Louvre). De 1512 a 1513 pintó el gran óleo "Madonna Sixtina". Las figuras son de tamaño natural, y la composición triangular compuesta por la Virgen y los santos es solemne y equilibrada. La Virgen María y Jesús son fuertes y poderosos, mostrando la alegría y la grandeza del amor maternal. La otra, más alta, es la Virgen de Forino en forma de retablo, así como la Virgen de la Silla y la Virgen de Alba, creadas posteriormente, ambas obras perfectas suyas.
En 1508, Rafael viajó a Roma por recomendación del arquitecto Bramante y fue invitado por el Papa Julio II a pintar un gran mural para el Palacio del Vaticano.
Aquí aprendió el rigor y la simplicidad del arte griego y romano antiguo, gradualmente formó su estilo tolerante y simple y se convirtió en un destacado maestro muralista. Durante este período pintó un gran número de murales, de los cuales "Escuela de Atenas" es su obra representativa. Entre ellos, los murales de la Sala de Firmas se encuentran en todas las paredes y techos de la sala y representan los cuatro aspectos de las actividades espirituales humanas: teología, filosofía, poética y derecho. Además de su estilo pictórico único, sus obras también prestan especial atención a la plena armonía entre la expresión pictórica y la decoración arquitectónica, dando a las personas un sentimiento rico y solemne. Otras obras importantes de este período son: La Expulsión de Heliodoro del Templo y la Misa de Bolshina en el Salón de Eliodoro, El Incendio de Borgo en el Ministerio de Bomberos, Fanet "El Triunfo de Galatea" en Villa Cina. La forma de la imagen y el uso de la luz y el color en estas obras han alcanzado un nuevo nivel y son conocidos como el pináculo del arte mural antiguo y moderno. Sus retratos también han logrado grandes logros, tanto físicos como espirituales, y están llenos de riqueza. encanto. La mayoría de ellos adoptan una postura ligeramente de lado para ocultar el fondo, y en la imagen sólo destaca el comportamiento natural y amigable de los personajes. Entre sus obras representativas se encuentran "Imagen de Castiglione" e "Imagen de una mujer con velo". El primero describe a un erudito afable y conocedor, lo cual se muestra vívidamente. Este último representa a una niña cuya apariencia es similar a la imagen de la Virgen en las obras del autor, pero cuyo elegante vestido y su fuerte figura representan apropiadamente a la mujer en la vida.
En 1514, Rafael presidió la construcción de la Basílica de San Pedro a petición del Papa León X. Durante este período, pintó la Virgen de la Capilla Sixtina, conocida por su estilo dulce y lírico. . Se considera el epítome de todas las estatuas de la Virgen de Rafael y una de las más exitosas. Si las primeras Madonnas de Rafael todavía tienden a tener un temperamento civil, la Madonna de este cuadro ha ascendido al trono de una reina.
En la primavera de 1520, enfermo gravemente, todavía pintaba la Transfiguración de Cristo. Aunque no se completó, las piezas creadas por él siguen siendo brillantes y magníficas, lo que indica que todavía estaba explorando, enriqueciendo y perfeccionando su propio estilo en el último momento de su vida.
El 6 de abril de 1520, el pintor cumplió 37 años y llegó al final de su gran pero corta vida. Se dice que el curandero que lo atendió lo desangró y lo empujó hacia la muerte. Así murió un gran joven artista talentoso. Los italianos lamentaron profundamente su muerte. Para conmemorar su corta y extraordinaria vida, se llevó a cabo una gran ceremonia de entierro y su cuerpo fue enterrado en el Santuario del Panteón de Roma.
Rafael (1483 ~ 1520) Pintor italiano Rafael. Nacido en Urbino el 6 de abril de 1483, fallecido en Roma el 6 de abril de 1520. Su nombre original era Raphael St. George. Estudió pintura con su padre (pintor de la corte del duque de Urbino) desde niño, y posteriormente se trasladó a la escuela de Perugino, donde inició su carrera en 1500. Las primeras obras de Rafael muestran un genio extraordinario. "Las bodas de la Virgen" fue pintada a la edad de 21 años, lo que no sólo demuestra que absorbió plenamente la esencia artística de Perugino, sino que también vino desde atrás e introdujo innovaciones en la composición y la creación de imágenes. En particular, el equilibrio del cuadro, la descripción del fondo y las imágenes dignas y elegantes de la Virgen María y su esposo José son poco comunes en las obras de pintores anteriores.
