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Sin embargo, en el pasado, la comprensión simplificada del arte chino y el pensamiento oriental en los Estados Unidos y Europa dominó toda la historia del arte, y los círculos artísticos estadounidenses y europeos básicamente carecían de interés y contacto con los chinos existentes. cultura. Los maestros occidentales describen la historia del arte moderno porque sentían que no tenían nada que aprender del arte chino contemporáneo, aunque algunos artistas continuaron buscando intersecciones con el arte y el pensamiento orientales premodernos. Aunque el mundo actual se encuentra en una era de globalización, en la que los viajes interculturales y la circulación de información a alta velocidad son muy convenientes, la asimetría cognitiva entre Oriente y Occidente que existía en las décadas de 1920 y 1930 todavía existe hoy, es decir, los artistas contemporáneos chinos saben que sus homólogos estadounidenses y europeos hagan algo, y no al revés.
Desde que entramos en el siglo XXI, los estadounidenses se han interesado cada vez más por el arte chino contemporáneo, pero este interés está impulsado por la creciente integración de la economía china y la economía mundial, y por los curadores, no por los curadores. de artistas estadounidenses, y esta motivación a menudo debe sentirse en las exposiciones de arte comerciales estadounidenses, más que en los centros creativos y universidades de artistas estadounidenses. Por supuesto, algunas actividades académicas y exposiciones influyentes ya han comenzado en Estados Unidos. Por ejemplo, "Art on Capitol Hill" está copatrocinado por el Instituto de Estudios Culturales Asiáticos, la Biblioteca del Congreso y el Centro Nacional de Folklore. Estas actividades de intercambio y exposiciones se pueden llamar progreso. El poder cultural original de Oriente y Occidente ha sufrido cambios sutiles aquí, pero el profesor Zhao Xiaoming cree que esto no es suficiente. Está de acuerdo en que el arte chino contemporáneo aún puede brillar en la visión occidental centrada en Estados Unidos en el futuro cercano. Aunque en la actualidad, David Clark todavía cree que el arte contemporáneo chino es una novedad temporal para Occidente, o que el mundo oriental, que se parece cada vez más a Occidente, está aprendiendo el lenguaje del "arte" occidental como una especie de alivio. Por ejemplo, las obras de Wang Guangyi anularon los métodos de retrato de la Revolución Cultural, ridiculizaron el productismo e hicieron concesiones a la cosmovisión capitalista. Hasta cierto punto, esto es fácil de entender para las personas que apoyan los valores capitalistas. Esta interpretación hace que estas obras sean totalmente consistentes con la ideología de la desintegración del socialismo en todo el mundo que guió la política exterior de Estados Unidos en la era posterior a la Guerra Fría. Otras cosas en la obra solo se consideran colores regionales. Incluso si hay algunos rastros políticos obvios en el patrón, son seguros y controlables. No representan ningún desafío para los valores o sistemas nacionales estadounidenses. impacto en el status quo de Occidente. Antes de la desintegración de la ex Unión Soviética, las obras de algunos artistas de vanguardia de la ex Unión Soviética eran muy buscadas en los Estados Unidos. Estas obras eran consideradas por los coleccionistas estadounidenses y europeos como "la auténtica voz de una minoría bajo el régimen". presión del totalitarismo." Sin embargo, después del colapso de la Unión Soviética, se sorprendieron al descubrir que estas obras realistas que verdaderamente reflejaban la vida de las personas se habían convertido en un espectáculo importante en la antigua Unión Soviética, destrozando la imaginación de los coleccionistas estadounidenses y europeos sobre las formas de vida socialistas. Una vez los precios fueron altísimos. También cayeron al suelo.
