¿Cómo llamas a unas cuantas mujeres negras cantando en armonía?

¿Qué es la música soul? Algunos músicos famosos de Sol lo saben de esta manera:

Otis Redding dijo: "No soy un cantante de blues, no soy un cantante de R&B, soy un cantante de Sol. Entramos en un estudio sin preparación, grabamos lo que cantamos. Esto es lo que quieres cantar."

"A General History of American Popular Music" explica que Sol es "lo que realmente quieres decir". .lo que piensas, lo que es en tu corazón, lo que ves, lo que sientes”.

Aretha Aretha Franklin dijo: "Saul viene de las canciones gospel y blues, eso es una obviedad. Para mí, Saul es un sentimiento, un sentimiento profundo, viene de mi corazón, lo expreso... Es un sentimiento que afecta a los demás a través de él."

Milt Jackson (Milt Jackson) dijo: "(Entonces) es algo que no se obtiene de los libros ni de los estudios. , Creo que lo que escuché y sentí en la música de la iglesia... tuvo la influencia más poderosa en mi carrera musical."

Podemos ver que Saúl enfatiza la libre expresión de las emociones internas, lo cual está relacionado con religión negra. Así, un crítico concluyó: "Si combinamos las características del Rhythm and Blues con canciones gospel y permitimos que el músico utilice estos elementos plena y libremente para expresar sus sentimientos internos, está claro que podemos acercarnos a comprender el difícil El elusivo término 'Saul'."

"A General History of American Popular Music" es más conciso: "Saul era un hombre de ritmo y blues con un fervor religioso por las canciones gospel".

Por tanto, podemos sacar la conclusión de que Sol es una combinación de canciones gospel y ritmo y blues, y es el resultado de la secularización y popularización de las canciones gospel como forma de música religiosa.

Soul de ojos azules

La música soul se refiere a la combinación de interpretaciones musicales y voces de soul e I+D de músicos blancos. Apareció por primera vez a mediados de la década de 1960, cuando los Righteous Brothers cantaron "The Feeling of Lost Love" con percusión, que se convirtió en su marca registrada. A finales de la década de 1960, la música soul comenzó a declinar, y bandas como Outlaws, Box Tops, Mickey Ryder, Tony Joe White y Roy Hyde sufrieron una serie de pérdidas graves. En la década de 1970, la música soul continuó desarrollándose, con avances de artistas como Hall & Oates, Raybert Palmer, Avenger White Band, Boz Skaggs y David Bowie que hicieron que el estilo de interpretación fuera más moderno.

Lista de bandas/artistas de este estilo:

Culture Club

David Bowie

Rod Stewart

Simple Red

Texas

Canción Evangélica

A finales del 19, con el auge del pentecostalismo (una de las denominaciones cristianas), compuesto principalmente por miembros de las clases bajas de la sociedad), nació el evangelio. Surgió casi al mismo tiempo que el ragtime y el jazz. La diferencia es que surgió de los servicios religiosos negros y fue una parte integral del servicio, pero también se extendió a través de conciertos, radio y discos.

También hay una canción en la vida religiosa negra llamada "Spirit". La producción de canciones espirituales precede a las canciones gospel y fue desarrollada por esclavos en el sur de Estados Unidos bajo la influencia de himnos blancos a principios del siglo XIX. Los temas de los cantos espirituales están relacionados principalmente con la muerte, la resurrección, la liberación y la esperanza. Su difusión se basa principalmente en la transmisión oral, y su melodía y armonía son relativamente simples. Este ritmo evolucionó a partir de canciones de trabajadores negros. Por lo general, sin instrumentos musicales, el canto suele ir acompañado de palmadas y patadas en el suelo. Las canciones espirituales se desarrollaron relativamente tarde y gradualmente evolucionaron hacia canciones gospel debido a la presencia cada vez mayor de elementos del jazz.

Las letras de las canciones gospel están tomadas de la Biblia o de experiencias de la vida negra y contienen muchos dialectos negros. Según algunos pastores, narra la "verdad del evangelio" y trae "buenas noticias", por eso se le llama "canción del evangelio". Cuando se cantan canciones gospel, las emociones son fuertes y la expresión es salvaje y libre, lo cual es muy diferente a cuando los blancos cantan canciones religiosas. ¿Entonces alguien dijo? "La religión negra se acerca a Dios no a través de la meditación, sino a través de la danza física y los gritos catárticos, alcanzando el éxtasis en el éxtasis. "

Las canciones gospel se pueden cantar de muchas formas, como solista, coro, dúo, coro, etc.