Residió en Florencia de 1504 a 1508, donde se recuperó e influyó por la política, el espíritu democrático y el pensamiento humanista. Al mismo tiempo, comprendió cuidadosamente las características artísticas de los maestros de cada escuela de pintura y aprendió de sus puntos fuertes. En particular, se dedicó a estudiar las técnicas de composición de Leonardo da Vinci y la expresión del cuerpo humano y el estilo heroico de Miguel Ángel, para que su belleza. Su estilo con un espíritu clásico único se hizo cada vez más maduro. Rápidamente logró grandes logros tan famosos como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Su serie de retratos de la Virgen María se diferencia de temas similares pintados por pintores medievales, todos los cuales encarnan ideas humanistas con calidez maternal y aptitud juvenil. Entre los más famosos se encuentran "Notre Dame de Oriole" (Galería de los Uffizi, Florencia), "Notre Dame on the Grass" (Kunsthistorisches Museum, Viena) y "Notre Dame in the Garden" (Museo del Louvre). De 1512 a 1513 pintó el gran óleo "Madonna Sixtina". Las figuras son de tamaño natural, y la composición triangular compuesta por la Virgen y los santos es solemne y equilibrada.
El anciano con una túnica dorada es el Papa Sisko, quien hace un gesto de bienvenida a la Virgen y al Niño. La joven ligeramente arrodillada es Vovara, discípula de la Virgen María. Bajó los ojos con devoción y arqueó el rostro, mostrando un atisbo de timidez, mostrando respeto y obediencia al Hijo de la Virgen María. La Virgen del medio es regordeta y grácil, de expresión facial digna y serena, bella y tranquila. Los dos angelitos en cuclillas miraron la llegada de la Virgen con los ojos muy abiertos. La inocencia de la inocencia estaba vívidamente pintada. Las famosas pinturas de Rafael captan adecuadamente la belleza y la santidad, la admiración y la admiración, mostrando elegancia, feminidad, armonía y estilo animado, brindando así a las personas un disfrute espiritual fresco, puro, noble y sublimado.
2. Madre e hijo, Colección Nacional de Arte, Washington, EE. UU.
Rafael dio nueva vida a la belleza antigua. En sus pinturas, el arte antiguo cobra nueva vida y se desarrolla hacia una forma nueva y diferente de perfección. Los logros de Rafael representan el nivel más alto de la pintura renacentista.
Este retrato de la Virgen fue pintado en 1505 y se titula "Madre e Hijo". Vemos a la Virgen sentada en un taburete, con dulzura y escenografía tras ella. En este día soleado pudimos ver las montañas lejanas mezclándose con el cielo azul claro.
Los arbustos de la derecha nos llaman la atención sobre la ermita del cerro. Esto nos recuerda que la joven madre y su bebé pertenecen al mundo religioso. Los dos halos que rodean las cabezas de la madre y el niño son símbolos de su santidad. Rafael no necesitaba este símbolo para expresar lo que quería expresar. Pintó a su joven madre con tanta dulzura y su rostro soñador con tanta ternura que cuando la miramos sólo podemos pensar en la Virgen.
Sus grandes ojos no veían nada en absoluto, pues seguían sus pensamientos. Estaba tan perdida en sus pensamientos que pareció no darse cuenta de que el niño Jesús colocaba sus piececitos sobre sus rodillas. Sostuvo al bebé en su otro brazo.
Mientras juntamos sus manos y su rostro para comprender, sentimos como si se hubiera olvidado del bebé y estuviera pensando en Jesús y su futuro.
Comparado con su madre, era natural que el niño Jesús fuera más grande que otros niños de su edad. La forma en que Rafael creó el retrato del niño estableció el papel central de Jesús en la pintura.
