¿Qué es la "Era Pandémica"?

En la década posterior a mediados de la década de 1950, el arte pop desarrolló un nuevo género artístico en los Estados Unidos y el Reino Unido, conocido como "arte pop". Estas personas, conocidas como “Artistas Pop”, tienen una característica común en sus creaciones durante este período. Utilizan como temas imágenes culturales comerciales populares y cosas cotidianas de la vida urbana, y sus técnicas creativas a menudo reflejan las características de la industrialización y la comercialización. Los factores que llevaron al arte pop no se encuentran en todas partes. La cultura urbana de posguerra de Gran Bretaña y Estados Unidos es el terreno especial para su crecimiento. Sólo los artistas que tienen un estrecho contacto con esta cultura urbana pueden captar el estilo y la expresión únicos del arte pop.

Se cree que el arte pop en sentido estricto se originó en Gran Bretaña, no en Estados Unidos. A finales de 1952, un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos y críticos se reunieron en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres. Este grupo autoproclamado "indie" se centra en la cultura pop y su significado, como películas occidentales, novelas espaciales, vallas publicitarias, la belleza de las máquinas y más. Estos fenómenos fueron considerados antiestéticos en aquella época. Este grupo estaba obsesionado con la nueva cultura pop urbana y se sentía particularmente atraído por las expresiones estadounidenses. Por un lado, a los ojos de los británicos, Estados Unidos en ese momento era un país ideal, con todo, desde productos de nailon hasta motocicletas nuevas. Por otro lado, el mundo del arte británico en la década de 1940 estaba envuelto en una atmósfera de seria lucha romántica, y el arte pop británico fue una reacción a ella.

En 1956, los "Independientes" realizaron una exposición llamada "Esto es el mañana". La obra más impactante y conmovedora de la exposición es un cartel colocado por Richard Hamilton en la entrada titulado ¿Qué hace que las casas de hoy sean tan encantadoras? (Figura 1). La imagen era un apartamento moderno recortado de una revista ilustrada, con un hombre musculoso y una mujer desnuda altiva en su interior. En el apartamento hay muchos objetos culturales: un televisor, una grabadora, una portada ampliada de un cómic, una insignia de Ford y un anuncio de una aspiradora. A través de la ventana del cuadro se puede ver una pantalla de cine que muestra un primer plano de Al Jolson de la película "El cantante de jazz". El hombre también sostenía una enorme paleta con tres letras grandes POP. De aquí surge el término Pop Art. Pop no es sólo el sufijo de piruleta, sino también la abreviatura de "moda".

En Estados Unidos, el arte pop fue una respuesta al expresionismo abstracto que fue popular en los años cincuenta. Por un lado, las obras del expresionismo abstracto se consideran expresiones de la personalidad única del artista, enteramente personal, subjetiva y espiritual. Destaca la pureza del arte y se convierte en un arte espiritualmente noble. Por otro lado, como este tipo de espiritualidad radica en la improvisación, que es completamente personal, muchas generaciones posteriores la han imitado, por lo que parece que todos pueden practicar este arte "elegante". Es una pena que la mayoría de estas obras sólo tengan imágenes deslumbrantes, pero es difícil expresar el espíritu. Se puede decir que hay muchos ojos, pero en realidad son pocos. El arte pop probó audazmente nuevos materiales, nuevos temas y nuevas formas para resolver los problemas del expresionismo abstracto. En la década de 1960, el arte pop trajo "vida" y vida urbana moderna a museos y galerías de arte. La primera exposición colectiva que hizo popular el título "Pop" en todo el mundo fue la exposición "Nuevos artistas realistas" celebrada en la Galería Dzhanis de Sydney en 1962, que reunió a artistas de esta corriente (incluidos artistas europeos). A esta le siguieron dos exposiciones celebradas en 1963: "Exposición de los Seis Artistas" y "Exposición de la Imagen Popular".

