¿Qué es el constructivismo?
Los antecedentes y el contenido del constructivismo
1. Definición
Constructivismo:
También conocido como estructuralismo, se desarrolló entre 1913 y 1920. El constructivismo se refiere a esculturas realizadas a partir de piezas de metal, vidrio, madera, cartón o plástico. El énfasis está en el movimiento en el espacio, más que en la sensación de volumen que enfatiza la escultura tradicional. El constructivismo aceptó las técnicas de montaje y relieve del cubismo, y pasó de la suma y resta de las esculturas tradicionales a la composición y combinación; también absorbió el concepto de abstracción geométrica del absolutismo, e incluso lo aplicó a objetos colgantes y composiciones en relieve. influencia decisiva.
2. Antecedentes y contenido del constructivismo
El constructivismo es un movimiento artístico que surgió en Rusia, comenzó aproximadamente después de la Revolución Rusa estimulada por el marxismo en 1917 y continuó hasta alrededor de 1922 (. G.Julier, 1993: 56). Para los artistas rusos radicales, la Revolución de Octubre introdujo un nuevo orden basado en la industrialización y supuso el fin del antiguo orden. Esta revolución fue considerada una gran victoria para el proletariado ruso. Después de la revolución, el entorno general brindó oportunidades para que el constructivismo, que creía en los conceptos de revolución cultural y progreso, practicara el arte, la arquitectura y el diseño.
La importancia del constructivismo para el diseño industrial es que su propósito es transformar a los artistas en "Diseñadores". Pero esto se dice en términos que podemos entender ahora. De hecho, el concepto de "Diseño" aún no había tomado forma en ese momento, y el significado del llamado diseño actual no había surgido completamente, por lo que adoptaron un término diferente. : "Producción Arte Producción" Arte".
Los constructivistas rusos adoptaron una postura antiarte, evitando los materiales artísticos tradicionales como óleos, pinturas, lienzos e imágenes prerrevolucionarias. Por tanto, las obras de arte pueden provenir de objetos encontrados como madera, metal, fotografías o papel. El trabajo de los artistas a menudo se considera simplificaciones o abstracciones sistemáticas, y en todos los campos de la actividad cultural, desde el diseño gráfico hasta el cine y el teatro, su objetivo es construir nuevas realidades combinando elementos dispares.
Aunque todos los artistas rusos de vanguardia compartían el mismo entusiasmo, tenían diferentes puntos de vista sobre el papel de los artistas y el arte en la nueva sociedad comunista. En los primeros años posrevolucionarios, sus apasionados debates estimularon las diferentes ideologías del constructivismo.
Por un lado están los "puristas" los hermanos Malevich, Kandinsky y Pevsner. Sostienen que el arte es fundamentalmente una actividad espiritual que trabaja para organizar la percepción que uno tiene del mundo. Malevich, en particular, afirmó que el diseño industrial depende inevitablemente de la creación de la abstracción. Y es "una actividad de (re)creación de segunda mano, que se basa en el estudio del entorno contemporáneo y lo idealiza". contacto con la vida real de la sociedad.
En contraste con la visión "purista" estaban Tatlin y el ardiente comunista Rodchenko, quienes insistían en que los artistas debían convertirse en hábiles artesanos. Deben aprender a utilizar las herramientas y materiales de la producción industrial moderna y aportar su entusiasmo y entusiasmo. capacidades para servir directamente a los mejores intereses del proletariado. Estos "artistas/ingenieros" deben traer armonía a la vida misma, transformando el trabajo en arte y el arte en trabajo. Este argumento se convirtió en la corriente principal del constructivismo.
3. La motivación política y el estilo del constructivismo
La teoría marxista sobre el arte y la cultura determina el contenido del constructivismo. Estas discusiones giran en torno a motivaciones y estilos políticos.
Los constructivistas creen que todos los artistas deberían "entrar en la fábrica, donde hay vida real". El arte servirá también para construir una nueva sociedad.