Al observar el rostro de la Virgen María, se pueden ver los contornos suaves, los ojos grandes, la nariz recta y la boca pequeña, que están en consonancia con la venerable forma creada por el destacado escultor griego Plaxi Torres. El retrato de Si es sorprendentemente similar. Esto se debe a que Rafael era un artista del Renacimiento que había estado estudiando el arte antiguo. Pero hay diferencias. Rafael pintó el rostro de la Virgen con más dulzura. Hizo las expresiones de las diosas antiguas más delicadas y suaves, dando un nuevo significado cristiano a una antigua obra de arte pagano.
3. Escuela de Atenas
Uno de los tres murales gigantes pintados por Rafael para el Palacio del Vaticano. En el cuadro de la Academia de Atenas, el autor reúne a filósofos y pensadores famosos desde la antigua Grecia, entre ellos Aristóteles, Sócrates, Platón, Pitágoras y el propio artista. Todo el mural está lleno de una fuerte atmósfera de investigación académica y debate libre. Todas las personas actúan según su propia voluntad y personalidad sin restricciones. Estaban charlando juntos o pensando solos. Las figuras están de pie, sentadas o caminan lentamente. Los artistas humanistas siempre intentan dar total libertad a los personajes de la pantalla. Si los murales de Miguel Ángel elogian la infinita fuerza de voluntad y la creatividad del hombre, entonces la "Escuela de Atenas" de Rafael es un himno consciente y sobrio. En esta pintura, Rafael no sólo creó las imágenes típicas de esos pensadores, sino que también reveló sus diferentes características de personalidad y su rica perspectiva espiritual. Además, utilizó inteligentemente las características del edificio en la composición, conectando el fondo de la imagen y la perspectiva del edificio con los arcos de medio punto del edificio real de enfrente, ampliando el efecto espacial del mural y haciendo que el edificio pareciera más espacioso y majestuoso.
Rafael nació después de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, y murió más de 40 años antes que Miguel Ángel, sólo un año después que Leonardo. Fue un artista de corta duración.
Si tuviera que usar algunas palabras para describir a Rafael, serían armonía, armonía, alegría, belleza y gentileza.
Este no es solo el estilo de pintar, sino también el trato a los demás. Al igual que Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, estuvo bajo la majestad del Papa Julio II, quien amaba el arte y la cultura, pero Rafael y Julio II se llevaban bien. Más tarde, a Leo X también le gustó más Rafael. Era un joven al que todos amaban.
Esta característica ciertamente afectó a su estilo pictórico.
1. Virgen María: el concepto de belleza absoluta existe en este mundo.
Rafael es más famoso por su "Madonna". La Virgen en sus obras es sublime para lo común, una madre plebeya, sencilla, amable y afable, llena de amor maternal y humanidad. El fondo de la Virgen es a menudo un hermoso paisaje pastoral. Dos niños jugando de rodillas, sin estoicismo alguno, alabando la belleza de las mujeres corrientes. Expresó su humanismo a través de la imagen de la Virgen.
La Virgen de Rafael es extremadamente hermosa. Esta belleza es característica de todas las bellezas. Es imposible encontrar una forma tan perfecta en una mujer hermosa. Entonces Rafael expresó su creencia a través de la Virgen María: creía que hay una belleza ideal en este mundo, una belleza absoluta.
Esta armonía y cualidad humanística ideal aparecieron frente a Rafael en otro tema cuando se ocupó de los frescos de la Sala de las Firmas en el Vaticano.
El Renacimiento, a través del estudio del arte y la cultura griega y romana, se alejó de los conceptos estéticos de la Edad Media. En ese momento, se convirtió en una tendencia entre los eruditos coleccionar artefactos antiguos, especialmente arte de la época grecorromana. Sin embargo, de esta manera, muchos mitos y filosofías griegas y romanas surgieron en la sociedad cristiana. Para muchos cristianos, la influencia de la cultura pagana y grecorromana en el cristianismo debe haber sido muy fuerte.
No sé si influenciado por la época o por sus propias características. En resumen, el Papa Julio II fue en realidad un Papa que amaba la literatura grecorromana. Debe manejar adecuadamente esta situación en la que la fe se encuentra con la fe y la cultura se encuentra con la cultura. Aunque Julio II era conocido por ser autocrático y beligerante, era sorprendentemente tolerante con el arte y la cultura.
2. Escuela de Atenas: teología, filosofía, mitología, fe, omnicomprensiva.
Cuando Rafael tenía 25 años, Julio II lo invitó a pintar murales para la Sala de Firmas del Palacio del Vaticano.
