Introducción a la apreciación de la música clásica (2)
1.
El alumno favorito de Czerny, Franz Liszt (1811-1886), nació en Reading, Hungría. Comenzó a aprender piano a la edad de seis años, lo que enriqueció enormemente la expresividad y capacidad de expansión del piano, creó la adaptación orquestal definitiva del piano, compuso muchos estudios para piano famosos y compuso sinfonías. También fue pionero en el método de recitación (creía que un pianista excelente no debería tocar música en el escenario, lo que puede mostrar mejor el encanto de un pianista). También recibió la "Medalla del Piano" por sus grandes contribuciones al piano y superiores". Reputación de "rey".
Liszt fue el pianista más destacado del siglo XIX. Se inspiró durante toda su vida en el famoso violinista italiano Paganini (luchó por el primer lugar, otros dijeron que era imposible llegar a él, pero lo logró) y estaba decidido a crear un milagro como Paganini en el piano. Su estilo de interpretación heredó la dinámica tradición musical de piano de Clementi y Beethoven, y desarrolló el deslumbrante estilo interpretativo de los conciertos del siglo XIX.
Liszt siguió un estilo de tocar el piano vertiginoso e impactante (cada nota está conectada suavemente), con habilidades y acrobacias deslumbrantes: velocidad extremadamente rápida, volumen alto, técnica brillante. El impulso salvaje fascinó a la gente en ese momento. Este brillante, romántico e individual estilo de tocar el piano estableció el género más influyente en la historia del arte pianístico europeo. En ese momento, Liszt y Chopin llevaron el arte del piano a un clímax, una nueva altura sin precedentes.
"La Campana" fue escrita en 1834, también conocida como "La Fuente". Fue una adaptación de la pieza para violín de Paganini "La Campana" y tuvo una gran influencia en Liszt. Esta es una pieza para piano dedicada a la pianista alemana Clara Schumann. Después del breve preludio, la campana temática pronto apareció en el área del clímax. El timbre nítido y dulce del rango alto del piano y el método de ejecución de armónicos forman un sonido breve y potente, formando una serie de campanas y timbres vívidos y realistas.
Debido a que el timbre del rango alto del piano es más fácil de imitar que el del violín, el efecto del tono de llamada es más obvio. El siguiente tema continúa utilizando las características tímbricas del rango alto del piano para tocar campanas con diferentes ritmos. La alternancia de estos dos temas forma un pasaje difícil, brillante y magnífico. Finalmente, la música utiliza las características del género de la música de baile y termina en una atmósfera cálida y alegre de canto y baile. El tiempo de juego es de unos 4 minutos.
Vídeo: Di Yun interpreta "Las campanas" de Liszt
2.
Franz Schubert (1797-1828), un famoso austriaco El compositor es un representante de música romántica temprana y también es considerado el último maestro de la música clásica. En Viena, una famosa ciudad musical de principios del siglo XIX, después de grandes músicos como Haydn, Mozart y Beethoven, apareció otro compositor talentoso, Franz Schubert (desafortunadamente, los genios siempre mueren jóvenes, Schubert murió 365, 438 0).
La familia Schubert creció pobre. Estudió piano y violín desde pequeño. A los once años ingresó en el coro de la Catedral Imperial, vivió en el seminario, se convirtió en violinista y también se desempeñó como director de orquesta. Esto le dio la oportunidad de entrar en contacto con algunos de los compositores famosos de la escuela clásica vienesa. Escribió su Primera Sinfonía para orquesta en 1813. Dejó el seminario en 1813 porque su voz cambió. Para aliviar la carga de su familia, Schubert fue a la escuela de su padre como profesor asistente y continuó creando.
La carrera creativa de Schubert fue corta, pero dejó mucha riqueza musical a las generaciones futuras. Liszt lo llamó "el músico más poético que jamás haya existido". Con más de 600 canciones artísticas, es conocido como el "Rey de las Canciones" en la historia de la música. Compuso un gran número de canciones para las obras de Johann Wolfgang Goethe, Friedrich Schiller, Heinrich Heine, Wilhelm Müller y muchos otros poetas (todos grandes poetas), e incorporó la música en estrecha integración con la poesía.
