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Sólo se encontró uno impresionista.
El impresionismo es una escuela de pintura nacida en Francia en la segunda mitad del siglo XIX. Entre sus representantes se encuentran Monet, Manet, Pissarro, Renoir, Sisley, Degas, Morisot y Bazzi. Las pinturas de los impresionistas surgieron del realismo, pero su interés principal era representar de manera precisa y objetiva la propia experiencia visual del mundo. Los pintores impresionistas prestaron más atención a la experiencia visual instantánea, el color, la atmósfera y la pincelada que a la historia social, la religión y la ética. Fue en este aspecto que se embarcaron en un camino artístico diferente al de los pintores europeos anteriores. Cuando aparecieron sus obras por primera vez, fueron criticadas por un público acostumbrado a las formas de pintura clásica. En 1874, en la primera exposición impresionista, se criticó la "Impresión del amanecer" de Monet. A partir de entonces, se utilizó el "impresionismo" y el "impresionismo". como nombre propio para referirse a las obras de un grupo de artistas como Monet.
Desde la perspectiva del proceso de desarrollo de la historia de la pintura europea, fue bajo la pluma de los pintores impresionistas que la luz del sol parpadeante y sombras sutiles se introdujeron en la pintura, haciendo que la pintura fuera fresca, brillante y vital. Los esfuerzos de los artistas por buscar la autenticidad alcanzaron su punto máximo durante la era impresionista y luego comenzaron a declinar. De Manet a Cézanne, la tradición pictórica europea se abnega y se supera al mismo tiempo. Este proceso constituye el marco de desarrollo de toda la pintura moderna occidental. Aunque los pintores impresionistas fueron incomprendidos e incluso ridiculizados cuando comenzaron sus actividades artísticas, y su actividad conjunta no duró mucho, tuvieron un impacto extremadamente profundo en el arte occidental, que también afectó a la música y la literatura. A principios del siglo XX, el impresionismo se había convertido en una escuela de arte popular. Hasta el día de hoy, las pinturas impresionistas siguen siendo más populares entre el público de todo el mundo que cualquier otro género en la historia de la pintura. A partir de obras de artistas como Manet, Monet, Renoir, Degas o Cézanne, esta exposición presentará la evolución del impresionismo francés: sus inicios, su desarrollo y su influencia en la pintura posterior. Los visitantes pueden observar no sólo la diversidad de temas tratados por estos destacados pintores (paisajes, naturalezas muertas y retratos), sino también el desarrollo de su experiencia pictórica. La exposición de algunas obras representativas hace que esta exposición de arte sea poco común. Esta vez hay un total de 51 obras impresionistas expuestas en China. Se puede decir que los principales pintores impresionistas franceses las incluyen todas: 11 Monet, 5 Sisley, 4 Degas, 4 Renoir, Manet 3 piezas, Pissarro 7 piezas, Fantin. —Latour, Morisot, Bazille y otros también tienen obras que pueden ser vistas por el público chino. Entre ellos se encuentran "Niño jugando a Piccolo" y "Tavern Maid" de Manet, "Lección de baile" de Degas, "Café, también conocido como Absinthe", "Retrato de una mujer joven", "Catedral de Rouen" de Monet, "Nenúfares", "Busto, efecto de la luz del sol" de Renoir, "Pontoise: La pendiente del Hermitage" de Pissarro, "El camino del jardín de Rufuschen" de Sisley, etc. Todas las obras son ejemplos del arte pictórico impresionista.
Las pinturas impresionistas comenzaron a introducirse en China en la década de 1920, pero no fue hasta finales de la década de 1970 que el público chino pudo ver algunas obras impresionistas. En las actividades del Año de la Cultura Francesa se exhibieron intensamente pinturas impresionistas, sentando un precedente en la historia de los intercambios artísticos de mi país con el exterior. Las 51 obras presentadas esta vez al público chino pertenecen a la colección nacional francesa y la mayoría proceden del Museo de Orsay de París. El Museo de Orsay es un museo nacional que se especializa en coleccionar obras de arte moderno. Está ubicado a orillas del río Sena en París. Es una parada obligada para los peregrinos del arte de todo el mundo cuando viajan a París. El Museo de Orsay sacó una cantidad tan grande de exquisitas obras impresionistas a la vez y las envió a China, a un océano de distancia, para su exhibición. Se puede llamar un evento artístico del siglo. Esta exposición espera brindar al público la oportunidad de construir un puente entre las culturas china y francesa y comprender las similitudes y diferencias entre las culturas china y francesa, así como los aspectos comunes y complementarios entre las culturas china y francesa.