Por lo tanto, el concepto tradicional de que el arte proporciona experiencias placenteras debe ser reemplazado por la producción en masa y la industria, que son inseparables de la nueva sociedad y el nuevo orden político. Esta clara dinámica política resultó en la práctica de la teoría marxista. Por ejemplo, Tatlin inventó y construyó diferentes diseños para ciertos tipos de hornos, destinados a producir la máxima producción de calor consumiendo la mínima cantidad de combustible. Las estufas calientes eran un elemento muy común entre la gente pobre de esa época, y algunas personas incluso desmantelaban los muebles para usarlos como combustible. Otra demostración de la ideología marxista en el diseño fue "El club de los trabajadores" de Rodchinko, que se exhibió en el pabellón ruso en la Exposición Internacional de Artes e Industrias de 1925 en París. Este fue uno de los primeros intentos constructivistas de diseño ambiental interior. El concepto de clubes de trabajadores surgió en la década de 1920. Como "centro del estilo de vida comunista", no sólo debía proporcionar un espacio para las actividades políticas, sino que también debía proporcionar entretenimiento y ocio. El club debe demostrar, si puede, cómo será la nueva vida. Según el concepto ideológico de Rodchinko, el club debería ser una demostración práctica de los principios del diseño constructivista.
Los principios de planificación del diseño de clubes y del mobiliario tienen consideraciones económicas: maximizar el uso de pisos y espacios implica cómo hacer que los muebles de madera sean fáciles de usar, estandarizados en producción y capaces de ser utilizados. Elástico y fácilmente escalable. En la práctica, muchas piezas plegables están diseñadas para quitarse y almacenarse fácilmente cuando no estén en uso. Los ejemplos incluyen púlpitos, biombos, tableros de anuncios y bancos. Para atender a todo tipo de eventos y todas las actividades del club, el club está equipado con mesas y sillas, armarios para libros y revistas, espacio para guardar literatura contemporánea, un escaparate para carteles, mapas y periódicos, y un "rincón Lenin". ". Para conversaciones, reuniones y presentaciones se diseñan tribunas de oradores, así como pantallas móviles para películas y presentaciones de diapositivas.
En cuanto al estilo, EL Lissitzky condenó el diseño burgués de productos producidos en masa: porque los diseños en ese momento simplemente envolvían formas clásicas, góticas o rococó en los productos. Señaló: Lo que los artistas no necesitan es la llamada belleza externa y popularidad artística, lo que necesitan es una comprensión profunda de los fundamentos del estilo (C. Loddor, 1983: 155~157). Tras examinar diversos materiales, llegó a la siguiente conclusión sobre el estilo básico: inacabado, honesto. Presta atención al conjunto y sé preciso. No desde una forma desesperada o una fantasía ficticia, sino desde la riqueza de la sencillez. En su totalidad o en detalle, puede estar compuesto por círculos y líneas rectas, y es geométrico. Está hecho a mano con ayuda de máquinas modernas y es industrial.
A partir de las características anteriores, se pueden extraer las siguientes conclusiones sobre el diseño de mobiliario: incluye la expresión de la estructura, el volumen, la combinación del volumen y el contorno, la escala, la proporción, el módulo y el ritmo del espacio. Al examinar el arte, la naturaleza de los materiales y el color de los materiales, la base última de estos elementos todavía reside en: la función. De esta manera, los diseñadores pudieron producir productos que transmitían la vida en la nueva Unión Soviética.
El mejor ejemplo de la plena implementación de este principio de diseño es el diseño de muebles en el Workers' Club de Luo Zinke. Sus muebles se componen de líneas rectas en ángulo recto en forma de rigurosa geometría euclidiana y son honestos en el uso de los materiales. Marco abierto: reduce significativamente el peso y facilita el plegado. Los muebles estaban hechos enteramente de madera y tenían una forma simple, por lo que podían producirse en pequeñas fábricas de baja tecnología en toda la Unión Soviética y no requerían costosas líneas de producción en masa. Estas consideraciones reflejan plenamente los siguientes puntos: replanteamiento de la estructura, estricta atención a la economía del uso de materiales, consideraciones funcionales en el uso y producción, y un exquisito diseño que ahorra espacio. Los muebles están pintados en cuatro colores: blanco, rojo, gris y negro. Esta combinación parece haberse convertido en el color estándar del estructuralismo.
4. Problemas y decadencia del constructivismo
Liszki revisó sus actividades de diseño en 1940 y se criticó a sí mismo y a otros artistas por ser demasiado teóricos en cuestiones de diseño de muebles. Si se gastó dinero, fue en conferencias y eventos de diseño, no en construir modelos.
