Ilustraciones de ropa tradicional: ¿Cuáles son los estilos artísticos comunes de las ilustraciones en el diseño de ropa? ¿Puedes dar más detalles?
Enseñarte a dibujar bellezas clásicas: un tutorial introductorio a las antiguas técnicas de ilustración pintada a mano
Un ligero humo toca tus dedos,
Un trozo de rosa es fragante y estás ebrio.
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Las flores aún son jóvenes y el rubor es hermoso.
Parte de él es brocado de jade, mostrando un maquillaje rosa.
Caminando alrededor del loto, el abanico de plumas es ligero.
Paso 1: Borrador de línea
1. Crea una nueva capa en el papel en blanco y dibuja aproximadamente un borrador dinámico del personaje. Dibuja el contorno de la flor en primer plano y las ramas detrás.
2. Dibujar el esquema general de la vestimenta en función de la dinámica del personaje, y también esquematizar la composición general de la escena.
3. Reducir la transparencia de la capa. Crea una nueva capa y comienza a dibujar dibujos lineales, comenzando con los ojos. El dibujo lineal es un proceso de creación secundario, por lo que debes tener cuidado.
4. Dibuja el contorno de los ojos. Luego dibuja los rasgos faciales de la nariz, prestando atención a la forma de la nariz en el lado de 45 grados.
5. Sigue el borrador y delinea el rostro y las orejas. Crea una nueva capa y dibuja la dirección general y la intercalación del cabello del personaje.
El Sutra del Corazón, que circula ampliamente en nuestro país y es un nombre muy conocido, es la traducción del gran maestro Xuanzang de la dinastía Tang. Su formato es diferente de otros clásicos. El maestro de la dinastía Qin, Luo Shi, es el mismo que el maestro de la dinastía Qin, Luo Shi, pero hay muchas otras traducciones antiguas (hay siete en la dinastía Qing), y el Sutra del corazón tibetano en el Tíbet sigue siendo como otros clásicos, incluye La primera y la última parte. La diferencia entre las traducciones de Xuanzang y Luo Shi se debe a que su versión simplificada del Sutra del Corazón es demasiado grande y se ha eliminado para resaltar los puntos clave. que el Maestro Xuanzang no tradujo en el prefacio y lo demostró. Escuché que Bhagavan estaba en la Montaña del Buitre en Rajagaha con los grandes monjes y los grandes bodhisattvas. En ese momento, Bhagavan entró en el samadhi de la iluminación profunda. Nuevamente el santo Avalokitesvara Bodhisattva Mahasattva, quien meditó en el profundo y maravilloso viaje de Prajna Paramita, vio que los cinco agregados estaban vacíos de su propia naturaleza. En ese momento, las reliquias que duran toda la vida estaban dotadas del poder del Buda. La reunión del Buda Avalokitesvara Bodhisattva Mahasattva se llevó a cabo en la montaña Lingjiu en Rajagaha. Muchos grandes monjes y grandes Bodhisattvas estaban presentes. El Buda entró en el dharma profundo.
6. el cabello intercalados.
7. Para dibujar un tocado, puedes consultar fotos de tocados tradicionales o diseñarlos tú mismo, prestando atención a los detalles.
8. capa y dibuje lentamente las líneas de la ropa. En el borrador, los giros de línea se pueden dibujar de acuerdo con la suavidad y dureza del material de la ropa. Las líneas con telas más suaves son suaves y suaves, y las líneas con telas más duras son más duras.
9. Continúe mejorando la ropa y preste atención a las líneas intercaladas al dibujar. Al mismo tiempo, preste atención a la sensación de fluidez de las serpentinas.
10. patrones en el cuello y otros lugares de la ropa. Los patrones deben dibujarse de acuerdo con la dirección de la ropa. /p>
11 Crea una nueva capa y dibuja las flores en primer plano. según tus preferencias personales, o puedes dibujar uno primero y luego copiarlo para lograr la sensación de un racimo de flores.
12. Continúa creando una nueva capa y pinta las hojas, el tronco y la cinta detrás.
Paso 2: Coloración
Coloración de la piel
13. Crea una nueva capa, aplica un color de fondo verde claro a la imagen. Rellénalo por completo. Elige algunas áreas clave y deja algo de espacio para la imagen.
14. Crea una nueva capa y rellena la piel.
15. para crear una nueva capa y agregar una capa de sombra en las esquinas de los ojos, la fosa triangular, la base de la nariz y las líneas superpuestas, y luego crear una nueva capa para agregar una capa al final de los ojos del personaje.
