Introducción a la variación

La variación se refiere a una pieza musical en la que un tema y su serie de cambios se repiten y componen según una concepción artística unificada. La palabra “variación” proviene del vocablo latino variatio, cuyo significado original es cambio, que significa evolución del tema. Desde antiguas variaciones de bajo fijo hasta variaciones decorativas modernas y variaciones libres, las técnicas de variación utilizadas varían. Los compositores pueden crear nuevos temas o tomar prestadas melodías existentes. Luego mantén el esqueleto básico del tema y juega con él libremente. Las técnicas incluyen variaciones decorativas, variaciones correspondientes, variaciones de melodías, variaciones de patrones de sonido, variaciones de canon, variaciones armónicas, variaciones características, etc. Además, también puedes cambiar el ritmo, la velocidad, el tono, etc. para formar una variación. Las variaciones pueden ser de tan solo unos pocos párrafos. Puede haber decenas de párrafos como máximo. Las variaciones se pueden utilizar como obras independientes o como movimiento de una obra más amplia. Permítanme presentarles las variaciones en detalle.

Las dos secciones de la pieza orquestal "Sengidema" tienen la misma melodía, pero la velocidad, intensidad, ritmo, timbre y patrón de acompañamiento han cambiado, lo que supone el uso de la variación. técnicas. El primer párrafo es suave y lento, con un amplio aliento, que describe el vasto y magnífico paisaje de pastizales. La velocidad del segundo párrafo se vuelve más rápida y el ritmo se activa, describiendo la vida feliz de la gente de los pastizales.

Esta técnica de variación, que mantiene la melodía original pero cambia otros factores del lenguaje musical, se denomina variación de melodía fija. Otra técnica de variación comúnmente utilizada es la variación decorativa. Las variaciones ornamentales simplemente mantienen el esqueleto melódico del tema. Cambiar los detalles de la melodía significa utilizar sonidos decorativos para procesar la melodía original. Al mismo tiempo, también puedes cambiar otros factores en el lenguaje musical, como la velocidad, la intensidad, el ritmo, el timbre, el patrón de acompañamiento, etc.

El tema al inicio del quinto movimiento de la "Sinfonía Pastoral" de Beethoven describe el canto alegre de los pastores después de la lluvia y el cielo se aclara. Cuando Beethoven desarrolló este tema, utilizó tanto variaciones melódicas fijas como variaciones decorativas. En las dos variaciones de melodía fija que siguen inmediatamente al tema, la misma melodía se mueve una octava más abajo cada vez, el patrón de acompañamiento se acelera cada vez y la intensidad se vuelve más fuerte cada vez, profundizando así gradualmente el estado de ánimo alegre. Más tarde, cuando el tema apareció nuevamente, se utilizó el método de variación decorativa, agregando sonidos decorativos entre los sonidos de la melodía para hacer la melodía original más suave y alegre.

Los dos ejemplos anteriores sólo utilizan técnicas de variación en la música. Si se utilizan variaciones sistemáticamente para desarrollar el tema en una pieza musical, se llama variación. El principio de las variaciones es: reproducir primero el tema completo y luego reproducir las variaciones una por una. El número de variaciones puede ser mayor o menor, desde tres o cuatro hasta veinte o treinta. En las suites de los siglos XVII y XVIII, a un baile le seguía a menudo una variación del mismo baile, que se llamaba "duplicado". Esta música de baile, que contiene un tema y una variación, es la antecesora de las variaciones.

La polonesa de la "Suite para orquesta en si menor" de Bach es esta. La pieza se toca con flautas e instrumentos de cuerda. La flauta y el primer violín tocan la melodía y los demás instrumentos la armonía. Siguiendo el "resumen" de esta música de baile, la misma melodía pasa al bajo, tocada por el violonchelo y el contrabajo; la flauta toca otra melodía suave y se combina con ella. Esta es también una técnica de variación de una melodía fija. Después de la repetición se vuelve a la música de baile original, es decir, después de la variación se vuelve al tema.

Es decir, después de la variación, se vuelve al tema. La "Sonata para piano en fa menor" de Beethoven se llama "Sonata apasionada" porque la música es apasionada y está llena de espíritu heroico. El segundo movimiento es una variación. El tema lírico es como una canción tranquila y seria, que muestra la imagen de concentración y pensamiento. El ritmo del tema es tranquilo y serio, básicamente un tiempo por acorde. Las siguientes cuatro variaciones utilizan variaciones decorativas para desarrollar este tema. Desde la primera variación hasta la tercera variación, el ritmo se acelera gradualmente, de dos tonos por latido, a cuatro tonos por latido y a ocho tonos por latido, expresando el estado espiritual de actividad de la meditación. La tercera variación es el clímax del ritmo, la esperanza que poco a poco va creciendo hasta llegar a un estado de excitación.