Ignoraron la producción y la fabricación prácticas e ignoraron la realidad real de la carpintería (C. Loddor, 1983: 155~157).
Los estructuralistas produjeron muchos planos, diagramas y modelos, pero estos nunca fueron producidos en masa, ni siquiera por los clubes de trabajadores de Rodchinco. En el diseño industrial ruso, nunca realizaron el ideal de contribuir plenamente a la nueva sociedad. Por otro lado, la ironía es que la teoría marxista condujo al surgimiento del estructuralismo, pero la implementación estricta del marxismo por parte del Partido Comunista condujo al fin del estructuralismo.
Bogdanov, el principal teórico del movimiento proletario, afirmó que los artistas proletarios eran individuos independientes, independientes de la dirección del partido. Sin embargo, esta idea ideológica fue rechazada por Lenin, quien insistió en que todas las organizaciones deberían estar bajo el control del Comité Central del Partido y que dicho control evitaría la creación de una nueva clase de artistas independientes e improductivas. Debido a los constantes conflictos, el realismo social reemplazó gradualmente al estructuralismo en el arte gráfico ruso. Finalmente, en 1932, se decidió oficialmente que el realismo social era el único estilo legal.
Baodánov declaró: El proletariado debe tener su propio arte de clase para poder organizar las fuerzas para la lucha socialista. Paradójicamente, a través de la teoría marxista, los constructivistas crearon mucho arte que los trabajadores no podían entender ni apreciar debido a la naturaleza abstracta del trabajo. Incluso el mobiliario de los clubes de trabajadores, con sus llamadas rigurosas líneas geométricas euclidianas y materiales honestos, parecía demasiado abstracto para el proletariado. Finalmente, las formas puramente visuales fueron denunciadas como "formalismo decadente" y "fuera de contacto con la realidad social".
Se dice que Lenin dijo que ese arte era perjudicial tanto ideológica como prácticamente. Estos factores ideológicos y políticos llevaron al fin del constructivismo. Esto es similar a las contradicciones de la Bauhaus que fue influenciada por él. El propósito original de la Bauhaus era crear productos que sirvieran a la mayoría de la gente común de la sociedad. Sin embargo, debido a la forma abstracta y al arte de sus formas, su precio era alto y no era aceptable para el público. Colección para que los capitalistas muestren su riqueza.
5. Principales representantes del constructivismo
Desde principios de los años 1920, los tres hermanos Vesnin han enseñado en la Escuela Técnica de Moscú, el Instituto Técnico Superior de Moscú y el Instituto de Arquitectura de Moscú. B.A. Vesnin fue el primer presidente de la Unión Soviética de Arquitectos y el primer presidente de la Academia Soviética de Ciencias Arquitectónicas.
Las creaciones arquitectónicas de los hermanos Vesnin comenzaron antes de la Revolución de Octubre. En edificios civiles como mansiones y bancos, adoptaron el estilo clásico ruso, mientras que en los edificios industriales adoptaron un estilo sencillo adaptado a estructuras de hormigón armado y muros ligeros. Desde principios de los años 20 hasta mediados de los 30, fueron representantes de la escuela de arquitectura constructivista. Desempeñaron un papel positivo en la modernización de la arquitectura soviética y también influyeron mutuamente en la arquitectura modernista de Europa Occidental. A.A. Vesning dirigió la organización de arquitectos constructivistas "Alianza de Arquitectos Modernos" (OCA, 1925 ~ 1930). Los constructivistas abogan por construir el entorno de vida en un molde para formar nuevos pueblos socialistas, abogan por el uso de materiales y medios técnicos modernos para resolver los requisitos funcionales y económicos de la vida moderna para los edificios y abogan por el uso de métodos industrializados para la construcción a gran escala.
Los hermanos Vesning defendieron un "enfoque funcional" del diseño arquitectónico, es decir, "un método que unifica propósito, medios e imagen arquitectónica, y unifica contenido y forma sin que se contradigan entre sí". El llamado contenido es la suma de los procesos funcionales, pensamientos y sentimientos que ocurren en el edificio; "La nueva vida requiere nuevas formas, y este tipo de formas sólo pueden recurrir a nuevos materiales y nuevas tecnologías". La llamada "nueva vida" es una vida con características socialistas.
