Una breve descripción de los logros del Renacimiento en arquitectura, escultura y pintura desde una perspectiva retro
Luz de la mañana: ¿arte y arquitectura en el Renacimiento italiano?
｜｜Conferencia en el Salón Chunhui de la Universidad del Sureste (Resumen)
Profesor visitante de Historia del Arte de Universidad de Cambridge, Universidad del Sureste Deborah Howard, profesora del departamento
Primera parte: Florencia y el Renacimiento temprano
Renacimiento "Renacimiento" significa "renacimiento" en francés. Se utilizó por primera vez para describir la civilización italiana de los siglos XV al XVI en "La civilización del Renacimiento italiano" (1860) de Jacob Burckhardt. El concepto de "regeneración" ya fue utilizado por el artista italiano Vasari en la primera edición de su libro "Biografías de artistas" ya en 1550. Dividió el desarrollo artístico de esa época en tres etapas: la infancia en el siglo XIV, la adolescencia en el siglo XV y la madurez en el siglo XVI. La división de estos tres períodos hace que el oscuro concepto de desarrollo y progreso artístico sea claro y visual. Los historiadores posteriores heredaron de Vasari este eficaz marco de investigación. La connotación de "Arte del Renacimiento italiano", concepto que todavía se utiliza hoy en día, es la siguiente: En primer lugar, Vasari dividió sus "Biografías de artistas" en tres etapas, cada una de las cuales corresponde a un siglo distinto. En segundo lugar, Italia es la cuna de este Renacimiento. En tercer lugar, la idea de renacimiento se originó a partir del resurgimiento del gran arte de la antigua Roma que había existido antes. En cuarto lugar, la "Biografía" de Vasari se centró por primera vez en las "características personales de los artistas" y llamó a quienes se destacaron entre todos los artistas "genios con diferentes talentos". Pero Vasari también tenía algunos prejuicios. Por ejemplo, creía que sólo la pintura, la escultura y la arquitectura eran formas de arte avanzadas y prestaba poca atención a otras formas de arte. Este concepto influyó en las investigaciones artísticas posteriores.
Florencia A principios del siglo XV, Florencia realizó sorprendentes avances simultáneos en pintura, escultura y arquitectura, convirtiéndose en el centro artístico de la época. Estos logros dependieron de patrocinadores ilustrados. Florencia ofrece un entorno excelente para el arte. El poder de la ciudad y del estado se concentraba principalmente en manos de los gremios compuestos por banqueros, comerciantes y fabricantes. Esas familias adineradas, especialmente los grandes banqueros Medici y Lucila, estaban interesadas en el mecenazgo del arte, estaban dispuestas a aprender más sobre la antigua civilización romana y les gustaba reclutar a su alrededor un grupo de personas que se dedicaban a estudiar la literatura y la historia griega y romana antigua. , conocido como un erudito "humanista".
Aquí analizamos a tres artistas que lideraron el renacimiento artístico a principios del siglo XV.
Brunelleschi (1377-1446) Brunelleschi es generalmente considerado como el primer arquitecto del Renacimiento. Vasari creía que la inspiración decisiva que impulsó a Brunelleschi a dedicarse a la arquitectura fue su temprano viaje a Roma con su colega artista Donatello, y el estudio de la arquitectura romana antigua fue un paso importante en el proceso de aprendizaje del arquitecto. El primer edificio en el que Brunelleschi demostró su sistema de Nueva Armonía fue un orfanato financiado por su gremio. Además de sus logros artísticos, el Renacimiento fue también un período importante de progreso tecnológico y desarrollo científico. En 1420, Brunelleschi recibió el encargo de construir la cúpula de la catedral de Florencia. No sólo inventó cómo erigir la cúpula sin la necesidad de soportes temporales, sino que también inventó nueva maquinaria para usar en el proceso de construcción. La cúpula adopta una estructura de techo hueco de doble capa sostenida por nervaduras de arco de acero. El techo inferior está hecho de piedra y el techo superior está hecho de ladrillos en forma de espiga. Este fue probablemente el avance tecnológico más importante del Renacimiento italiano. Al mismo tiempo, Brunelleschi inventó el método de utilizar la perspectiva de un punto para expresar el espacio tridimensional en un plano bidimensional. Fue la técnica de la perspectiva la que provocó una revolución en la pintura. Esto lo podemos comprobar en sus obras con el gran pintor Masaccio de su generación.
