¿Cómo apreciar la música clásica?
La gente a veces se refiere a la música seria o artística como música clásica para distinguirla de la llamada música "popular" o de entretenimiento. Esta interpretación amplia de lo “clásico” deja completamente de lado períodos y estilos históricos. Por lo tanto, todas las obras musicales que originalmente pertenecen a diferentes períodos y estilos, como obras de Bach, Beethoven, Tchaikovsky e incluso Stravinsky, pueden denominarse música clásica.
El período clásico en la historia de la música fue básicamente música instrumental. La mayoría de los compositores se centraron en géneros y formas instrumentales, con la música vocal en un segundo plano. Mozart, que se atrevió a romper con el arzobispo, hizo una gran aportación a la ópera, pero sus obras instrumentales también fueron ricas. En cuanto a Beethoven, era un compositor puramente instrumental. Usó a las figuras heroicas de la revolución como protagonistas de sus obras, por lo que a veces se le llama un compositor clásico revolucionario. La estandarización del clasicismo estableció géneros de múltiples movimientos como sonatas, cuartetos de cuerda, conciertos y sinfonías, así como la forma allegro sonata. En las obras clásicas, el ritmo y el color de la orquestación son flexibles y cambiantes, en lugar de que todos los movimientos en las obras clásicas, e incluso la fuerza de la interpretación, sean escritos y marcados por el propio compositor, en lugar de dejarlos en manos del intérprete; . Improvisa mientras juegas. En cuanto a la expresión de las emociones, debido a la influencia del espíritu racional, las obras clásicas a menudo son sobrias y tranquilas en lugar de expresadas con pasión; desde esta perspectiva, el estilo barroco es completamente diferente del clasicismo, pero más cercano al espíritu del romanticismo posterior.
La música clásica occidental es una parte extremadamente importante de la civilización occidental. Hay muchísimas obras de música clásica occidental, pero en nuestra impresión tradicional, debido a razones históricas y culturales, la música clásica occidental es difícil de apreciar y se ha convertido en una especie de cultura elegante. De hecho, hay muchas obras de música popular y fragmentos de música clásica que son amados por las personas en nuestras vidas.
Hoffman dijo una vez: "La música es la más romántica de todas las artes, casi el único arte verdaderamente romántico, porque su único tema es el infinito. La música revela un reino desconocido para la humanidad. En este mundo, los seres humanos tienen abandonaron todos los sentimientos claros y se sumergieron en deseos indescriptibles."
Hay dos períodos importantes en la historia del arte europeo, el período del clasicismo y el período del romanticismo. El primer período comprende las dos últimas décadas del siglo XVIII y la primera década del siglo XIX; el otro período se formó en la segunda mitad del siglo XIX y se vio afectado por los cambios sociales y políticos provocados por la Revolución Francesa. El romanticismo en ese momento estaba realmente omnipresente y un gran número de románticos destacados surgieron en diversos campos como la literatura, la arquitectura y el arte.
Durante el periodo romántico, a medida que avanzaba la Revolución Industrial, se fueron mejorando los pianos. Tiene una construcción de hierro fundido y las cuerdas son gruesas. Este tipo de piano puede conseguir música más rica y brillante, cercana al piano actual. A continuación, utilizaré un hecho para demostrar este punto: si la época en la que vivió Liszt requería que tuviera diferentes formas de expresión, y debido a que esta época le proporcionó pianos con diferentes efectos, entonces este tipo de piano se encontró en una época anterior. período menor que. Pero este tipo de comparación sólo se puede encontrar en la literatura musical y es difícil encontrarla en la sociedad real.
En el siglo XIX, Schubert de Austria, Chopin de Polonia, Liszt de Hungría, Schumann, Mendelssohn y Brahms de Alemania, así como sus contemporáneos, exploraban el piano. Las posibilidades y los aspectos dramáticos de la tecnología demuestran un ingenio infinito. En resumen, con la llegada de la forma lírica breve, los compositores llegaron a creer que el tamaño musical no era un criterio de crítica de arte y que una canción hermosa y bien compuesta podía rivalizar con una sinfonía.
Un poema perfecto es perfecto en sí mismo y no requiere la máxima imaginación. Los creadores de canciones de arte romántico tuvieron mucho éxito al combinar letras con música. Precisamente gracias a estas obras musicales se pueden transmitir muchos poemas líricos.
La estructura de las canciones se puede dividir en dos categorías. En forma segmentaria, la misma melodía se repite en cada sección o compás del poema. Esta es una estructura muy común en baladas y canciones pop. El primer párrafo de la canción puede ser sobre las expectativas de un amante, el segundo párrafo es sobre su alegría cuando conoce a su amante, el tercer párrafo es sobre el padre de la niña separándolos violentamente y el cuarto párrafo es sobre la triste muerte de la niña, todo de los cuales son cantados con la misma melodía. Los alemanes llaman a otra forma "durchkompoiert", que literalmente significa "composición integral", lo que significa que el proceso de composición continúa durante toda la canción sin repetición.
