¿Cuáles son algunos libros relacionados sobre la aplicación de la arquitectura en el diseño de moda?
El neoclasicismo persigue el estilo clásico, la sencillez, la elegancia, la moderación, "noble sencillez, majestuosa grandeza". En arquitectura, la búsqueda de la simplicidad, la independencia y la integridad de las formas arquitectónicas, la simplicidad de los detalles, la consistencia de la forma y la lógica estructural y la reducción de componentes puramente decorativos reflejan el anhelo de racionalidad de la gente. Aunque existen similitudes en el desarrollo del neoclasicismo en diferentes países, también existen diferencias. En términos generales, en Francia predomina el estilo romano, mientras que en Gran Bretaña y Alemania predomina el estilo griego. El estilo neoclásico también se reflejó en los productos de la época, que se caracterizaron por abandonar las curvas excesivamente pretenciosas y las magníficas decoraciones del estilo rococó y buscar estructuras razonables y formas concisas. Se prefieren las piezas arquitectónicas clásicas para la composición y la decoración detallada. Los muebles neoclásicos británicos han logrado grandes logros y han surgido un gran número de diseñadores destacados que son buenos diseñando formas simples y prácticas, y sus productos se han convertido en los pioneros del diseño de muebles modernos.
Eclecticismo
En el siglo XIX, un problema más directo y grave fue el eclecticismo estilístico. El llamado ecléctico significa imitar arbitrariamente varios estilos de la historia, o combinar libremente varios estilos sin ceñirse a un patrón, por eso también se le llama "copiar". Con la comercialización de la producción, fue necesario utilizar estilos coloridos para satisfacer y estimular el mercado, por lo que los sentimientos de Grecia, Roma, Bizancio, la Edad Media y el Renacimiento coexistieron y se fusionaron en un espectáculo. Al mismo tiempo, el transporte en el siglo XIX se había vuelto muy conveniente, la arqueología se había desarrollado enormemente y la invención de la fotografía ayudó a la gente a comprender y dominar el patrimonio antiguo, haciendo posible reconstruir e imitar varios estilos.
El Movimiento Arts and Crafts
Pionero en el diseño industrial moderno. Se dice que es un movimiento porque tiene amplia influencia y significado internacional. La Revolución Industrial británica del siglo XVIII permitió que los productos mecánicos penetraran en todos los aspectos de la vida humana. En comparación con los productos hechos a mano en el pasado, muestran características obvias de mecanización: la forma y el diseño decorativo de algunos productos todavía copian los estilos de los productos artesanales tradicionales, lo que hace que los productos mecanizados que son difíciles de manejar con formas complejas se vean mejor que los productos artesanales que tienen Algunos productos se han elaborado durante mucho tiempo en el pasado y se han rediseñado en función de las características de la producción mecánica, pero su estilo simple y claro hace que sea difícil para muchos consumidores que piensan que solo los estilos tradicionales con patrones complejos representan exquisitez y perfección para aceptarlo. Por lo tanto, el diseño artístico y artesanal muy inmaduro enfrentó dificultades en el período de transición entre lo antiguo y lo nuevo. Los tradicionalistas, representados por el poeta y crítico literario británico Ruskin y el pintor y diseñador artístico Morris, llevaron a cabo propaganda crítica en teoría y se dedicaron activamente a la práctica del diseño. No estaban satisfechos con la aspereza y simplicidad de los productos mecanizados en ese momento, y creían que los productos artesanales reales debían ser prácticos y hermosos. Intentaron restaurar la artesanía estándar y el diseño perfecto y exquisito de los productos hechos a mano producidos en los talleres medievales tradicionales. Con este fin, Morris estableció su propio taller de teñido y tejido y personalmente diseñó y hizo a mano diversas telas, papeles pintados, alfombras y muebles. Bajo la premisa de negar la falta de cambios de curvas en el estilo mecanizado en ese momento, el diseño adoptó la forma de materia orgánica natural (como flores y pasto) y la deformó, de modo que el patrón decorativo mostró curvas ricas, llenas de vitalidad. y movimiento. Están indisolublemente ligados a los estilos curvilíneos del barroco y el rococó (ver Barroco y rococó), que alguna vez fueron populares en Europa y tenían un fuerte sentido decorativo. Este estilo se manifestó rápidamente en el modelado arquitectónico, la decoración de interiores, el arte de jardines, la encuadernación de libros y otros diseños artísticos y artesanales, e influyó en todo el mundo del diseño europeo. Las palabras y los hechos de Ruskin y Morris los llevaron a un extraño círculo de importancia histórica: se opusieron a la producción mecánica y al diseño de las necesidades diarias en la era industrial desde una perspectiva estética, pero llamaron a la gente a combinar el diseño de las necesidades diarias con su funciones y ponerlas en práctica. Por lo tanto, en realidad guía a las personas a prestar especial atención a la relación entre el diseño de productos (ya sean productos hechos a mano o productos mecanizados) y sus funciones, señala la dirección correcta del diseño y promueve en gran medida el desarrollo del diseño de productos industriales como algo nuevo. .