Colorea los rasgos faciales
16. Después de ajustar el rubor, rellena un color base para los ojos y luego profundiza los párpados superiores.
17. Elige un gris, verde frío y pinta una capa de reflejo debajo de los ojos. Luego elige un color oscuro con el mismo color que la base del ojo y utiliza algunos colores brillantes en los ojos. Pon un poco de luz debajo de los globos oculares y agrega reflejos en los ojos.
18 Elige un color rojo, ajusta la dureza del pincel al mínimo y aplica una capa de color en el final del ojo. Dibuja delineador de ojos en el personaje Debido a que el personaje pintado esta vez es encantador, el delineador de ojos debe elevarse un poco.
Primero puedes delinear el delineador de ojos con azul oscuro y luego usar un color oscuro para presionar la forma. Una vez terminado el delineador de ojos, sale el maquillaje de ojos.
19. Usa color rojo grisáceo oscuro para presionar la nariz y usa color frío para iluminar el borde del puente de la nariz.
20. El maquillaje de labios es lo que los antiguos llamaban "labios rojos". Use un color rojo cercano al rosa como este, y puntee las cuentas del labio superior e inferior, para que comience a aparecer la sensación de labios rojos. . Oscurece el color alrededor de la línea de los labios y finalmente agrega reflejos, para completar todo el maquillaje facial.
Colorea el cabello
21. Primero crea una nueva capa, rellena el cabello con un color base y luego usa un color brillante para iluminar las mechas. Luego continúa profundizando las partes estructurales del cabello.
22. Crea una nueva capa y sigue el dibujo lineal del cabello para agregar una forma de sombra al cabello. Este paso debe realizarse lentamente. Profundiza el lugar donde se intercala el cabello para resaltar el volumen del cabello. Luego, reduzca el tamaño del pincel a un tamaño pequeño, dibuje algunos mechones finos de cabello blanco y agregue reflejos al cabello.
23. Colorea el tocado. Primero cree una nueva capa encima de la capa de cabello, asegúrese de presionarla en todas las capas del cabello y luego rellene la base del tocado. Para combinar colores, puede consultar algunas fotos de joyería tradicional.
El Sutra del Corazón, de amplia circulación en nuestro país y de gran fama, es la traducción del Maestro Xuanzang, una gran virtud de la dinastía Tang. Su formato es diferente al de otros clásicos. La traducción del maestro Luo Shi de la dinastía Qin es la misma, pero hay muchas otras traducciones antiguas (durante la dinastía Qing, había siete tipos), y el Sutra del corazón tibetano en el Tíbet sigue siendo el mismo. Como otros clásicos, incluye el. Primera y última parte. La diferencia entre las traducciones de Xuanzang y Luo Shi se debe a que su versión simplificada del Sutra del Corazón es demasiado grande y se ha eliminado para resaltar los puntos clave. El Maestro Xuanzang no tradujo el prefacio ni lo demostró. Escuché que Bhagavan estaba en la Montaña del Buitre en Rajagaha con los grandes monjes y los grandes bodhisattvas. En ese momento, Bhagavan entró en el samadhi de la iluminación profunda. Fue nuevamente el santo Avalokitesvara Bodhisattva Mahasattva, quien meditó sobre el profundo y maravilloso viaje de Prajna Paramita. Vio que los cinco agregados estaban vacíos de su propia naturaleza. En ese momento, las reliquias que duran toda la vida estaban dotadas del poder del. Buda. La reunión del Bodhisattva Mahasattva de Avalokitesvara se celebró en la Montaña del Buitre en Rajagaha. Había muchos grandes monjes y grandes Bodhisattvas y el Buda entró en el dharma profundo.
24. y agrega una capa al tocado. Borde dorado. Dale forma a las cuentas. Aplica primero la sombra, luego el reflejo y el color ambiental, y finalmente las luces. 25. No olvides colorear todos los tocados de la misma manera. ¡Están pintados con un hermoso khaodan!
Colorear la ropa
26. Colorea la ropa. Este paso consiste en separar la ropa en capas y llenarlas de color. Cambios en la realidad. Crea una nueva capa y completa un color para el patrón de la ropa. Puedes combinar el color tú mismo al pintar. dibuja accesorios y usa colores grandes. Presiona el pincel en los puntos estructurales de la ropa. En la capa de ropa, dibuja la sombra del patrón de ropa.