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Impresionismo Se originó en Francia en la segunda mitad del siglo XIX. Un grupo de pintores centrados en Manet, como Monet, Sisley, Renoir, Cézanne, Degas, Pissarro, etc., bajo el lema de oposición al arte académico, llevaron a cabo innovaciones artísticas con actitud innovadora y se hicieron famosos. .
Realizaron su primera exposición en París en 1874, que recibió una gran respuesta de la sociedad. Entre las obras expuestas, se encontraba un óleo titulado "Impresión del amanecer" creado por Monet, que fue atacado por los críticos llamados en broma Los pintores. Eran "impresionistas", de ahí el nombre de pintura impresionista.
El impresionismo enfatiza los sentimientos e impresiones del pintor sobre cosas objetivas, se opone a las convenciones académicas y aboga por la innovación artística. En términos de técnicas de pintura, analizó la luz y el color, desarrolló un método para utilizar la luz externa para describir objetos y se dio cuenta de que los cambios de color son causados por la luz coloreada. El color ocurre con la posición de observación, las diferentes condiciones de luz y la influencia de la luz. el entorno cambia y al mismo tiempo aplicar este principio científico a la pintura. Salieron del estudio, caminaron hacia la naturaleza y dibujaron directamente bajo la luz del sol, expresando sutiles cambios de color basados en la observación y los sentimientos directos. Esta fue una gran revolución en la historia de la pintura y tuvo una gran influencia en el arte moderno posterior. Dado que las pinturas impresionistas rara vez reflejan temas de la vida humana, el tema y el contenido de sus creaciones son muy restringidos.
Manet (1832~1883) fue un maestro de la pintura que jugó un papel importante en la revolución en el campo de la pintura en la segunda mitad del siglo XIX. Aunque mantuvo estrechos vínculos con los pintores impresionistas. No participó en la exposición de arte del movimiento impresionista, pero los pintores impresionistas siempre crearon nuevas teorías de pintura y obras con Manet como centro.
Manet nació en 1832 en el seno de una familia de jueces adinerada. Debido a su amor por el arte, abandonó su carrera como funcionario de alto rango y se convirtió en pintor. Manet fue el primer pintor que rompió el tradicional tono sepia y hizo que el cuadro fuera brillante y fresco con la luz exterior. Fue influenciado por el arte clásico y siempre mantiene un estilo grandioso y solemne en sus obras. Sus pinturas tienen altas habilidades realistas en el modelado, pero sus colores aún no se han desarrollado en la medida en que lo hicieron algunos pintores impresionistas posteriores para descomponer los colores de los objetos. . medida. Su manejo de los colores es relativamente completo, y cada bloque de color es armonioso, suave y brillante, dando a las personas una sensación de transparencia y frescura. "El niño tocando la flauta" es una obra famosa de Manet. En el tono oscuro general destacan varios colores brillantes y vivos, que la hacen más llamativa y deslumbrante. Otra de sus obras representativas, "Olympia", también utiliza este método de expresión.
Monet (1840-1926) fue el líder del impresionismo. En 1874 inició y organizó la primera exposición de pintura impresionista. Su óleo "Impresión del amanecer" causó gran revuelo en la exposición, haciendo aparecer oficialmente el nombre de "Impresionismo".
"Impresión·Amanecer" expresa los sentimientos e impresiones del pintor ante la fugaz escena del "amanecer sobre el agua". Lo que muestra la pintura es que en la brumosa niebla de la mañana del mismo color que el cielo y el agua, un sol rojo sale lentamente. Los barcos en el agua y el paisaje en la orilla se delinean fácilmente con colores azul y verde, y todo. los objetos en la imagen completa se mezclan en uno.