La mayoría de ellos son rápidos, con ritmos sincopados complejos, y los sonidos a menudo tienen eco. Hay gritos, gemidos, lamentos y falsete en el medio, y van acompañados de movimientos de danza como palmas y patadas para proporcionar un ritmo de contrapunto (Ejemplo 41). ). Por ejemplo, la película estadounidense "Sisters Are Crazy" utiliza muchas canciones gospel como interludios. Las primeras canciones gospel iban acompañadas de panderetas y posteriormente se añadieron otros instrumentos como órgano, piano y guitarra. En términos generales, la estructura de las canciones gospel es relativamente sencilla, con más repeticiones de frases. Sin embargo, debido a la libre expresión del impulso emocional durante el canto, la melodía de la canción a menudo tiene cadencias deslizantes y el ritmo se vuelve más complejo.

Desde 1977, los premios Grammy han añadido dos nuevas categorías de canto: canción gospel tradicional y canción gospel moderna. En 1983, hubo tres premios a la mejor interpretación de canción gospel: masculina, femenina y coro. Obviamente, las canciones gospel han salido de la iglesia y ya no son un simple servicio de adoración. Como resultado, las canciones gospel se hicieron más populares a través de diversas transmisiones, lo que también las llevó a la sociedad comercial secular. Esto implícitamente presagia un resultado: la música de Sol va tomando forma poco a poco. Entonces la música de Sol es el resultado de la secularización y popularización de las canciones gospel.

3. Cantante de Sol

Del 65438 al 0948, impulsado por el Océano Atlántico, fueron apareciendo muchas canciones y cantantes de Sol. A finales de la década de 1960, Sol se había convertido en una variedad importante de la música popular, representada por Ray Charles, Wilson/Pickett, Aretha Franklin, Sam and Dave, Joe Tex, etc. A continuación se destacan tres de los músicos de sol más famosos, Ray Charles, Aretha Franklin y James Brown.

Ray Charles (Ray Charles)

Ray Charles, nacido en 1930, es uno de los primeros cantantes de Sol. Perdió la vista debido a un glaucoma cuando tenía 6 años. Antes de eso, comenzó a estudiar piano y luego se convirtió en pianista y cantante. Hablando de su influencia temprana en la iglesia, dijo: "Iba a la iglesia todos los domingos, así que, naturalmente, estaba rodeado de música de la iglesia. El predicador dijo algunas palabras y todo el personal de la iglesia cantó. Lo que dijo fue completamente improvisado". En las primeras grabaciones de Ray Charles, improvisó letras seculares en sus conocidas canciones gospel, incorporando a menudo elementos de jazz y blues.

A principios de la década de 1960, esta combinación de secularismo y religión, y música negra con un fuerte color emocional, a veces se llamaba "funk", y la palabra "sol" fue trascendida cada vez más, su significado casi. lo mismo que "funk". ("funk" es un polirritmo complejo que combina las características de las canciones gospel y la música africana. Se caracteriza por un segmento introductorio improvisado basado en uno o dos acordes, repetición continua, tiempo prolongado y fuerte ritmo sincopado; su tempo suele ser adecuado para bailar.) En comparación con las canciones gospel, el ritmo de Sol (o funk) se vuelve más fuerte, la banda agrega instrumentos electroacústicos y el marco musical general es más fijo. Pero el cantante Sol siempre ha mantenido plena libertad en la expresión de las canciones gospel: tono, timbre, ritmo y estructura libres.

Aretha Aretha Franklin.

Aretha Franklin nació en Memphis en 1942 y se mudó a Detroit con su familia cuando tenía dos años. Su padre es pastor y su madre es cantante de gospel. Franklin creció en un ambiente de iglesia y cantaba en la iglesia a la edad de ocho años. A principios de la década de 1960, cantó canciones populares durante 6 años y grabó 4 álbumes, pero su actuación no fue buena. El productor de Atlantic Records, Jerry Wexler, había descubierto hacía mucho tiempo que Franklin tenía una base en las canciones gospel y debía desarrollarse en la dirección de Saul. Entonces, en 1967, cuando expiró el contrato de Aretha Franklin con Columbia Records (su sello anterior), Wexler inmediatamente le pidió que firmara con Atlantic Records. La habilidad adquirida durante mucho tiempo por Aretha Franklin para cantar canciones gospel se hizo evidente de inmediato.

