Colección de citas famosas - Colección de máximas - ¿Conoces la diferencia entre dibujo a mano y diseño gráfico? Los diseñadores gráficos son personas que tienen los sentimientos más profundos hacia la pintura y el diseño gráfico (en adelante, diseño). Los diseñadores no sólo necesitan tener las habilidades básicas de modelado y conciencia estética de la pintura, sino también tener una comprensión especial de las leyes de la belleza formal y tener una idea creativa difícil pero rápida. Por factores profesionales, tengo que pensar y discutir las similitudes y diferencias entre ellos. Algunas personas piensan que mientras tengas habilidades de modelado en pintura, el diseño no es un problema. Otra persona piensa: El diseño es diseño. Si tienes habilidades de modelado para pintar, no necesariamente necesitas diseñar. Los que sostienen el primer punto de vista son en su mayoría profesores y estudiantes de escuelas de arte, mientras que los que sostienen el segundo punto de vista son en su mayoría diseñadores gráficos profesionales. Este artículo desarrolla, uno por uno, varios puntos de vista sobre este tema, con la esperanza de que sirva como punto de partida. 1. La pintura moderna es la expresión de la personalidad. El significado de la pintura reside en la innovación, y la innovación sólo puede lograrse a través de la personalidad. Las pinturas repetidas no tienen vitalidad. Si miramos hacia atrás en la historia del desarrollo de la pintura, encontraremos que cada maestro destacado, ya sea en China o en Occidente, ha creado obras de diseño gráfico extremadamente personalizadas. Cada maestro tiene símbolos típicos en su propio sentido único. Los pintores, especialmente los modernos, pueden ignorar por completo la naturaleza social de sus obras a la hora de crear. En cierto sentido, la vitalidad de la obra de cualquier pintor reside en la personalización extrema, creando así una nueva belleza formal a través de la comprensión especial del autor de las leyes formales de la belleza. Se puede decir que cualquier gran pintor tendrá su propio símbolo único de belleza detrás de él. En este sentido, el pintor tiene que ejercer el potencial de su propia voluntad subjetiva y expresarse al máximo. Por tanto, Van Gogh tiene sin duda el significado representativo más típico. Un gran número de obras creadas por Van Gogh en condiciones de vida extremadamente difíciles nunca han sido subastadas, simplemente porque sus obras eran demasiado personales y avanzadas y no eran comprendidas por la gente de la época. Como embellecedores de productos, los diseñadores deben ser aniquilados en muchas ocasiones antes de que se pueda realizar el significado de la obra. La expresión personalizada de la pintura moderna también se refleja en varios conceptos innovadores. El mundo actual es un mundo con información altamente desarrollada. Cómo encarnar las características de esta época es un tema en el que todo artista de vanguardia piensa e innova. En las complejas y diversas formas de arte occidental de hoy, la pintura parece estar en un estado reprimido. Para encontrar una originalidad única, los artistas suelen utilizar una combinación de diferentes tipos de arte o una combinación de arte y ciencia para lograr sus objetivos artísticos. En la sala de exposiciones, a menudo podemos ver que parte de una pintura se expresa en forma de pintura surrealista, mientras que la otra parte está compuesta por un torso humano vivo y una imagen. Es difícil decir si es verdadera o falsa. o se representa mediante una obra de teatro para atraer la atención del público. Estas llamadas obras de arte personalizadas se ven a menudo en exposiciones de pinturas modernistas y su vitalidad reside en sus formas personalizadas únicas. El artista no tiene que considerar si el público puede aceptarlo, sino cómo tener su propia personalidad. En este sentido, los diseñadores son absolutamente imposibles. 2. La dependencia es la esencia del diseño moderno en la economía de los productos básicos, lo que refleja que la mayor diferencia entre el diseño y la pintura es la dependencia de los productos básicos. Como mercancía, el diseño debe tener valor y valor de uso cuando sirve al mercado. Si desea ganarse la confianza y la satisfacción de los clientes y, en última instancia, darse cuenta del valor de su diseño, debe pasar la prueba de la competencia en el mercado. El éxito final del diseño reside en si puede embellecer el producto y, en última instancia, lograr su promoción. En realidad, casi todos los diseñadores intentan atender y satisfacer las necesidades de diseño del cliente cuando atienden a los clientes. Por un lado, el diseñador