La cuarta variación restaura el ritmo del tema, pero el contraste entre el rango de graves y el rango de agudos es como una luz que brilla en lo profundo del corazón, inspirando a la gente a la contemplación. De repente, un fuerte acorde disonante rompe el silencio, dando lugar al apasionante tercer movimiento, que está estrechamente relacionado con el segundo movimiento.

El cuarto movimiento del "Quinteto para piano en la mayor" de Schubert también es una variación. El tema de las variaciones es la canción "Trout" que compuso, por lo que este quinteto también se llama "Trout Piano Quintet". Un quinteto de piano suele estar interpretado por primer violín, segundo violín, viola, violonchelo y piano, pero este quinteto no utiliza el segundo violín sino que utiliza un contrabajo. El cuarto movimiento contiene el tema "Trout" y cinco variaciones. Cada variación mantiene básicamente la melodía del tema, y ​​utiliza principalmente variaciones sobre la melodía fija para desarrollar el tema. En el tema, la melodía la toca el violín. En las cinco variaciones, la melodía es interpretada por piano, viola, violonchelo y contrabajo, violín y viola respectivamente. Finalmente, en el epílogo, la melodía de la primera sección del tema es interpretada alternativamente por el violín y el violonchelo, y en el piano aparece el patrón de acompañamiento que describe las truchas jugando en el agua en la canción "Trout".

El segundo movimiento de "Capricho español" de Rimsky-Korsakov es también una variación de melodía fija. El tema es una canción bailable de la provincia española de Asturias llamada "Danza del Crepúsculo". En el desarrollo de las variaciones, las coloridas técnicas de orquestación del autor dan ricos cambios de color. En el tema y las cuatro variaciones, la melodía cantada se toca con trompa, violonchelo, corno inglés, instrumentos de viento de madera más violín, flauta, oboe más violonchelo, respectivamente. A excepción de la primera variación, las cuatro variaciones tienen algunas expansiones en la estructura para crear cambios de color armónico.

Las variaciones complejas contienen variaciones sobre dos temas, es decir, las variaciones de doble tema tienen dos estructuras formales diferentes:

En el primer tipo, primero aparecen dos temas y luego aparecen dos temas. en secuencia. Una serie de variaciones sobre un tema;

En el segundo tipo, aparece primero el primer tema y su serie de variaciones, y luego aparece el segundo tema y su serie de variaciones.

Ahora tomemos como ejemplo este último tipo de variaciones de doble tema. Esta fantasía utiliza variaciones para desarrollar dos temas populares rusos y convertirlos en una imagen de las costumbres y la vida populares. Es la obra fundamental de la música sinfónica nacional rusa. El primer tema aparece tras una breve introducción. Se trata de una canción nupcial popular rusa. La letra original es: "Tras el bosque, detrás del bosque oscuro, detrás de un pequeño jardín verde, vuela una bandada de cisnes". La melodía de este tema es sencilla y hermosa, interpretada por instrumentos de cuerda. Al primer tema le siguen tres variaciones, utilizando polifonía vocal para apoyar la melodía original. La llamada polifonía de rama consiste en agregar una melodía de apoyo encima y debajo de la melodía principal que a veces es paralela y otras veces separada de la melodía principal. Es una técnica comúnmente utilizada en la música folclórica. El segundo tema adopta la danza folclórica rusa Kamalinskaya, que es una música de baile alegre de dos tiempos.

Una serie de variaciones sobre el segundo tema también hacen un uso extensivo de la polifonía en ramas. Glinka encontró una conexión intrínseca en el tono entre los dos temas contrastantes, por lo que fue natural introducir la melodía desde el comienzo del primer tema en las variaciones del segundo tema. Después de una serie de variaciones sobre el segundo tema, se continúan variaciones sobre el primer tema y finalmente hay variaciones sobre el segundo tema. El tempo se acelera al final y toda la canción termina en una atmósfera animada y cálida.

