Se requiere 300% para un ensayo de 1200 palabras. ¡Necesidad urgente! ¡No hay respuesta en 1 día!

El tema seleccionado es:

Un breve análisis de la influencia de Baudelaire en el arte moderno

Si Diderot fue pionero de la crítica de arte en el sentido moderno, Los románticos establecieron la estética fundamento (subjetividad) de la crítica de arte moderno,1 y Baudelaire sentó los principios básicos de la crítica de arte moderno. En otras palabras, la plena conciencia de los principios artísticos autosuficientes debe esperar hasta el nacimiento de la crítica de arte y la estética modernistas. Como dijo el famoso crítico de arte y esteticista contemporáneo Morawski: "Los conceptos de arte y estética nacieron y se consolidaron precisamente en el período de crecimiento de la modernidad. El nacimiento de academias y esquemas, la profesionalización de la crítica, la creciente independencia de la producción artística de lo establecido mecenazgo cortesano o eclesiástico: todos estos y otros fenómenos similares se entrelazaron y allanaron el camino para el surgimiento de una cultura estética relativamente autónoma. La plena conciencia de la estética sólo surgió con el surgimiento de una sensibilidad modernista distintiva." 2

Se puede decir claramente que debido a la posición suprema de Baudelaire en la crítica y la estética del arte moderno, él estableció los principios básicos de la crítica de arte modernista. Este principio es colocar verdaderamente el arte en relación con la verdad y la moralidad. Esto puede refutar de una vez por todas la acusación de que el modernismo es formalismo, y que el formalismo equivale a no tener contenido (contenido de verdad y tendencia moral). Por supuesto, se podrían citar muchos pasajes para probar la pretensión de autonomía artística de Baudelaire, su condena de la poesía moralizante y filosófica, las tendencias políticas en el arte y la literatura, etc. Wellek, por ejemplo, cree que Baudelaire sólo se refirió desdeñosamente desde el principio a "la utopía infantil de la escuela del arte por el arte, excluyendo la moral y, a menudo, incluso la pasión, que debe ser estéril". Pero más tarde Baudelaire manifestó consistentemente su oposición a "la herejía de la predicación", retomando la terminología de Edgar Allan Poe y desarrollando la idea de que "la poesía no tiene ningún propósito excepto ella misma" y "cuanto más se libera el arte de la predicación, más puede crecer". "A la belleza que es pura y no tiene nada que ver con deseos egoístas." 3

¿Se contradice Baudelaire como decía Wellek? No. La autonomía artística en la que creía Baudelaire no es una autonomía artística referencial. Detrás del énfasis en la autonomía artística o el "arte por el arte", Baudelaire no olvidó las preocupaciones del arte moderno: es decir, su apelación a la modernidad como un horizonte siempre abierto. Realmente entendió la imaginación creativa, la relación dialéctica entre sujeto y objeto; utilizó el arte para deformar el lenguaje artístico, que tenía sus raíces en un conjunto de teorías sobre la semejanza, la correspondencia y el simbolismo universales. 4 De esta manera, Wellek es incapaz de explicar las contradicciones que parecen ser inherentes al texto de Baudelaire. Por un lado, Wellek señaló que con esta visión general del sobrenaturalismo y la imaginación creativa, Baudelaire ciertamente enfatizaría la capacidad del artista para controlar el tema, el papel de la forma y el estilo e incluso la convención, y la transformación del tema en función. . por otro lado. También insistía constantemente en que, al considerar la naturaleza como un colorido cuadro simbólico, no podía librarse por completo de las expectativas realistas, es decir, de la importancia del tema y del contenido, al menos en la pintura. Por ejemplo, dijo: "La forma correcta de saber si una pintura tiene una melodía es mirarla desde lejos, de modo que uno no pueda entender su tema ni discernir sus líneas. Si tiene una melodía, ya la tiene". Un significado". Dado que aquí "melodía" se refiere a "unidad de color", parece que lo que se recomienda es algo así como una combinación de colores abstracta: una pintura sin un tema, o al menos sin uno identificable. temas. En otra parte, Baudelaire afirmó sin rodeos que la línea y el color "no dependen en absoluto del tema de la pintura". Sin embargo, Baudelaire también decía: "El tema para el artista forma parte de su genio", y no es "digno" de criticar el tema de un artista concreto. 5 Es concebible que Baudelaire no abandonara la crítica temática, de lo contrario no diría algo como si el tema de un determinado artista es digno de ella. Según Wellek, esto es una contradicción en el pensamiento de Baudelaire. Pero, en mi opinión, ésta es precisamente la parte más apasionante del pensamiento de Baudelaire.