Art Nouveau
Es la continua profundización y desarrollo del Movimiento de Artes y Oficios francés. El diseñador y comerciante de arte francés Samur Bing abrió una oficina de diseño "Art Nouveau" en París en 1895. Colaboró con algunos amigos en la misma industria y decidió cambiar el status quo del diseño de productos. Admiran el diseño que combina estrechamente arte y tecnología, admiran las artesanías exquisitamente elaboradas y exigen que los productos diseñados y producidos sean hermosos y prácticos. Realizan diseños integrales sobre arquitectura, muebles, decoración de interiores, artículos de primera necesidad, ropa, encuadernaciones de libros, ilustraciones y carteles, y se esfuerzan por crear un estilo de nueva era. Su lema en el diseño morfológico es "regreso a la naturaleza", y utilizan plantas, flores, insectos y otras cosas naturales como patrones decorativos, pero no son del todo realistas.
La mayoría de ellos utilizan curvas abstractas que simbolizan formas orgánicas como patrones decorativos, mostrando curvas intrincadas, ritmo dinámico y un gusto estético exquisito y elegante. En la Exposición Internacional de París de 1900, las exquisitas obras de los diseñadores franceses atrajeron la atención mundial y despertaron amplias repercusiones en los países europeos y americanos. El nombre "Casa del Art Nouveau" se extendió como la pólvora, por lo que el movimiento recibió el nombre de "Art Nouveau". Por tanto, Francia se convirtió naturalmente en la cuna y el centro del movimiento Art Nouveau. Las principales obras del movimiento Art Nouveau francés incluyen: la entrada al Metro de París diseñada por Germade; los carteles diseñados por Cam; la "Sala Art Nouveau" diseñada por Gaillard expuesta en la Exposición Internacional de París de 1900; los exquisitos muebles de mosaico de madera diseñados; de Gaillard Preciosa porcelana diseñada por Chaplet y otros. También hay algunos diseñadores gráficos que han diseñado anuncios para empresas, dando el primer paso en la exploración de la comunicación visual. Los diseñadores franceses no solo promovieron sus ideas a través de periódicos y publicaciones periódicas, sino que también promocionaron directamente sus productos de estilo Art Nouveau en la sociedad, establecieron escuelas de diseño especializadas y promovieron la educación en diseño, como la Escuela Nancy Industrial Art Alliance fundada por Geller. La pequeña ciudad de Nancy era otro centro del Art Nouveau francés en las afueras de París. Las formas de diseño de los dos lugares tienen sus propias características y se influyen mutuamente. Durante el movimiento Art Nouveau francés surgieron muchos grupos de diseño destacados, como la Casa Art Nouveau, la Casa Moderna, el Grupo de los Seis, etc., entre los que el Grupo de los Seis fue el más destacado. Esto hace que el movimiento Art Nouveau francés sea colorido. Alrededor de 1925, el movimiento Art Nouveau de Francia fue reemplazado gradualmente por el movimiento Art Déco.
La Escuela de la Secesión de Viena (Secesión de Viena 1897-1915)
Una famosa organización de artistas producida en el Movimiento Art Nouveau de Austria. Durante 1897, un grupo de artistas, arquitectos y diseñadores de Viena, Austria, afirmaron romper con la estética tradicional y el arte académico ortodoxo, por lo que se autodenominaron secesionistas. Su lema es "Arte de los tiempos: la libertad que merece el arte". En términos de diseño, su énfasis en la funcionalidad, su modelado y diseño decorativo que combina formas geométricas con formas orgánicas, muestran las características de la época que son consistentes con el movimiento Art Nouveau europeo y americano, y son únicas. Practicaron con audacia, realizaron exposiciones periódicas y publicaron la revista de diseño "Interior" en 1900, que tuvo bastante influencia en Europa. Entre sus representantes se encuentran el pintor Klimt; los arquitectos y diseñadores Wagner, Hoffmann, Oubrick, Moser y otros. Klimt y Hofmann son los más famosos. Wagner fue el maestro de Hoffmann y otros. Sus conceptos de diseño y estilo arquitectónico ya mostraban un alejamiento del decorativaismo de los años 80, por lo que se le conoce como el padre del movimiento secesionista. En 1895, explicó en su libro "Arquitectura moderna" la forma que debería tener la arquitectura de la nueva era. La estación Kars Palaz que diseñó, con su sencilla forma cuadrada y detalles decorativos Art Nouveau, es una de las primeras obras maestras del secesionismo. El pintor Klimt fue el primer presidente de la organización secesionista y era conocido como "el pintor más grande de Austria". Creó una gran cantidad de petroglifos cuyas formas están muy armoniosas con el diseño interior. Rompió la forma de pintura tradicional, usó colores metálicos brillantes y efectos planos unidimensionales, y usó un lenguaje de formas simbólicas para expresar un estilo fuerte y hermoso, una artesanía exquisita y una decoración fuerte. Las obras representativas incluyen el óleo "Beso", el mural "Filosofía", "Derecho", "Mural decorativo de estatuas de Beethoven", etc. En 1903, con el apoyo de los banqueros, Hofmann organizó la Liga Obrera de Viena en Wein. Él y Moser fueron directores de arte y trabajaron en el diseño de muebles y artículos de metal para interiores, producidos por los