¿Qué es "montaje"?
Montaje en sentido amplio se refiere a edición. En el pasado, un carrete se filmaba durante más de diez minutos antes de ser editado y reemplazado por otro carrete. La primera película en la que se utilizó el montaje fue El acorazado Potemkin, en la que el cochecito se cae por las escaleras, la gente filma y la madre está nerviosa. Las imágenes se editan alternativamente.
Tiene un efecto tenso, compacto y metafórico, y se ha convertido en un clásico de invención y creación sin precedentes en la historia del cine. Si no sabes mucho al respecto, puedes consultar "Madre" de Pudovkin o "Pasos en la Odisea" de Eisenstein de "El acorazado Potemkin", pero básicamente el montaje es una forma que tiene el director de manipular la lente, es decir, de control El pensamiento intelectual absoluto y el significado expresivo que el público espera ser inculcado es completamente diferente de la ambigüedad y apertura que presentan las películas poéticamente expresadas de Tarfsky, Wenders, Fellini y otros.
De hecho, no debería llamarse simplemente edición, porque existen otras formas que pueden crear un efecto de montaje. En resumen, es la palabra "conocimiento" en caracteres chinos. Las personas de diferentes lugares se pueden clasificar editando para que creas que están relacionados por sangre. Por ejemplo, la persona que primero llama a la puerta y luego entra a la casa, puede llevar cosas en diferentes lugares al entrar o salir de la casa.
¿Qué es un párrafo "montaje"? Por ejemplo, hay una escena en la que dos personas se enfrentan, seguida de un primer plano de la expresión de una persona. El público puede conocer las acciones de otra persona a través de la expresión de esta persona, aunque esa persona no aparezca en la imagen. El montaje (edición) es un salto en el tiempo y el espacio, y el tiempo es una conexión de puntos. A diferencia del movimiento de una línea de A a B, el tiempo presentado en el montaje es un punto estrictamente seleccionado por el director. Además, el montaje enfatiza el resultado de un evento, como una mujer discutiendo en un salón, seguida de una escena de su muerte en el dormitorio. La escena enfatiza el final después de la pelea, considerando el final más que el proceso de su asesinato. El montaje resalta la conmoción provocada por el resultado del evento, primero haciendo que la audiencia sepa instantáneamente el final de la muerte y luego permitiéndole ver la escena desordenada en la sala de estar y rastrear intelectualmente las razones y escenas.
El montaje tiene dos funciones: narrativa y representación. En base a esto, podemos dividir el montaje en tres tipos básicos: montaje narrativo, montaje expresivo y montaje intelectual. El primero es un recurso narrativo y los dos últimos se utilizan principalmente para expresar ideas. Sobre esta base, también se pueden hacer divisiones secundarias, como sigue:
El montaje narrativo es el método narrativo más utilizado en cine y televisión, del que fueron pioneros el maestro de cine estadounidense Griffith y otros. Sus características son la explicación de la trama y la presentación de los acontecimientos. Según el flujo del tiempo y la relación causal del desarrollo de la trama, se cortan y combinan planos, escenas y párrafos para guiar al público a comprender la trama. Este montaje está claramente conectado, es lógicamente coherente y fácil de entender. El montaje narrativo también incluye las siguientes técnicas específicas:
1. Montaje paralelo Este montaje suele presentar dos o más líneas argumentales que ocurren en diferentes tiempos y espacios (o en diferentes lugares al mismo tiempo) narradas en paralelo. por separado, unificados en una estructura completa. Griffith y Hitchcock fueron ambos maestros de esta técnica de montaje. El montaje paralelo se utiliza ampliamente.
Pero utilice este tipo de timidez con precaución, y las metáforas y narrativas deben combinarse orgánicamente para evitar ser contundentes y exageradas.
4. El montaje de contraste es similar a la descripción contrastiva en la literatura, es decir, un fuerte contraste en el contenido a través de lentes o escenas (como pobreza y riqueza, sufrimiento y felicidad, vida y muerte, nobleza y humillación, victoria y fracaso, etc.) o forma (como el tamaño de la escena, la calidez y calidez del color, la fuerza del sonido, el movimiento, etc.), produce un efecto conflictivo para expresar un cierto significado de la creador o para fortalecer el contenido y las ideas expresadas.