11 Sin embargo, "El pintor de la vida moderna" de Baudelaire también puede leerse de manera más amplia, porque sugiere a través del término "modernidad" que la imagen de la modernidad puede representarse en la pintura y construirse a través de la pintura. El artículo también establece la premisa conceptual de que existe una conexión tan necesaria entre modernidad y representación que la vida moderna se convierte en el resultado de una construcción visual, así como la modernidad es la fuente de estas pinturas. La representación no es una descripción fotográfica. La razón por la que Baudelaire eligió al escultor e ilustrador Constantin Guys como modelo de artistas modernos, y al describir las obras de Guys, fue porque quería proponer una visión de la vida moderna, este modo está relacionado. tanto espacial como temáticamente al artificio y la transformación como representación artística de personajes. 12

Baudelaire construyó su modelo de modernidad en torno a los temas de la moda y la perecibilidad. Su discusión se centra en ciertas figuras, pero en lugar de observarlas directamente desde las calles, las infiere y sus descripciones a partir de pinturas de moda e ilustraciones impresas. Además, los personajes elegidos por Baudelaire (libertinos, dandies, prostitutas, soldados, etc.) se describen en términos cuidadosamente construidos (construyéndolos como "imágenes"), por lo que utiliza una elaboración de sus estrategias de autorrepresentación para analizar sus identidades. 13 En otras palabras, la pintura moderna y la modernidad en sí mismas son un proceso de construcción mutua. Las pinturas modernas son "imágenes de la modernidad" y la modernidad se capta a través de estas imágenes.

Desde el principio, Baudelaire también profundiza en su afirmación de que la moda requiere distinciones entre lo particular y lo general, el pasado y el presente, lo transicional y lo eterno. Al utilizar los términos de estas oposiciones estructurales, Baudelaire insiste en que cada una de estas oposiciones por pares depende de la otra para su identidad. Cualquier intento de afirmar que una cualidad característica está inherentemente ubicada en un rasgo particular de la modernidad (como la eternidad o la perecibilidad) es, por tanto, contrario a la intención de Baudelaire. Baudelaire enfatizó la perecibilidad como una condición eterna de la modernidad. El carácter de aquellas imágenes que solidificaron esta perecibilidad tuvo que funcionar en el reconocimiento del proceso duradero de cambio que Baudelaire colocó en el centro de la vida moderna. El punto no es simplemente el mensaje transmitido por la imagen visual, sino la forma en que comunica, notando y participando en el carácter transitorio y flotante de la modernidad. 14

A los ojos del público actual, las obras de Guy son aburridas y carecen de características. Su trabajo se caracteriza principalmente por su nitidez, falta de detalle y, sobre todo, falta de ese mensaje particular. La vida moderna no puede representarse directamente, sino a partir de imágenes producidas como impresiones y recuerdos en la mente del artista. Los temas, personajes, escenas y espacios elegantes de estas imágenes se transmiten en una especie de taquigrafía que es lo opuesto al calco denso en información. Aquí, Baudelaire una vez más enfatiza la construcción de la modernidad por parte de artistas modernos en lugar de la reflexión pasiva. La combinación de un mecanismo de recopilación (que sugiere que la vida se ha convertido en una imagen, la modernidad en un espectáculo) y una estrategia conceptual de comunicación se basa en la familiaridad con las imágenes flotantes que se están registrando. Estas imágenes están esbozadas tan apresuradamente que sólo cobran sentido dentro del flujo continuo de otras imágenes flotantes, igualmente evanescentes.

En "El público moderno y la fotografía" (1859), Baudelaire despreciaba y condenaba el realismo indiscriminado de la fotografía. 15 Se burló de aquellos de sus contemporáneos que creían que "si un proceso industrial [la fotografía] puede darnos un resultado equivalente a la naturaleza, es un arte absoluto". Se dijeron a sí mismos: "Dado que la fotografía nos da todas las garantías de precisión que queremos (¡ellos lo creen, pobres locos!), entonces el arte es fotografía". oposición a la fotografía—aunque aparentemente contradictorias, en realidad son complementarias.