También existe una forma intermedia que combina la repetición en canciones segmentadas con la libertad de composición completa. La misma melodía se repite dos o tres veces y se introducen otras nuevas cuando es necesario, normalmente en el clímax. La Serenata Popular de Schubert es un excelente ejemplo de esta estructura.
Aunque las canciones han jugado un papel destacado en cada época, a través de muchos documentos musicales europeos, sabemos que las canciones artísticas son un producto del período romántico. La canción artística nació de la combinación de poesía y música a principios del siglo XIX. Schubert y sus sucesores, especialmente Schumann y Bryan, lograron con esta combinación un efecto artístico tan perfecto que el nuevo estilo se basó en la canción alemana: Lied, he oído hablar de los lugares de interés de Europa.
Las canciones artísticas florecieron con el auge de la poesía lírica. El auge de la poesía lírica fue un sello distintivo del romanticismo alemán. Las canciones artísticas cumplen el deseo del período romántico de combinar música con poesía e incluir canciones populares tiernas o dramáticas. Los temas más comunes en las canciones artísticas son el amor, la anticipación, la belleza de la naturaleza y la fugaz felicidad de la vida.
El piano apareció en Europa como un instrumento musical común en el siglo XIX, convirtiendo las canciones de arte romántico en un éxito. El acompañamiento de piano transforma las imágenes de la poesía en imágenes de la música. Voice and Piano * * * crean formas líricas breves llenas de emoción, igualmente adecuadas para aficionados y artistas, y adecuadas para cantar en casa y en salas de conciertos. En muy poco tiempo, las canciones artísticas ganaron gran popularidad y contribuyeron permanentemente al arte mundial.
La música del título es una pieza instrumental con asociaciones de texto o imágenes, y el contenido de estas asociaciones está provocado por el título o la anotación de la música. El "título" es simplemente una adición gratuita del compositor. En aquella época, los músicos eran muy conscientes de la conexión entre su arte y el mundo que los rodeaba. Esta conciencia acercó su música a la poesía y la pintura, e hizo que sus obras abordaran las cuestiones morales y políticas de la época. También los impulsó a explorar la forma de música absoluta (música pura) de una manera nueva. Cerrar
La música del título obtuvo su impulso inicial en la Ópera. Como introducción a una ópera (o drama), la obertura es una emocionante música orquestal de un solo movimiento. Muchas oberturas de ópera se hicieron más tarde tan populares como la música de concierto, por lo que se volvieron independientes. Esto abrió el camino para una nueva obertura que nada tenía que ver con la ópera.
Hay una especie de canción de apertura escrita para drama, y también es muy pegadiza. Suele constar de una obertura y un conjunto de música que se reproduce entre actos y escenas importantes. Esta es la banda sonora. Los compositores del siglo XIX crearon muchas de estas obras. La pintura modal, la personalidad y el efecto teatral de estas obras son dignas de atención. Las obras musicales de mayor éxito suelen estar organizadas en suites. Algunos de ellos son muy comunes. Por ejemplo, la música compuesta por el famoso compositor alemán Mendelssohn para "El sueño de una noche de verano" es un ejemplo de este tipo de música. A medida que avanzaba el siglo XIX, hubo una creciente necesidad de una forma orquestal a gran escala que sirviera el mismo propósito en la era romántica que la sinfonía en el período clásico. A mediados del siglo XIX, la creación de la poesía sinfónica dio este paso tan esperado. La poesía sinfónica es una contribución original a la forma musical instrumental a gran escala del siglo XIX. Es el logro de Liszt, quien utilizó la palabra por primera vez en 1848. Sus Preludios son los ejemplos más famosos de esta música.
Un poema sinfónico es una pieza musical de un solo movimiento escrita para orquesta que desarrolla la poesía a través de contrastes entre párrafos, evocando una situación o creando una emoción. La poesía sinfónica también tiene un apodo muy bonito: Piedra Sello. Existe una diferencia importante entre un poema sinfónico y una obertura de concierto. Las oberturas de concierto generalmente conservan conceptos clásicos tradicionales, mientras que los poemas sinfónicos tienen una forma mucho más libre. La forma del poema sinfónico es el "lienzo" para la música de un solo movimiento a gran escala que necesita el compositor. En resumen, la poesía sinfónica se convirtió en la forma más sofisticada de orquestación de títulos en la segunda mitad del siglo XIX.