En este lugar tan solemne, ¿qué se debe pintar en el mural? Después de un largo intercambio de opiniones con el Papa y eruditos, Rafael decidió pintar basándose en la poesía del poeta de la Sinyardur, con el contenido de elogiar la teología, la filosofía, la poesía y el derecho.
Rafael pintó cuatro frescos en las cuatro paredes: La controversia de los sacramentos en teología, La escuela de filosofía de Atenas, El monte Parnabás en poesía y Las tres virtudes en la ley. El Debate de los Sacramentos es un fresco cortado por Rafael en dos partes: la parte superior muestra a Dios, Jesús, la paloma, Juan Bautista, María y los apóstoles. La parte central muestra al querubín abriendo el Evangelio. Entre los santos que han discutido sobre la Santa Misa se incluyen Domingo, Francisco, Tomás de Aquino, Dante y muchos más. También hubo cuatro padres de la iglesia que formularon la doctrina: Jerónimo, Grigory, Afrodita y Agustín. Rafael expresa la formación de la teología y la doctrina a través de la reunión de figuras de diferentes épocas, que es la reunión de sabiduría y participación de varios sabios de la historia. Incluyen varios procesos de estudio bíblico, reflexión, oración, práctica de fe y debate. Y Dios estuvo involucrado en todo este proceso histórico.
El "Debate Sacramental" está justo enfrente de la "Academia de Atenas". Las dos pinturas son simétricas para mostrar el equilibrio entre la "verdad revelada" (doctrina teológica) y la "búsqueda racional de la verdad" (filosofía).
En el cuadro "Escuela de Atenas", Rafael reunió en un solo espacio a personas de diferentes épocas, incluidos más de 50 filósofos, artistas y científicos de la antigua Grecia, Roma y la Italia contemporánea. y admirar la armonía de la sabiduría humana. En un solo cuadro se reúnen tantos filósofos, y Rafael representa hábilmente diferentes personajes de la manera más comprensible y sensata según sus características ideológicas personales.
En el lado izquierdo del cuadro se encuentran las estatuas de Atenea, la diosa de la sabiduría, y Apolo, el dios de la literatura y el arte.
En el centro están Platón (con los dedos de Timeo bajo el brazo) y Aristóteles (con los dedos de la Ética en una mano). Ésta es la disputa entre idealismo y materialismo en la antigua Grecia. Rafael pintó a Platón con el rostro de Leonardo da Vinci para mostrar su respeto por Leonardo da Vinci. También hay eruditos en la imagen, como Pitágoras, Epicuro, Heráclito (es el primer representante destacado de la "dialéctica ingenua" y el "materialismo" en Occidente), el antiguo filósofo cínico griego Theo Genius, Sócrates, Alejandro, el estoico. El filósofo Zenón, Euclides, Ptolomeo y luego Rafael también se escondieron en la pintura para expresar su deseo de entrar en este lugar donde la gente se reúne y participa.
Si analizamos únicamente los temas de teología y filosofía, encontramos que se trata de un estilo de Rafael consistente, al igual que su Virgen, que muestra su humanismo armonioso e ideal a través de murales teológicos y filosóficos.
La temática de la tercera pared es la poética. Rafael pintó el monte Parnabas con Apolo, el santo patrón del arte y la literatura, como centro, rodeado por nueve diosas de la literatura y poetas antiguos y modernos a cargo de la literatura, el arte y la ciencia.
Para el último muro de la ley, Rafael pintó las "Tres Virtudes", que incluían la Verdad "una mujer mirándose en el espejo", el Poder "con sus pies sobre un león sosteniendo una rama que representa la ley", y Templanza "sujeta la cuerda y mira al cielo"). Además, los murales a ambos lados de la ventana dicen "El emperador Justiniano promulgó un código" y "El Papa Grigory promulgó un decreto", lo que indica que el poder político y el poder religioso deben ser iguales, pero la diferencia es una. Esto muestra una vez más las características del humanismo de Rafael.
