Colección de citas famosas - Frases motivadoras - La música instrumental durante el Renacimiento ya ocupaba un lugar importante en la música. En el siglo XVI, algunas obras musicales estaban marcadas con las palabras ____, lo que demostraba que ____ en ese momento

La música instrumental durante el Renacimiento ya ocupaba un lugar importante en la música. En el siglo XVI, algunas obras musicales estaban marcadas con las palabras ____, lo que demostraba que ____ en ese momento

1. Organum

A principios del siglo IX, el primer tipo de música polifónica que apareció fue el organum, que se basaba en el canto gregoriano, una forma de polifonía que añade una nueva. melodía (parte) de la melodía y en su mayor parte es improvisada. Se puede dividir en cuatro tipos:

1. Organon paralelo (A medida que la luna se va, yo también): agrega voces paralelas que están separadas por cuatro o cinco grados por debajo de la melodía del canto existente (Figura). Mire el Ejemplo 13 del libro de texto. La parte principal de arriba es la melodía del canto, y la melodía adicional a continuación se llama parte de Organon, que progresa en quintas paralelas. También tiene una forma compuesta, donde las dos voces están superpuestas cada una por una octava, consulte el Ejemplo 14. Debussy supo utilizar este intervalo antiguo para resaltar el efecto hueco como color armónico (modo medieval). Para la variación de Parallel Organon, consulte el Ejemplo 15, desde el mismo grado hasta el cuarto grado y luego al mismo grado.

2. El otro tipo, Organon, que cambia más libremente, tiene progresiones melódicas paralelas y diagonales. Fue popular en el siglo XI (imagen) y se menciona en muchos tratados. Hay más diagonales y. Sonidos diagonales y las voces están entrelazadas. Dos manuscritos polifónicos del siglo XI, la Colección de Salmos de Winchester, conservan un rico organon y están registrados en símbolos neume. La combinación de intervalos es principalmente de octavas, quintas y cuartas.

3. A principios del siglo XII, se produjeron nuevos cambios en Organon. La voz adicional de Organon se movió de abajo hacia arriba y gradualmente se convirtió en características hermosas, fluidas y decorativas, formando así lo magnífico. Organon Hay manuscritos de este estilo en algunos manuscritos de la Abadía de Compostela en España y de la Abadía de Macal en Limoges, Francia (aparece Mo "Exposición de cuadros" - "Mercado de Limoges"). De esto se puede ver que la melodía del canto ha cambiado, el sonido se ha vuelto más largo, la melodía ya no es muy obvia y solo sirve como contraste. A partir de este momento, la melodía de canto utilizada en la música polifónica comenzó a llamarse tenor, parte continua o melodía fija (siglo XIV. Es como la raíz de un gran árbol, haciendo música arraigada en la religión, y sus ramas y). las hojas crecen desde Las raíces absorben nutrientes (la progresión funcional de TSDT finalmente regresa al acorde principal como parte del bajo, es la base de la música).

4. El órgano de cantidad comienza con el surgimiento de patrones rítmicos. En el desarrollo de la notación, después de que el tono fue claro, el ritmo comenzó a notarse también debido al surgimiento de la música polifónica. la combinación de múltiples voces requiere un ritmo claro y un control del ritmo. En los siglos XI y XII, se formó un conjunto de patrones rítmicos, seis patrones rítmicos (imagen), a partir del ritmo podemos ver la "regla de los tercios", que equivale a lo que ahora llamamos octavos de tiempo. En aquel momento, esto se consideraba "perfecto". En la práctica musical, el uso de estos ritmos es mucho más flexible. Con un ritmo fijo, se forma la llamada "cantidad" En toda la música antigua, a menudo hay palabras como "canon cuantitativo" y "notación cuantitativa", etc., que significan que existen reglas. ritmo.

2. Discant (discant)

Cuando la melodía se canta según un ritmo medido, se produce una nueva forma polifónica (estilo): Discant. Ambas voces (la melodía fija del canto y la voz añadida arriba) organizan la melodía según un patrón rítmico, formando así una textura tono sobre tono en la que las voces superior e inferior proceden casi simultáneamente, siendo la voz superior más prominente. Mirando el ejemplo de música en la página 28 del libro, las voces superiores e inferiores son casi una nota con otra. ¿Qué patrón rítmico se utiliza? Ver (imagen), usar los modos 1 y 5. El libro de texto también menciona un tipo llamado Copra, que rara vez se menciona en los libros de historia general. Hay una breve entrada en el Grove Music Dictionary que lo explica. Utiliza un patrón rítmico en la voz superior y conserva el canto original en la voz inferior. . características persistentes.