Bajo fijo: Tomando como tema una melodía de bajo o una progresión de acordes de 4 a 8 compases (la primera es como "Pasacalia" de J.S. Bach en do menor, y la segunda es como su "Chacona" en re minor ), cuando el tema continúa repitiéndose, la voz superior serpentea y cambia sin cesar la estructura polifónica y la textura armónica. En las suites del período barroco, cuando se tocaba repetidamente alguna música de baile, a menudo se decoraba la melodía o se cambiaba su textura al mismo tiempo, lo que se denominaba "variaciones plurales".

Decoración: Serie de variaciones sobre un tema con una estructura completa (normalmente dos párrafos).

Las técnicas de variación comúnmente utilizadas incluyen:

1. Decorar la melodía del tema y cambiar su textura;

2. Mantener la melodía del tema mientras cambia su armonía y textura; p>

3. Cambiar la velocidad, el ritmo, el tono y el modo del tema;

4. Cambiar de monótono a polifónico (canon, fuga), etc. En las variaciones de bajo fijo, el tema y las variaciones se desarrollan continuamente; en las variaciones ornamentales, el tema y cada variación son párrafos completos con una estructura completa, con variaciones que van desde 3 o 4 veces hasta decenas de veces (Variaciones "Diabelli" de L. van Beethoven). sobre un Tema" hasta 33 veces), excepto por las variaciones de tónica a polifónica, la estructura del tema permanece sin cambios.

Libertad: No sólo la estructura del tema suele sufrir cambios fundamentales, sino que también cambia el carácter y el género del tema (como del lirismo a la broma, de la marcha a la danza, etc.); Sin cambios, son solo los tonos individuales y varios contornos armónicos del tema, por eso también se le llama "Variaciones de carácter". Los "Estudios sinfónicos" de R. Schumann son el primer ejemplo de variaciones de personajes.

La música de títulos de finales del siglo XIX solía utilizar las características de las variaciones de los personajes para revelar el contenido específico del título. Por ejemplo, "Don Quijote" de R. Strauss (1897) tiene un tema con un carácter caballeresco. Cada variación describe las 10 aventuras de Don Quijote y el final describe su muerte.

En las "Variaciones Istar" de V. Dandy, incluso se utiliza una forma de variación inversa única, comenzando con la variación más compleja, y luego una serie de variaciones describen a Istar. Después de pasar por las siete puertas, el tema de Finalmente surgió el unísono.

En las obras de los compositores románticos se suelen utilizar al mismo tiempo variaciones decorativas y variaciones libres, como por ejemplo las “Variaciones sobre un tema rococó” escritas por P.I. Tchaikovsky para violonchelo y orquesta. Las variaciones se pueden utilizar como obras independientes (vocales o instrumentales), como por ejemplo: las "Variaciones temáticas de Mozart" de A. Adam (coloratura soprano solo), las "Variaciones Goldberg" de Bach también se pueden utilizar como sonatas, Un movimiento en una suite de; conciertos, sinfonías, música de cámara, suites, etc., y se utiliza a menudo en movimientos lentos, como el segundo movimiento de la "Sonata para piano n.º 23" de Beethoven (Apasionado). Algunas variaciones dividen una serie de variaciones en varias partes según su concepción artística, dándoles así el carácter de una suite, como "El tema de Paganini" escrita por С.В. forma de variaciones).

Las "Variaciones Goldberg" deben considerarse como las de mayor circulación entre las muchas obras para piano solo de Bach, numeradas como BWV988. Se puede comparar con "Well Tempered" en términos de fama y prestigio. La belleza de la melodía puede fácilmente provocar los gritos de los oyentes. Bach tenía una definición muy clara de esta obra cuando la compuso: una variedad de arias y variaciones para el entretenimiento de los amantes de la música. De hecho, esta obra pertenece a la cuarta parte de los "Estudios de teclado" de Bach y fue escrita entre 1741 y 1742. Bach estaba en Leipzig en ese momento. Su vista comenzó a decaer gradualmente a los cincuenta años, pero su entusiasmo artístico no disminuyó en absoluto y su estilo creativo se volvió cada vez más sofisticado. Cuando salió esta variación, Bach le dio el título "Aria con variaciones". Las generaciones posteriores llamaron a esta obra "Variaciones Goldberg" debido a su interesante trasfondo creativo.