La condena de la fotografía exigía un retrato de la memoria, una creación de imágenes que surgiera de la recopilación de experiencias más que de la observación directa. El modo de representación de Baudelaire enfatiza la contemplación y la subjetividad más que la objetividad mecánica. La cámara, con su registro automático del mundo, es mecánica, neutra y considerada documental, pero para Baudelaire no puede reproducir la imagen de la modernidad. Por el contrario, su idea del paisaje moderno está muy directamente neutralizada y filtrada de manera importante a través de la esfera social, así como de la subjetiva (como una imagen construida de una experiencia recordada). Lo que Guy recordaba en su estudio, lo que recordaba significativamente de la masa de información que experimentó en la calle, era un esbozo de los símbolos comunicables y reconocibles de una experiencia compartida. Ésta es la clave para captar el carácter aparentemente vacío de la obra de Guy.

Por lo tanto, para Baudelaire, las imágenes precisas no son precisamente el tipo de documentos mecánicos y exhaustivos de información visual. En cambio, enfatiza signos simplificados, esquemáticos e indiciales cuya idoneidad reside en el ámbito del conocimiento compartido, que es en sí mismo fugaz, efímero y en constante cambio. Al final del artículo, queda claro que el único rasgo universal de la modernidad en la concepción de Baudelaire es la actividad de creación de imágenes, la técnica de representación y la construcción artificial. 17

En este punto, hemos llegado a la parte más valiosa de la estética de la modernidad de Baudelaire, que es explorar la autofundamentación, la autovalidación y la autocrítica de la modernidad desde una perspectiva estética con el tema de la abnegación.

Las cuestiones de la autofundación y la autovalidación de la modernidad han brotado en la filosofía de Descartes, recibieron un tema claro en la filosofía de Kant y fueron refinadas y profundizadas aún más en Hegel. En opinión de Baudelaire, modernidad significa un cierto tipo de instantaneidad y fluidez, pero esta instantaneidad y fluidez contienen eternidad e inmutabilidad. Hasta el día de hoy, la definición de modernidad de Baudelaire todavía tiene un estatus clásico inquebrantable. Conceptualiza el enfoque en el presente que se originó en el romanticismo como un principio, es decir, sólo lo moderno puede volverse clásico (o clásico). En la famosa sección "Modernidad" de "El pintor de la vida moderna", Baudelaire dijo: "Él (señalando al pintor Guy) buscaba lo que podemos llamar modernidad, a falta de una palabra mejor. Para expresar la idea que estamos Hablando del ahora, el problema para él es extraer lo que es poético en la historia de lo que es popular, y extraer la eternidad de la transición". Una definición famosa, quizás la más famosa de "modernidad" hasta ahora: "La modernidad es transición, transición , accidental, es la mitad del arte, la otra mitad es eterna e inmutable." 18

Este punto es extremadamente importante: la idea de modernidad de Baudelaire se convirtió en la base de casi todas las definiciones de modernidad. Por supuesto, el concepto de modernidad, la "nueva era" en sí, es un proceso que está abierto al futuro, se está formando y debe ser negado por el futuro. Por lo tanto, se cree que la modernidad es solo una transición. y en esta transición sólo existe la presencia del momento. La idea de que (el presente) es lo real ha sido alimentada en la filosofía de Hegel. En el concepto de modernidad de Hegel, la modernidad como flujo, como apertura de transición, se concibe como un nuevo comienzo que hace época, que siempre comienza de nuevo en cada momento en que nace algo nuevo, es decir, la nueva era está constantemente en cada presente. momento. Se define en el sentido de ser regenerado en el proceso. Habermas alguna vez interpretó este término clave que apareció en la filosofía de Hegel como el principio de autofundación y autovalidación de la modernidad: la modernidad puede y no tiene que tomar prestados estándares de épocas pasadas; tiene que crear su propia especificación; 19 Sin embargo, la razón por la que el concepto de modernidad ha estado imbuido de connotaciones estéticas desde el principio y ha influido tan poderosamente en la actitud general del modernismo y del llamado posmodernismo hacia la modernidad aún debe atribuirse (o culparse) a Bode. Debido a que la descripción que hace Baudelaire de la modernidad tiene connotaciones estéticas demasiado fuertes, la crítica de la gente a la modernidad hasta ahora tiene más o menos las características de la crítica estética.