En sus obras, Monet prestó gran atención a la exploración de los campos de color y ignoró el realismo de los objetos y las formas. Se centra en el uso de la luz y el color para expresar impresiones instantáneas y persigue la belleza independiente de las relaciones cromáticas en la pintura. Fue el primer pintor que realmente destacó la pintura al aire libre. Casi la totalidad de sus obras están realizadas al aire libre y su actitud es muy seria. Para mantener la autenticidad de la impresión, la pintura suele pintarse por la mañana. Si no está terminada, se espera hasta la misma hora del día siguiente para continuar pintando hasta que esté terminada. A menudo se enfrenta a una escena y dibuja los cambios de color del objeto en diferentes momentos y bajo diferentes luces. Por ejemplo, los óleos "Hastack" y "Catedral de Lyon" se mencionan a menudo como obras del pintor que realizó este tipo de experimento cromático. Sus obras cuidadosamente pensadas, que persiguen el efecto de cambios sutiles de luz y color en un instante, nunca se habían visto antes. Esta búsqueda artística es particularmente prominente en la pintura al óleo "Nenúfares" creada por Monet en sus últimos años. Monet fue el pintor impresionista más longevo. En sus últimos años, la gente se dio cuenta del valor de las pinturas impresionistas, lo que le hizo vivir una vida feliz en sus últimos años.
Degas (1834-1917) fue un activo activista y miembro importante de los pintores impresionistas, famoso por sus representaciones de bailarinas y bañistas. Degas era hijo de un banquero. Vivió una vida próspera, recibió una buena educación y tuvo un alto nivel de logros culturales.
Degas estuvo influenciado por el estricto arte clásico en sus primeros años, lo que cultivó su amor por el arte tradicional, por lo que, entre los pintores impresionistas, fue el pintor que siempre insistió en el modelado estricto. Influenciado por Manet, comenzó a centrarse en el estudio del color y participó en exposiciones impresionistas, convirtiéndose en un miembro único de los pintores impresionistas.
A lo largo de su vida, Degas mantuvo un fuerte interés por la búsqueda de movimientos complicados y confusos, especialmente los bailarines bajo las luces del escenario y las escenas en el hipódromo, que eran extremadamente vívidas. A menudo observa tranquilamente los objetos detrás del escenario y en el palco, dictando los movimientos momento a momento de los actores mientras bailan, mostrando vívidamente los movimientos suaves de los bailarines y las animadas posturas de salto. Lo que es aún más exitoso es que transmite los sentimientos que se encuentran debajo. las luces del escenario. Tiene que ser extremadamente real. Las obras representativas de Degas son "La bailarina en el escenario" y "La planchadora".
Renoir (1841～1919) es un importante pintor del impresionismo. Nació en 1841 en una familia de sastres pobres y se ganaba la vida pintando vasijas de cerámica. Es optimista y sencillo por naturaleza, ama la vida y la naturaleza y tiene una sensibilidad artística extremadamente aguda para la belleza de las personas y la naturaleza. Renoir pintó principalmente retratos de mujeres y desnudos. Sus pinturas siempre están llenas de una atmósfera alegre y los personajes están plasmados con una ternura y una sonrisa indescriptibles. Al mismo tiempo, intentó utilizar el método impresionista en sus pinturas y logró resultados ideales. Sus pinturas de figuras eran vivaces y coloridas.
Las obras de Renoir sobre niñas y niños también tienen un alto valor artístico. Los niños en sus pinturas son inocentes e infantiles, y las niñas que pintó pueden transmitir un estado de ánimo tranquilo y elegante. "Retrato de niña" es una de sus obras representativas de este tipo.
Las obras de Renoir dan a la gente una sensación de salto en el uso de las pinceladas. También le gusta utilizar varios colores de rojo, de claro a oscuro, en sus pinturas. Los personajes de la pintura se representan muy tranquilos y felices, llenos de belleza juvenil, como una pieza de elogio y música lírica que puede hacer que la gente sienta que la vida es tan hermosa y llena de sentimiento romántico. Ship" y "Biscuit Shop", "Dance in the Street" y "Box" reflejan plenamente sus características artísticas.