Finalmente, se introduce la música del título y entra en el reino sagrado de la música absoluta: la sinfonía. Los compositores hicieron todo lo posible por conservar la gran forma de Beethoven y al mismo tiempo darle una connotación literaria. De ahí el título sinfonía. Entre las obras famosas se incluyen tres sinfonías del compositor francés Berlioz: "Fantasía", "Harold en Italia", "Romeo y Julieta", "Alpes", "Montaña" del compositor alemán Richard Strauss, "Fausto" y "Dante" del compositor húngaro Liszt.
Los nacionalistas y los artistas nacionales se mantienen unidos, pero los nacionalistas afirman sus propias tradiciones nacionales de una manera más consciente.
En la Europa del siglo XIX, las condiciones políticas de la época promovieron el desarrollo del nacionalismo, convirtiéndolo en una fuerza decisiva en el movimiento romántico. La arrogancia de los pueblos conquistadores y la lucha de los pueblos conquistados por la libertad provocaron tensiones en las relaciones étnicas y exacerbaron las emociones nacionales. Esta emoción encuentra su expresión ideal en la música. Los compositores románticos expresaron su nacionalismo de muchas maneras. Algunos compositores utilizan sus propias canciones y danzas nacionales como base de la música, como la Mazurka de Chopin, la Rapsodia húngara de Liszt, las Danzas eslavas de Dvořák y las Danzas noruegas de Grieg. Algunos compositores crearon obras dramáticas basadas en el folclore o la vida campesina, como la ópera popular alemana "Free Shooter" creada por Weber, la ópera nacional checa "La novia traicionada" creada por Smetana, y la ópera y el ballet mitológico ruso de Tchaikovsky y Lins de Ky. . Otros compositores escribieron poemas sinfónicos y óperas alabando los logros de los héroes nacionales, los acontecimientos históricos o los hermosos paisajes de su patria. La "Obertura 1812" de Tchaikovsky y "Mi Patria" de Smetana son obras representativas de esta tendencia. Los musicales de Wagner celebraban a los dioses y héroes de la mitología y el folclore alemanes, especialmente "El anillo del Nibelung" (un precursor del rock gótico), que se basó en la vida y la muerte de Siegfried. Una enorme epopeya de temas centrales y una obra maestra.
Los compositores nacionalistas a menudo combinaban su música con la poesía de poetas o dramaturgos nacionales, como Schubert, que compuso música para los poemas de Goethe, y Grieg, que compuso música para Pierre Gen de Ibsen. Una ópera compuesta por Tchaikovsky basada en la obra de Pushkin. jugar. El poeta nacional ruso Pushkin también inspiró a Linsky Korsakov y Mussorgsky. Durante este período, los compositores nacionalistas podían expresar las aspiraciones de la gente de maneras apasionantes, como lo hizo Verdi en la lucha de Italia por la unificación, o Sibelius en la rebelión de Finlandia contra los gobernantes rusos a finales del siglo XIX.
La importancia política de la música nacionalista conmovió a los gobernantes. La ópera de Verdi tuvo que ser revisada repetidamente para adaptarla a las ideas del fiscal austriaco. Cuando Finlandia exigió su independencia a finales del siglo XIX y principios del XX, el zar prohibió el poema vocal de Sibelius "Oda a Finlandia". El nacionalismo añadió encanto y vitalidad al vocabulario de la música europea. Al infundir a la música amor por la patria, el nacionalismo permitió a los compositores expresar las aspiraciones de millones. En resumen, la conciencia nacional penetró en todos los aspectos del espíritu europeo del siglo XIX. El movimiento romántico era inimaginable sin una conciencia nacional.
Los sentimientos exóticos en la música, la pintura y la literatura muestran la atmósfera y el color únicos de países lejanos. En otras palabras, el movimiento romántico fortaleció enormemente esta tendencia. El exotismo del siglo XIX se manifestó, en primer lugar, en el anhelo de los pueblos del norte por la calidez y el color del sur y, en segundo lugar, en la búsqueda de Occidente de escenas mitológicas orientales. El primero promovió la transferencia de obras de compositores alemanes, franceses y rusos que expresaran inspiración surgida de Italia y España. Entre estas numerosas obras se encuentran varias obras maestras de compositores rusos: las dos oberturas españolas de Glinka, el Capricho italiano de Tchaikovsky y el Capricho español de Linsky-Korsakov, la contribución de la pareja alemana Mendel Song a la Sinfónica italiana, la Serenata italiana de Wolf y "A Italia" de Richard Strauss, obras francesas. Incluye el de Chabri. Cabe mencionar que "Carmen" de Bizet también es una obra maestra en este sentido.