Esta es la escala más grande, la estructura más magnífica y la mayor variación en la historia de la música. Esta variación está escrita para un clavecín de dos niveles y Bach especificó el tipo de teclado en cada variación. La forma de variaciones utiliza un tema básico para conducir a proposiciones contrastantes y proposiciones correspondientes (opuestas), y luego explora varias posibilidades de deducción y comparación. La obra de Bach se basa en una zarabanda de la colección de cancioneros que compuso para Anna Magdalena en 1725 como tema, desarrollado en 30 variaciones.

El número 30, dominado por el 3, se expresa en forma de cánones en un grupo de 3 variaciones: un canon al unísono, dos como segundo canon, tres como tercer canon. La décima variación es una fuga de cuatro partes, con varias formas, como piezas creativas, toccatas y arias que aparecen constantemente en el medio. El primer y segundo teclado se alternan. La decimosexta variación es el centro, y el tempo se divide en dos mitades. La sutil estructura arquitectónica formada por esta técnica de composición es realmente impresionante.

¡Esta obra está dividida en 32 secciones, la primera comienza con el párrafo! el tema de la Sarabanda. El párrafo 32 vuelve al tema con suavidad y calma después de 30 variaciones (la diferencia es que el tema simple del primer párrafo se ha vuelto extraordinariamente rico y complejo.

Beethoven escribió dos variaciones famosas. Uno fue compuesto en 1802, y el tema fue tomado del ballet "Prometeo" (OP.43, 1801) "Variaciones en mi bemol mayor" (OP.35), que contiene 15 variaciones y fugas, se llama ". Variaciones Prometeo". Este tema se utilizó más tarde en la "Sinfonía Heroica". Por lo tanto, el último movimiento también se conoce como "Variaciones Heroicas". Esta pieza tiene un estilo majestuoso y técnicas brillantes y ricas. Beethoven combina estrechamente las técnicas de improvisación con el procesamiento de fuga. , que refleja el impulso sinfónico de la música para piano.

El otro son las "Variaciones Diabelli" compuestas en 1823. El compositor y editor austriaco Diabelli compuso un vals e invitó a 50 músicos a componer cada uno una variación basada en este tema. , sintetizado en una colección colectiva, publicada bajo el nombre de Asociación de Artistas Patrióticos. Entre los músicos que participaron en este evento se encontraban Beethoven, Schubert, Czerny, Hummel y Liszt Dia Bailey, de 11 años, que era un editor de música de gran éxito. Era simplemente un compositor mediocre. Cuando Beethoven recibió el tema de Diabelli, se rió y lo ridiculizó como un "trapo de limpiabotas", pensando que se trataba de un vals sumamente vulgar, aburrido e infantil. Se negó a participar en el "Patriótico". Asociación de Artistas". Más tarde, aceptó publicarlo por separado para Beethoven y aceptó escribir una variación de seis a ocho secciones para Diabelli. Sin embargo, durante la composición. Durante el proceso, las ideas musicales de Beethoven surgieron a raudales y escribió 33 piezas a la vez, más que las 32 variaciones de las Variaciones en do menor que compuso en 1807. Debido a su excesiva extensión, se incluyó en un volumen separado como parte del primer volumen. combinado en el siguiente volumen.

Beethoven compuso esta pieza cuando tenía 53 años. Este fue también el período pico en el que creó muchas grandes obras Enterradas en lo profundo del corazón de Beethoven, una vez que encontró el entorno adecuado. Las semillas de la música brotaron inmediatamente de la tierra. Sus creaciones parecían estar llenas de energía, y su imparable inspiración musical lo llevó a componer 33 excelentes variaciones de una sola vez. Esta obra es otra obra clásica de variación para piano después de "Goldberg" de Bach. Variaciones". Esta destacada obra de variación para piano ha sido ignorada durante varios años desde su publicación en 1824. Destino. No fue hasta que el famoso director y pianista del siglo XIX Bülow promocionó mucho las "Variaciones Diabelli" que despertó con éxito el interés de la gente. en la música.

Las magníficas habilidades de composición y las técnicas extremadamente creativas de Beedo se demuestran vívidamente en "Diabelli Variations". Bülow cree que esta obra no debe considerarse simplemente como una serie de maravillosas variaciones, sino que se debe explorar más profundamente la connotación de la obra. En la obra se puede ver claramente la evolución del pensamiento y la imaginación de Beethoven sobre el sonido. de todo el mundo sonoro. Esta obra refleja el potencial infinito de su genial "microcosmos" musical. En la Variación 31, se ve una reaparición del Adagio escrito por Bach, y la variación de doble fuga posterior es muy similar a una resurrección de la época de Handel. Las últimas tres variaciones constituyen una recreación del mundo musical pasado. Toda la pieza está en clave de do mayor, excepto las variaciones 9 y 28 a 31 en do menor y la variación de fuga n.° 32 en mi bemol mayor. La variación 23 adopta el tema de la ópera "Don Giovanni" de Mozart, pero esto no altera la lógica de la forma de variación.