talleres de la Alianza. Sus productos tienen formas geométricas y una decoración minimalista, esforzándose por combinar a la perfección arte y tecnología para reflejar la practicidad de los productos. El diseño de Hoffman presenta un estilo de línea recta que se diferencia del estilo curvilíneo general y se acerca más al diseño moderno. El carácter decorativo de su cuadrícula cuadrada lavada, compuesta de líneas verticales y horizontales, se convirtió en una firma distintiva del estilo de diseño secesionista. De 1904 a 1910 emprendió el diseño arquitectónico del Palacio Stokely en las afueras de Bruselas. Su forma cuadrada es sencilla y rigurosa, el espacio interior es espacioso y las paredes rectas. Esta es su obra maestra más importante. El mobiliario interior del restaurante y los murales de gran tamaño fueron diseñados y realizados por Klimt. Las figuras figuradas y los patrones decorativos de los frescos están incrustados con vidrio, mosaicos, esmaltes, metales y gemas baratas. Son tan hermosos que hacen del Palacio Stokely una obra maestra del secesionismo. Las creaciones de otras personas también tienen muchos logros, cada una con sus propias características. La Casa Secesionista de Viena diseñada por Obrick es una de las obras representativas de los secesionistas. Combina formas geométricas simples y claras con flores y plantas en el típico estilo Art Nouveau. El diseño gráfico de Moser es su mayor logro, y su estética es más vanguardista y más racional que otras. Los diseños de encuadernaciones de libros, ilustraciones, impresiones y teñidos y sellos son en su mayoría en blanco y negro, brillantes, generosos y más cercanos al estilo modernista. El movimiento de Secesión de Viena fue único. A su diseño se agregaron líneas raras y formas geométricas simples en el estilo Art Nouveau, con especial énfasis en la funcionalidad del producto. Reflejó la transición del diseño europeo de la tradición a la modernización y tuvo una influencia de gran alcance.
Deutsche Factory
La primera agencia de diseño de Alemania, fundada en 1907, es la piedra angular del diseño modernista alemán. Teórica y prácticamente sentó las bases para el surgimiento y desarrollo del movimiento de diseño modernista europeo en la década de 1920. Entre sus fundadores se encuentran el famoso diplomático alemán, reformador de la educación artística y teórico del diseño Muthuis, el pionero del diseño moderno Bachlens, el famoso diseñador Wilder y otros. Su base está en Heralau, un suburbio de Dresde.
Su propósito es mejorar el nivel de diseño de Alemania y diseñar productos excelentes mediante la combinación de arte, industria y artesanía. La Alianza cree que el propósito del diseño son las personas, no los objetos, y que los diseñadores industriales son servidores de la sociedad, no artistas con el propósito de expresarse. Bajo la premisa de afirmar la producción mecanizada, la producción en masa y la estandarización del producto son los requisitos básicos del diseño. Se esfuerza por promover conceptos de diseño industrial en todos los ámbitos de la vida, introducir resultados de diseño avanzados y promover líderes de todos los ámbitos de la vida para apoyar el desarrollo del diseño, promoviendo así la mejora de la economía alemana y la alfabetización cultural nacional. Muestra que Alemania ha entrado en una nueva etapa en el diseño industrial y ocupa una posición de liderazgo en el mundo. Los diseñadores de la alianza han logrado resultados sin precedentes en la práctica. De 1912 a 1919, el anuario publicado por la Alianza presentaba las fábricas y una serie de productos diseñados por Baehrens para la Joint Venture Eléctrica Alemana: los edificios administrativos y de oficinas diseñados por Gropez Wusi para la Alianza, la fábrica de hormas de calzado Fagus con muros cortina , el palacio de cristal de Todd diseñado para la exposición de Colonia, el diseño del automóvil de negocios de Newman tiene un estilo modernista obvio. En particular, la introducción de las piezas expuestas en la Exposición de Colonia de 1914 es aún más refrescante. El anuario también muestra de manera oportuna las nuevas tendencias en el desarrollo de la tecnología industrial internacional, como la línea de montaje iniciada por la Ford Motor Company en los Estados Unidos. El anuario también publica artículos teóricos con diferentes puntos de vista, lo que permite a las personas buscar la verdad en los debates. En 1914, hubo un debate sobre la estandarización entre Mutter Hughes, una autoridad teórica en el mundo del diseño, y Wilder, un famoso diseñador. El primero utiliza argumentos sólidos para explicar que el diseño industrial moderno debe basarse en una civilización industrial a gran escala y que los productos mecánicos producidos en masa deben adoptar métodos de producción estandarizados. Sólo bajo esta premisa podemos hablar de estilo e interés. Este debate fue el primer debate con influencia internacional en la historia del diseño industrial moderno. Fue el evento más importante y de mayor alcance entre todas las actividades de la Federación de la Industria Alemana. La Primera Guerra Mundial interrumpió sus actividades. Pero las teorías y principios de diseño que estableció sentaron las bases del diseño modernista en Alemania e incluso en el mundo.