Él cree que el origen de la pintura abstracta está en Oriente, no en Occidente. La pintura oriental, la poesía y la tradición filosófica tienen una cosa en común, que es la búsqueda de una "concepción artística" y un énfasis en el reino etéreo que "sólo puede entenderse pero no expresarse con palabras". La contribución de los artistas occidentales contemporáneos al arte abstracto radica principalmente en la integración de las técnicas de expresión de la pintura al óleo en el arte pictórico occidental, especialmente la aplicación del "color" y el "sentido de la luz" a los elementos de expresión de la pintura abstracta "a mano alzada", formando así el Formación de la pintura occidental moderna. Un género de arte, este es un excelente ejemplo de nueva vida artística después de la integración de las culturas oriental y occidental. Sin embargo, si entendemos la pintura abstracta como obra original de artistas occidentales, estamos poniendo el carro delante del caballo. El profesor Zhao también cree que debido a la influencia de la filosofía racionalista, la pintura abstracta occidental moderna expresa una forma separada del mundo de los objetos, por lo que es una especie de "expresionismo formal" o "abstracción formal". Este "formalismo" carece de la intensidad y profundidad de la vida y carece de integración orgánica con el mundo de las imágenes. Finalmente, como lenguaje artístico, floreció durante un tiempo, pero fue difícil triunfar. Esto puede explicar por qué la pintura abstracta occidental, "de forma en forma", sólo ha pasado por más de 100 años y se ha convertido en agua sin fuente. Sólo volviendo a la tradición estética oriental y tomando la experiencia emocional de la vida como objeto de arte, la pintura abstracta puede mantener la juventud de la vida artística para siempre. En este sentido, el profesor Zhao Xiaoming mencionó específicamente a Wu Shaoqing, un pintor abstracto chino contemporáneo. La verdadera deseuropeización del arte americano comenzó en los años sesenta y setenta. Andy Warhol comenzó a identificarse con la cultura comercial y la visión popular estadounidenses. No hay nada de malo en sus discursos masivos, obras de arte, estilo de vida, énfasis en la comercialización del arte, cultura popular cool, estrellato de los artistas e identificación con el materialismo. Esta actitud de "me gusta, por eso estoy aquí" hacia los negocios es al mismo tiempo impensable en la sociedad europea.
Pero, de hecho, otros artistas estadounidenses no enfatizaron completamente la erosión del arte y la capitalización del arte por parte de empresas como Andy Warhol. Las tendencias artísticas más destacadas de la década de 1970 fueron en realidad anticomerciales y antisistema, como el terraplén en espiral de 65,438-0,500 pies de Smithson en Salt Lake de Utah; Hindes creó un terraplén en espiral de 1,500 pies de largo y 50 metros en Nevada. Una enorme grieta de 30 pies de profundidad y 30 pies de ancho * * * explotó 240.000 toneladas de roca; De María utilizó rayos naturales para construir un "campo de rayos" con miles de postes de metal en la naturaleza. Estos artistas llevan mucho tiempo creando obras de arte que no se pueden coleccionar en espacios deshabitados y el land art también ha traspasado el concepto de arte dentro de los muros de los museos.
El arte conceptual de Leut también rompió el prejuicio de que el arte estadounidense no tiene ideas filosóficas, llegando casi al extremo de la autosubversión desde el arte moderno europeo, y también sentó las bases ideológicas para la tendencia del arte conceptual que más tarde arrasó con el mundo. . Los propios pensamientos de Leut son rigurosos. Él cree que el arte es ante todo un concepto. Ésta es la explicación teórica más rigurosa del arte conceptual desde Duchamp.
Vale la pena señalar que, aunque la fuerza nacional integral y la base económica de los Estados Unidos alcanzaron su apogeo después de la guerra, de hecho, en los treinta años comprendidos entre los años cincuenta y setenta, los artistas que hicieron Las exploraciones pioneras se encontraban en tiempos de crisis económica extremadamente difíciles. La mayoría de los estadounidenses, las clases media y alta, en realidad no se identificaron ni entendieron estas artes de vanguardia que más tarde ganarían la influencia global y la imagen imperial de Estados Unidos. Pollock estaba casi en la indigencia en la década de 1950; las obras de Andy Warhol fueron ignoradas por primera vez en la década de 1960 y se vendieron en masa una década después. Aunque personas como Hindes casi viven la vida de artistas errantes en el desierto, nunca han abandonado su búsqueda infinita del arte.