debe situarse en la perspectiva del cliente y adivinar su psicología para que su plan de diseño pueda ser aprobado. Por otro lado, el cliente puede conocer el mercado mejor que el diseñador, y el diseñador tiene que obedecer los requisitos del cliente. Durante el proceso de diseño, los diseñadores se devanan los sesos para explicar su trabajo y pueden pensar que están satisfechos, pero el juicio final aún depende de si el cliente puede aprobar su diseño. Una cosa es segura: las obras seleccionadas por el cliente no son necesariamente buenas obras, y las propuestas que no son aprobadas no son necesariamente malas obras. A menudo nos encontramos con esta situación. El diseñador ha formulado una serie de planos para un determinado diseño, dos de los cuales son muy satisfactorios, y el cliente a menudo elige el que el diseñador cree que es el complemento. La decisión final la toma el cliente y los diseñadores deben entregarse a sus dioses. Este es el mercado. La dependencia del diseño de los productos básicos también refleja que el mercado moderno es el bastón del diseño, y la fortaleza del mercado afectará directamente el ascenso y la caída de la industria del diseño. Una situación es que cuando el mercado cae en una crisis económica, hay una gran acumulación de bienes y el poder adquisitivo de los consumidores disminuye, los comerciantes prestan menos atención al diseño. Por ejemplo, al comienzo de la Guerra del Golfo en 1991, los principales países industrializados de Europa experimentaron una sobreproducción, los fabricantes sufrieron una grave depresión económica y la producción se estancó.
¿Conoces la diferencia entre dibujo a mano y diseño gráfico? Los diseñadores gráficos son personas que tienen los sentimientos más profundos hacia la pintura y el diseño gráfico (en adelante, diseño). Los diseñadores no sólo necesitan tener las habilidades básicas de modelado y conciencia estética de la pintura, sino también tener una comprensión especial de las leyes de la belleza formal y tener una idea creativa difícil pero rápida. Por factores profesionales, tengo que pensar y discutir las similitudes y diferencias entre ellos. Algunas personas piensan que mientras tengas habilidades de modelado en pintura, el diseño no es un problema. Otra persona piensa: El diseño es diseño. Si tienes habilidades de modelado para pintar, no necesariamente necesitas diseñar. Los que sostienen el primer punto de vista son en su mayoría profesores y estudiantes de escuelas de arte, mientras que los que sostienen el segundo punto de vista son en su mayoría diseñadores gráficos profesionales. Este artículo desarrolla, uno por uno, varios puntos de vista sobre este tema, con la esperanza de que sirva como punto de partida. 1. La pintura moderna es la expresión de la personalidad. El significado de la pintura reside en la innovación, y la innovación sólo puede lograrse a través de la personalidad. Las pinturas repetidas no tienen vitalidad. Si miramos hacia atrás en la historia del desarrollo de la pintura, encontraremos que cada maestro destacado, ya sea en China o en Occidente, ha creado obras de diseño gráfico extremadamente personalizadas. Cada maestro tiene símbolos típicos en su propio sentido único. Los pintores, especialmente los modernos, pueden ignorar por completo la naturaleza social de sus obras a la hora de crear. En cierto sentido, la vitalidad de la obra de cualquier pintor reside en la personalización extrema, creando así una nueva belleza formal a través de la comprensión especial del autor de las leyes formales de la belleza. Se puede decir que cualquier gran pintor tendrá su propio símbolo único de belleza detrás de él. En este sentido, el pintor tiene que ejercer el potencial de su propia voluntad subjetiva y expresarse al máximo. Por tanto, Van Gogh tiene sin duda el significado representativo más típico. Un gran número de obras creadas por Van Gogh en condiciones de vida extremadamente difíciles nunca han sido subastadas, simplemente porque sus obras eran demasiado personales y avanzadas y no eran comprendidas por la gente de la época. Como embellecedores de productos, los diseñadores deben ser aniquilados en muchas ocasiones antes de que se pueda realizar el significado de la obra. La expresión personalizada de la pintura moderna también se refleja en varios conceptos innovadores. El mundo actual es un mundo con información altamente desarrollada. Cómo encarnar las características de esta época es un tema en el que todo artista de vanguardia piensa e innova. En las complejas y diversas formas de arte occidental de hoy, la pintura parece estar en un estado reprimido. Para