Pissarro (1830-1903) fue un importante pintor del impresionismo. Pissarro nació en la pequeña isla de St. Thomas en las Antillas francesas. Su padre era dueño de una pequeña tienda. Cuando era joven trabajó como dependiente. Debido a su pasión por la pintura, dejó su isla natal cuando tenía 25 años y vino a París, conocida como la capital del arte. Las obras de Corot y Millet tuvieron una gran influencia en él, y creía firmemente que el único maestro a seguir por el arte era la naturaleza. Pissarro comenzó a pintar con luz exterior antes que cualquier otro pintor impresionista. A menudo decía: "¡En la intensa luz del exterior, pinta fielmente según la naturaleza!"
Pissarro fue pobre durante toda su vida, pero siempre vivió con un rostro alegre y brillante. Le gusta mucho la vida rural y pinta todo lo que ve que es extremadamente ordinario sin exagerar ni blanquear. En sus pinturas, a menudo utiliza colores saturados y pinceladas delicadas para representar objetos, lo que le confiere un encanto artístico puro. Las obras representativas incluyen "Tejados rojos en Toise" y "Calle Monmartre".
Seurat (1859～1891), un recién llegado al impresionismo, fue único en el impresionismo. Seurat guió la práctica artística basándose en los principios de la ciencia del color. Creía que bajo la iluminación de la luz, los colores de todos los objetos se dividen, para expresar verdaderamente este color dividido, se deben yuxtaponer diferentes puntos y bloques de color puro. Las obras bajo la guía de esta teoría se denominan "puntillismo" y forman la "pintura neoimpresionista", también conocida como "puntillismo". El neoimpresionismo, que se basa en la teoría científica y la racionalidad en la arquitectura, ha restaurado la concreción y la realidad de los objetos en las pinturas en algunos aspectos y ha realizado algunas exploraciones en el análisis del color. Sin embargo, debido a su excesivo énfasis en las reglas y reglas, La pintura también ha perdido su valiosa viveza intuitiva.
"Tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte" es la obra representativa de Seurat que tardó *** tres años en completarse. El pintor adoptó la forma de pinceladas finas y pequeños puntos, y utilizó grandes bloques de verde como tono principal, mezclado con puntos de color púrpura, azul, rojo, amarillo y otros colores, de modo que la imagen tiene ricos cambios de color y contrastes de color complementarios en partes y en general Ser coordinado.
Después del Impresionismo apareció otra idea artística diferente a la del Impresionismo, estuvo representada por Cézanne, Van Gogh y Gauguin y se denominó "Postimpresionismo". El postimpresionismo no se conformó con la expresión "objetivista" y la búsqueda unilateral de la luz y el color externos del impresionismo, sino que enfatizó la expresión de los sentimientos, sentimientos y emociones subjetivos del autor. En términos de expresión artística, el "postimpresionismo" concede gran importancia a la relación compositiva entre forma, color y volumen, enfatizando que las imágenes artísticas deben ser diferentes de los objetos naturales, que los sentimientos subjetivos del autor deben usarse para transformar objetos objetivos y que debería expresarse la "objetividad subjetiva".
Respetaron los logros de los impresionistas en cuanto a luz y color externos, pero no buscaron la luz externa y se centraron en expresar la concreción, la estabilidad y la estructura interna de la materia. Las pinturas postimpresionistas tuvieron una influencia significativa en el desarrollo de las escuelas modernas.
Cézanne (1839-1906) fue un importante pintor del postimpresionismo y padre de la pintura moderna. Cézanne conoció la escuela impresionista gracias a Pissarro y participó en la primera exposición impresionista. No se ciñó al análisis impresionista de la luz y el color, sino que trabajó duro para capturar fenómenos naturales fugaces, estableciendo sus propios métodos y estilo artístico.