Destig (Destig)
El movimiento de diseño modernista holandés que surgió a principios del siglo XX fue una parte importante del primer movimiento de diseño modernista internacional. De stijl se originó en el estilo artístico de la pintura holandesa (ver de stijl), pero tiene una gran influencia en el campo del diseño. De Stijl en el campo del diseño se considera una de las expresiones importantes del diseño modernista. Mondriaan, el fundador de De Stijl y pintor, una vez publicó un artículo sobre neoplasticismo y utilizó el neoplasticismo para describir su estilo creativo, por lo que la gente lo llamó neoplasticismo de stijl. Entre sus trabajos representativos se encuentran el diseño de la portada de la revista "Vogue", el diseño interior del café Oberti en el castillo de Slaras: la casa Schroeder diseñada por Rietveld, las sillas rojas y azules diseñadas por Oder: el café Uoni, etc. Los escritos teóricos sobre De Stijl de los pintores De Stijl Mondrian y Duesberg son la base teórica del diseño De Stijl.
Para el mundo del diseño, el nombre Nuevo Modelismo es especialmente apropiado. De stijl aboga por partir de la razón, utilizar estructuras geométricas abstractas para expresar la armonía y el orden universal entre el universo y la naturaleza, explorar las leyes ocultas por la apariencia de las cosas y mostrar la esencia y el ritmo de las teorías científicas, la producción mecánica y las ciudades modernas. Entre los principales representantes en su círculo de diseño se encuentran el diseñador Ritter Wade, el arquitecto Ode y otros. Abogan por aplicar los principios de stijl del arte puro a la arquitectura, el mobiliario, otros productos y el diseño gráfico, penetrando así en el mundo y creando un nuevo orden mundial. Prestan atención al uso y expresión de nuevos materiales y nuevas tecnologías, y señalan que el espacio de un edificio se compone de dos aspectos: función y armonía, y su apariencia está determinada por su espacio interno. Aplicaron las formas, colores y líneas extremadamente concisas y ordenadas de la pintura de Desterbon al diseño de arquitectura, ropa, muebles y otros aspectos, y diseñaron nuevas fuentes y formatos de impresión asimétricos y equilibrados. El diseño de De Stijl enfatiza el concepto de la estrecha integración del arte y la ciencia y el principio de prioridad estructural, sentando las bases ideológicas para el movimiento de diseño modernista internacional representado por la Bauhaus. El trabajo de diseño de de stijl incluye el diseño de la portada de la revista Style y el diseño interior del Oberti Café en el Castillo de Slaras. la casa de Schroeder y las sillas rojas y azules diseñadas por Rietveld; el Uni Café diseñado por Oder, etc. Los escritos teóricos sobre De Stijl de los pintores De Stijl Mondrian y Duesberg son también la base teórica del diseño De Stijl.
Constructivismo
Una teoría del arte propuesta por los artistas rusos Malevich y Tatlin después de la Revolución de Octubre en la antigua Unión Soviética. En los "Principios del constitucionalismo" publicados en 1920, se señaló que el espacio sólo puede moldearse de adentro hacia afuera en términos de profundidad, pero no puede moldearse por volumen de afuera hacia adentro, y que el modelado debe prestar atención a las dimensiones tridimensionales; la estructura; los materiales con las formas sirven como factores de expresión. Debe mostrar la fuerza interior de las cosas. Al mismo tiempo, se debe introducir el tiempo como elemento en el modelado. En la maqueta del Monumento a la Tercera Internacional (1919), Tatlin destacó la configuración de la estructura espacial. Se centró en la integración de la tecnología y el arte, llevando el arte plástico al ámbito del diseño. El constructivismo se aplica al diseño de muebles estándar multifuncionales y plegables, que incorporan simplicidad y economía. En los campos de la publicidad y el diseño gráfico, el constructivismo se hace eco del manierismo holandés, encarna los efectos conceptuales de las formas geométricas y las transformaciones espaciales, y tiene cierta influencia a nivel internacional.