Los hermanos Vesnin consideraban que los edificios industriales y las viviendas para trabajadores construidas en masa eran las principales tareas de la arquitectura en la era socialista. Cuando se dedicaban a la planificación de ciudades y aldeas de trabajadores, las consideraban complejos con funciones tales como trabajo, educación, residencia, cultura y entretenimiento, y exploraban formas de vivienda pública que conducían a cultivar el espíritu colectivo de la gente. Diseñaron muchos palacios culturales y teatros.
Las principales obras arquitectónicas de los hermanos Vesnin incluyen: la Central Hidroeléctrica de Shatur (1919), el Palacio de la Cultura del Distrito Proletario de Moscú (diseñado en 1931, parcialmente construido) y la Central Hidroeléctrica de Dnieper (la construcción comenzó en 1929), en Encargado de la planificación de la ciudad de Zaporozhye (1929-1931) junto a la central hidroeléctrica. El Palacio del Trabajo de Moscú que diseñaron en 1923 es una de las primeras obras representativas de la arquitectura constructivista. El espacio interno está organizado según la función, y la forma externa es su expresión directa, rompiendo por completo con la composición arquitectónica tradicional. Aprovechando las posibilidades que ofrece la estructura del marco, el espacio interno fluye suavemente y los dos auditorios, grandes y pequeños, están separados por tabiques móviles, que pueden dividirse o cerrarse. El auditorio del Teatro de Música de Masas de Kharkiv es el mismo que el del Palacio del Trabajo de Moscú, con solo asientos en la piscina y asientos dispersos, sin suelo ni palcos, con el objetivo de expresar el espíritu democrático de igualdad y unidad. El escenario y el auditorio están conectados entre sí, lo que lo hace adecuado para grandes actuaciones masivas. Tiene un alto nivel de mecanización y puede adaptarse a una variedad de cambios. La central hidroeléctrica de Dnieper ha creado un buen ambiente de trabajo para los trabajadores y tiene una imagen refinada. La vecina ciudad de Zaporozhye, por un lado, adopta un diseño estándar y promueve la construcción industrial, por otro, presta atención a la diversidad del aspecto de la ciudad y diseña zonas residenciales con grandes áreas verdes, completas instalaciones habitables y nuevos diseños; . Junto con la central hidroeléctrica, es un logro representativo de la construcción soviética temprana.
Actividades posteriores A partir del concurso de diseño del Palacio de los Soviéticos de Moscú en 1932, la Unión Soviética consideró por primera vez los grandes edificios públicos como monumentos artísticos y puso especial énfasis en la herencia del patrimonio clásico. Los edificios civiles en general también han seguido este ejemplo. La arquitectura constructivista y toda la corriente arquitectónica modernista fueron duramente criticadas. Los hermanos Vesning insistieron: "El lenguaje de las formas clásicas es el lenguaje del pasado. Aunque antes eran perfectos, hoy no pueden expresarse. Continuaron utilizando el "enfoque funcional" para diseñar edificios públicos, pero la mayoría de ellos no lo eran". construido. .
Durante unos 10 años, desde finales de los años 30 hasta principios de los 40, B.A. Vesnin se desempeñó como arquitecto jefe de la Oficina de Gestión de la Construcción del Comisariado del Pueblo de Industria Pesada, dirigiendo directamente la planificación urbana y los edificios industriales y fabriles. de un gran número de centros industriales, trabajos de diseño de edificios públicos y edificios residenciales. A partir de 1936 volvió a ocupar el cargo de presidente de la Academia Soviética de Ciencias de la Arquitectura, dedicada a la construcción organizativa y académica. Durante la Gran Guerra Patria, dirigió la Academia de Ciencias de la Construcción para realizar trabajos de construcción trasera, estudiando materiales locales, estructuras livianas, casas sencillas, etc. Después de la guerra, realizó trabajos de planificación urbana en zonas devastadas por la guerra y promovió métodos de construcción industrializados.
Los tres hermanos Vesnin recibieron la Orden de la Bandera Roja; B.A. Vesnin también recibió la Orden de Lenin.
