¿Por qué se dice que si Tintoretto y Veronese dejan de pintar, Italia dejará de ser el centro del arte de Europa?
Tintoretto y Veronese, si dejan de pintar, Italia dejará de ser el centro del arte de Europa.
Tintoretto y Veronese no sólo fueron los dos últimos de los grandes pintores de la escuela veneciana, sino también los dos últimos pintores del Siglo de Oro italiano. Una vez que dejaron de pintar, Italia dejó de ser el centro artístico de Europa. Hasta el momento, aunque el río Art y sus afluentes tienen un linaje claro, ahora resulta complicado seguir rastreándolo. Un cretense llamado Dominix Thiotokopoulos primero recibió formación en pintura en Venecia y Roma, y luego, por alguna razón desconocida, terminó en España, donde creó pinturas que irradiaban un atractivo tan extraño que todavía se pintan hoy en día. Sigue siendo uno de los menos convencionales de todos. pintores.
Un flamenco llamado Peter Paul Rubens viajó a Italia y estudió con gran entusiasmo las obras de Miguel Ángel y Tiziano. Posteriormente, regresó a Amberes y estableció su propio estudio, creando una serie de pinturas llenas de una vitalidad asombrosa. . Las semillas de la pintura del siglo XVII echaron raíces en España y Flandes.
Domenico Thiotokopoulos también tiene otro nombre más conocido, El Greco. Es la primera figura importante de la historia de la pintura española, pero Rubens no es ni mucho menos la primera figura importante de las Landas. de pintura. Desde aproximadamente el año 1400 d. C., la pintura flamenca ha seguido un proceso suave que se desarrolló paralelamente a la pintura italiana, pero que dependía ligeramente de esta última.
Por una variedad de razones complejas (las más importantes incluyen: un ambiente relativamente pacífico, la protección del duque de Borgoña y un comercio próspero), los Países Bajos resultaron ser un lugar más adecuado que Francia. a principios del siglo XV. El espíritu renacentista que se había manifestado en Italia tuvo poca influencia en el norte de Europa. No había nada del ímpetu fresco y encantador de Florencia, pero algo se estaba gestando. Allí murió parte del espíritu gótico y otra parte permaneció, lo que dio energía a los primeros pintores flamencos.
Aunque para entonces la gente ya había recuperado la sobriedad de su predilección por la superstición, lo grotesco y los aspectos extraños del espíritu gótico, en general persistía una fuerte curiosidad por las cosas. ¿Al menos algo en el humanismo italiano comenzó a moverse lentamente hacia el norte a través de los Alpes? No estamos hablando aquí de la nobleza de las personas que los italianos enfatizan, sino de una nueva comprensión de la importancia de las personas. Naturalmente, el Renacimiento presentó a los artistas un tema nuevo y atractivo: el retrato.
Esto lo encontramos por primera vez en las esculturas de Clos Sluyter (creado en Dijon, Francia, en la última década del siglo XIV), y el sentido del retrato estaba incluso presente a principios del siglo XV. El budismo también está implícito en las pinturas religiosas de los artistas de Randers. El pintor suizo Konrad Witz desarrolló profundamente el concepto de retrato en su cuadro "Jesús caminando sobre el mar", que representa fielmente el paisaje del lago Lemán y es la primera escena real que aparece en los retablos europeos.
Así, aunque el pintor flamenco no es tan noble ni tan tranquilo como sus contemporáneos Masaccio y Piero, su energía y entusiasmo por los detalles representacionales son sorprendentes. Jan van Eyck fue uno de los primeros pintores flamencos que perfeccionó el uso de pinturas al óleo. Aunque las pinturas al óleo añaden profundidad y luz a sus pinturas, todavía se aferra al contorno y piensa en términos de líneas, como los maestros de la pintura al temple.
Ningún pintor italiano capturó las intrincadas y fascinantes escenas de la vida con tanto entusiasmo y paciencia como Van Eyck, Rogier van der Weyden, Memling o Pieter Bruegel. Sus fotografías tienen una característica común: no se cansan de describir lo que ven. La firma del autor en "Retrato del Sr. y la Sra. Arnolfini" dice "Jan van Eyck está aquí", tal como un periodista podría titular su artículo "Testigo presencial". Las cuatro palabras "presenciado" no pueden ser más apropiadas para resumir las características de toda la escuela de pintura. Los pintores son testigos, y nadie puede dudar de su exactitud, ya que están decididos a representar la verdad visual total y nada más.
Van Eyck completó un gran retablo "Alabanza al Cordero" en 1432. No existe obra comparable en Italia. A pesar de las implicaciones místicas del tema de la pintura, la pintura en sí no es misteriosa.
En comparación, Memling es más tranquilo, Rogier van der Weyden es más gentil y lírico, Hugo van der Goss es más dramático y Gerard David está más interesado en crear pinturas de paisajes. Todos ellos son testigos hambrientos e incansables. Formaban un grupo muy unido y fueron los últimos defensores del arte gótico en un mundo a punto de ser golpeado por el Renacimiento.
No es que estos pintores del norte de Europa que creen en el arte gótico resistieran conscientemente este impacto. En aquella época debía haber en toda Borgoña y en los Países Bajos la sensación de que, en cierto modo, Italia era artísticamente más actual que el resto de Europa, y que un contacto más estrecho con Italia podría haber compensado esta deficiencia.
A finales del siglo XV y principios del XVI, los artistas partieron sucesivamente de los Países Bajos y cruzaron los Alpes para encontrar en sus mentes las últimas tendencias en pintura. Esto contrasta con los diseñadores de moda actuales que creen que ". Sólo en París "Para encontrar las últimas tendencias de la moda" la mentalidad es la misma. Aunque muchos artistas completan este viaje, se quedan sin nada.