Si Atlantic se ha convertido en el símbolo representativo de la música de Sol, entonces Aretha Franklin es la primera estrella brillante de este símbolo. El público principal de la mayoría de los cantantes de Sol sigue siendo la gente negra, y ocasionalmente pueden ingresar al mercado blanco. Aretha Franklin, por otro lado, no cambió el personaje de Saúl pero tuvo una gran audiencia tanto entre negros como blancos. Aretha Franklin tenía un amplio rango vocal y a menudo podía pasar de un contralto muy bajo a una soprano gospel apasionada y gritadora. No importa qué canción cante, ya sea una canción popular tradicional o la obra de un compositor de Broadway, ella le pone su propio sello.

James Brown (James Brown)

Así como Aretha Franklin es la representante de las cantantes femeninas de Sol, James Brown es el representante de los cantantes masculinos de Sol, pero su estilo es diferente. Aretha Franklin controló su tono y timbre con precisión y su voz era clara y poderosa. La voz de James Brown también es muy poderosa, pero muy áspera y directa cuando grita.

James Brown nació en Augusta, Georgia, en 1933. A mediados de la década de 1950, formó un grupo de canto gospel llamado "The Famous Flames" y firmó con el sello discográfico "King". A principios de la década de 1960, James Brown dirigió un "grupo de danza y canto James Brown" de 40 miembros para realizar una gira por el país. Fue durante este período que desarrolló su personalidad actoral única. Siempre cantó con todas sus fuerzas, combinadas con jadeos, gritos y sollozos, y se convirtió en el famoso "trabajador más duro" de la industria del entretenimiento. Al final del espectáculo, tenía la cara cubierta de sudor, las rodillas dobladas y parecía a punto de desmayarse en el escenario. En ese momento, alguien se acercó para ayudarlo a bajar del escenario, y él se dio la vuelta y continuó cantando lo mejor que podía. Fue de un lado a otro varias veces, y el público quedó atrapado en una emoción loca. También es famoso por su baile, que ha influido en las actuaciones de muchas personas, desde Michael Jagger (cantante de los Rolling Stones) hasta Michael Jackson. Otros dijeron: "Los comportamientos excéntricos y las escenas de baile de James Brown en presentaciones en vivo se han convertido en una parte importante de su arte".

A mediados de la década de 1960, el canto de James Brown se volvió más primitivo y tosco, enfatizando "Scream". , y la música se vuelve muy simple, a menudo basándose en patrones de repetición improvisados, la llamada técnica del "legato", para hacer que las emociones sean cálidas y emocionantes. 1967 fue el apogeo de James Brown. Se estima que a sus conciertos asistieron 3 millones de personas y se vendieron 50 millones de discos. Durante el período 1967-1972, la mayoría de sus composiciones encabezaron las listas de R&B. Se convirtió en un símbolo de la negritud con influencia global. A mediados de la década de 1970, el estilo de la música popular había cambiado y muchos negros empezaron a bailar disco. Desde entonces, los resultados de James Brown han sido "planos".

En cuarto lugar, la música Motown

A mediados de la década de 1950, con el surgimiento del rock and roll, la música pop parecía tener un mercado unificado, a pesar de otros aspectos de la sociedad, como la discriminación racial. La segregación sigue siendo muy grave. Sin embargo, en la década de 1960, cuando la sociedad luchaba por eliminar la segregación racial, la industria musical volvió a su estado insular.

A principios de la década de 1960, los ídolos de los adolescentes, como la música surf, el folk rock y los Beatles, eran todos blancos. Básicamente, el sol sólo es popular en el mercado negro. Los cantantes de sol rara vez eran blancos y en su mayoría actuaban en clubes negros o barrios marginales urbanos. Sus mejores canciones sólo se podían encontrar en las listas de ritmo y blues, con avances sólo ocasionales. En ese momento, una compañía discográfica hizo todo lo posible por combinar la música negra con la música soul y la música pop para irrumpir en el mercado blanco y hacerse famoso no solo en el Rhythm and Blues, sino también en las listas de música pop. Esta discográfica se llamó "Motown" y logró un gran éxito, por lo que Motown se convirtió en el representante de un estilo de la música popular.