Peter Behrens (1868-1940)
Famoso arquitecto alemán, pionero en el diseño de productos industriales y arquitecto jefe de la "Alianza Alemana de Fabricación". Es el maestro de una generación. Los arquitectos modernistas Gropius, Mies van der Rohe y Le Corbusier trabajaron en su estudio de diseño en sus primeros años. Tiene una profunda influencia en el desarrollo de la arquitectura moderna alemana.
Behrens estudió en una escuela de arte en Hamburgo en sus primeros años y se trasladó a Munich en 1897. En 1900, el archiduque de Hesse lo llamó a la Kunsthalle Damstadt, donde pasó del arte a la arquitectura. En 1903 fue nombrado director de la Escuela de Arte de Diesseldorf. En 1907, fue contratado por la General Electric Company como arquitecto y coordinador de diseño. De 1909 a 1912 participó en la construcción de los edificios de la fábrica de la empresa. Entre ellos, el taller de maquinaria de turbinas que diseñó se convirtió en el edificio más influyente. En aquella época Alemania ya era conocida como la primera "edificio moderno".
Las obras posteriores de Behrens incluyen La Embajada de Alemania en San Petersburgo (1911-1912), La Compañía Austriaca de Tabaco (1930), etc. De 1922 a 1927 fue profesor en la Academia de Bellas Artes de Viena.
Tatlin (V)
Malevich (K)
Rodchenko (A)
Lissitzky (E)
Gabo (N)
Pevsner (A)
Kandinsky (W)
Los orígenes del constructivismo
George Reich
En Rusia, el avance de la pintura y la escultura cubistas se produjo en dos aspectos. La primera es la declaración hecha por Marinetti al dar conferencias sobre futurismo en Moscú y San Petersburgo en 1914. La otra parte proviene de "Sobre el espíritu del arte" escrito por Kandinsky. Este libro fue escrito en Alemania en 1910 y traducido parcialmente al ruso en 1912. Los artistas rusos han completado así todos los preparativos preliminares para entrar en un mundo completamente no objetivo.
En 1913, Tatlin produjo y expuso en Moscú la composición "Formas suspendidas de madera y hierro" que Boccioni había pintado. Al mismo tiempo, Tatlin acuñó el término "constructivismo". Tanto la obra como las palabras surgieron del desarrollo del collage hacia la tercera dimensión, cuando Tatlin había visitado el estudio de Picasso en París. Mientras trabajaba en el cubismo, Picasso también incursionó ocasionalmente en el arte sin sujeto. El término "no objetivismo" fue utilizado por Rodchenko, un colega de Tatlin. Usó círculos y líneas rectas para formar una obra, pero sólo puede considerarse como una imitación de la composición geométrica euclidiana.
La Armory Show of Modern Art de 1913 causó sensación en toda Nueva York. El decorado que Malevich diseñó para una obra futurista contenía sólo un cuadrado blanco y negro. Continuó este tipo de creación con bloques de colores a lápiz, y posteriormente se exhibió una obra completamente pintada en la exposición "Standard Rake" en Moscú. Al mismo tiempo, Malevich formuló el "suprematismo", como escribió más tarde: "Fuerte por liberar la forma en el arte figurativo, busqué un espacio de refugio en la forma del cuadrado. Expresó su gratitud al futurismo Qing Qing: " La expresión de la armonía en nuestra era... ha apuntado al arte abstracto, que atribuye todos los fenómenos y cuestiones relacionadas a una nueva cultura: la 'supremacía no objetiva'".
Utilizando formas simples como cuadrados, triángulos y cruces para pintar, Malevich en pocos meses cayó en los brazos de un arte completamente no objetivo. Al enigmático Mondrian, mayor y mayor, le llevó varios años dar el salto.
El suprematismo es no objetivo, no social y no utilitario. Malevich "comprimió todo el cuadro en un cuadrado negro sobre un lienzo blanco". Dijo: "Siento que sólo la noche me pertenece. Es el nuevo arte que imaginé, al que llamo Suprematismo... "Los cuadrados suprematistas. ...se puede comparar con los símbolos de los pueblos primitivos. Ellos no quieren crear decoración, sino expresar un sentido de armonía." Creía que el suprematismo es la forma de arte más espiritual y pura. Además, creía que el ejemplo más puro de esto era el cuadrado pintado a lápiz. "El suprematismo dice que los fenómenos visibles del mundo objetivo no tienen sentido en sí mismos; lo significativo es el sentimiento. Por lo tanto, tiene poco que ver con el entorno específico. El suprematismo no lo estudia ni lo contacta. Sólo se basan en los sentimientos.