Masaccio (1401-c. 1428) Las obras de Masaccio demuestran plenamente cómo utilizar la perspectiva para dar al cuerpo humano una sensación de masa y volumen. Su estilo era simple y menos decorativo, mostrando un nuevo enfoque en el espacio y el volumen. Él y Mazzolino produjeron una serie de frescos para la Capilla Burcacci de Santa María del Camille en Florencia, utilizando figuras de tamaño natural y formas precisas para crear una increíble sensación de extensión espacial dentro de la pintura. Más tarde, la técnica de la perspectiva pronto fue mencionada por Alberti, otro arquitecto, artista y erudito florentino, en su obra "Sobre la pintura" (1435). La nueva tecnología de la perspectiva permitió al espectador adentrarse de forma inmersiva en el mundo de la pintura.
La perspectiva unidireccional amplió enormemente las posibilidades del arte realista.
Donatello (1386-1466) Donatello era experto en utilizar una variedad de medios, incluidos mármol, roca y bronce. Las primeras series de esculturas de los evangelistas mostraron el nuevo estilo grandioso y monumental. Su estudio del estilo clásico es evidente en su escultura de bronce de tamaño tradicional David. En la segunda mitad de su vida, Donatello y Padua produjeron la famosa estatua ecuestre de bronce del comandante mercenario, la Estatua de Gata Mirada.
Conclusión Las enseñanzas de estos tres pioneros a principios del siglo XV influyeron en casi todos los artistas italianos posteriores. La innovación de la pintura se puede ver en las obras de muchos pintores. Hemos repasado la escena artística de Florencia a principios del siglo XV, que se caracterizó por las innovaciones en arquitectura, pintura y escultura. La antigua Roma era vista como una edad de oro perdida que todos los artistas y mecenas aspiraban a reconstruir. Inevitablemente, sólo podemos entender esa época a través de las narrativas de Vasari, y muchas ideas recientes han llenado nuestra comprensión del Renacimiento, que debemos tratar con cautela.
Parte 2: Roma durante el Alto Renacimiento (1500-1527)
La Roma de aquella época, en las primeras etapas de lo que Vasari llamó el “período maduro”, se había convertido en la nueva capital de Italia.
Los Papas Romanos Los tres poderosos papas de principios del siglo XVI eran todos apasionados por el arte. El primero fue Julia II, una ferviente defensora del arte que presidió el florecimiento del genio más glorioso en la historia del arte occidental. Julia II murió en 1513 y fue sucedida por el Papa León X de la familia Medici, quien se convirtió en un entusiasta mecenas de las artes. León X murió en 1521, y el Papa Adriano VI sólo reinó dos años antes de ser sucedido por otro Papa de la familia Medici, Clemente VII (1523-1534). El reinado de Clemente llegó a un abrupto final con el terrible "Saqueo de Roma" en 1527. La “Toma de Roma” marcó el final de esta gloriosa era de mecenazgo artístico.
Bramonte (1444-1514) Con el apoyo de Julia II, los tres maestros del Renacimiento: Bramonte, Miguel Ángel y Rafael, crearon a la perfección sus obras más bellas. Bramante llegó a Roma después de la invasión francesa de Milán y comenzó una serie de ambiciosos proyectos de construcción con Julia II. Uno de ellos es la reconstrucción de la Basílica de San Pedro en el Vaticano. El primer boceto de la nueva Basílica de San Pedro es simétrico. En el extremo superior de la tumba de San Pedro hay una gran cúpula principal con cuatro pequeñas cúpulas en las cuatro esquinas. Los huecos se utilizan como elementos de diseño. Sin embargo, este diseño centralmente simétrico, en forma de cruz romana, finalmente fue abandonado y añadió una nave.
Miguel Ángel (1475-1564) Giulia II quería construirse un lujoso mausoleo gigante en el complejo de la Nueva Basílica de San Pedro. Encargó la supervisión del proyecto al famoso escultor Miguel Ángel, quien diseñó cuatro grandes monumentos separados con más de cuarenta figuras. Al final, el plan nunca se completó y sólo sobrevivieron unas pocas estatuas. Una de las razones por las que el mausoleo no se completó fue que Giulia le pidió a Miguel Ángel que decorara el techo de la Capilla Sixtina en el Vaticano. Miguel Ángel logró todo el proyecto sin ayuda de nadie. En aquel momento, él era sólo un joven escultor de 30 años sin experiencia en pintar frescos. Miguel Ángel finalmente completó todo el fresco del techo en 1512, y esta obra es reconocida como una de las mayores obras de arte de la historia de la humanidad.