En comparación con la música Sol real, la música Sol de Motown tiene la misma base: canciones gospel y ritmo y blues. Pero debido a que Sol de Motown absorbió elementos del pop, por un lado, ciertamente llegó a una audiencia más amplia y logró un mayor éxito comercial, por otro lado, también se puede decir que él no es el verdadero Sol;

La diferencia entre este y el Sol real es que no es un arte de improvisación y no tiene espacio para el juego libre (esta puede ser la vitalidad de las canciones gospel originales y del Sol). La expresión cruda y natural de la música de Sol no se puede encontrar en el sonido de Motown. En cambio, ha sido modificado, procesado y profesionalizado, con la voz y la orquesta planificadas con precisión de antemano. A pesar de esto, fue un gran éxito comercial. Por tanto, la música de Motown es producto de la comercialización de la música de Sol.

El fundador de Motown es el productor discográfico y compositor Berry Gordy (nacido en 1929). Cuando Gordy era joven, fundó una compañía discográfica en su ciudad natal de Detroit para lanzar música de jazz, pero no tuvo éxito. En 1960, pidió prestados 700 yuanes y fundó Motown Records en la misma ciudad.

La palabra Motown proviene del apodo de Detroit "Motown". Gordy ha aprendido a confiar en sus instintos musicales, su pensamiento empresarial y sus experiencias pasadas para alcanzar el éxito.

Efectivamente, en menos de diez años, Motown ha lanzado muchas canciones "pop-Sol" y varios cantantes y bandas destacados. También creció desde una pequeña escala hasta convertirse en la compañía discográfica más grande de Estados Unidos, propiedad y operada por negros, hasta el punto de que vendió más discos que cualquier compañía en los Estados Unidos en la década de 1960.

El éxito de Gaudí se basó ante todo en músicos talentosos. Los cantantes de Motown rara vez escribían su propia música. Gordy contrató a Smokey Robinson, Norman Whitfield, Dozier, Eddie Holland y Brian Holland para escribir y grabar para Motown. Gracias a su cuidadosa producción, se lanzaron con éxito varios cantantes y grupos de canto. Entre ellos se incluyen los Miracles, liderados por Smokey Robinson, Mary Wells, los Temptations, Marvin Gaye, el quinteto de Marvitt y los Four Top"(.

El éxito de Gowdy también radica en su estilo de gestión. Controlaba estrictamente los productos de Motown según un estilo musical fijo, las canciones de Motown tienen arreglos musicales complejos; están acompañadas por una banda que incluye cuerdas; las letras contienen pocos juegos de palabras o palabras negras, evitan temas importantes o controvertidos y cuentan principalmente la historia del romance adolescente (el avance después de 1968). )

Motown 1971 Deja Detroit, se traslada a Los Ángeles (Sunset Strip) Continuó produciendo con éxito obras de The Jackson 5, The Commodores, Stevie Wonder y Diana Ross, pero el estricto control de Gordy se volvió insoportable para él. Mucha gente abandonó el estudio City. En 1988, Motown finalmente fue vendida a la compañía de música mca.

Además de los cantantes y grupos mencionados anteriormente que lograron el éxito al firmar con Motown, también estaba el. trío femenino "Martha and the Vandellas" (martha and the vandellas), tammi terrell, jr water, etc. Lo siguiente se centra en Diana Ross y Stevie Wonder

Diana Ross)

Diana Ross, nacida en Detroit, Michigan, 65438-0944, cantó en la iglesia desde que era niña y formó un trío de mujeres con dos amigas en la escuela secundaria" (Primettes), firmó con Motown después de graduarse. Al principio, él Solo cantó como corista de Wells, Marvin Gaye y otros. Más tarde, cambió su nombre a "Supremes" y grabó de forma independiente.