28. cinta Ajusta el color de la imagen, aclara el color de la ropa y aumenta el color de las serpentinas.
Colorea el fondo 29. Crea una nueva capa y arrástrala debajo de la capa del personaje. fondo. Llénalo de color y oscurece las flores en primer plano.
El Sutra del Corazón, de amplia circulación en nuestro país y de gran fama, es la traducción del Maestro Xuanzang, una gran virtud de la dinastía Tang. Su formato es diferente al de otros clásicos. La traducción del maestro Luo Shi de la dinastía Qin es la misma, pero hay muchas otras traducciones antiguas (durante la dinastía Qing, había siete tipos), y el Sutra del corazón tibetano en el Tíbet sigue siendo el mismo. Como otros clásicos, incluye el. Primera y última parte. La diferencia entre las traducciones de Xuanzang y Luo Shi se debe a que su versión simplificada del Sutra del Corazón es demasiado grande y se ha eliminado para resaltar los puntos clave. El Maestro Xuanzang no tradujo el prefacio ni lo demostró. Escuché que Bhagavan estaba en la Montaña del Buitre en Rajagaha con los grandes monjes y los grandes bodhisattvas. En ese momento, Bhagavan entró en el samadhi de la iluminación profunda. Nuevamente el santo Avalokitesvara Bodhisattva Mahasattva, quien meditó en el profundo y maravilloso viaje de Prajna Paramita, vio que los cinco agregados estaban vacíos de su propia naturaleza. En ese momento, las reliquias que duran toda la vida estaban dotadas del poder del Buda. La reunión del Buda Avalokitesvara Bodhisattva Mahasattva se llevó a cabo en la montaña Lingjiu en la ciudad de Wanghaha. Estaban presentes muchos grandes monjes y grandes Bodhisattvas. El Buda entró en el dharma profundo.
30. con color, y presta atención a los ajustes. Color
31. Crea una nueva capa debajo de la flor, rellena las hojas con blanco y luego agrega amarillo a los estambres. dibuja las hojas densas en la distancia.
32. Detalla las flores, profundiza las raíces de las hojas y ajusta el color de las hojas. ajusta la forma y la sombra de las raíces, ilumina algunas partes para que la imagen no quede demasiado oscura. Finalmente, agrega algunos pétalos voladores y gansos salvajes en la distancia para completar el dibujo. del material es Internet y los derechos de autor pertenecen al autor original. ¿Cuáles son los estilos artísticos de ilustración comunes en el diseño de moda? ¿Puedes explicarlo en detalle?
1. >La ilustración de estilo pop apareció y se hizo popular en la década de 2000. 50_甏Nafensheshe utiliza principalmente las técnicas creativas del arte comercial para formar un nuevo estilo artístico que integra la cultura popular y el arte comercial. Al mismo tiempo, las imágenes de dibujos animados y periódicos relativamente exageradas. formas impresas y lemas humorísticos en el estilo pop,** *La misma composición es exclusiva del estilo pop, y el estilo pop es muy artístico [3]. en el campo del diseño de moda, y fue el primero en crearlo. Fue el primero en utilizar papel, plástico y cuero artificial como materiales básicos para la producción de ropa, y sus ilustraciones incluían conceptos de diseño subversivos, con características distintivas como colores brillantes. , conceptos de diseño vanguardistas y selección de colores atrevidos. Hasta el día de hoy, el estilo de ilustración pop aún conserva muchas similitudes con Andy Warhol
2 Estilo abstracto
Por lo general, abstracto. Las obras de estilo generalmente utilizan puntos y líneas geométricas. Mondrian es una de las primeras figuras relativamente exitosas en las obras de estilo abstracto, y su método de creación de estilo abstracto es relativamente único. Se centra en el uso de varios patrones rectangulares como contenido de ilustración, y este tipo de arte de ilustración. La forma tiene una profunda influencia en el estilo abstracto. Tomemos como ejemplo la obra "Rojo, amarillo y azul" creada por el famoso maestro francés del diseño de moda de estilo abstracto. Esta obra está profundamente inspirada en el estilo abstracto de Mondrian y utiliza líneas, triángulos y rectángulos en una variedad de colores para dar la apariencia. ofrecer al público una experiencia única de apreciación del arte y darle a la obra una fuerte sensación de impacto visual y novedad.