En su discurso, el profesor Zhao dijo que un artículo que leyó recientemente, titulado "Arte y Dinero: el curso glorioso del arte contemporáneo chino". El artículo comienza: “En una sala VIP del restaurante y salón New Vision de Shanghai con vistas al Bund, el carpaccio de ternera con pimienta y la lubina frita acompañaron una variedad de platos occidentales, acompañados de ruidosos brindis y vítores sonoros. Aquí sentados no hay empresarios ricos ni burócratas. , pero más de 20 artistas chinos de vanguardia contemporánea e invitados como Wang Guangyi, Zhang Xiaogang, Fang Lijun, Yue Minjun y Zeng Fanzhi.
Por supuesto, no están aquí sólo para el gran espectáculo. . Come un trozo de carne y bebe de un cuenco grande.
Vinieron desde Beijing y otros lugares para participar en la exposición individual de nuevas obras de Zeng Hao, otra estrella en ascenso en el mundo del arte contemporáneo chino. Zhou Tiehai, un artista de Shanghai, tomó un sorbo de vino tinto chileno, hizo un puchero y dijo: Ha habido banquetes de este tipo antes, pero recientemente ha habido más. El banquete se celebró un sábado por la noche en el número 3 del Bund, un edificio histórico construido en 1916. Bajo el alero de Three on the Bund, se encuentran al mismo tiempo la tienda insignia de Armani y la Galería Shen Hu, lo que parece reflejar la gloriosa historia del "dinero" del arte contemporáneo chino. Respecto al orgullo realista de los artistas chinos contemporáneos descrito en este reportaje, el profesor Zhao no hizo ningún comentario ni análisis como de costumbre sobre el sentido general de responsabilidad social, misión, valores y poder moral del artista para buscar la verdad.
Al final del discurso, el profesor Zhao Xiaoming presentó el sistema y los métodos de patrocinio de la cultura y el arte en los Estados Unidos y dijo: Según el presupuesto de 2003 del Fondo Nacional de las Artes, los EE.UU. El gobierno proporcionó 654,38 mil millones de dólares para la cultura y el arte. El Fondo Nacional de las Artes es la mayor fuente de financiación para artistas y académicos respaldada por el gobierno de Estados Unidos. Se estima que el patrocinio total anual de la cultura y las artes por parte de fondos públicos y privados en Estados Unidos es de 654.3802 millones de dólares. La brecha entre estas dos cifras ilustra un mecanismo descentralizado, en gran medida voluntario y altamente dinámico para apoyar causas culturales en Estados Unidos. Aunque el mecanismo estadounidense es diferente de la gestión centralizada de algunos países, está profundamente arraigado en la historia estadounidense y cuenta con un amplio apoyo del pueblo estadounidense.
Relativamente hablando, Estados Unidos sigue siendo un país descentralizado. En los Estados Unidos, muchos de los servicios proporcionados por los estados en otras áreas son brindados por estados y localidades o a través de organizaciones de apoyo. La mayoría de los estadounidenses prefieren llamar a este país gobierno federal, en lugar de gobierno central. El gobierno federal desempeña un papel importante en el mantenimiento de un entorno cultural vibrante, y los individuos, corporaciones y otras organizaciones no gubernamentales estadounidenses proporcionan la mayor parte de la financiación. La ventaja de este sistema es su vitalidad: diversas artes culturales en constante cambio están respaldadas por miles de fuentes de financiación, y casi todos los estados tienen algún canal para proporcionar patrocinio.
El modelo europeo de patrocinio centralizado de la cultura y el arte se originó a partir de la tradición de los nobles reales que apoyaban la cultura y el arte, y luego fue heredado por los países modernos. Por el contrario, Estados Unidos nunca ha tenido una familia real ni una nobleza hereditaria. Estados Unidos mantiene en alto la bandera de la libertad individual para patrocinar la cultura y el arte, y ha establecido un sistema que depende enteramente de organizaciones benéficas privadas, complementadas con patrocinio gubernamental, y fomenta las donaciones privadas.