encontrar una originalidad única, los artistas suelen utilizar una combinación de diferentes tipos de arte o una combinación de arte y ciencia para lograr sus objetivos artísticos. En la sala de exposiciones, a menudo podemos ver que parte de una pintura se expresa en forma de pintura surrealista, mientras que la otra parte está compuesta por un torso humano vivo y una imagen. Es difícil decir si es verdadera o falsa. o se representa mediante una obra de teatro para atraer la atención del público. Estas llamadas obras de arte personalizadas se ven a menudo en exposiciones de pinturas modernistas y su vitalidad reside en sus formas personalizadas únicas. El artista no tiene que considerar si el público puede aceptarlo, sino cómo tener su propia personalidad. En este sentido, los diseñadores son absolutamente imposibles. 2. La dependencia es la esencia del diseño moderno en la economía de los productos básicos, lo que refleja que la mayor diferencia entre el diseño y la pintura es la dependencia de los productos básicos. Como mercancía, el diseño debe tener valor y valor de uso cuando sirve al mercado. Si desea ganarse la confianza y la satisfacción de los clientes y, en última instancia, darse cuenta del valor de su diseño, debe pasar la prueba de la competencia en el mercado. El éxito final del diseño reside en si puede embellecer el producto y, en última instancia, lograr su promoción. En realidad, casi todos los diseñadores intentan atender y satisfacer las necesidades de diseño del cliente cuando atienden a los clientes. Por un lado, el diseñador debe situarse en la perspectiva del cliente y adivinar su psicología para que su plan de diseño pueda ser aprobado. Por otro lado, el cliente puede conocer el mercado mejor que el diseñador, y el diseñador tiene que obedecer los requisitos del cliente. Durante el proceso de diseño, los diseñadores se devanan los sesos para explicar su trabajo y pueden pensar que están satisfechos, pero el juicio final aún depende de si el cliente puede aprobar su diseño. Una cosa es segura: las obras seleccionadas por el cliente no son necesariamente buenas obras, y las propuestas que no son aprobadas no son necesariamente malas obras. A menudo nos encontramos con esta situación. El diseñador ha formulado una serie de planos para un determinado diseño, dos de los cuales son muy satisfactorios, y el cliente a menudo elige el que el diseñador cree que es el complemento. La decisión final la toma el cliente y los diseñadores deben entregarse a sus dioses. Este es el mercado. La dependencia del diseño de los productos básicos también refleja que el mercado moderno es el bastón del diseño, y la fortaleza del mercado afectará directamente el ascenso y la caída de la industria del diseño. Una situación es que cuando el mercado cae en una crisis económica, hay una gran acumulación de bienes y el poder adquisitivo de los consumidores disminuye, los comerciantes prestan menos atención al diseño. Por ejemplo, al comienzo de la Guerra del Golfo en 1991, los principales países industrializados de Europa experimentaron una sobreproducción, los fabricantes sufrieron una grave depresión económica y la producción se estancó.
Cuando Dunbar Design Company de los Países Bajos vino a atender a algunos fabricantes, la respuesta que recibieron fue: No necesitamos diseñar por el momento debido a la crisis económica y el diseño existente es lo suficientemente amplio. Otra situación es que cuando la demanda de un determinado producto excede la oferta en un mercado de vendedores, los fabricantes simplemente no se molestan en diseñar. Se puede decir que en las condiciones sociales de una economía mercantil subdesarrollada, no es realista hablar de mejorar la calidad del diseño. La accidentada historia de la industria del diseño de China es suficiente para ilustrar este punto básico. 3. La búsqueda de la belleza es la esencia del arte de la pintura. La diferencia entre pintura y diseño no sólo se refleja en cualquier personalidad y dependencia, sino también en la búsqueda de la belleza formal. Cuando se abre la palabra caos en el diccionario, significa la vaga escena previa a la formación del universo. A los chinos les gusta ser reservados y piensan que ser reservado es hermoso. El caos en sí encarna un intrigante elemento de incertidumbre, que está relacionado con la filosofía y la religión clásicas chinas. La pintura clásica china encarna las ideas estéticas del vacío, el espíritu y la rima. La concepción artística infinita expresada por pluma y tinta limitadas busca una belleza incierta del caos. Aunque estas técnicas se pueden ver ocasionalmente en el diseño, generalmente