3. Estilo representacional
El estilo concreto es diferente de los dos estilos mencionados anteriormente y sus características gráficas son generalmente realistas y realistas. Además, la presentación de líneas en obras de estilo figurativo es relativamente directa, y se pueden llevar a cabo generalizaciones, exageraciones y deformaciones decorativas para realzar el sentido del color de la obra y resaltar la simplicidad y sofisticación de la obra. Tomemos como ejemplo a la famosa diseñadora de moda italiana Miuccia Prada. Alguna vez tuvo la capacidad de utilizar ilustraciones directamente en la creación de diseños de moda. Puede llenar sus trabajos de diseño de vestuario con ilustraciones, y sus trabajos se centran en crear formas de personajes con cuidado y delicadeza, resaltando las formas. El color y el esplendor de la obra[4]. Además, las líneas mostradas en el estilo figurativo son relativamente elegantes, lo que puede brindar al público una experiencia psicológicamente onírica, especialmente cuando se usa en el diseño de ropa, puede mejorar efectivamente la sofisticación del trabajo de diseño y darle una belleza inteligente.
Ilustración de moda: El "diablo de la moda" con 500 años de historia
La ilustración de moda existe desde hace casi 500 años. Desde la aparición de la ropa, es necesario transformar las ideas o imágenes del diseño de ropa. ilustraciones de moda. Esta forma visual se originó en la ilustración, el dibujo y la pintura, y también se la conoce como "dibujo de moda". Los diseñadores de moda utilizan principalmente "dibujos de moda" para generar ideas en papel o digitalmente. Su función principal en el diseño es obtener una vista previa y visualizar el resultado final antes de coser la ropa real.
A continuación, echaremos un vistazo al proceso de desarrollo histórico de la ilustración de moda, el "diablo de la moda" con una historia de 500 años, por etapas.
1. El comienzo de la ilustración de moda
La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a la fascinación de la gente por la ropa de varios países del mundo. Se imprimieron libros que ilustraban la vestimenta adecuada para diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y el malestar social provocado por estos descubrimientos.
Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, que contenían paneles de figuras vestidas según una nacionalidad o casta concreta. Estas son las primeras ilustraciones de ropa y el prototipo de las ilustraciones de moda modernas. Es probable que estas ilustraciones sean utilizadas por diseñadores de vestimenta, modistas y sus clientes para inspirar nuevos diseños.
Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear detalles realistas de ropa y trajes de época.
Estas publicaciones periódicas comenzaron en Francia e Inglaterra en la década de 1670 y se consideran las primeras revistas de moda, e incluyen Le Mecure Gallant, The Lady's Magazine, La Gallerie des Modes, Le Cabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modos. Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta al creciente número de lectoras femeninas ávidas de las últimas novedades sobre moda. No fue hasta finales del siglo XVIII y principios del XIX que las ilustraciones de estilo masculino adquirieron tanta importancia como las femeninas.
2. La placa de moda en el siglo XIX
La placa de moda saltó a la palestra a finales del siglo XVIII y se hizo popular en París. Durante este período aparecieron publicaciones como la de Horace Venet. Objetos "Incroyable set Merveilleuses", etc., así como una serie de dibujos de moda en acuarela grabados por Georges-Jacques Gatine durante el período de Napoleón I.
La posición de Francia como árbitro de la moda garantiza una demanda constante de ilustraciones de moda en el país y en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron como resultado más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan orientación general sobre confección.
En esta etapa también apareció la personalización de la alta costura (apareció en la década de 1860). Las empresas de moda contrataban ilustradores, que trabajaban directamente con los diseñadores de ropa femenina. Cuando los diseñadores colgaban las telas sobre los modelos vivos, las ilustraciones. El diseñador esbozará el nuevo diseño. También crean ilustraciones de cada diseño de la colección terminada, que luego pueden enviarse a los clientes.
A finales del siglo XIX, la impresión a mano en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales podía verse desde atrás o de lado, para que la prenda pudiera verse desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Se adhieren a convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador.
3. Las revistas de moda y las ilustraciones en el siglo XX
En las primeras décadas del siglo XX florecieron por primera vez las ilustraciones de moda en el sentido moderno. A medida que la distribución de los últimos estilos de moda se volvió cada vez más rentable, el trabajo de ilustrador de moda se convirtió en una profesión. La moda, que antes era obra de artistas individuales, ahora se está convirtiendo en una industria que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas inventaron un nuevo pasatiempo cuyo nombre completo es: la cultura de compras.