El montaje intelectual y la definición de montaje intelectual de Jean Mitry es que expresa su significado a través de la relación entre imágenes, más que a través de expresiones narrativas simples y coherentes, una tras otra. La diferencia entre un montaje intelectual y una narrativa coherente es que, incluso si sus imágenes pertenecen a hechos realmente experimentados, los hechos reunidos según este montaje son siempre subjetivos. Este tipo de montaje fue creado por Eisenstein, principal representante de la escuela soviética, e incluye principalmente:
1. Montaje acrobático Eisenstein definió el montaje acrobático como un momento especial en el que todos los elementos pretenden inculcar el concepto. que el director pretende transmitir al público en su conciencia, llevando al público al estado mental o estado psicológico que provocó este concepto, provocando así un impacto emocional. Este tipo de baniano puede ser elegido libremente en cuanto a contenido y no está sujeto a la trama de la obra original, lo que favorece la interpretación final del tema. Ésta es una forma de montaje más racional y abstracta que el montaje escénico. Para expresar algunas ideas racionales abstractas, a menudo se insertan a la fuerza algunas escenas que no tienen nada que ver con la trama. Por ejemplo, en la película "Octubre", cuando un representante menchevique pronunció un discurso con segundas intenciones, se insertó una escena de una mano tocando el arpa para mostrar que "se repetía la misma vieja melodía para confundir al público". Para Eisenstein, la recreación del montaje no se limita a la forma específica de crear efectos artísticos, sino al estilo de expresar la intención y la forma de transmitir ideas: establecer una idea a través de la colisión de dos planos, una serie de ideas creando un Estado emocional, y luego, con la ayuda de esta emoción, el público se entusiasmará con el concepto que el director pretende transmitirles. De esta manera, la audiencia participará involuntariamente en el proceso y se identificará voluntariamente con la tendencia general y la importancia del proceso. Éste es el principio de este gran director. Después de 1928, Eisenstein promovió aún más el montaje de vodevil hasta convertirlo en una "forma dialéctica de película". Esta forma se basa en el simbolismo de las imágenes visuales y la lógica del significado interno, ignorando el contenido expresado e incluso cayendo en un laberinto de teoría pura. También lleva a Aquí viene el error creativo. Las generaciones posteriores aprendieron de su lección y el uso del montaje de vodevil en las películas modernas es más cauteloso.
2. El montaje de reflexión no es como el montaje de vodevil, que inserta de forma aleatoria y abrupta imágenes simbólicas que nada tienen que ver con el contenido de la trama. Más bien, lo descrito y lo utilizado como metáfora están en el mismo espacio y son interdependientes: ya sea contrastando con eventos, identificando reacciones entre cosas conectadas entre sí, o revelando, a través de asociaciones reflexivas, eventos similares contenidos en la trama, afectando así. la perspectiva y la conciencia de la audiencia. Por ejemplo, en "Octubre", Kerensky se dirige al Palacio de Invierno rodeado de ministros y una toma de espaldas muestra una columna sobre su cabeza. Hay un grabado en el capitel de la columna, como si una lámpara defectuosa hubiera oscurecido la cabeza de Kerensky, haciendo que el dictador pareciera extremadamente digno. La razón por la que esta toma no es rígida es que Eisenstein usó una escultura de un escenario real, un objeto real en un espacio dramático real, y la manipuló sin usar un objeto que sea irrelevante para la trama para atraer a la gente.
3. Esto es creado por Wiltov. El método consiste en utilizar literatura de noticiarios para reorganizar y expresar una idea. Esta forma de montaje es una forma abstracta porque sólo representa una serie de pensamientos y emociones inspirados por la razón. El público miraba con indiferencia, creando un cierto "efecto de alienación" entre la pantalla y ellos, y su participación era completamente racional. "Fascismo ordinario", dirigida por romaníes, es una obra típica.
La primera vez que vi montaje
Montaje es la transliteración del francés montaje. Originalmente era un término arquitectónico que significaba montaje e instalación. Los teóricos del cine y la televisión lo han extendido al campo del arte cinematográfico y televisivo, refiriéndose a la edición y combinación en el proceso de creación de obras cinematográficas y televisivas. "Montaje" tiene significados tanto amplios como restringidos.
Incluso antes de comenzar, en el proceso de recolección de materiales, ya los había recogido con una visión de montaje y los había descompuesto y combinado en el tiempo y el espacio. Es en este sentido que el montaje es una forma única de pensamiento artístico que recorre toda la creación cinematográfica y televisiva y es la base del arte cinematográfico y televisivo.
Desde la combinación de técnicas hasta el montaje de formas de pensar, ha pasado por un proceso histórico desde la ocurrencia hasta el desarrollo y la madurez.
Estrictamente hablando, las primeras películas no contaban con montaje, y no había descomposición y reorganización del tiempo y el espacio.
La película de Lumi Air es en realidad sólo una demostración de nueva tecnología y un juego sencillo. Utiliza un método muy sencillo para grabar una película, que consiste en enfocar la cámara en una escena hasta terminarla. Es un disco naturalista que carece de ideas de montaje.