Sección 2: Polifonía de la Escuela de Notre Dame

El desarrollo de la música polifónica en los siglos XII y XIII provino principalmente de Francia, especialmente Notre Dame de París como centro, liderado por Los monjes y Dirigidos por algunos compositores de segunda y tercera categoría, la historia de la música los llama la Escuela de Notre Dame. Llevaron la música medieval a su apogeo. (Imagen) En el siglo XII, el estilo gótico apareció en el arte. Se refiere principalmente a la arquitectura. La Notre Dame de París que vimos muestra este estilo, con tallas de piedra, elevándose hacia el cielo, arcos y movimiento. sensación de desprenderse de la gravedad y el peso desaparece por completo.

Este estilo también se puede encontrar en otras artes. Su característica destacada es el movimiento, que se manifiesta en la música mediante el movimiento rítmico de cada parte. En la historia de la música, "arte antiguo" comparado con "arte nuevo" se refiere a este tipo de música polifónica de estilo gótico.

Representados por los compositores de Notre Dame Léonan y Perrotin, fueron dos figuras importantes de la música polifónica medieval. La Escuela de Música de Notre Dame formó y estableció nuevas reglas y tradiciones en la práctica de la creación y el canto de música polifónica, especialmente en la notación y creación de ritmos polifónicos, lo que llevó al desarrollo de dos tipos de música polifónica: Organon y Desconte a la perfección. El mayor logro de Leonan fue la creación de Organon, y fue conocido como "el mejor compositor de Organon". Escribió un conjunto de música ritual en dos partes para la iglesia durante un año, llamado "Oorganon" Summa ", es una polifónica importante". Documento musical en la Edad Media. La versión original ya no existe, y en algunos lugares sólo hay unos pocos manuscritos. Fueron compuestos para la parte solista de los cantos responsoriales en Misa y Horas. La música presenta un estilo completo, incluido el. El magnífico Organon tiene estilos de canto gregoriano descendente y original al unísono. La alternancia y el contraste de estilos resaltan la autonomía creativa del compositor. Se puede decir que Perrotin fue el constructor de la "catedral" de la música gótica, y sus innovaciones son más ricas que las de Leonan. Una vez mejoró el "Organon completo" de Leonan. Su Organon cambió el sabor más improvisado del pasado y fue escrito con un ritmo más preciso, y el ritmo de los cantos de melodía fija se volvió más denso y más. Las grandes innovaciones fueron ampliar el número de voces de dos a tres o cuatro y agregar una parte Disconte (Clausula) al organon, haciendo así complejas tanto la melodía como el ritmo, aquí comienza la posibilidad de una mayor extensión de la polifonía.

La Escuela de Notre Dame también desarrolló otra forma de música polifónica, el Condoctus.

3. Conductus conductus

Se divide en dos formas: monofónica y polifónica. Hablaremos del conductus monofónico en el siguiente capítulo. Aquí solo hablaremos del Condoctus polifónico. Su característica es que la parte de melodía fija no utiliza melodías de canto como Organon y Desconte, sino que es creada por el propio compositor, y tiene una organización rítmica flexible, tiene de dos a cuatro partes, siendo más común la de tres voces; la progresión es unificada, y es básicamente el estilo Disconte de nota a nota; las letras están en latín, pero no son como el lenguaje litúrgico en prosa usado por Organon, sino que son poesía métrica, generalmente de contenido no ceremonial (religioso). y temas seculares).

El tercer motete

IV. Motete motete

La localización del origen del motete comienza con Clausula. La Clausula es en realidad un pasaje polifónico en el estilo de Desconte en el Organum Magnificent (la historia de la música de Grout lo llama Descount Clausula o Clausula sustituta; se pueden escribir las mismas Santas Clausuras para la melodía cantada, que se puede elegir según la ocasión). Hay muchas Clausuras en las obras de Organon de Leonan y Perrotin, la mayoría a dos voces, y la voz superior no tiene letra o sólo unas pocas sílabas. (Mire los ejemplos del libro, analice y luego mire otro ejemplo, haga clic) Luego, Clausura se separó de Organon y agregó nuevas letras en latín o en francés para la parte superior, además la letra de Clausura Pull se convierte en un motete. Ejemplo 23 y añade letras en latín para convertirlo en un motete. Tiene dos partes. Veamos otro ejemplo.

Una definición sencilla de este género es música polifónica con letras independientes para la voz superior (una o dos) producida en el siglo XIII. La parte superior se refiere a la adición de partes. No sólo la música es nueva, sino que esta vez las letras también se completan con nuevo contenido secular en el idioma nativo. Esto forma un género con diferentes melodías y diferentes letras. de la música religiosa sobre la música secular. Es precisamente por la aleatoriedad del motete que ha sido favorecido por compositores de todas las épocas. Es uno de los géneros musicales (música religiosa) importantes durante el Renacimiento y es una forma adecuada para que los compositores muestren sus talentos creativos.