Escuela de Arquitectura Bauhaus
El 1 de abril de 1919 se estableció una escuela de diseño en Weimar, Alemania. Fue la primera escuela del mundo en cultivar talentos del diseño moderno. Aunque sólo existe desde hace 14 años, su impacto en el diseño y la educación modernos en Alemania e incluso en el mundo es inconmensurable. Estableció un sistema educativo de diseño moderno en teoría y práctica, capacitó a un gran número de destacados talentos del diseño y se convirtió en el lugar de nacimiento del movimiento de diseño modernista europeo a principios del siglo XX. La Bauhaus pasó por dos etapas principales de desarrollo: ① Período de Weimar (1919-1924) ② Período de Dessau (1925-1933) Su nombre proviene del lugar donde se encontraba el colegio. Gropius Wusi (1919-1927) fue su fundador y primer director. El segundo presidente fue Meyer (1927-1930). El tercer director fue Van der Rohe (1931-1933). Todos ellos fueron arquitectos alemanes famosos y pioneros del diseño modernista en ese momento, e hicieron grandes contribuciones a la Bauhaus. A principios del siglo XX, impulsado por el rápido desarrollo de la industria a gran escala, el movimiento de diseño modernista en los países europeos estaba en ascenso. Gropius era muy consciente de que debía establecerse una escuela de diseño nueva y especializada para cultivar los talentos de diseño que necesitaba la sociedad industrial. En repetidas ocasiones propuso al gobierno establecer una escuela de diseño centrada en el diseño arquitectónico, y el gobierno de Weimar aceptó en 1919. La Bauhaus se fundó a partir de la fusión de la Academia de Bellas Artes de Weimar y la Escuela Técnica de Weimar. Su nombre completo en alemán es "Des Staatliches Bauhaus", que significa "Bauhaus Nacional". Gropez Wusi combinó las palabras alemanas Bau y haus para crear Bauhaus, que significa un nuevo sistema de diseño arquitectónico, pero su contenido educativo en diseño incluye todo el diseño industrial centrado en la arquitectura. Gropius Wusi redactó personalmente el "Manifiesto de la Bauhaus" y determinó que el propósito de su diseño era "la unidad del arte y la tecnología". La Bauhaus exploró en la práctica y estableció los puntos de vista básicos y las direcciones educativas del diseño moderno: ① El propósito del diseño son las personas, no los productos. ② El diseño debe seguir leyes objetivas y naturales. Su sistema educativo, teoría del diseño y estilo de diseño han madurado y mejorado gradualmente en la práctica. El principal contenido didáctico de la Bauhaus consiste en arte y tecnología. Su sistema de enseñanza inicial puede denominarse "aprendizaje en fábrica", con los estudiantes como "aprendices", los profesores que toman clases de formas artísticas como "instructores de formas" y los profesores que toman clases de artesanía y producción artesanal como "maestros de estudio". Cada curso es impartido por dos profesores. La escuela también ofrece estudios de carpintería, cerámica, tejido e impresión para que los estudiantes practiquen, permitiéndoles desarrollar habilidades tanto artísticas como técnicas. Uno de los logros más importantes de la Bauhaus es el establecimiento de un sistema educativo básico de composición plana, composición tridimensional y composición de color en la educación del diseño. Este sistema se basa en fundamentos teóricos científicos y rigurosos. Durante agosto y septiembre de 1923, la Bauhaus celebró una importante exposición titulada "La nueva unidad del arte y la tecnología". Los trabajos de profesores y estudiantes atrajeron a famosos artistas y diseñadores europeos, llevando a cabo diversas actividades de intercambio académico, promoviendo las ideas de diseño de la Bauhaus e impulsando el movimiento de diseño modernista europeo a su clímax. En ese momento, Gropez Uth pronunció un discurso titulado "Sobre el arte integral" y presentó su libro "Imaginación y organización de la Bauhaus". Posteriormente, llevó a cabo grandes reformas en la enseñanza, haciendo que las matemáticas, la física y la química fueran cursos obligatorios, haciendo que el sistema de enseñanza se desarrollara en una dirección más razonable y científica, y más adecuado a las necesidades de la producción industrial a gran escala. Debido a la persecución de las fuerzas políticas de derecha, la Bauhaus se trasladó en marzo de 1925 a Dessau y comenzó la segunda etapa de su desarrollo. En 1926, se añadió al nombre de la escuela el nombre de la filial "Escuela de Diseño", lo que aclaró aún más la naturaleza de la escuela. La enseñanza ya no la llevan a cabo tutores y maestros de estudio, sino que se contratan artesanos cualificados para ayudar a los profesores. Los