Schumann llamó una vez a esta variación la despedida de Beethoven del público al piano. En esta obra, Beethoven mostró magníficas habilidades, por lo que se la considera una variación famosa sin igual en la historia de la música. "Diabelli Variations" muestra la grandeza del clasicismo. Beethoven transformó el originalmente mediocre y aburrido tema de vals en un magnífico y elegante palacio musical. Sólo las "Variaciones Goldberg" de Bach y el tema del quinto movimiento de la sonata para violín solo más 32 variaciones de "Chacona" pueden rivalizar con él.

"Variaciones sobre un tema de Haydn" también se llama "Variaciones sobre un tema de San Antonio". Brahms la compuso basándose en el tema de la canción de peregrinación austriaca "Himno a San Antonio". Esta era una melodía popular en ese momento. Uno de los consoladores para instrumentos de viento de Haydn también usó el tema "Himno a San Antonio". Para que el público pudiera distinguirlo mejor, Brahms llamó a la obra "Variaciones sobre un tema de Haydn". " 》. Esta pieza se puede tocar en dos formas, para interpretación de banda o para dos pianos. Toda la canción tiene ocho variaciones y un final estilo pasacalles. "Variaciones sobre un tema de Haydn" se estrenó en Viena a principios de 1873.

El compositor británico Britten sentía un gran respeto y respeto por su profesor de composición Bridge. En 1937, creó esta obra orquestal modificando el segundo tema de "Los Tres Madrigales" de su maestro Bridger. Hay diez secciones en toda la pieza y se añaden anotaciones para que el público entienda más fácilmente cada variación: Adagio, Marcha, Romance, Melodía italiana, Petanca, Clásica, Vals vienés, Movimiento infinito, Marcha fúnebre, Canción y Fu. . red. En 1937 se estrenó con éxito en el Festival de Música de Salzburgo, en Austria.

En 1934, el compositor y pianista ruso Rachmaninov utilizó el tema de la última canción de "Veinticuatro caprichos del violín" de Paganini para crear una composición para piano y orquesta. También hay una historia poco conocida sobre el proceso de creación de esta obra: una vez, Rachmaninoff cenó con su buen amigo, el famoso pianista ruso Moisevich ***. Ambos son pianistas famosos. Durante la cena, hablaron sobre el método de interpretación de la Variación 24 de "Paganini Rhapsody". Esta pieza musical está escrita con acordes omitidos y es extremadamente técnica y difícil de tocar. Rajmáninov se preguntaba cómo expresar la música. El camarero trajo una bandeja con bebidas, pero no tenía intención de probarlas. Moisevich sonrió y dijo: "Si quieres hacer los ritmos más fáciles, ¿por qué no bebes crema de menta?" Rachmaninoff dejó de pensar, tomó un vaso y se lo bebió de un trago. Luego me senté frente al piano y comencé a tocar. El método de tocar que no había podido entender de repente me pareció claro y lo toqué sin problemas. A partir de entonces, cada vez que Rachmaninoff subía al escenario para tocar esta pieza, primero bebía un vaso de crema de menta. Por eso, esta pieza musical también se llama "Variaciones de crema de menta"

En 1712, el famoso violinista y compositor austriaco Kreisler adaptó las variaciones del violinista y compositor italiano Tartini en "Variaciones sobre un tema de Corelli". 》. El título original de la pieza era "Cincuenta variaciones para el violín basadas en la extremadamente hermosa técnica de arco de gavota de Corelli", pero el título era demasiado largo y prolijo, por lo que pasó a llamarse "Variaciones sobre un tema de Corelli". Este tema de variación proviene de la "Gavota" del cuarto movimiento del n.° 10 de las "Sonatas para violín" compuestas por Corelli, un representante de la primera escuela de violín italiana. La música consta de un tema y tres variaciones. La melodía del tema es saltarina y alegre, con una fuerte calidad de música de baile. La primera variación adopta el método del arpegio, que es ligero y suave. La segunda variación utiliza una combinación de intervalos de salto y vibrato, que es vivaz y hermosa, y tiene características distintivas de la Gavota. La tercera variación adopta el método de ejecución de acordes, que está puntuado con fuerza y ​​energía, haciendo que la música alcance un clímax. Finalmente, la música termina con una repetición del tema.