simplemente se toman prestadas de la pintura para realzar el arte del diseño. No es el medio último de expresión y de las ideas estéticas que persigue el diseño gráfico. Podemos entender este punto de vista desde las obras de maestros como Camping Sugula. Específicamente, para la serie de libros diseñados por Kangping Sugula para Dunhuang, en la superficie, persigue el reino etéreo y encantador de la pintura china. Más profundamente, combina los elementos gráficos de Dunhuang con los principios estructurales básicos del diseño moderno. Este reino de belleza etérea y caótica es sólo una parte del diseño, no el todo. Espero que, en última instancia, pueda reflejar verdaderamente la connotación de esta serie de libros. Esto ilustra plenamente la singularidad del maestro y su comprensión de la relación entre pintura y diseño. En la pintura occidental, aunque hay muchas escuelas y diferentes formas de objetivo, el espíritu general es perseguir la belleza del caos. Aunque la forma de la pintura al óleo clásica es meticulosa y realista, su concepción artística persigue el ascetismo y encuentra la belleza de la incertidumbre y el caos. El modernismo, por otro lado, persigue la novedad y el cambio, por lo que persigue una incertidumbre surrealista y absurda. La búsqueda infantil de Milo del sueño del mundo submarino encarna la belleza caótica de la incertidumbre. Con un cubo de pintura sobre el lienzo, Belloc parece estar más cerca de la escena borrosa antes de que se formara el universo. La búsqueda de la belleza caótica en la pintura no sólo se refleja en el género, sino también en la elección del material y la textura. Qué tema, qué efecto y qué textura se necesitan son uno de los factores que persiguen la belleza del caos en la pintura. En la pintura, especialmente en la pintura moderna, la elección de los materiales integrales en una obra ha alcanzado una posición arbitraria. El uso de diversos materiales tiene como objetivo mejorar el efecto estético caótico de la imagen a través de factores de textura del material caóticos e inciertos para lograr propósitos cambiantes. 4. La belleza del orden es el núcleo del diseño gráfico. El diseño es diferente a la pintura, lo que también se refleja en la búsqueda de la belleza del orden. La comprensión adicional de las entidades en el diseño moderno es la ley de la forma. La forma es la concreción, condensación y precisión de la entidad. Se puede ver que Demócrito usó la estructura atómica para explicar la forma interna de las entidades cósmicas, mientras que Pitágoras usó las matemáticas para describir la forma externa de las entidades cósmicas. Reconocieron las relaciones geométricas de puntos, líneas y planos a partir de la disposición de las estrellas en el cielo, empujando así los números a la ontología del universo (la palabra universo en la antigua Grecia contenía el significado de armonía, cantidad y orden). En términos de diseño, el impacto de los números en el diseño está lejos de decirse, sólo desde la perspectiva de la teoría del diseño moderna, en el plano. ¿Como el diseñador suizo John? Aplicación del diseño gráfico de lógica digital inventado por Chisso en el diseño de libros. ¿Qué pasa con el diseñador Raúl? Rosselló descubrió la proporción numérica de las páginas interiores de la Biblia gótica, que es el famoso método de división en nueve secciones. Descubrió que el ancho de un formato es 1/9 para el interior, el ancho de dos formatos es 1/9. para el exterior, y el ancho de un formato es 1/9, 9 es el cenit y 1/9 del ancho de los dos formatos es la regla de pie. En 1946, Fang? ¿Virtud? Graf calculó el diagrama de escala de bordes basándose en la división de nueve segmentos de Rollo Cellio y descubrió que la división de nueve segmentos fue reemplazada por un método de cálculo geométrico simple llamado división serpiente-melón. En la historia del diseño moderno, el representante que tuvo mayor influencia en el siglo XX fue Le? Cobcher utilizó la teoría básica de la arquitectura para hacer la sección áurea basada en las proporciones del cuerpo humano, lo que se denomina sistema de diseño modular. Inicialmente, los módulos hicieron importantes contribuciones a la forma arquitectónica y luego se aplicaron al diseño gráfico. ¿El principio básico de la teoría modular es separar el ombligo del dios sol, la parte superior de su cabeza y las yemas de los dedos de sus brazos rectos, y luego estrangularlo? Cobcher lo convirtió en 44 rectángulos para la división espacial. El núcleo del sistema modular es intentar diseñar utilizando la belleza del orden generado por la respuesta psicológica de las personas a una serie de cambios.