Hasta cierto punto, Estados Unidos sí influyó en todo el arte pop del mundo. Debido a la fuerte influencia de la cultura empresarial estadounidense, las películas de Hollywood y las hamburguesas de McDonald's se pueden ver en casi cualquier país del mundo, las cuales han penetrado en muchas culturas y se han convertido en una cultura popular que se puede consumir. El arte pop, por otra parte, es un arte "industrial". Roy Roy Lichtenstein dijo una vez: "A medida que Estados Unidos se ve cada vez más impactado por la industrialización y el capitalismo, sus valores parecen estar más distorsionados... Creo que el significado de mi creación es mostrar que está industrializado. Este es también el La dirección de todo el mundo pronto será la misma, por lo que el arte pop ya no será estadounidense, sino global.

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El arte pop resistió el lema de un crítico famoso: el gran arte debe ser un arte difícil. Los artistas pop a menudo usaban el collage o la reproducción en masa, lo que parecía más fácil. Es el café instantáneo y la pantalla ancha del cine moderno." . No era el latín bajo los monjes, sino el arte pop." El atractivo del arte pop era tan amplio como su alcance. Aceptaba todo en la vida y todos sus aspectos más ordinarios. Seguía siendo arte, pero nunca fue arte por el arte.

Cuando se trata de arte pop británico y estadounidense, los primeros en mencionar son los estadounidenses Rauschenberg y Jasper Johns, y el británico Richard Rauschenberg Nacido en Texas en 1925, comenzó a estudiar a finales de los años cuarenta. Influenciado por el expresionismo abstracto, pintó una serie de cuadros completamente blancos a principios de la década de 1950, donde la única imagen era la sombra del espectador. Pintó una serie de cuadros completamente negros, pero estas pinturas no fueron las primeras. , se desarrolló en la dirección de la "pintura de montaje", utilizando cosas comunes de la vida para componer cuadros: botellas de cerveza, cajas de papel usado, neumáticos viejos, periódicos, fotografías, cuerdas, sacos, almohadas, etc. sobre el lienzo constituyen una obra. "Cama" (Figura 2) es un ejemplo típico de este tipo de trabajo. El autor simplemente cuelga sacos de dormir y almohadas sobre el lienzo y luego rocía un poco de pintura sobre él. -Productos hechos en sus obras es romper los límites entre el arte y la vida. Como él mismo dijo, "La pintura es a la vez arte y vida, ninguno de los dos está hecho". Lo que quiero hacer está en algún punto intermedio. "Al mismo tiempo, sus obras tienen rastros de expresionismo abstracto y, a menudo, son muy atrevidas.

La filosofía artística de Rauschenberg fue influenciada por el artista experimental John Kay, a quien conoció mientras trabajaba en Black Mountain College. La influencia de Qi Conoció a Cage en 1951 y ambos se hicieron muy cercanos. Cage influyó en Rauschenberg desde una perspectiva zen: “El juicio no tiene sentido, porque no existe un hecho de que algo sea mejor que otros, el arte no debe ser diferente de la vida. actuar en la vida. "

A lo largo de su carrera creativa, Rauschenberg permaneció en contacto con las comunidades urbanas y técnicas circundantes. Su enfoque "sintético" puede reflejar las ricas imágenes de una época. Por ejemplo, en el símbolo "" (Figura 3 ), podemos ver toda la información característica de los Estados Unidos en la década de 1960, incluido el presidente Kennedy, el líder negro Martin Luther King, los soldados de la guerra de Vietnam y los astronautas que aterrizaron en la luna. Carrera Hay muchas similitudes entre su carrera y la de Rauschenberg. En un momento crítico de su desarrollo, John era conocido por su imagen única y mundana de una fila de figuras (Fig. 4-2), la bandera estadounidense (). Fig. 5), mapa americano, etc. se han convertido en clásicos del Pop Art. Eligió estas imágenes porque creía que no generarían ninguna energía. Lo que quería resaltar era que "la pintura es en sí misma, más que una representación de cualquier cosa". otro objeto."