3. La Virgen Sixtina y el Señor fueron ambos transfigurados: Dios tiene misericordia de nuestro sufrimiento.
Muchos conocedores de la pintura creen que Rafael era demasiado feliz. Comparado con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, resolvió sus conflictos internos a una edad muy temprana, por lo que rara vez mostró una fuerza sobrehumana para promover la grandeza de su alma. Sus pinturas son hábiles, pero no obras de profundas emociones o creencias.
Él cumplió y complació al Papa, balanceándose felizmente entre la Virgen y su amante, conciliando creencias paganas y cristianas. No profundizó en los misterios y conflictos de la vida o la fe, sino que sólo deseaba la lujuria y la alegría de la vida, la creación y posesión de la belleza, la lealtad de amigos y amantes. Él nos trae paz, no hace preguntas, no crea dudas ni miedos, no entra en conflicto con la razón y las emociones, y no entra en conflicto con el cuerpo y el alma. Lo que ve es la armonía de los opuestos. Su arte idealizaba todo, la religión, las mujeres, la música, la filosofía, la historia e incluso la guerra. Su propia vida era demasiado tranquila y feliz. ¿Es este comentario completamente correcto? Las últimas pinturas de Rafael revelan algunas pistas que difieren de su estilo anterior.
Una es su Virgen Sixtina (llamada así en honor al Papa Sixtino II). La Virgen Sixtina es diferente de las estatuas de Madonna anteriores. Rafael dejó que la Virgen Sixtina caminara lentamente hacia la gente. Para que la Virgen en el altar se sienta como si estuviera caminando hacia la gente, Rafael hizo que su pintura tuviera tres puntos horizontales (ángeles querubines, santos, Virgen), de modo que cuanto más se acerca el espectador a la pintura, más camina la Virgen hacia gente. . Además, se abandona el método general de la distancia, haciendo que la distancia entre las personas del cuadro sea muy borrosa e irreal, y la melodía elíptica del movimiento (a través de los pliegues de la ropa y la disposición de los colores) se suma a la composición estable del cuadro. pirámide.
Este abandono de la forma más importante del Renacimiento muestra que la Virgen no era sólo una idea de belleza absoluta, sino una Virgen a la que uno podía aferrarse.
¿Qué significa la virgen que llora sobre ella?
Veamos su último trabajo. Se dice que antes de morir, Rafael pidió que lo colocaran al final de su cama para poder verlo morir. Se puede decir que son las últimas palabras del pintor.
El tema de la obra es “La Aparición del Señor”, que describe la gloria del Hijo de Dios de Cristo. Rafael pintó en esta escena a dos discípulos jugando junto a la Gloria de Cristo. Sin embargo, debajo del cuadro, pintó la agitación del mundo: prostitutas, criminales, paralíticos, pacientes con epilepsia... Todos señalaban sus manos o miraban a Jesús. Para ellos, la aparición del Señor no era sólo una historia histórica, sino una necesidad urgente que esperaban ansiosamente en cada momento de sus vidas.
4. El significado de las obras posteriores: la inefable experiencia misteriosa
Por qué Rafael pasó de la armonía, la alegría, el equilibrio y la tolerancia a la grandeza de la razón, la sensibilidad, el conocimiento y la ¿Fe en sus últimos años?, hacia la descripción de la compasión y el sufrimiento por las personas. ¿El tema del cuadro también cambia de la belleza a la esperanza en el sufrimiento? Incluso provocó una división en la historia del arte, que atribuyó las últimas obras de Rafael a la ilustración de otra época. Independientemente de la importancia de este cambio en el estilo de la pintura para la puesta en escena de la historia de la pintura, incluso si el estilo de la pintura vuelve a cambiar, seguirá siendo el estilo de Rafael, pero es innegable que Rafael está pasando de los temas de la pintura a otra experiencia misteriosa. Esta fue la indescriptible experiencia mística de Rafael. Por lo tanto, Rafael no hace preguntas, no entra en conflicto con la razón y las emociones, y no entra en conflicto con el cuerpo y el alma. Lo que vio fue armonía. Eso no es del todo justo. En cambio, Rafael se ocupó de los conflictos y luchas del alma, y al final colocó al solucionador en Cristo y la Virgen María entrando en el mundo del sufrimiento. Debido a que fue una experiencia misteriosa e indescriptible, ¡dejó sus últimas palabras a través de la pintura!
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