Después de una larga observación y práctica, Cezanne propuso que los objetos naturales se pueden resumir en formas geométricas como cilindros, conos y esferas. Para los humanos, la naturaleza no se trata de plano sino de profundidad. Debemos prestar atención a la relación entre la forma y estructura del paisaje natural y la progresión de los colores. Considera que "no existen las líneas, ni la luz y la oscuridad, sólo hay contrastes entre colores. El volumen de los objetos se expresa a partir de la relación precisa entre tonos". Es muy bueno usando el color para lidiar con la sensación de espacio en la imagen. No importa si el paisaje está lejos o cerca, no hay lugares borrosos o brumosos en la obra. Es muy fresco y brillante al mismo tiempo. , muestra una clara sensación de perspectiva y espacio lejano y cercano. Este sentimiento no se expresa por las líneas de perspectiva y la composición de los objetos en la imagen, sino por los colores de los objetos y la relación entre los colores. El color reemplaza el volumen y la relación del color reemplaza la relación entre la luz y la oscuridad. Utiliza el color para crear formas. Sabemos que la dificultad radica en encontrar colores precisos y relaciones armoniosas entre los colores, y Cezanne superó con éxito esta dificultad.
La mayoría de las obras de Cezanne son el reflejo de su propio pensamiento artístico. Sus bodegones, paisajes y figuras muestran un sólido sentido de la geometría, ignorando la precisión de la textura y la forma de los objetos, enfatizando la sensación pesada y constante del volumen y la relación general entre los objetos. Las obras de Cezanne no copian ciegamente la realidad, sino que buscan la armonía de diversas relaciones.
El énfasis de Cézanne en el volumen y el espacio, su ingeniosa disposición y uso de los colores, su manejo de la forma y estructura de los objetos y su uso consciente de técnicas de deformación, etc., son todos métodos artísticos que persiguen la belleza formal. , que tuvo una influencia muy significativa en las escuelas modernas posteriores. Por lo tanto, en sus últimos años, Cézanne fue elogiado por muchos pintores interesados en el arte moderno y lo respetaban como el "Padre del Arte Moderno".
Las obras representativas de Cezanne incluyen "Naturaleza muerta" y "Mont Saint-Victoire".
Van Gogh (1853-1890) fue un importante pintor del movimiento postimpresionista. Nació en los Países Bajos. Su familia vivió en la pobreza. Trabajó en muchas profesiones cuando era joven, como el arte. comerciante, maestro, misionero, etc. Cuando tenía casi 30 años comenzó su carrera como pintor.
Debido a que tiene una rica experiencia de vida y profundos sentimientos por los trabajadores, está interesado en expresar su vida laboral ordinaria y dura en su arte. La mayoría de las primeras pinturas al óleo utilizaban técnicas realistas para describir el paisaje rural y la vida laboral de las personas, y la expresión del color era principalmente los tradicionales tonos oscuros. En 1886, Van Gogh llegó a París y se sintió atraído por los maravillosos y cálidos efectos de luz y color de las pinturas impresionistas. Comenzó a cambiar sus métodos de pintura originales y se dedicó a la expresión del color y otras formas de las pinturas impresionistas con gran entusiasmo. en el experimento. A partir de entonces, las pinturas al óleo de Van Gogh comenzaron a tornarse más luminosas, utilizando colores más vivos y cálidos, así como pinceladas deportivas, continuas, onduladas y de rápida fluidez, que constituyen las características de sus pinturas. Considera los objetos que representa como un medio para expresar sus sentimientos subjetivos apasionados y excitantes y como un medio para expresar sus técnicas artísticas únicas para expresar sus sentimientos subjetivos y su pasión. Desarrolló los métodos artísticos del impresionismo, especialmente los métodos de color y forma de las cosas, hasta un punto en el que se volvió más independiente de la tradición. El arte de Van Gogh no fue reconocido por el mundo durante su vida, pero más tarde, la gente poco a poco fue comprendiendo y reconociendo su creación artística. Sus obras están llenas de deseo de bondad, belleza y libertad de imaginación creativa. Fue especialmente aceptado por los pintores "fauvistas" y "expresionistas" que más tarde desarrollaron a Van Gogh hasta el día de hoy.