En este punto, es posible que hayamos descubierto algunas regularidades en el desarrollo de la música polifónica en la Edad Media: la expansión de letras adicionales (versos adicionales, continuaciones, motetes) y la expansión de melodías adornadas (flores). (canto, patrones rítmicos, adición de voces), el estado de movimiento es largo, pero es en estas modificaciones respectivas aparentemente "paradas" que se nutre la germinación de la música artística occidental, llevando la música de la transmisión oral improvisada al uso de principios creativos racionales. Para guiar a los compositores por el camino de la creación consciente, los cambios sutiles generan logros enormes y sorprendentes. Desde el primer Organon hasta el Disconte, la música polifónica de varias partes compuesta de melodías de canto gregoriano como melodía fija ha ido perdiendo gradualmente su propósito original, especialmente en las escrituras, la melodía fija contribuye más a la forma de la obra que. a la expresión de contenido u otras funciones, por lo tanto, la hermosa y suave melodía de la parte superior es a menudo más atractiva que la melodía aburrida y larga de la melodía fija. A mediados y finales del siglo XIII, los motetes se extendieron por toda Europa y gradualmente se convirtieron en un género escrito fijo.

Los motetes del siglo XIII tenían letras diferentes para cada parte. No sólo utilizaban diferentes idiomas (por ejemplo, la melodía era en latín y las otras partes en francés), sino también sus respectivos. El contenido también es diferente (letras complejas, canciones rellenas). El contenido de las diferentes partes suele ser muy diferente. Una parte puede ser una canción de amor feliz, mientras que la otra puede ser triste. La diferencia en el contenido lírico entre las partes hace que el título del motete sea más distintivo. Se necesitan la primera palabra o varias palabras de la letra de cada parte de arriba a abajo para formar un título complejo, como el sutra de Leonan. La paz de la humanidad: la estrella más brillante: la nuestra" se compone de las primeras palabras de tres partes. (Título de la canción del libro P33 "Algunas personas son celosas - El amor duele el corazón de las personas - Sutra de la compasión").

Un gran número de letras y melodías seculares se han convertido en material de motetes, lo que los convierte en una mezcla de religión y secularidad tanto en contenido como en forma. Pero la “mezcla” no es estática. A finales del siglo XIII, los motetes de tres partes con letras diferentes en las dos partes superiores eran más comunes y se produjeron más variaciones sobre esta base. Una melodía fija se puede combinar con diferentes voces superiores, creando así una variedad de nuevos motetes de dos, tres y cuatro partes que no están relacionados mediante el uso de la misma melodía fija, son todas piezas musicales independientes, la diferencia. radica en la sustitución de la letra y melodía de la parte superior. Debido a la flexibilidad de la letra y la melodía utilizadas en la parte superior, el motete también se convierte en un área donde los creadores pueden mostrar libremente sus talentos. Los pocos elementos religiosos que quedan en el motete han sido asimilados por factores seculares cada vez más ricos y variados. En muchos casos, el motete se ha convertido en un género musical popular en un ambiente secular sin una melodía más importante (esta forma). se utiliza a menudo en los motetes franceses), se puede decir que es el comienzo de la intervención formal de la música instrumental en la música vocal.

La melodía del motete fue escrita originalmente en los seis patrones rítmicos de Organon. Sin embargo, a medida que el contenido y la melodía de la parte superior cambiaron cada vez más, el ritmo del motete también se vio obligado a cambiar. se vuelven cada vez más flexibles, cambiando así la situación inherente de múltiples partes "caminando al unísono", creando un efecto de mosaico entre líneas melódicas. El uso flexible de varios ritmos en los motetes obligó a establecer un conjunto de reglas para hacer frente a esta variabilidad. Hacia 1260, Franco de Colonia estableció un sistema de notación cuantitativa (que se analiza en detalle en el capítulo "Arte Nuevo"), deja claro. reglas para el ritmo y la duración del tono, con el fin de ajustarse al modo creativo de los motetes. En el desarrollo de la notación, la regulación sistemática del ritmo y la duración proporcionó sin duda un gran impulso al desarrollo de la música polifónica. En la segunda mitad del siglo XIII, debido al diferente uso del ritmo entre partes, los motetes presentan una multiplicidad. estilo en capas, especialmente representado por el motete de Franco y el motete de Pietro. (Lea el ejemplo de partitura del libro 25) Sus características son: se utiliza un motete estándar de tres partes como cuerpo principal de la creación, y los ritmos entre las tres partes están dispuestos en un arreglo escaso y denso. La melodía fija todavía tiene un ritmo suelto y aburrido; la segunda parte tiene un ritmo más lento, pero obviamente es un poco más compleja que la melodía fija. La tercera parte es la más activa y distintiva de las tres partes de ritmo a melodía; Más denso y complejo. El motete de Pietro es más prominente en la actividad rítmica de la tercera voz que el motete de Franco. En la segunda mitad del siglo XIII, el ritmo en los motetes recibió más atención que la armonía. El rápido desarrollo del ritmo condujo directamente a la prosperidad de los motetes rítmicos en el período "Art Nouveau", y comenzó a desarrollarse el concepto de creación polifónica. innovación.