A pesar del poder de estas narrativas, Malevich admitió que sentía "el miedo que me vino cuando pensé en abandonar el mundo ideal en el que había vivido, trabajado y en el que había creído". El mundo no objetivo me llevó a un 'desierto' donde no había nada más que sentimientos, y los sentimientos se convirtieron en el contenido de mi vida. Todos los 'cuadrados vacíos' que exhibí tenían este sentimiento no objetivo. El mundo de la percepción es ilusorio y esa realidad aún está muy lejos.
Sus concepciones geométricas, entre ellas Blanco sobre un cuadrado blanco (1918), contienen las expresiones no objetivas más puras de la época.
Definió su suprematismo como: ① la universalidad de todos los fenómenos; ② "la línea recta del suprematismo (carácter dinámico)"; ③ "el suprematismo dinámico en el plano"; ④ "el suprematismo estático en el espacio - arquitectura abstracta (con factores cuadrados supremacistas adicionales)" ...se puede traer al espacio una sensación de forma en el lienzo"; ⑤ "cuadrados (negros) = sensación, fondo blanco = sin sensación".
Pronto surgió el conflicto entre el arte y la teoría de Malevich. En 1917, Gabo regresó a Rusia después de tres años en el extranjero y dijo en una entrevista con un periodista que encontró que entre la vanguardia moscovita, el suprematismo era sin duda la filosofía artística dominante.
Aunque era un ruso cuyo destino dictaba que se haría famoso como pintor abstracto, Kandinsky no participó directamente en estas experiencias en Moscú. Durante estos años estuvo la mayor parte del tiempo en el extranjero, pero su "Sobre el espíritu del arte" ha sido ampliamente leído y su dogma de la "necesidad interior" ha llevado a sus compatriotas a realizar mayores esfuerzos por el arte no objetivo.
La demanda interna se origina en tres factores ① Como creador, cada artista tiene algo que expresar en su corazón...; ② Cada artista tiene el deseo de expresar la inocencia infantil en su infancia...; el artista tiene algo que expresar en su corazón... Un artista que sirve al arte debe dedicarse a la causa del arte desde la perspectiva de las necesidades psicológicas sin restricciones (formales). El artista puede expresar sus necesidades de cualquier forma; sus impulsos internos deben encontrar la forma externa adecuada.
Ya en 1908, Kandinsky anticipó claramente el arte abstracto. En su autobiografía "Ruckblick" cuenta que al regresar al estudio por la noche vio de repente un cuadro extraño pero hermoso sobre el caballete. "Esta pintura carece de todo contenido, representa algo indescriptible y está enteramente compuesta de bloques de colores brillantes... Cada vez encuentro más claramente que la descripción objetiva y objetiva no se puede acomodar en mi pintura. La representación objetiva es realmente perjudicial para la imagen." Más tarde se enteró de que había derribado uno de sus cuadros.
Para Kandinsky, los triángulos tenían su "especial aroma espiritual" y "el impacto de los ángulos agudos de un triángulo sobre un círculo no tiene más efecto que el dedo de Dios en la pintura de Miguel Ángel y la fuerza de". Los dedos de Adán." Sus obras durante un período de tiempo después de regresar a China en 1921 muestran rastros de su influencia temprana. Pero al final aceptó más elementos del constructivismo de los que dio. Su naturaleza poética moldeó el arte simbolista y cargado de emociones que más tarde se convertiría, al menos en principio, en la base del expresionismo abstracto, que se oponía al constructivismo. Kandinsky era un romántico.
La idea de una forma de arte "pura" se desarrolla de varias maneras. La base geométrica que Cézanne proporcionó a los cubistas en el arte realista, de la que aún proceden grandes obras, se perdió rápidamente como teoría. En Rusia se anunciarían los fundamentos teóricos claros y duraderos de un arte no objetivo, que luego surgiría en la guerra de 1914-1918 y la revolución posterior.