Por lo tanto, cómo evaluar la conciencia estética de la modernidad de Baudelaire y su concepto general de modernidad se ha convertido en el centro del debate entre defensores de la modernidad como Habermas y sus negacionistas como Foucault. 20

Este no es el lugar apropiado para abordar esta controversia. Sin embargo, el esbozo más conciso nos ayudará a comprender los problemas de la modernidad. Foucault cree que la modernidad no tiene contenido normativo (es decir, contenido que puede convertirse en un criterio general). La modernidad es puramente una conciencia crítica y una actitud crítica, porque la modernidad no tiene esencia y está en constante abnegación. Obviamente, la lectura de Foucault heredó el aspecto negativo del concepto de modernidad de Baudelaire. Y eso es exactamente lo que pasó. Porque la estrategia de Foucault aquí es combinar el concepto de modernidad de Baudelaire con la definición de Ilustración de Kant. 21 Habermas cree que la modernidad tiene su contenido normativo, y el discurso filosófico de la modernidad ha estado en la dualidad de autofundación y autoconfirmación, así como de autocrítica y autonegación desde el principio. Si Descartes y Kant crearon el lado de autofundación y autovalidación de la modernidad, entonces Rousseau y Hume crearon el lado de autocrítica y abnegación de la modernidad. Esta dualidad de la modernidad encuentra su máxima expresión en el sistema dialéctico de Hegel. Por lo tanto, en opinión de Habermas, la visión de que la modernidad no tiene más que una constante abnegación se adhiere a la tendencia demasiado fuerte de crítica estética de Baudelaire y no sólo es inconsistente con los hechos históricos de la modernidad (por ejemplo, Habermas señaló algunos valores positivos). ​​de la modernidad: la ampliación de la libertad personal y del espacio de participación política personal, la igualdad jurídica y la humanización del sistema judicial, la mejora sustancial de los niveles de vida material, educación y salud, etc.), y también es inconsistente con la realidad de La modernidad europea, es decir, el hecho o la perspectiva de la unidad europea (Habermas considera la unidad europea como la realización del ideal kantiano de paz permanente). Por lo tanto, si la modernidad misma es una estructura dinámica de fundamento e infundamento, de autoconfirmación y de inseguridad, de autolegitimación y de autocrítica, entonces la teoría de los posmodernistas sobre el fin de la modernidad parece bastante cuestionable. Los posmodernistas creen que la base y la legitimidad de la modernidad en la que se basaba se han perdido por completo, por lo que tienen que recurrir al poder extático de Dioniso (Nietzsche) o al pensamiento presocrático (Heidegger). , o insistir en un juego deconstructivo sin metaposición alguna (Derrida), o recurrir a la resistencia sin estipulación alguna (Foucault). Creo que todo esto no se basa en una comprensión correcta del mecanismo de autocrítica de la modernidad y, por lo tanto, no conduce a una solución real de los problemas de la modernidad. 22

En su extenso artículo "Tradición literaria y conciencia contemporánea de la modernidad", Jauss también discutió la conciencia de la "modernidad" de Baudelaire y la mala interpretación de Benjamin de Baudelaire. Este análisis nos ayuda a comprender mejor la complejidad y la importancia de este tema. El artículo de Jaus pretende capturar la relación entre tradición y modernidad a través de una exploración de la historia de los términos y conceptos. Jauss rastrea los significados cambiantes de la palabra "moderno", delineando sus conceptos opuestos como "antiguo" y "clásico", para comprender "cómo la nueva conciencia de una época se aleja de sus tradiciones anteriores". Señaló una profunda ambigüedad en el tratamiento que hace Benjamin del par de conceptos opuestos clasicidad/modernidad (o antigüedad/modernidad). Por un lado, Benjamin sigue a Baudelaire en su reseña de Meryon, argumentando que la antigüedad es el punto de partida de la modernidad. Por otro lado, contrariamente a la intención original de Baudelaire, Benjamin “regresó la relación funcional entre modernidad y clasicismo a una oposición de contenido”.

Jaus creía que Baudelaire es una paradoja que su teoría de la modernidad deba ser mal interpretada. por este Benjamín; porque fue el trabajo de este crítico el que contribuyó en gran medida a una nueva comprensión del poeta por parte de la gente. "Flores del mal" es visto como el umbral de la poesía que se retira a su propio "arte por el arte"; a través de él podemos darnos cuenta de que; es el producto de la experiencia histórica, una transformación del proceso social del siglo XIX en arte.