El gobierno federal proporciona aproximadamente el 2 % de los fondos necesarios para la cultura y las artes, y las agencias estatales y locales proporcionan aproximadamente el 8 %. Sin embargo, el patrocinio gubernamental a menudo puede producir efectos semilla y multiplicadores. Incluso con menos financiación federal, la nueva organización sería importante. Una vez que un artista o una institución artística es reconocido por el gobierno federal, a menudo adquiere cierto estatus a los ojos de los patrocinadores privados. El Fondo Nacional de las Artes, la mayor fuente de financiación federal, estima que cada dólar de financiación gubernamental ayuda a las instituciones beneficiarias a atraer entre 7 y 8 dólares en patrocinio e ingresos privados.
Debido a que muchas decisiones de patrocinio no se toman en Washington, los artistas en Estados Unidos no tienen que ser tan agresivos a la hora de demostrar el valor de su trabajo a los funcionarios gubernamentales. Ninguna agencia gubernamental ha tenido un impacto enorme en la vida cultural estadounidense.
El Fondo Nacional de las Artes nunca ha utilizado sus recursos para imponer su voluntad a la comunidad artística estadounidense. Al mismo tiempo, la filantropía estadounidense es grande y puede patrocinar de manera confiable una gran cantidad de actividades culturales y artísticas. Hay 1.500 teatros profesionales, 1.200 orquestas sinfónicas y alrededor de 120 compañías de ópera en Estados Unidos. En un país que abarca todo el continente americano, donde mucha gente vive lejos de los centros culturales de las grandes ciudades, las políticas de descentralización ayudarán a acercar la cultura y el arte a la gente.
Se puede decir que la mayor contribución del gobierno federal de Estados Unidos a la cultura y el arte son las deducciones fiscales por donaciones caritativas. La mayoría de los estadounidenses pueden deducir las donaciones a organizaciones sin fines de lucro calificadas de sus impuestos sobre la renta adeudados. Incluso sin tales incentivos fiscales, los estadounidenses todavía están dispuestos a patrocinar la cultura y el arte. La cultura de las donaciones caritativas privadas en Estados Unidos se remonta al nacimiento del impuesto sobre la renta mucho antes. Pero gracias a las exenciones fiscales, las donaciones privadas superan con creces el patrocinio directo del gobierno federal.
Se estima que en 2003, el monto total del patrocinio de artistas y grupos artísticos por parte de fondos privados fue de 654.380,2 millones de dólares, de los cuales 42 dólares per cápita en los Estados Unidos procedieron de donaciones individuales. fundaciones, y el resto de corporaciones y empresas.
El patrocinio estadounidense de la cultura y el arte no se limita a donaciones. Los grupos culturales estadounidenses dependen más de la venta de entradas que los países europeos. Por ejemplo, una orquesta estadounidense gana el 40% de las entradas para los conciertos, mientras que una orquesta alemana puede recibir el 80% del patrocinio directamente del gobierno. El sistema estadounidense ayuda a todos a utilizar sus propios dólares en entretenimiento para patrocinar la música, el teatro y la literatura que le gustan.
El magnate siderúrgico estadounidense Andrew Carnegie donó 350 millones de dólares, parte de los cuales se utilizó para construir 3.000 bibliotecas públicas y una universidad. Carnegie dijo una vez: "Decidí dejar de acumular y comenzar la tarea más seria y difícil de distribuir sabiamente la propiedad". Otros gigantes industriales y comerciales que establecieron fundaciones incluyen a Henry Ford y John Rockefeller. Hoy en día, muchos siguen patrocinando la cultura y las artes. No podemos realizar un estudio completo de los esfuerzos culturales y artísticos de Estados Unidos sin comprender el papel fundamental de la interacción entre los sectores público y privado de Estados Unidos.
Los países de todo el mundo esperan patrocinar la cultura y el arte de una manera que sea coherente con los valores específicos y el patrimonio histórico de su país, y crear una rica vida artística y cultural. Estados Unidos apoya la cultura y el arte a través de mecanismos flexibles, utilizando fondos públicos como palanca para fomentar las donaciones privadas y promover la autonomía individual.
Al final del maravilloso discurso de una hora y media, el profesor Zhao Xiaoming dijo: "El poder del arte puede tocar el alma y ampliar la mente".