John no tiene ninguna intención de expresar una crítica del arte o la sociedad a través de sus obras. En su opinión, un artista tiene la libertad absoluta de hacer lo que quiera y no debe ser juzgado por su consideración. Limitaciones Creía que en la mayoría de los casos la obra sería mal entendida y mal utilizada y el artista no tenía control sobre la situación y la forma en que se evaluaba su obra. No le importaba en absoluto esta interesante situación. Una de sus famosas esculturas estaba realizada en hierro. La reproducción de dos latas de cerveza (Fig. 6) suele entenderse como una crítica a un determinado status quo social, pero en realidad esta creación es puramente accidental “Utilizo objetos pequeños (linternas y bombillas) para hacer esculturas. Entonces sucedió una historia. De algún modo Willem de Kooning estaba molesto con mi agente. Él dijo: 'Ese hijo de puta, si le das dos latas de cerveza, las puede vender'. ’ Escuché esto y pensé: ‘Qué escultura: dos latas de cerveza’. Me pareció perfecto, así que lo hice y mi agente los vendió. "

En el movimiento pop art británico, Richard Hamilton es un artista tan famoso como Rauschenberg y John en Estados Unidos. Estas tres personas tienen un gran interés en el dadaísmo. Más de lo mismo. La educación personal de Hamilton tuvo Una influencia importante en sus logros artísticos. En comparación con la mayoría de los demás artistas, en realidad fue autodidacta.

Después de graduarse de la escuela primaria a los 14 años, comenzó a trabajar en publicidad y asistió a clases nocturnas en varias escuelas de arte. Su experiencia como profesor se convirtió en otra poderosa influencia en su carrera pictórica. Impartir cursos de diseño durante mucho tiempo le ha hecho prestar especial atención a las habilidades de resolución de problemas y siempre ha sido un pragmático. En 1957, dijo que las cualidades que perseguía eran populares, de corta duración, asequibles, divertidas, sexys, ingeniosas, encantadoras y debían ser baratas y producidas en masa.

Si bien Hamilton hizo un amplio uso de temas americanos, no era un artista de estilo americano. Siempre estuvo dispuesto a explicar su trabajo, a veces con gran detalle. Por ejemplo, la obra "She" es una colección de muchas fotografías publicitarias: hay fotografías de refrigeradores de la marca "Yangjiao", anuncios de aspiradoras y otros electrodomésticos, y fotografías de revistas "Esquire" clavadas en la pared. Hamilton incluyó una extensa explicación de la obra: “La mujer en el arte de los años cincuenta estaba fuera de lugar: nos recordaba los olores de las cloacas, la obesidad mórbida, las piernas rosadas partidas, la estupidez y la lascivia. No se parece en nada a la imagen de una mujer fría fuera de la casa. obras de arte. Ese tipo de mujer es realmente lujuriosa y se porta muy bien cuando muestra su deseo sexual. Aunque tiene las joyas más caras, la gente todavía la trata como una decoración de moda, lo peor de una. La mujer es su incapacidad para armonizar elegantemente con su entorno; la armonía de una mujer con su entorno, al igual que su armonía con su ropa, puede determinar nuestra evaluación de ella. El sexo está en todas partes en los glamorosos artículos de lujo producidos en masa. Plásticos y metales suaves y más sensuales". Más tarde, "Sueño con una Navidad blanca" juega con el plano focal. Serie cuidadosamente transformada. En particular, Hamilton reemplazó la película en color positivo por una película en color negativo y reemplazó al cantante blanco en la película por un cantante negro, en alusión irónica al título de la canción del cantante. Sin embargo, esta ironía no excluye la nostalgia. Las obras de Hamilton, como las de otros artistas pop británicos, tienen un toque de melancolía, lo que hace que sus obras sean más atractivas que las de los artistas pop estadounidenses.