Las obras representativas de Van Gogh incluyen: la obra temprana "Los comedores de patatas", las obras posteriores "Los girasoles", "La noche estrellada" y "El cartero".
Gauguin (1848-1903) fue un importante pintor del postimpresionismo. Nació en París y trabajó como marinero y dependiente en su juventud. Posteriormente, abandonó el negocio para dedicarse al arte y dedicó la mayor parte de su tiempo a la creación de pinturas.
Inicialmente, el pintor impresionista Pissarro lo guió por el camino de la pintura impresionista. Pronto cambió su estilo de pintura y comenzó a crear un estilo más centrado en la fantasía subjetiva del artista y más decorativo. Está cansado de la vida urbana bulliciosa y llena de conflictos y anhela una naturaleza sencilla y un estilo de vida solitario. Gauguin abandonó su vida rica, dejó París, cruzó el océano y llegó a Tahití, una isla tropical al sur del ecuador en medio del Océano Pacífico, donde comenzó a explorar su estilo artístico único. su vida se completó aquí de. Aquí encontró los profundos sentimientos por los pueblos indígenas que había recibido de su madre en su infancia. Gauguin utilizó gran entusiasmo para expresar la belleza primitiva de la naturaleza tropical subdesarrollada y la vida simple y sencilla de los pueblos indígenas lejos del ruido de la civilización. Adopta una técnica artística cercana al estilo decorativo solemne, estable, pacífico y ricamente estampado del arte egipcio antiguo, y persigue formas estructurales simples, ingenuas y de líneas gruesas. En cuanto al color, parte de las exigencias de la belleza formal, presta atención a la disposición y al efecto general de los bloques de color, los organiza con creación subjetiva, simplifica la relación entre los colores, utiliza colores más puros y persigue un salto en la armonía. o el contraste muestra un fuerte sentido de decoración. Gauguin defendía que los artistas no sólo debían expresar la naturaleza objetiva, sino también explorar el corazón misterioso del pensamiento y expresar cosas subjetivas. Por lo tanto, como Cézanne y Van Gogh, inspiró a un grupo de pintores modernos
Orientación de la apreciación del arte. : Arte occidental
Avanzando hacia el arte
A través del estudio de la historia del arte occidental, puedo resolver algunos problemas artísticos.
En primer lugar, ¿para qué sirve el arte?
Existen diferentes opiniones sobre la naturaleza del arte, en la antigüedad Aristóteles decía que “el arte es la imitación de la naturaleza”, lo cual ya no es del todo cierto. Aunque el arte necesita utilizar materiales naturales para expresarse, o utilizar fenómenos naturales como símbolos y formas naturales como objetos de descripción, de ninguna manera es una imitación ciega de la naturaleza.
Algunas personas dicen que el arte es "una habilidad creativa de los seres humanos que crea un objeto de sentimiento específico y objetivo. Este objeto puede causar felicidad en nuestro mundo espiritual y tiene un valor duradero". Esto es objetivamente hablando... Desde una perspectiva subjetiva, el arte es la encarnación y objetivación de las emociones ideales del artista, es decir, la llamada autoexpresión. Por tanto, el propósito del arte no es la practicidad, sino la pura felicidad espiritual. El origen del arte no es la estructura del conocimiento racional, sino la creación de un espíritu nacional o el impulso natural de un genio. Expresa nacionalidad o individualidad en todas partes. La capacidad de crear arte tiene sus raíces en la naturaleza, aunque puede ser guiada y ampliada por el conocimiento racional, no puede ser creada ni perfeccionada exclusivamente por académicos. La fuente del arte es una emoción extremadamente fuerte, profunda e incontrolable, que lleva consigo una imaginación más allá de lo común. Este tipo de emoción que surge de lo más profundo de la naturaleza humana estimula la imaginación a una intensidad increíble y la guía a alcanzar intuitivamente un reino que no puede resumirse por la racionalidad ordinaria. La organización de conexión de muchos sentimientos y emociones complejos generados en este momento es. Se ha convertido en la base de la creación artística.