Dijo: "La mejor crítica es la que es ingeniosa y poética: no una crítica fría y matemática que pretende explicarlo todo, que no tiene amor ni odio y que está dispuesta a barrer el temperamento. [Para] Para ser justos En otras palabras, para demostrar su existencia razonable, la crítica debe ser enfocada, llena de pasión y expresar una actitud política, es decir, debe escribirse desde una perspectiva única, más que desde una perspectiva que muestre un horizonte extremadamente amplio. ”25

Se puede ver que Baudelaire salió a demostrar sus principios partidistas o su perspectiva limitada sobre la crítica de arte cuando se convirtió en un problema mirar el arte desde la perspectiva de la objetividad o la omnisciencia y la omnipotencia neoclásicas. Baudelaire era muy consciente de que hay gustos diferentes y que la crítica sólo puede ser de naturaleza perspectiva. Pero lo que preocupaba a Baudelaire no era este hecho per se o el hecho de que hubiera diferentes puntos de vista sobre la crítica, sino si la crítica aún podía garantizar su supervivencia después de haberse convertido inevitablemente en una empresa partidista. O mejor dicho, ¿existe alguna base legítima para la crítica? Obviamente, Baudelaire no proporcionó una teoría general sobre la base racional de la crítica, o lo que los posmodernos llaman una "metanarrativa". Sin embargo, Baudelaire sí creía que la crítica tenía su "existencia razonable" ("probar su existencia razonable para ser justa..."). La contradicción entre la ausencia de una teoría general o metanarrativa sobre la base racional de la crítica y la creencia de que la crítica tiene una "existencia racional" parece conciliarse con esta explicación: en opinión de Baudelaire, aunque la crítica ya no tiene una "existencia única" ley objetiva para todos, ni puede escribirse desde la perspectiva de un Dios omnisciente y omnipotente. En otras palabras, la crítica ya no tiene una base racional permanente, pero puede tener una base racional temporal. Es decir, en un momento determinado, la gente todavía puede discutir qué género de fenómeno artístico es mejor que otro género, o qué artista del mismo género es mejor que otro artista, y qué artista del mismo género es mejor que otro. Cuál de las obras es mejor que la otra funciona para alcanzar una determinada conciencia. Esto puede verse respaldado por la práctica crítica de Baudelaire. Elogió a Delacroix, Monet y Guy porque creía que eran los que mejor representaban las mejores cualidades de la creación artística en un momento determinado (por ejemplo: espíritu romántico, atención al presente, sexo moderno, etc.). De esta manera, Baudelaire demostró que la crítica de arte todavía es posible incluso en ausencia de una ley objetiva del arte; esta posibilidad se basa en la racionalidad provisional de la crítica; Para esta racionalidad, la crítica debe ser focalizada y limitada. La crítica sin énfasis y sin limitaciones es precisamente imposible, porque sin énfasis y sin limitaciones, como dicen los posmodernistas, "todo es posible", "todos son artistas", "ninguna obra de arte se desmoronará más allá del alcance de la historia del arte". , es lo mismo, es indispensable... Destruye exactamente la premisa para la supervivencia de todo arte: el arte es la revelación de la verdad y el recordatorio de la tendencia moral, y finalmente cae en un estado de pérdida. y sin hacer nada. Pálido, trivial y deprimido. En otras palabras, si todo estuviera bien y todos fueran artistas, no habría necesidad de críticas.

Es por esto que Baudelaire no sólo insiste en las limitaciones y el partidismo de la crítica, sino que también defiende las limitaciones de la forma en la creación artística y la alta seriedad de los juegos artísticos en un momento dado. Baudelaire destacó especialmente la importancia de las reglas del juego. Esta regla del juego se refleja especialmente en las limitaciones de las formas artísticas. Dijo: “Como la forma desempeña un papel vinculante, las ideas brotan con más fuerza.

… ¿Alguna vez has notado que un trozo de cielo visto a través de un tragaluz, o desde dos chimeneas, entre dos rocas o a través de una buhardilla crea una sensación de inmensidad más profunda que un panorama sin obstáculos desde la cima de una montaña? 26 Los posmodernistas a menudo acusan al modernismo de ser formalismo, como si el modernismo buscara la forma por la forma. Sin embargo, a partir de Baudelaire, el modernismo se ha dado cuenta claramente de la importancia de las limitaciones de la forma para las actividades de juego artístico: porque sólo a través de la restricción de la forma. ¿Pueden "brotar las ideas cada vez con más fuerza"? La comprensión de la importancia de la forma en sí no comienza en realidad con el modernismo, pero de hecho es sólo con el modernismo que "la limitación de la forma" se ha convertido en el logotipo más destacado. La forma, como limitación, constituye la condición previa de todo arte; eliminar la forma es eliminar el arte mismo. Se ha hablado de Dusan (el representante del arte histórico de vanguardia según Berger) 27. y del infame urinario. como para demostrar una verdad tan evidente: la razón por la cual el comportamiento feo se ha convertido en una especie de gloria es porque ningún adulto está dispuesto a arriesgarse a la desaprobación del mundo y señalar que las llamadas ropas nuevas del emperador en realidad no son más que desnudez.