La voz de Dai Anna Rose es clara y eufemística, lo cual es muy adecuado para el. El tema del amor adolescente expresado en "The Supreme", por eso su voz se llama "Sweet Sol". A medida que la actuación en solitario de Diana Ross se hizo cada vez más destacada, con el apoyo de Gordy, Diana. Ross dejó Supreme en 1969 para comenzar su carrera en solitario y ganó el premio Grammy a la Mejor Vocalista Femenina al año siguiente. En 1971, protagonizó la serie de televisión "Diana". En 1972, filmó su primera película "The". Woman Who Sings the Blues", interpretando el papel principal: Billie Holiday, una famosa cantante de jazz en la historia de Estados Unidos. También lanzó dos álbumes, Diana Ross (1976) y Diana (1980), una serie de éxitos que consagraron a Ross como cantante pop. superestrella de la música "Endless Love" (tema principal de la película del mismo nombre), encabezó las listas de éxitos durante nueve semanas consecutivas. En el mismo año, dejó Motown y firmó con RCA.

Stevie Wonder nació en Saginaw. , Míchigan en 1950. Su verdadero nombre era Steve Lane Morris y nació ciego. Pronto, él y su familia se mudaron a Detroit y cantaron en las iglesias locales. A la edad de 10 años, llegó a Motown para hacer una audición mediante la presentación de los miembros de "Miracle". Sabe cantar, tocar el piano, la batería y tocar casi todos los instrumentos que se pueden encontrar en el estudio de grabación. Gordy admiraba tanto su talento que lo fichó inmediatamente y le cambió el nombre a Stevie Wonder Jr. Su cuarto sencillo, "Fingertips, Part 2" (grabado a partir de la segunda parte de una presentación en vivo), alcanzó el número uno en las listas de éxitos en 1963.

Las yemas de los dedos transmiten los sentimientos de la persona ciega sobre la vida a través del tacto de sus dedos. Es una canción muy fuerte, con características de una canción gospel. El "genio de 12 años" (como lo llamaban todos en aquella época) impresionó a muchos con su armónica solista y su propia interpretación, junto con una fuerte banda de fondo.

En la década de 1960, 65.438+06 de las obras de Stevie Wonder entraron en el "Top 40", incluidas versiones de canciones auténticas de Sol y canciones de rock blanco. En la década de 1970, su voz infantil había desaparecido y continuó ampliando sus conocimientos y teoría musical, centrándose en las técnicas creativas de sus obras, especialmente el uso de la armonía.

Desde entonces, Stevie Wonder ha publicado una serie de álbumes con su propio estilo, todos ellos producidos de forma independiente por él. En un esfuerzo por escapar del control de Motown, formó su propio sello discográfico en 1971 y llegó a un acuerdo con Gordy. Motown se encargó de la distribución y dividió las ganancias al 50/50. Artísticamente, Stevie Wonder tuvo la última palabra, algo sin precedentes en Motown.

En "Talking Book" (For the Blind) de 65438 a 0972, hay dos canciones que ocupan el primer lugar. Una es Superstition, que combina los estilos de sol y rock psicodélico. El otro es "You Are the Sunshine of My Love" (Caso 42), que tiene las características del jazz rock. Las letras de canciones como el álbum "Innervisions" (1973) tienen significados más sociales.

En los años 80, Stevie Wonder seguía siendo tan hermosa como siempre. Su canción "I Just Called to Say I Love You" para la película "La Dama de Rojo" (1984) no sólo alcanzó el número uno en las listas, sino que también ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película Interludio. Entre 1974 y 1984, Stevie Wonder* ganó 15 premios Grammy, estableciendo un récord en la industria de la música pop estadounidense.

5. Otra música de Sol

En la década de 1970, la música de Sol continuó desarrollándose. Como toda la música pop de los años 1970, también presentaba una situación compleja y diversa. Además de los cantantes y grupos mencionados anteriormente, Michael Jackson mencionado más tarde, y "Psychedelic Thor" de "Sly and Hiiraji"; "Earth, Wind and Fire" continúa el estilo Motown pero se vuelve más complicado, "Blue Eyed Soul" surgió gradualmente. en el Reino Unido.

"Sly & The Hiiragi Family" (sly & amp; Family Stone)

Sly Stone, nacido en 1944, canta canciones gospel en la iglesia desde que era un niño. Pronto, él y su familia se mudaron al Área de la Bahía de San Francisco, donde estudió trompeta, teoría musical y composición en la universidad durante tres años. En 1967, organizó un festival de música en el que participaron blancos y negros, hombres y mujeres, imitando la sociedad hippie del Área de la Bahía. "Zhan Sha y la familia Hiiragi" (Sly & Clan Stone), mataron a 7 personas, incluidos la hermana y el hermano de Zhan Sha. Slay canta, toca la guitarra y los teclados.