Una vez más, es la relación entre estética y arte
Hugo dijo una vez: "Sin arte, la vida humana quedará eclipsada". Schiller gritó una vez emocionado: "¡Ah! Humano". Los seres tienen Sólo tú tienes arte. “Todo el mundo está fascinado por el arte y anhela el sentimiento de la belleza artística. Por eso la gente necesita verdaderos artistas para crear belleza artística. Y el arte necesita la vida real y la creación de artistas. Sin éstas, ¿cómo puede haber belleza artística? La belleza artística en el arte es inseparable de las obras de arte. La belleza artística se refiere a la belleza de las obras de arte. Es la belleza de las cosas creadas de acuerdo con las leyes de la belleza y con el propósito de la belleza, resultante de la comprensión estética del creativo. sujeto. Por tanto, la belleza artística de las obras de arte es también la unidad de la verdad, la bondad y la belleza.
“Todo aquello en lo que podemos ver la vida tal como la entendemos es hermoso; todo lo que muestra la vida o nos recuerda la vida es hermoso”. Si se dice que "una cosa es bella si puede expresar plenamente el concepto de la cosa", es decir, "cualquier cosa que sea extraordinaria e incomparable entre su género es bella". Esta afirmación es obviamente inexacta. Es absolutamente cierto que algo debe ser extraordinario antes de poder llamarlo bello. Por ejemplo, un bosque puede ser hermoso, pero debe ser un bosque "bueno" con árboles altos, altos y densos. En una palabra, un bosque excelente es un bosque lleno de ramas rotas, de árboles marchitos, de árboles bajos y ralos. No se puede considerar hermoso.
Pero no todo lo que se sale de lo común es bello. Cuanto mejor es un pantano entre su especie, más feo es desde el punto de vista estético. Aunque la "belleza" no es completamente igual al arte, el arte debe ser "belleza". La historia de la estética china y extranjera y la práctica estética de las masas muestran que, aunque el arte como ideología no es el único objeto de la estética, es un objeto. Objeto importante de la estética. Hay muchas categorías. Pero en términos de la relación entre arte y vida, motivación creativa y efecto artístico, objeto estético y sujeto estético, tienen la misma esencia que es consistente entre sí.
También está la cuestión del arte y la ciencia. La relación entre el arte y la ciencia es un tema antiguo pero joven. En este caso, el más convincente es el Renacimiento occidental. China antigua "La connotación de "Arte" o el concepto de "arte" en la antigua Grecia refleja profundamente la estrecha relación entre el arte, la ciencia y la tecnología. Los antiguos griegos llamaban "arte" a las habilidades que se podían aprender basándose en conocimientos especializados. La música, la escultura, la pintura y la poesía también se llamaban artes. Este concepto de "arte" de la unidad del arte, la ciencia y la tecnología alcanzó su punto máximo durante el Renacimiento europeo. El desarrollo de la ciencia, la cultura y el arte en el Renacimiento fue también el período más glorioso de la historia de la civilización humana. Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Durero, etc. no solo fueron artistas, sino también científicos e ingenieros. Crearon obras de arte excepcionales y también lograron grandes logros en el desarrollo científico y los inventos tecnológicos. El arte y la ciencia son dos alas de la cultura humana y la gente ha estado explorando la relación entre ellas. Einstein dijo: "La verdadera ciencia y la música real requieren el mismo proceso de pensamiento". La relación entre el arte y la ciencia alguna vez fue muy estrecha, y su separación ocurrió antes y después de la Revolución Industrial. Esto está relacionado con el desarrollo y la profundización de la ciencia y la tecnología. La aparición de diversas conductas profesionales está estrechamente relacionada. Sin embargo, la combinación orgánica de los dos es de gran beneficio para el desarrollo del arte y la ciencia. Los logros científicos y culturales del Renacimiento son la mejor encarnación de la integración mutua y el desarrollo del arte y la ciencia. La ciencia está estrechamente relacionada.
Los tres puntos anteriores son mis pensamientos y logros de este curso. Por supuesto, es mucho más que estos, pero lo importante es que puedo usar el conocimiento teórico para responder y. resolver algunos problemas de la vida real.
En definitiva, estudiar la historia del arte occidental ha ampliado mis conocimientos y he aprendido más