profesores de la Bauhaus de Dessau son en su mayoría graduados de nuestra escuela, como por ejemplo Bayeux y otros. En 1925 publicó la Bauhaus. El Departamento de Arquitectura se fundó en 1927, bajo la dirección del famoso arquitecto suizo Meyer. Este fue el apogeo de la Bauhaus. En febrero de 1928, Gropezzi dimitió y recomendó a Meyer como director. Llevó a cabo reformas a gran escala, fortaleció el plan de estudios del Departamento de Arquitectura, estableció un departamento de música, añadió una especialización en fotografía, añadió cursos de sociología y alentó a los estudiantes a contactar activamente con la sociedad. Su postura política progresista despertó el descontento con las autoridades y se vio obligado a dimitir en 1930. Por recomendación de Gropez Us, el famoso arquitecto alemán Vandello se convirtió en el tercer presidente. Continuó las reformas para mejorar el sistema educativo centrado en el diseño arquitectónico y trabajó para despolitizar la academia. En 1932, después de la destrucción de la escuela nazi, se vio obligada a cerrar y trasladarse a Berlín, donde recibió el nombre de "Instituto Educativo Independiente Bauhaus" y continuó enseñando en una compañía telefónica abandonada. En junio de 1933 Hitler llegó al poder. En abril, el entonces Ministerio de Cultura ordenó el cierre de la Bauhaus y la policía militar nazi ocupó por la fuerza la escuela. En agosto de 2010, Vandello anunció la disolución permanente de la Bauhaus. La Bauhaus es la cuna del diseño moderno. El estilo de diseño industrial práctico, racional y conciso defendido y practicado por la Bauhaus se considera el estilo clásico del diseño modernista y tuvo un impacto indeleble en el diseño del siglo XX.
Movimiento de diseño modernista
El movimiento de innovación en el diseño moderno con el diseño industrial como núcleo se extendió por Europa y Estados Unidos desde principios del siglo XX hasta la década de 1930. Se desarrolló bajo el impulso de la revolución científica y tecnológica moderna, basada en la producción industrial a gran escala, y sirve a toda la sociedad industrial.
Ha logrado resultados fructíferos en la teoría y la práctica, ha cambiado enormemente el entorno de vida de las personas y ha cambiado fundamentalmente sus necesidades de consumo y gustos estéticos. Del movimiento surgió un grupo de pioneros del diseño industrial que tenían ideas democráticas, afirmaban plenamente la gran producción mecánica de la sociedad industrial y apreciaban las nuevas tecnologías y nuevos materiales. Frente a los desafíos de la época, propusieron principios de diseño funcionalistas, abogaron por un diseño científico y razonable y crearon una nueva era de estética del diseño: la estética mecánica. Los nuevos productos diseñados por él son simples, simples, prácticos y convenientes, establecen la forma y el estilo del diseño modernista y marcan la entrada del diseño de productos en la era del diseño industrial moderno. El diseño industrial se ha convertido en una disciplina independiente y una palanca importante para promover el desarrollo social y económico. También ha surgido el sistema de educación de diseño independiente y está mejorando gradualmente en la práctica. En Europa y Estados Unidos, el desarrollo del movimiento de diseño modernista tiene sus propias características. El establecimiento de fábricas alemanas, el establecimiento y desarrollo de la Bauhaus, el establecimiento de estilos de diseño funcional en los países escandinavos, el surgimiento de diseñadores industriales a tiempo completo en varios países, etc. , lo que marca que la forma de diseño modernista ha madurado. Destacados arquitectos y diseñadores como Gropez Wusi, Le Corbusier, Vandero y Wright sentaron las bases prácticas y teóricas del diseño modernista. Propusieron una serie de nuevos conceptos y principios de diseño, que son de gran importancia para promover el diseño moderno en Europa, América e incluso el mundo. Gropius Wusi fue el primer diseñador que logró logros integrales en la teoría del diseño. Señaló claramente: "Debe enfatizarse que la maquinaria juega un papel decisivo en el diseño industrial. Creía que el principio de diseño de función primero y forma después debe implementarse, y el diseño debe "alcanzar plenamente su propósito funcional desde un punto de vista práctico". aspecto", Hacer que los productos diseñados sean aplicables, confiables, de bajo costo, económicos y efectivos. Creía que el diseño del siglo XX debía tener características distintivas de la época y oponerse a la decoración y al retroismo. Sus puntos de vista sobre el estilo estético fueron elaborados filosóficamente: "El concepto de belleza cambia con el