"Slay and the Hiiragi Family" se basa en la línea de ritmo y bajo de la música rock dance, combinada con instrumentos de viento, guitarras dispersas y letras relacionadas con las drogas comúnmente utilizadas en el rock psicodélico, convirtiéndose en la primera A. banda que interpreta lo que se llama "Psychedelic Sol". Cuando cantan, suelen ser dirigidos por dos o tres personas, con dos voces masculinas distintas yuxtapuestas a una voz femenina, creando un efecto armonioso único.

La banda “Tierra, Viento y Fuego”.

Musicalmente, "Earth, Wind and Harmony" fue una de las mejores bandas negras de los años 1970. Fundada en Los Ángeles en 1970 por Maurice White (nacido en Memphis en 1941). , a menudo con ocho o nueve personas "La música de "Earth, Wind and Fire" combina complejas armonías de jazz y poderosos ritmos funk, por lo que más tarde se le llamó "jazz-funk".

En sus álbumes de los años 1970 (como Gratitude 1975, Spirit 1976, etc.), se puede comprobar que el estilo de la banda va madurando poco a poco. El canto es suave, varias voces se combinan a la perfección y a menudo se utiliza el falsete, el ritmo es rockero, pero más rico que el rock ordinario; La estrecha colaboración de la batería, el bajo, la guitarra rítmica y los instrumentos de teclado es como una completa banda de jazz. Los instrumentos de viento tienen ritmos complejos y una variedad de estilos, desde respuestas cortas al estilo sol y expresiones libres hasta monólogos de improvisación al estilo jazz. Los álbumes importantes de "Earth, Wind, Fire" de la década de 1980 incluyen "Raise (1981)" y "Powerlight" (1982).

Joseph Cook (Joe Cocker)

Joseph Cook, nacido en mayo de 1944 en Sheffield, Inglaterra, es la figura representativa del británico "Blue Eyed Thor". Cook subió al escenario a la edad de 12 años y una vez se unió a la banda de su hermano como baterista y armonicista. Influenciado por el rock 'n' roll, el blues y Ray Charles, el canto de Cook estableció un estilo único.

Joseph Cook trabajó una vez como petrolero y empacador en una editorial de revistas. En 1969, su álbum debut "A Little Help from Friends" fue un gran éxito y la canción principal del mismo nombre encabezó las listas británicas de una sola vez. De 65438 a 0969, su segundo álbum recibió más honores y A Delta Lady fue un gran éxito. Ese mismo año, Cook realizó una gira nacional. Durante los dos años siguientes, debido a la fatiga extrema de actuar y grabar y a una adicción a los narcóticos, abandonó temporalmente los escenarios hasta que regresó nuevamente en 1972. Desde 65438 hasta 0982, el álbum "Sheffield Steel" es uno de los álbumes más representativos de Cook, integrando los estilos de sol, rock y canciones narrativas.

Van Morrison (Van Morrison)

Van Morrison, nacido en Belfast, Irlanda, el 31 de agosto de 1945, es una figura representativa del Sol en el Reino Unido. Sin embargo, el estilo musical de Van Morrison abarca una amplia gama de estilos. Blues, jazz, country, folk y la música de Sol se revelan en sus obras, y Sol es sólo una parte de su estilo musical.

Influenciado por mis padres (mi madre era cantante de jazz), me interesé por el blues y el jazz desde pequeño, dejé el colegio a los 15 años y comencé a trabajar en la música. En 1963 organizó el grupo "Them" y lanzó dos álbumes. En 1969, lanzó su primer álbum en solitario, "Starlight Week", en Warner Bros. "Moondance", lanzado más tarde en 1970, fue un álbum importante para él. Combinó orgánicamente el ritmo y el blues con el jazz. Desde 65438 hasta 0980, el álbum "Ordinary One" tiene un fuerte sentimiento romántico country. Morrison ha lanzado un álbum casi todos los años desde 1990. El vigésimo segundo álbum en solitario, "Days Like These", se publicó en 1995. En 1996, se grabó el álbum "Alison's Song: Tell Me Something", en homenaje al pianista de jazz Ben Sidland y a Alison. Este es un disco de jazz por excelencia.

Van Morrison ha estado activo en la escena musical desde la década de 1960 y es considerado uno de los cantantes y compositores más convincentes de la escena de la música pop británica.

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