Representantes destacados de estos artistas incluyen a Quentin Mathis (1466-1530), Mabuse (alrededor de 1503-1533), Van Oli (1493-1541), Lu Cas van Leyden (1494-1533) y Jan van Scolieri. (1495-1562). Aprendieron el estilo italiano, pero no pudieron integrarlo. Todos tienen grandes habilidades, pero todos intentan hacer lo imposible. En sus obras, las huellas del duro norte están por todas partes debajo del exterior italiano.
Sin embargo, hubo tres artistas del norte que resistieron completamente el llamado de Italia mientras desarrollaban estilos propios. Patinir (alrededor de 1485-1524), sus extrañas pinturas de paisajes rupestres no tenían precedentes en los países europeos de esa época; Hieronymus Bosch (1480-1516) fue el visionario más desenfrenado, creó un mundo lleno de demonios, mitad hombres y mitad animales, un mundo que sólo podría existir en las pesadillas; Pieter Bruegel el Viejo (aproximadamente 1526-1569) fue el más grande de los tres, es un pintor inconformista y sus pinturas siempre me aportan un tipo especial de estimulación.
Sus pinturas son ruidosas pero no exageradas, brillantes pero no aburridas. Mantiene su fe de una manera que representa escenas pastorales. Lo que le excita siempre son los encuentros casuales, como los granjeros sudando en los campos, bailando en las calles del campo, festejando en las mesas y patinando en estanques helados. Aunque también viajó a Italia, no pareció verse afectado de ninguna manera tras regresar a casa. No hay nada italiano en sus descripciones de la vida campesina.
El único pintor que se me ocurre que puede dar una impresión agradable (o transmitir un mensaje agradable) a la extrañeza de las actividades humanas es el pintor moderno británico Stanley Spencer. Para ambos artistas, el entusiasmo gótico parecía haberse alejado de la religión y acercarse a la vida, especialmente a la vida rural.
Al mismo tiempo, el conflicto entre el estilo gótico y la ola renacentista en la región alemana produjo una atmósfera completamente diferente. Vale la pena señalar que cada región del noroeste de Europa resistió o abrazó el Renacimiento a su manera. El espíritu gótico en todos los países, excepto Italia, luchó por morir, y cuando llegó realmente el Renacimiento, ya estaba completamente maduro. Toda la Escuela de Pintura Holandesa nos presentó la última obra maestra del arte gótico, cuyo clímax final fue Pieter Bruegel el Viejo. Rubens nació ocho años después de la muerte de Bruegel. Trajo a Flandes una nueva tendencia artística: el floreciente estilo barroco. Nadie pudo llenar el vacío entre Bruegel y Rubens.
En Alemania, no existe tal brecha, en parte porque las últimas obras maestras del estilo gótico en Alemania fueron más elaboradas y complejas que la obra de Bruegel, y en parte porque el único otro país fuera de Italia era el gótico. La persona que realmente absorbió el espíritu del Renacimiento desde un nivel más profundo fue un artista alemán. Durero (1471-1528) tenía la misma mente intelectual y espíritu científico que Leonardo da Vinci. Injertó algunos de los logros de los eruditos italianos en la región alemana. .Además del realismo.
Su famoso grabado "Melancolía I" combina mágicamente nueva ciencia con viejas supersticiones. Por temperamento, Durero era más un dibujante que un pintor.
Pasó su aprendizaje en los estudios de Nuremberg del grabador en madera Michel Wolgemut y del grabador Martin Schengauer. En comparación con otros artistas, llevó el arte del grabado en metal y en madera a un nivel superior y lo amplió como medio de expresión artística.
Al apreciar su obra maestra, la serie de grabados en madera "Apocalipsis", podemos sentir que todo lo que espera expresar está contenido en el gran diseño y las líneas extremadamente dinámicas. Aunque, como los artistas de Flandes, carecía de la elegancia italiana, se diferenciaba de ellos en su esfuerzo por adquirir algo de nobleza italiana. Había estado en Venecia y vio con sus propios ojos las creaciones del anciano Giovanni Bellini. Envidiaba su capacidad para expresar la brillantez y la tranquilidad de la naturaleza, pero su audacia y honestidad innatas no le permitían copiar aquellas cosas que no podía. Algo para absorber realmente. Sería absurdo pensar que Durero lamentara su incapacidad para convertirse en un artista clasicista.
Sus logros se debieron en parte a su mente estilo Leonardo da Vinci y en parte a su sincera admiración por la pintura italiana. Amplió enormemente la contribución del arte regional alemán al arte europeo dominante. A diferencia de muchos de sus predecesores y pintores contemporáneos que sólo eran superficialmente de estilo italiano, Durero realmente integró la fuerza y el temperamento de Alemania con la grandeza y la nobleza del Mediterráneo. Su famoso grabado "El caballero, la muerte y el diablo" refleja la intersección de estos dos mundos.
El caballero sobre el caballo de guerra del cuadro no es sólo una imitación de la escultura del "Retrato ecuestre de Colleoni" de Verrocchio, sino también una maravillosa reproducción utilizando el grabado como medio. Junto al caballero del cuadro, el esqueleto sentado sobre un caballo moribundo sosteniendo un reloj de arena sólo podría ser imaginado por artistas del norte de Europa. La pintura es memorable no porque combine temas nobles y horribles, sino porque la fusión de los dos encarna una unidad emocional sin precedentes.