Después de la revolución de 1920, las fronteras de los artistas en Moscú quedaron claras. Hubo mucha charla, pero la discusión sobre el programa y la filosofía del arte fue muy abierta. Una opinión era que el arte del trabajo serviría a las masas, debería ser accesible a todos y debería utilizar materiales y técnicas industriales. Esta opinión fue promovida por Tatlin, Rodchenko y más tarde Lissitzky. Lisitsky conoció a Malevich en 1919, pero al año siguiente recurrió a la conciencia "objetiva". A los ojos de Gabor, Tatlin no era un pensador; no tenía la formación ideológica que formaba el trabajo ni la formación correspondiente; sin embargo, sus experimentos no parecían estúpidos y eran técnicamente consistentes; Perry Snell recordó en una entrevista de 1956 que, a pesar de sus extensas teorías utilitarias, Tatlin nunca produjo un diseño viable. Sin embargo, Tatlin y sus asociados lograron vincular sus conceptos estéticos tan estrechamente con el marxismo que atacarlos era como atacar la doctrina. De hecho, el estatus oficial de Tatlin era tan alto que se le encomendó la tarea de diseñar el monumental Monumento a la Tercera Internacional.
Otro punto de vista es el de quienes consideran ideológicamente el arte no objetivo como pura poesía libre, como lo demuestra Malevich. En 1915 publicó "El Manifiesto Suprematista". Ya era muy conocido (había participado en la exposición del Jinete Azul en Munich) y representaba cuadrados tan sencillos que nunca se habían visto en el mundo. Lo apoyaron los hermanos Pevsner, que en ese momento habían regresado a Rusia del exilio en tiempos de guerra. Cuando llegaron a Moscú en 1917, Pevsner Naum se rebautizó como Gabor, y fue él quien hizo la enérgica declaración en 1920: "Nuestra percepción del mundo es precisamente en forma de espacio y tiempo. Es el único objetivo de nuestro arte de dibujando y dando forma... Estructuramos nuestras obras como la estructura del universo mismo, como un ingeniero construyendo sus puentes... al crear cosas descartamos... todo lo que es accidental y parcial, Sólo queda el ritmo eterno de su fuerza. ."
Esto es parte del Manifiesto Realista escrito por Gabor y firmado por Pevsnell, durante el primer levantamiento político y la guerra civil. Fue pegado en las paredes de Moscú. Delimitó claramente la delimitación, señaló la posibilidad del arte no objetivo, se adaptó mucho más a la escultura que a la pintura, y fue tan simple que su dogma siguió siendo útil hasta dos generaciones después. Las tradiciones y obligaciones que estableció todavía las mantiene la actual generación de artistas.
El título ambiguo del manifiesto extravió a los funcionarios culturales soviéticos, quienes permitieron que el manifiesto se imprimiera en papel escaso simplemente porque era realista. De hecho, es un manifiesto del constructivismo y la palabra se utiliza en el texto. "Realismo" es una palabra importante en ruso, probablemente derivada del francés "realiser", que significa "realización". Garbo dijo que sabía lo que se podía tocar y sentir y lo que era material, lo cual era contrario a las ideas metafísicas de Malevich. "Todos nos llamamos constructores..., construimos esculturas en el espacio, más que a través de escultura y escultura..., siempre hemos usado la palabra 'realismo' porque creemos que todo lo que hacemos expresa una nueva realidad."
Jiabo siempre había dudado del valor de los valores establecidos y gradualmente formó sus propios pensamientos artísticos en 1910. Este interés permaneció con él cuando estudió ingeniería en Munich. En 1912, Gabor tomó el curso de historia del arte de Wölfflin. Bajo su influencia, Gabor viajó a Italia lleno de misterio y hambre. En 1914 regresó a casa. Hablando de arte, sus intereses, sus conocimientos y su creatividad impresionaron profundamente a su familia. Gabor estaba familiarizado con el cubismo y el futurismo y no los consideraba estilos futuristas. Tuvo contacto con los Caballeros Azules en Munich en 1913. En 1912, Larionov, Goncharova y Malevich participaron en exposiciones con este grupo. Pero antes de que Gabor regresara a Rusia en 1917, no había conocido a Kandinsky. En 1913 había leído "Sobre el espíritu del arte" y no estaba de acuerdo con todas las teorías escritas por Kandinsky sobre el uso del sonido como identificación del color, aunque le gustaban las ideas de Kandinsky y las discusiones de Volger. Esto es lo que Kandinsky describe en "Abstracción y arte". Empatía".