Mei comenzó a conectar los planos realizados en diferentes escenas para contar historias, dando a la película las características de "descomposición y combinación". Evidentemente, estaba un paso por delante de Lumière. Pero toda la escena fue filmada con una sola cámara y la conexión de la lente fue la más sencilla. No entendía el significado de esta combinación de conexiones.
Al mismo tiempo, los directores estadounidenses Burt y Griffith también buscaban una forma única de estructurar la película. En 1902, Porter utilizó algunos materiales cinematográficos de la antigua filmoteca que reflejaban la vida de los bomberos, y utilizó actores para volver a filmar la escena de salvar a su madre y su hijo en el estudio, y luego unió la película original y la re -Rodar la película de forma adecuada, plasmando la vida de un bombero americano. El intento de Porter fue un paso más allá que May, explorando la posibilidad de libertad en el tiempo y el espacio para la película.
A partir de Porter, Griffith se convirtió en la primera persona en la historia del cine en utilizar conscientemente el "montaje". En "Las aventuras de Dolly" (1908), Griffith creó la técnica del "flashback"; en "La casa desolada" (1909), aplicó por primera vez el montaje paralelo, creando el famoso "método de rescate de último minuto". En Ramona (1910) creó una gran visión; en "El reverendo Londa" (1911), utilizó planos muy cercanos y desarrolló la técnica de los cortes alternos. En El Holocausto (1912) utilizó por primera vez la fotografía móvil.
Aunque Griffith creó la serie anterior y utilizó hábilmente su nuevo estilo en sus dos obras maestras "El nacimiento de una nación" (1915) y "Conflicto con diferentes grupos" (1916), nunca codificó su técnica. aproximación al montaje. Parece que trabajó principalmente por intuición y un amor indescriptible por los medios cinematográficos, y nunca demostró ser consciente de estos principios. Él cree que el montaje es sólo el asistente más poderoso para expresar vívidamente historias dramáticas, y el uso del montaje es sólo un medio técnico. En esencia, todavía no había comprendido la naturaleza fundamental del montaje y todo su potencial.
Después de la Primera Guerra Mundial, los trabajadores del cine soviético analizaron la experiencia creativa de Griffith y otros, y basándose en los requisitos del nuevo régimen soviético para el arte cinematográfico, basándose en una serie de experimentos, desarrollaron el montaje hasta convertirlo en un completo sistema teórico cinematográfico, formando así la escuela de montaje soviética representada por Kuleshov, Pudovkin y Eisenstein. Griffith se centró principalmente en cómo abordar la relación entre dos escenas dramáticas, mientras que los directores soviéticos consideraron más la relación entre planos individuales y fragmentos, así como el significado y las implicaciones expresadas por esta relación.
Kulishov y Pudovkin creían que la esencia del cine reside en la composición de la película, en la interrelación entre los fragmentos filmados para organizar una serie de impresiones: cómo cambiar de un plano a otro y cómo se formaron cronológicamente. Creen firmemente que el montaje puede crear efectos extraordinarios y hacer realidad la narrativa y la expresividad de la película. Para ello, realizaron una gran cantidad de experimentos para poner en práctica su teoría. Según los registros de Pudovkin, en 1920, Kuleshov conectó las siguientes escenas:
(1) Un joven caminaba de izquierda a derecha.
(2)Una joven camina de derecha a izquierda.
Se encontraron y se dieron la mano. El joven lo señaló.
(4) Un gran edificio blanco con amplios escalones.
(5) Dos personas subieron las escaleras.
En las décadas de 1950 y 1960, el uso generalizado de lentes largos, especialmente en reportajes televisivos, contribuyó a esta tendencia. Cada vez se desarrolla más la coreografía en profundidad de escenas complejas en los largometrajes. Este tipo de puesta en escena no requiere cambiar el lugar de la acción, cambiando la naturaleza del montaje tradicional. Los teóricos del cine creen que esta evolución del montaje marcó una nueva era en la historia del cine. Aunque en las décadas de 1950 y 1960 algunos periódicos y revistas cinematográficas occidentales predijeron a veces "la muerte del montaje" y "el fin del montaje", la práctica ha demostrado que no sería una película sin montaje. tipo de montaje dentro de la lente (programación de escenas). El montaje también está presente en la televisión, incluso cuando se retransmiten acontecimientos en directo a una audiencia televisiva, como la botadura de un barco, un partido deportivo o la llegada de una delegación. , tuvo que ser editado en el acto. Este tipo de edición in situ requiere que los fotógrafos y directores de televisión tengan cualidades especiales, que sean capaces de descubrir inmediatamente y expresar con precisión la esencia del evento, y que tengan un pensamiento y una visión del montaje más agudos.