Las escuelas de música folclórica rusas han tenido un impacto internacional en la fascinación de Oriente. Dado que el Imperio ruso limitaba con Persia, este exotismo era en realidad una forma de nacionalismo. El trasfondo mitológico asiático impregna la música rusa. La magnífica obra orquestal de Linsky-Korsakov "Sheherachada" y su ópera "Satkuo", la ópera "Príncipe Igor" de Borodin y su poema sinfónico "Estepa de Asia Central", "Bocetos del Cáucaso" de Ippolitov-Ivanov, etc. son todas obras con un sabor oriental. , y estas obras siguen siendo populares en todo el mundo. Algunos compositores franceses e italianos también utilizaron estilos exóticos, como "Sansón y Dalila" de St. Yvonne, "Lakshmi" de Delibes, "Thes" de Massenet, "Ara" "Ida" de Verdi, las óperas "Madama Butterfly" y "Turandot" de Puccini. .
También es importante saber apreciar la música clásica occidental. La forma más fácil de entrar al palacio de la música clásica es apreciarla a través de los sentidos, es decir, estar satisfecho con el sentimiento intuitivo de la música. En otras palabras, crees que la melodía de la música es hermosa o tiene cierto poder. dando a las personas fuerza y espíritu inspirador. No es necesario considerar otras connotaciones de lo que cree que es buen sonido y buena música.
Si tienes un buen altavoz, disfrutarás escuchando de forma más fácil y cómoda. Con el tiempo, pronto entrarás en el palacio de la música clásica. Otro avance es la apreciación de la emoción de la música clásica, que consiste en experimentar y comprender la emoción de la música sintiendo todos sus elementos. En el proceso de apreciación es necesario comprender y analizar el ritmo, melodía y armonía, timbre, intensidad, velocidad, modo, forma, textura, etc. de la música. El ritmo a menudo se compara con el esqueleto de la música. El ritmo es la repetición periódica y regular de ritmos fuertes en la música. Deberíamos llamar melodía también llamada melodía Los altibajos de la música se organizan horizontalmente de forma ordenada según un ritmo determinado. En el proceso de apreciar la música, nuestros pensamientos deben seguir la melodía y debemos encontrar nuestros sentimientos básicos. Por ejemplo, cuando el nivel avanza, es suave, silencioso, progresivo y saltador, el tema alcanza un clímax y la interpretación descendente es generalmente intensa y tranquila, también se le llama uso de acordes; Generalmente, la música clásica europea es música polifónica. Si la melodía transcurre horizontalmente y la armonía verticalmente, la música será plena y poderosa. Podemos aprender algunos conocimientos comunes sobre la música para dominar factores como la fuerza y la velocidad de la música. La forma, armonía y textura de las obras de música clásica europea son muy estandarizadas y rigurosas. Podemos utilizar este conocimiento para experimentar y comprender, y no es difícil apreciar las emociones egoístas de la música clásica europea.
El nivel más alto de apreciación de la música clásica europea es la apreciación racional, lo que significa no sólo experimentar y comprender las emociones de la música, sino también analizar y evaluar la forma, el contenido, las características nacionales, el valor social y el valor artístico de la música. obras musicales. Para alcanzar este estado, debemos comprender y apreciar los tres elementos de la música clásica europea, a saber, el trasfondo creativo y la recreación del propio intérprete; El trasfondo de la creación clásica europea se puede dividir generalmente en cuatro períodos: el primer período es el barroco, representado por Bach, conocido como el padre de la música, y Handel, conocido como el maestro de los oratorios italianos, Vivaldi, etc. , el estilo musical de este período es hermoso y suave. El segundo período es el clásico, con Haydn, Mozart, Beethoven, etc. La música de este período se caracteriza por temas distintos y ciertos conflictos. El tercer período es la escuela de residuos y la escuela nacional de música, representada por Debussy, Schubert, Ravel, Tchaikovsky, Smetana, Dvořák, etc. El trasfondo musical de este período era complejo, las formas de composición diversas y la expresión musical eufemística y abstracta, con atractivo y un estilo nacional distintivo. El cuarto período es el género musical moderno, representado por Stravinsky, Gershwin, Mahler, etc. Las obras de este período están llenas de características, ricas en instrumentos armoniosos, poco melodiosos y con connotaciones profundas, algunas de ellas jazzísticas y difíciles de entender. La propia comprensión de la música por parte del oyente se basa en su propio nivel cultural. La música se diferencia de otras materias en que lo que refleja es vago y abstracto. Por lo tanto, pueden dar rienda suelta a su imaginación. Por ejemplo, al disfrutar de la escena del "Lago de los cisnes" de Tchaikovsky, puedes imaginarte a un grupo de chicas aladas bailando en el tranquilo lago, o puedes imaginarte a un grupo de cisnes deambulando suave y lentamente por el lago. En resumen, si das rienda suelta a tu imaginación, conectas orgánicamente los tres elementos, escuchas más obras de artistas famosos, aprecias y piensas en cosas que te parecen hermosas, entrarás en el reino más elevado de la apreciación de la música clásica europea.
Aprender, comprender y apreciar la música clásica europea añadirá diversión infinita a nuestras vidas.