Gazettedubonton, revista francesa de lujo publicada entre 1912 y 1925, reunió a un grupo de jóvenes artistas a quienes se les dio una libertad sin precedentes para interpretar la moda. Iribe fue la figura principal entre estos ilustradores de moda, contribuyendo a prestigiosas publicaciones que también incluían a Charles Martin, Eduardo García Benito, George · George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las planchas que produjeron para la Gazette mostraban la influencia de los grabados en madera japoneses, así como nuevos cambios en el estilo Art Déco.
En Estados Unidos, las revistas de moda para el mercado masivo Vogue y Harper's Bazaar cubren tendencias en ocasiones sociales así como ropa contemporánea. La revista Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con el genio Erte, que duró de 1915 a 1938 y fue uno de los contratos más largos en la historia editorial.
Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la revista "Vogue" siempre contó con ilustraciones en sus portadas. Las primeras portadas de Vogue presentaban ilustraciones de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape y F.X.
Después de la Primera Guerra Mundial, se les unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud) y AndreMarty.
4. La edad de oro de la ilustración de moda
Las décadas de 1920 y 1930 representaron la "edad de oro" de la ilustración de moda. Todo artista comercial es considerado un artista de moda y un dibujante consumado. Muchas personas pueden representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela con autoridad y convicción.
Los nuevos avances tecnológicos en fotografía e impresión comenzaron a colocar reproducciones de fotografías directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los gráficos de moda ya no eran representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la primera opción de la revista; Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y que se comenzaban a incorporar ilustraciones en las páginas interiores.
Con la recesión económica que siguió a la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de prendas de vestir en Estados Unidos dio grandes pasos, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media dependían de costureras calificadas para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para las modistas domésticas.
El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda a los lectores tanto como sea posible. La fotografía libera a los ilustradores de la necesidad de registrar con precisión la ropa y se inclina más a interpretar la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas, interesados principalmente en obtener efectos pictóricos y decorativos interesantes, se sienten agobiados y, por tanto, aburridos de reflejar fielmente cualquier cosa que esté en el espíritu de la moda contemporánea".
El "New Look" de Dior " de finales de la década de 1940 sirvió de inspiración para el resurgimiento de la moda de posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a tiempos más alegres y optimistas.
5. La destrucción y el resurgimiento de la ilustración de moda
En la década de 1950, los editores de moda habían destinado más presupuestos a la comunicación editorial de la fotografía. La posterior elevación de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tuvieron que contentarse con producir artículos sobre lencería y accesorios, o trabajar en campañas publicitarias.
Durante los años 60, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas para adolescentes dirigidas a los jóvenes, muchas de las cuales se publicaron en los años 60, todas Todas las ilustraciones se centran en la ilustración como una alternativa económica a la fotografía.
Antonio López (Antonio López) fue el único artista que apareció regularmente en la revista Vogue durante este período. Su carrera comenzó en "Women's Wear Daily".
En la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda luchó por sobrevivir, y no fue hasta la década de 1980 cuando empezó a resurgir. La nueva generación de artistas apareció en revistas como La Modeenpeinture (1982), Conde Nast's Vanity (1981) y Visionaire (1991). Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, específicamente a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996.
6. La ilustración de moda hoy
Entre las bellas artes y el arte comercial, la ilustración de moda ha sido recientemente reevaluada como un género importante. Dado que la belleza y la elegancia se han vuelto obsoletas tanto en la moda como en el arte, la ilustración de moda a veces puede parecer un retroceso a una época anterior.
La fotografía es muy buena para registrar los detalles de una prenda, por lo que el foco del ilustrador ya no está en una representación exacta de la prenda, sino en explicar la prenda y su posible portador. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una variedad de estilos artísticos únicos, habilitados por herramientas digitales y plataformas de redes sociales. En la década de 1990, los ilustradores pioneros Ed Tsuwaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a surgir en el campo de los gráficos por computadora.
Este período fue testigo de la aparición de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como del resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer ilustración como un elemento específico de sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo miran hacia los maestros del pasado en busca de inspiración de estilo. Las ilustraciones de moda basadas en métodos clásicos han complementado con éxito las ilustraciones creadas mediante procesos más modernos.
Recientemente, la ilustración se ha vuelto popular a través de colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda han comenzado a atraer la atención de la gente. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones complejos y una personalidad infinita para causar una impresión duradera.
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