Rafael (1483-1520) Julia II encargó a Rafael la tarea de decorar la "Sala de las Firmas" del Palacio Vaticano. La primera sala (llamada Sala de Firmas) fue diseñada como biblioteca personal del Papa, y las paredes y el techo de la sala están cubiertos con fotografías sobre todos los temas del conocimiento humano. El techo representa principalmente las cuatro categorías principales de la biblioteca: filosofía, derecho, teología y literatura. Estas cuatro ramas del conocimiento humano se hacen eco entre sí en los enormes frescos, completando la compleja integración de la filosofía, la literatura y los credos y doctrinas cristianos antiguos. Más tarde, el Papa León encargó a Rafael que diseñara una serie de pinturas a gran escala, hiciera exquisitos tapices para decorar las paredes inferiores y le pidió que construyera una enorme "Villa Madama" en las laderas de Monte Mario en las afueras de Roma. no se completó, las intenciones de Rafael se pueden imaginar a partir de varios bocetos y una carta que describe brillantemente su visión de la villa.
La hermosa logia con vistas al jardín de la montaña muestra el deseo de Rafael de recrear el estilo de vida en las villas de la antigua época romana.
Conclusión Durante la horrible atrocidad del saqueo romano de 1527, muchos artistas fueron asaltados, atacados o encarcelados. La mayoría de los artistas abandonaron Roma lo más rápido posible para evitar daños. El "Saqueo de Roma" puso fin a esta gloriosa era de mecenazgo artístico. Si bien algunos pueden sorprenderse por las enormes cantidades de dinero gastadas en arte y arquitectura, esto les dio a los mejores artistas la oportunidad de mostrar su excepcional artesanía.
Tercera parte: Venecia en el siglo XVI
Venecia Después de siglos de comercio con Oriente, la ciudad de Venecia poco a poco se volvió próspera y poderosa. El contacto prolongado con el mundo islámico bizantino y el norte de Europa dio a los ciudadanos una afición por los colores brillantes y las tallas decorativas. En el centro de la ciudad hay dos edificios majestuosos que ilustran la posición dominante de Venecia en el comercio exterior. Una es la Basílica de San Marcos, de estilo bizantino, y la otra es el Palacio Ducal, que incorpora estilos arquitectónicos islámico y gótico nórdico.
Piazza San Marco en 1500 En el siglo XVI, la Piazza San Marco, el centro político de Venecia, iba a ser reconstruida, pero se permitió que permanecieran el Palacio de San Marcos y el Palacio Ducal. El artista Barbally representa fielmente todos los edificios de la ciudad de Venecia en una xilografía Vista aérea (1500). La imagen muestra que la Piazza San Marco es una estructura en forma de L, que incluye la gran plaza frente a la Basílica de San Marcos y la pequeña plaza frente al Palacio Ducal. La gran plaza parecida a un anfiteatro es responsable de celebrar varias ceremonias importantes, y esos edificios parecen estar en peligro y son muy inconsistentes con las grandes ceremonias del país. La República de Venecia estaba decidida a mejorar el aspecto del centro de la ciudad, y el arquitecto Cordes construyó una torre de reloj en 1496 a la entrada de Via Mecheria, la calle principal del centro comercial del distrito comercial de la ciudad. El reloj no sólo puede indicar con precisión la hora de celebraciones y reuniones gubernamentales, sino que también puede predecir las mareas. Antes, la gente sólo podía saber la hora por las campanas en lo alto del campanario de San Marcos. Todos los días al mediodía todavía se proyecta sobre el campanario la sombra del campanario, que parece simbolizar el proceso histórico desde la Edad Media hasta los tiempos modernos, la era científica del Renacimiento. En plena guerra entre Venecia y la Liga de Cambrai (1509-1517), se produjo un incendio accidental en la parte norte de la Plaza de San Marcos que provocó graves pérdidas. Las autoridades gestoras decidieron reconstruir toda la parte norte de la plaza. Fue esta hazaña la que abrió las puertas de la ciudad de Venecia al comienzo del renacimiento.
Cabe mencionar que Venecia durante el Renacimiento fue el centro de impresión y edición de libros más importante del mundo en aquella época. Aquí se imprimieron muchos manuscritos originales griegos y romanos antiguos importantes para una mayor difusión. Entre ellos, "Sobre la arquitectura", escrito por Vitruvio en la antigua Roma, ha brindado al público una mejor comprensión de las leyes teóricas de la arquitectura romana antigua.
Sansovino Así como se formó la importante relación entre arquitectos y mecenas entre Bramante y Julia II, el ambicioso dux de Venecia Griti (reinó entre 1523 y 1538). Tal relación también se desarrolló con su arquitecto más admirado, Sansorvino, quien contribuyó en gran medida a la reconstrucción de la Piazza San Marco. Sansovino fue capturado por los romanos y exiliado. Cuando llegó a Venecia, tenía poca experiencia en arquitectura y emergió únicamente gracias a su talento escultórico. Pronto tuvo la oportunidad de renovar la desmoronada cúpula de San Marco y la reforzó utilizando los métodos de Brunelleschi. Vasari creía que Sansovino tuvo la oportunidad de mostrar su talento sólo después de haber sido fuertemente recomendado por el gobernador Griti, conocido como "un amigo cercano del genio". Gritty se dio cuenta de que ser mecenas de los artistas no sólo podía aumentar la influencia personal sino también ganar el apoyo del público, por lo que recomendó a Sansovino que reconstruyera los edificios de la Piazza San Marco. En aquel momento, el problema más urgente de Sansovino no era mejorar el estado caótico de la plaza, sino la necesidad de reconstruir estos edificios. El proyecto de reconstrucción no sólo se basó en la estabilidad económica, sino también en la comprensión del público del lenguaje del estilo arquitectónico romano del Alto Renacimiento.