En 1816, Schubert abandonó resueltamente su trabajo como profesor para dedicarse a componer música. Debido a que vivió en la pobreza durante mucho tiempo, Schubert sufrió grandes daños físicos y mentales. 1828 165438 El 19 de octubre, Schubert, que sólo tenía treinta y un años, murió repentinamente en Viena. Según su petición, fue enterrado junto a la tumba de Beethoven, a quien admiraba pero sólo vio algunas veces durante su vida (. el gran hombre fue Vecinos, nunca solo).
"Canción de cuna" fue escrita en 1822, cuando Schubert tenía 25 años, pero no fue hasta 43 años después, en 1865, que se descubrió y estrenó la partitura (si alguien me pregunta quién puede expresar amor vívidamente, debo decirle que fue Schubert). Esta canción no sólo es la obra más destacada entre las sinfonías de Schubert, sino también una obra maestra de la música romántica. Las generaciones futuras la consideran un modelo de música de educación prenatal. La transparencia, la pureza, la belleza, la rica melodía y el brillo de la maternidad de la cantante han hecho de esta canción un nombre muy conocido (quién hubiera sabido que el gran Schubert escribió esta canción para llenar su estómago, lo que es realmente una burla al genio). Cuando escuches esta canción, seguro que pensarás: "Vete a dormir, mi querido bebé".
Vídeo: Versión recitada de "Lullaby"
3.
Sarasate (1844-1908), famoso violinista y compositor español, nació en Pamplona, España en 1844 y murió en Biarritz, Francia en 1908. Conocido como el "Paganini de finales del siglo XX".
La gran cantidad de obras para violín creadas por Sarasate están llenas de características y sentimientos nacionales españoles. Cada obra es una combinación perfecta de hermosas melodías que fluyen desde el fondo del corazón y técnicas de interpretación en constante cambio. Sus obras son muy apreciadas por su encanto único. Ya sean las brillantes "Fantasía del Carmen", "Fantasía de Fausto", "Canción gitana" (también conocida como "Canción del caminante") e "Introducción y Tarantela", o la exquisita danza española, son como perlas brillantes, Incrustado para siempre en el tesoro de la música clásica mundial para violín.
La interpretación de Sarasati está llena de emoción y tristeza. Los magníficos efectos se entrelazan con las difíciles habilidades del violín. Cualquiera que la escuche quedará fascinado.
El trasfondo de la creación de "Song of the Wanderer" se basa en la nación gitana (buena para cantar, bailar y adivinar). Esta famosa nación es una nación errante sin domicilio fijo, que vive una vida de pobreza y discriminación durante generaciones. Pero esta nación es vivaz y optimista, buena cantando y bailando. Sarasate utilizó una escritura muy acertada para describir varios aspectos del carácter nacional, y combinó perfectamente la melodía y las habilidades del violín para encarnar la actitud optimista ante la vida de la nación gitana a pesar de su pobreza.
Vídeo: Orquesta Filarmónica de Pekín_Canción del Errante
4.
Jacques Offenbach (1819-1880) fue un compositor francés alemán. Offenbach es el fundador y destacado representante de la opereta francesa. De cara al público, combinó la tradición del teatro escénico, la forma de la ópera del amor, las presentaciones de periódicos en vivo en los bulevares de París con canciones populares urbanas para formar una nueva forma de expresión. De joven, como de costumbre, fue admitido para estudiar en el Conservatorio de París.
Sus melodías están llenas de sentimiento folclórico popular, la música es sumamente ligera y alegre, y se utilizan ampliamente danzas de la vida como el vals, el galope, el cancán, etc. Sus operetas estaban llenas de sarcasmo y sátira, pero también atendían a los gustos de los poderosos, entretenidas e incluso eróticas. Ésta es también la razón por la que su arte puede existir en el Segundo Imperio. La música de Offenbach tiene una profunda influencia en los austriacos F. Supe, J. Strauss, A. Sullivan, F. Lehar de Hungría y los musicales modernos estadounidenses. En el verano de 1855, Offenbach abrió su propio teatro, el "Theater de Paris", que inmediatamente se convirtió en uno de los teatros más famosos de París. Meyer Bell, Rossini, Thackeray, León Tolstoi y otros fueron invitados al teatro.