El compositor y teórico musical francés Rameau adaptó la séptima pieza de su "Nueva Suite Fortepiano" en una variación, llamada "Gavotte y Seis Variaciones". La música consta de un tema y seis variaciones. La primera variación se toca con acordes en la mano izquierda y está decorada con frases continuas de semicorcheas en la mano derecha. La segunda variación intercambia las partes izquierda y derecha.

En la tercera variación, la melodía principal de la voz superior se entrelaza con el contrapunto de la voz baja, mientras que la voz media continúa tocando frases continuas de semicorcheas. La cuarta variación adopta un ritmo enérgico y fuerte. La quinta variación utiliza progresiones de acordes dispersas y repeticiones al unísono. La sexta variación final utiliza la mano derecha para tocar los acordes, y los acordes de la parte superior están conectados a la melodía principal, que se apoya en la música tocada por la mano izquierda.

Cabe mencionar que Rameau no sólo fue un compositor, sino también un reformador musical. Basado en el sistema de sonido natural, creó un sistema de armonía moderno y estableció el método de transposición del sistema de armonía. En otras palabras, Rameau estableció los procedimientos para la armonía y la modulación clásica. El contrapunto era muy popular en esa época, es decir, varias melodías se desarrollaban en paralelo y se obtenían acordes inesperados en dirección vertical, creando así el "Sistema Lameau". Rameau fundó teóricamente la teoría de los acordes, los cambios de acordes y las funciones armónicas básicas. También fue la primera persona en demostrar la música armónica clave a través de una rica práctica creativa, la organizó en un sistema sistemático y proporcionó una base para el desarrollo de la música. teoría. Debussy creía: "Sólo Rameau es el verdadero primer músico en Francia".

En 1876, Tchaikovsky compuso "Variaciones sobre un tema rococó", dedicada a su buen amigo, el famoso violonchelista Fei Zhenhagen, que se estrenó el 30 de noviembre de 1877 en Moscú. La palabra "rococó" proviene del francés ro-caill, que significa "en forma de concha". Es un estilo artístico práctico en la distribución de patios y la decoración de interiores en la Francia de mediados del siglo XVIII. Se caracteriza por enfatizar la apariencia magnífica y la decoración delicada y engorrosa, en aplicaciones específicas, enfatiza varias curvas en espiral asimétricas y colores pastel claros. En música, a menudo se refiere al estilo de las obras musicales en el período de transición del barroco a la música clásica. "Variaciones sobre un tema rococó" de Tchaikovsky, cuyo título pretende indicar que la música fue escrita al estilo de Mozart. La melodía es suave y confortable, con un sabor poético similar a las obras de Mozart. También refleja la personalidad artística de Tchaikovsky y el estilo de la música nacional rusa. En 1879, Liszt escuchó esta obra y exclamó: "¡Mira, finalmente escuché música otra vez!". "Variaciones sobre un tema rococó" consta de un tema y ocho variaciones, y tiene fuertes características de la música rusa. Dado que esta obra es una variación clásica, existen muchas versiones, pero la versión compilada e interpretada por el violonchelista Fei Qinhagen es la de mayor circulación. Además de las obras presentadas anteriormente, las variaciones famosas incluyen: "Variaciones sobre un tema de Moisés" de Paganini, "Variaciones del pavo real" de Kodaly, "Variaciones de acertijos" de Elgar, "Variaciones fantásticas del Carnaval de Venecia", "Esa" Fantasía y variaciones sobre un Tema de la Canción Popular Poli", "Variaciones sobre un Tema de la Flauta Mágica", etc.

En la música folclórica china, las variaciones de relleno son una de las técnicas importantes para el desarrollo de la melodía. Decora la melodía con tonos ornamentales para enriquecerla. Hay dos métodos de variación de relleno: uno es la variación original, que mantiene la estructura y hace que el sonido principal aparezca antes o después; el otro es la variación de aumento o disminución, que expande o comprime el ritmo, ralentiza el aumento; o disminuir la velocidad, y acelerar la disminución de la velocidad, lo que se conoce entre la gente como rápido, lento y complejo. Jiangnan Sizhu y la antigua canción "Spring River Flowers and Moonlight Night" tienen tales técnicas de variación.