Fue el socio de Sansovino, Serio, quien proporcionó apoyo teórico para el renacimiento de Roma. Sergio solicitó permiso al Senado veneciano en 1528 para publicar una serie de grabados: el Pentagrama de la arquitectura. Tiene previsto escribir una serie de varios volúmenes sobre arquitectura. El primero en publicarse es el cuarto volumen, que presenta los estilos arquitectónicos clásicos. El tercer volumen, publicado en 1540, trataba de los monumentos de la antigua Roma. La publicación de estos dos libros promovió la comprensión pública de la teoría arquitectónica clásica. No se puede subestimar la influencia de estos escritos en el diseño de la Piazza San Marco en Sansovino.
Serio se autodenomina profesor de arquitectura (educador). En el libro cuarto aparece por primera vez la clasificación de cinco tipos de columnas. Por lo tanto, con su teoría no sólo influyó en el estilo de los nuevos edificios de la plaza, sino que también comparó los estilos y calidades de diferentes edificios. Después de que Sergio dejó Venecia para ir a Francia, publicó un segundo volumen en París en 1545, que ofrecía una imagen vívida y clara de la reconstrucción del centro de Venecia (combinar aristocrático y clasicismo en uno solo era la idea innovadora de Gritti).
En 1538 Sansovino diseñó el Gran Campanario. Las columnas jónicas y corintias se mezclaron en una columna compuesta, una combinación que Serio pensó que era muy adecuada para expresar el impulso del triunfo. Sansovino eliminó la necesidad de soportes para el campanario y separó la biblioteca del campanario, haciendo que el Palacio Ducal fuera visible desde todos los ángulos de la plaza.
No tiene sentido intentar distinguir las diferencias estilísticas entre Sergio y Sansovino. Sansovino fue un talentoso arquitecto y escultor, Serio fue el divulgador de grandes teorías nuevas. Sus éxitos individuales se benefician de los logros de los demás y dependen de ellos. De esta manera, el público europeo también pudo comprender la excelencia de las columnas en el diseño neorrománico de Venecia durante el período Gritiano.
En 1570, tras la muerte de Sansovino, el famoso arquitecto italiano Palladio mencionó en su artículo "Cuatro lecturas sobre arquitectura" publicado en Venecia: En el famoso arquitecto y escultor Sansovino fue sólo después de que el Sr. Noau comenzó diseño arquitectónico en el que pudimos ver una arquitectura excelente, y su diseño para St. Mark's Proxy fue el edificio más elegantemente decorado jamás creado. Anticipándose al vacío creado por la muerte de Sansovino, Palladio presentó su propio encargo al gobierno de Viena. Su afirmación del diseño de la Piazza San Marco en Sansovino se puede ver en sus diseños para las fachadas de la iglesia de San Giorgio y la iglesia del convento. El Palacio Ducal sufrió dos graves incendios en 1574 y 1577, y se recomendó a Palladio reconstruir todo el palacio en un estilo clásico. Pero el gobierno veneciano nunca tuvo el coraje de destruir este edificio medieval que había marcado los siglos de poder y prosperidad del país.
Conclusión Sansovino se firmó "florentino" durante la última etapa de su vida. ¿Cómo logró liderar el mundo de la arquitectura desde 1527 hasta 1570? Las razones son muy complejas y, en primer lugar, hay que atribuirlas al perfecto sistema de mecenas. En segundo lugar, el estilo escultórico neorromano se ajusta a la ideología de la gente de esta ciudad. Además, la experiencia de Sansovino como refugiado también lo acercó a los venecianos.
Con la ayuda de publicaciones existentes, pero también confiando en su talento, Sansovino creó el efecto visual ideal y la atmósfera clásica que sólo un artista talentoso puede crear, seguido por Palladio. Lo mismo ocurre. Vasari dijo: "Sansovino puede ser considerado como el mejor diseñador de esta ciudad. Su habilidad es admirada por todos, desde la gente común hasta los nobles. Fue él quien planeó el Renacimiento italiano, el mayor renacimiento urbano".
(Traducción: Zhao Li, Zhao Yan, estudiantes de doctorado en el Departamento de Arte)