avance de las ideas y la tecnología. Cualquiera que piense que ha descubierto la 'belleza eterna' caerá en la imitación y el estancamiento. La verdadera tradición es el progreso continuo". Su esencia es el movimiento, no la estática, y la tradición debe impulsar a las personas hacia adelante "Corbusier es el fundador de la estética mecánica. Aprecia el diseño de aviones, automóviles y barcos, porque estos diseños están completamente diseñados de acuerdo con requisitos funcionales y tecnológicos y son productos industriales completamente nuevos. Creía que cualquier producto de la gran sociedad industrial era, en cierto sentido, una máquina. Elogió la geometría por su simplicidad. Dijo: "Los ingenieros que trabajan según fórmulas usan formas geométricas para satisfacer nuestros ojos y usan las matemáticas para satisfacer nuestra razón. Sus obras son simplemente buen arte". Abogó por que el diseño debe mostrar la belleza racional de la simplicidad, el orden y la lógica. para mostrar la belleza de las líneas rectas, las proporciones, el espacio y el volumen del propio objeto, sin necesidad de decoración adicional. Van der Rohe también enfatizó el estilo de la época, defendió la importancia práctica y funcional del diseño y abogó por el uso de métodos de producción mecanizados y en masa. Wright también enfatizó la funcionalidad y propuso la idea de "arquitectura orgánica". Considera que el diseño arquitectónico debe considerar la armonía con el medio ambiente, la disposición orgánica y la programación del espacio arquitectónico, las diferentes expresiones de los materiales naturales y los materiales industriales, y la coordinación entre ellos. El arte modernista tuvo una influencia directa en el diseño modernista. Muchos artistas modernistas participan activamente en los campos del diseño y la educación, como Duesberg, Ritter Witte, Kandinsky, Klee, Eaton, Nagy y otros. Mientras enseñaba en la Bauhaus, la escuela de diseño número uno del mundo, alguien hizo grandes contribuciones a la formación del sistema educativo de diseño moderno y a la construcción de cursos básicos. La exposición de la Bauhaus celebrada en Weimar, Alemania, en 1923 mostró sus logros al mundo, convirtiéndola en un centro mundial para el diseño, la educación en diseño y la investigación de la teoría del diseño. De 1925 a 1927, el sistema de enseñanza de la Bauhaus alemana maduró, todos los aspectos del trabajo han ido por el camino correcto y los resultados del diseño de profesores y estudiantes también han alcanzado un nuevo nivel, haciendo que el movimiento de diseño modernista salga de la etapa experimental. a la etapa de madurez de la ciencia sistemática y ha resistido la prueba de los tiempos. A principios de la década de 1930, el diseño modernista comenzó a debilitarse en Europa debido a la depresión económica y la represión del régimen nazi en Alemania. Después de 1937, cuando un gran número de élites de la Bauhaus emigraron a los Estados Unidos, los estilos de diseño modernistas europeos se integraron en el sistema de diseño estadounidense. Con la fuerte fortaleza económica de los Estados Unidos, el movimiento de diseño modernista continuó con los Estados Unidos como centro, formando un estilo de diseño modernista internacional. Desde la Segunda Guerra Mundial hasta la década de 1970, las ideas, principios y estilos de diseño del modernismo internacional influyeron en todo el mundo. En la década de 1980, surgió la tendencia del arte y el diseño posmoderno, pero muchos principios de diseño del modernismo todavía son aplicables y se convertirán en parte de la esencia de la tradición del diseño mundial a medida que avancen los tiempos.
Art Déco
Movimiento de innovación del diseño europeo y americano del siglo XIX en las décadas de 1920 y 1930. Impulsado por el rápido desarrollo de la industria a gran escala y la creciente prosperidad del comercio, el diseño industrial europeo y americano está madurando gradualmente. El movimiento de diseño Art Nouveau, que a menudo todavía se basa en la producción manual, ya no puede cumplir con los requisitos de la producción mecanizada universal. Diseñadores de varios países, encabezados por Francia, afirmaron la producción mecanizada desde una nueva altura y utilizaron nuevos materiales y nuevas tecnologías para llevar a cabo nuevas exploraciones de la belleza formal y decorativa de la arquitectura moderna y diversos productos industriales, incluyendo principalmente arquitectura, muebles y cerámica. , vidrio, El diseño de textiles, ropa y joyería se esfuerza por embellecer los productos industriales manteniendo la producción mecanizada. París es la cuna y el centro del movimiento Art Déco.