"Obertura del Cielo y el Infierno", también conocida como "Flo en el Infierno", es una música orquestal compuesta por el compositor franco-alemán Offenbach. Escrita en 1858, se representó en París ese mismo año. Esta es una de las operetas más famosas. Esta ópera encarna la historia de Orflo y Eurídice, que es muy popular en la mitología griega.
Anteriormente Monteverdi y Gluck la habían escrito como ópera y luego Offenbach se divirtió mucho con ella. "Flo in Hell" es una melodía alegre por sí sola, pero cuando se combina con la historia, se convierte en una hilarante alusión a la corrupción y la incompetencia de los políticos de Luis Bonaparte en el Segundo Imperio.
Esta opereta es la primera obra en dos actos escrita por Offenbach, por lo que tiene un significado especial, pero cierta versión fue cambiada a una estructura de cuatro actos.
Vídeo: Obertura Cielo e Infierno
5.
Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un famoso compositor y violinista italiano durante el periodo barroco y pastor. Fundador e iluminador musical del género de conciertos para violín en el período barroco, el concierto solista se convirtió en la mejor forma de expresión de la música barroca.
A los 25 años, Vivaldi se hizo sacerdote. Debido a su cabello rojo, la gente lo llamaba "papá pelirrojo". Luego se convirtió en pastor de la iglesia y trabajó como profesor de violín en el Conservatorio de Música para Mujeres de la iglesia. Bajo la cuidadosa dirección de Vivaldi, la banda y el coro del orfanato florecieron y su reputación como compositor y violinista se extendió más allá de los Alpes. Algunos nobles amantes de la música viajaron miles de kilómetros hasta Venecia sólo para oírlo tocar el violín.
Durante los casi cuarenta años de carrera docente de Vivaldi, de sus plumas siguieron brotando un gran número de obras musicales, de las cuales las más destacadas fueron su música instrumental con color folklórico y aliento de vida. Compuso cerca de 500 conciertos y 73 sonatas a lo largo de su vida. Además, compuso más de diez óperas, oratorios y canciones clásicas. Durante su vida publicó bastantes obras, incluido su concierto para violín más famoso, Las cuatro estaciones.
El Concierto para violín "Las cuatro estaciones" de Vivaldi fue escrito alrededor de 1725. Son el primero al cuarto de los doce conciertos para violín "Las cuatro estaciones" publicados por Vivaldi alrededor de los 50 años. El concierto "Experimentos en armonía y creatividad" se denomina colectivamente "Las cuatro estaciones". Estos cuatro conciertos son las obras más famosas de Vivaldi y sus melodías siguen siendo atemporales hasta el día de hoy. Las cuatro obras presentan la música auténtica del título en forma de un concierto de tres movimientos, no sólo compuesto por un soneto determinado sino que también emplea muchos recursos descriptivos. Estas cuatro obras están llenas de sentimiento pictórico y despertaron un gran interés en la música barroca.
Entre ellos, el primer movimiento de "Primavera" (Allegro) es el más famoso, lleno del alegre ambiente de la primavera. La canción de apertura comienza con una melodía relajante que inmediatamente recuerda a la gente el verdor y la vitalidad de la primavera. Describe el regreso de la primavera a la tierra, la tierra despertando lentamente del hielo, los pájaros cantando alegremente y las ramas del bosque bailando con el viento y susurrando.
Vídeo: "Cuatro Estaciones" dirigido por Karajan en Primavera
Conclusión:
Se ha completado la apreciación y presentación de 15 piezas musicales y 14 grandes músicos (Continúo compartiéndolo con todos y manteniéndolo actualizado en el futuro). La mayor parte de la música de estas quince canciones son melodías familiares, para que todos sepan que las canciones alegres y hermosas que escuchas en un momento determinado están realmente muy cerca de tu vida. La música clásica no es demasiado fría, está cerca de nuestras vidas. La música en sí es una expresión de emoción, y la música clásica ha sido bautizada por el largo río del tiempo y permanece fresca durante mucho tiempo.
El buen tono puro es como la caja de Pandora. Las notas filtradas se entrelazan con misterio, elegancia, etérea, sexy, tristeza y pasión, convirtiéndose en un hechizo para despertar nuestro oído dormido.
Que el tiempo fluya tranquilamente en tu palma, baile contigo y conmigo en el océano de la música y disfrute del momento de tranquilidad.
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