¿Qué es la música electrónica?

La música electrónica es música producida utilizando instrumentos electrónicos y tecnología de música electrónica; los músicos que crean o interpretan este tipo de música se denominan músicos electrónicos. En general, se puede hacer una distinción entre sonidos producidos mediante técnicas electromecánicas y aquellos producidos mediante técnicas electrónicas.

Los equipos que utilizan maquinaria electrónica para producir sonido incluyen armonías telefónicas, órganos eléctricos estilo Hanmen y guitarras eléctricas; mientras que los equipos de producción de sonido puramente electrónicos incluyen theremins, sintetizadores de sonido y computadoras.

Alguna vez la música electrónica estuvo asociada casi por completo con la música artística occidental, especialmente europea. Sin embargo, desde finales de la década de 1960, la Ley de Moore ha creado tecnología musical asequible, lo que significa el uso de medios electrónicos para producir música. Se ha vuelto cada vez más popular y desarrollado en campos populares en diferentes países y regiones. La música electrónica actual abarca una variedad y abarca desde música artística experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile.

Información ampliada

Desarrollo

La década de 1960 fue una era prolífica para la música electrónica, no solo en el mundo académico, sino también para los artistas independientes porque la tecnología de los sintetizadores se ha convertido. más fácil de operar. Durante este período, se estableció y creció una fuerte comunidad de compositores y músicos, que trabajaron para crear nuevos sonidos y nuevos instrumentos.

En los años 60 se estrenaron Gargoyles de Lunin para violín y cinta, y Contact de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. Hay dos versiones de este trabajo: una es una cinta de 4 canales; la otra es una cinta de una actuación multitudinaria.

"En Contact, Stockhausen abandonó las formas musicales tradicionales basadas en una progresión lineal y un clímax dramático. Llamó a este nuevo enfoque 'forma de momento', similar a la tecnología de edición cinematográfica desarrollada a principios del siglo XX."

El primer sintetizador de este tipo fue el Buccilla, que apareció en 1963 y fue un producto pionero del compositor de música concreta Morton Subernick.

El theremin se ha utilizado desde la década de 1920, pero su popularidad comenzó en la década de 1950, cuando se utilizó en las bandas sonoras de películas de ciencia ficción (como "La Tierra se mantiene quieta" de Bernard Herrmann). Día" composición clásica).

Durante este período en el Reino Unido, BBC Radio Studios (establecido en 1958) se convirtió gradualmente en el estudio de grabación de música electrónica más productivo y conocido del mundo, gracias a su trabajo en la serie de ciencia ficción de la BBC " Out of Time" las numerosas contribuciones del Dr.

Una de las artistas electrónicas británicas más influyentes de la época fue la empleada del estudio Dalia Derbyshire, quien dejó su huella practicando música electrónica en 1963 para el icónico tema de Doctor Who Famous, el tema principal fue compuesto por. Ron Greiner.

En 1961, Joseph Tarr estableció el "Centro Israelí de Música Electrónica" en la Universidad Hebrea, mientras que en 1962 Hugh Le Cain llegó a Jerusalén e instaló su "innovadora grabadora" Aquí está.

Más adelante, en la década de 1990, Tal y el Dr. Shlomo Markel*** dirigieron conjuntamente un proyecto de investigación conjunto con el Instituto de Tecnología de Israel y el Proyecto Volkswagen Stiftung (Talmark), dedicado a desarrollar un sistema de notación musical electrónica. .

Milton Babbitt utilizó sintetizadores para componer su primer trabajo electrónico, "Composition for Synthesizer" (1961), utilizando el dispositivo RCA Synthesizer del Columbia-Princeton Center for Electronic Music.

Para Babbitt, hay tres razones por las que siente que el sintetizador RCA ha hecho realidad su sueño. Primero, la capacidad de controlar con precisión cada elemento musical. En segundo lugar, lo que antes requería tiempo y práctica crear con cuidado, ahora se puede lograr de una manera sencilla y práctica. En tercer lugar, la pregunta ya no es "¿Cuáles son los límites de los artistas humanos?" sino "¿Cuáles son los límites del oído humano?"

Algunas colaboraciones también abarcan océanos y continentes.

En 1961, Yusachevsky invitó a Varez a los estudios de grabación Columbia-Princeton (CPEMC). A su llegada, Varèse comenzó a trabajar en una versión revisada de su obra "Desierto", con la ayuda de Mario Davidovsky y Biron Ariel.

Las entusiastas actividades que tuvieron lugar en CPEMC y en otros lugares inspiraron a Morton Subotnick, y en 1963 se asoció con Pauline Oliviero, Ramon Sender, Anthony Anthony Martin, Terry Riley y otros fundaron conjuntamente el San Francisco Band Music Center. .

La composición sobregrabada de Reilly Rainbow in the Curved Atmosphere (1967) utilizó una variedad de instrumentos de teclado electrónicos, todos improvisados ​​por el compositor.

El centro se trasladó posteriormente al Mills College, donde ahora se conoce como Centro de Música Contemporánea, bajo la dirección de Pauline Oliviero.

Al mismo tiempo, en San Francisco, el compositor Stan Shaff y el diseñador de equipos Doug McEachern ofrecieron la primera actuación de "Audium" en el concierto del San Francisco State College (1962).

Posteriormente se creó otra obra en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) (1963), que se puede imaginar controlando el flujo del sonido en el espacio en tiempo real. *** Hay 12 parlantes rodeando a la audiencia, y otros 4 parlantes están instalados en una estructura giratoria, aparentemente móvil, arriba.

En una actuación en SFMOMA al año siguiente (1964), el crítico musical del San Francisco Chronicle, Alfred Frankenstein, comentó: "Sonido estéreo. Las posibilidades del continuo rara vez se exploran ampliamente". En 1967, se inauguró el primer teatro Audium, el "Stereophonic Continuum", que acogió representaciones semanales hasta 1970.

En 1975, se construyó un nuevo teatro Audium con financiación del Fondo Nacional de las Artes, diseñado desde el suelo hasta el techo para la creación y interpretación de sonido estereofónico. "Por el contrario, algunos compositores manipulan el sonido estéreo cambiando o filtrando fuentes de sonido a través de múltiples altavoces colocados en el espacio de la interpretación.

En este método, la composición de la manipulación espacial depende de cada uno. La ubicación de los altavoces a menudo aprovecha las propiedades acústicas del sitio, los ejemplos incluyen "Electronic Sound Poems" de Varèse (cinta musical interpretada en el Pabellón Philips en la Exposición Universal de Bruselas de 1958) y Stanley Schaaf (sic). Todavía activo en las instalaciones del Audium en San Francisco. "

A través de espectáculos semanales (más de 4.500 en 40 años), Schaff "esculpe" el sonido, interpretado a través de 176 parlantes. Obras tridimensionales que ahora son digitales.

Un caso de uso muy conocido de los sintetizadores Moog de tamaño completo fue el álbum Patch Up Baja de Wendy Carlos, que desató la moda de la música sintetizada.

Pietro Grossi fue un pionero italiano de la composición por ordenador y la música en cinta. Experimentó por primera vez con la tecnología electrónica a principios de los años sesenta. Grossi fue un violonchelista y compositor que nació en Venecia en 1917. Fundó Florence Fonologia Musicale di Firenze (en italiano: Studio de Fonologia Musicale di Firenze, abreviado como S 2F M) en 1963 para experimentar con la composición y los sonidos electrónicos.