En 1925, se celebró en París la Exposición Art Déco, de ahí el nombre de Movimiento Art Déco y provocó furor en países europeos y americanos. Fue influenciado por el arte modernista emergente, el arte escénico del ballet ruso, la industria del automóvil y la cultura popular. , sus formas de diseño son diversas, pero todavía hay un estilo unificado, como centrarse en la textura y el brillo de los materiales; en el diseño de estilo, las formas geométricas o las líneas plegables se utilizan a menudo para la decoración, enfatizamos el uso de; Los colores sólidos brillantes, los colores contrastantes y el color metálico crean una impresión visual fuerte y colorida. En Francia, el movimiento Art Déco logró grandes avances en el diseño francés de ropa y joyería, y el diseño de carteles y publicidad en el diseño gráfico también alcanzó un alto nivel. Los diseños de interiores y muebles de Eileen Gray combinan a la perfección materiales decorativos lujosos con un toque oriental con muebles de tubos de acero claramente estructurados. En Estados Unidos, el movimiento Art Déco estuvo influenciado por las revistas de Broadway, el jazz, las películas de Hollywood y otras culturas populares. Al mismo tiempo, influenciado por la floreciente industria del automóvil y la fuerte atmósfera comercial, se ha formado un estilo decorativo americano único y un estilo de diseño comercial que persigue la expresión formal. Comenzaron en Nueva York, se expandieron gradualmente desde la costa este hasta la costa oeste y derivaron el estilo de Hollywood. Especialmente en arquitectura, interiorismo, mobiliario, cuadros decorativos, etc. El Empire State Building y el Rockefeller Building de Nueva York presentan un típico estilo Art Déco americano en cuanto a su apariencia general, decoración interior, murales, muebles y vajillas. El edificio de Coca-Cola Company en Los Ángeles tiene un diseño arquitectónico que se asemeja a la forma aerodinámica de un automóvil. El estilo decorativo americano se introdujo en Europa en la década de 1930, enriqueciendo el estilo de arte decorativo europeo. En Gran Bretaña, el estilo Art Déco comenzó a finales de la década de 1920 y se exhibió de manera destacada en el diseño interior de grandes lugares públicos y en el embalaje de productos populares (cajas de jabón, cajas de talco, etc.). Salas y banquetes en el Hotel Claridge en. Londres Las salas, corredores y balcones, así como la gran cantidad de cines construidos por la cadena Odeon Cinema, muestran una combinación de estilos Art Deco británico y Hollywood. La combinación del movimiento Art Déco de estilos artísticos orientales y occidentales, la combinación de sentimientos humanos y belleza mecánica, fue enfatizada nuevamente por los diseñadores posmodernos en la década de 1980.
Diseño escandinavo
El estilo de diseño escandinavo se refiere a un estilo de diseño que fue popular en el mundo desde los años 1930 hasta los años 1950, representado por diseños de países nórdicos como Dinamarca, Suecia, Finlandia y Noruega. Ya en la Feria de Estocolmo de 1930, el diseño escandinavo mezcló las tradiciones artesanales locales con el riguroso funcionalismo y humanismo alemán. En términos de estilo, el diseño escandinavo es funcional pero no tan estricto y dogmático como lo era en los años 30. La forma geométrica se suaviza y las esquinas se suavizan en curvas en forma de S o líneas onduladas. A menudo se describe como una "forma orgánica", lo que hace que la forma sea más humana y vívida. En la década de 1940, la nostalgia por reflejar las características nacionales, que a menudo mostraban una simplicidad rural, promovió esta tendencia al suavizamiento. Los colores primarios defendidos por el funcionalismo temprano también fueron reemplazados por colores gradualmente armonizados en la década de 1940. Los diseñadores favorecieron las texturas más ásperas y los materiales naturales. El diseño escandinavo fue popular en los años 50. Sus formas simples y orgánicas, colores y texturas naturales fueron muy populares en el mundo y se convirtieron en el estilo de diseño más popular en Europa y América en ese momento.
Estilo aerodinámico
Streamlining era originalmente un término aerodinámico utilizado para describir la forma de un objeto con superficies y líneas suaves. Esta forma puede reducir la resistencia al viento cuando los objetos se mueven a altas velocidades. Sin embargo, en el diseño industrial, se ha convertido en un lenguaje de estilo que simboliza la velocidad y el espíritu de la época, y se ha difundido ampliamente. No sólo se convirtió en una estética de automóvil de moda, sino que también penetró en el campo de los productos para el hogar, afectando el diseño de apariencia de planchas eléctricas, tostadoras y refrigeradores, formando el estilo de producto más popular y el entorno más comercial en las décadas de 1930 y 1940. El estilo aerodinámico estadounidense producido bajo la influencia del modernismo tiene un gran impacto en el elevado modernismo. La racionalización es esencialmente un "diseño de estilo" externo que refleja la actitud estadounidense hacia el diseño entre las dos guerras mundiales, que consideraba la apariencia de los productos como un medio importante para promover las ventas. Para lograr este objetivo, debemos encontrar un estilo que satisfaga el interés del público y surgió la racionalización.
La feroz competencia empresarial durante la Gran Depresión impulsó el estilo simplificado a la vanguardia.