Georges Braque(Georges Braque)
Braque nació en el seno de una familia de pintores en Argentay-sur-Seine. Su padre y su abuelo eran pintores aficionados, lo que hizo que desde pequeño se interesara por la pintura. Del 65438 al 0893, la familia Braque se mudó a Le Havre, donde pronto estudió en una escuela de arte local. Del 65438 al 0902 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de París, bajo la tutela de Beaune, y posteriormente fue trasladado a la Academia Amber. Fundó su propio estudio en 1904. Después de visitar el Salón de Otoño en 1905, se interesó por la pintura fauvista y pasó los dos años siguientes participando en el movimiento pictórico fauvista. Pero sus obras son muy diferentes de las auténticas obras fauvistas, con colores fuertes, pinceladas atrevidas y emocionantes, y un tono "tranquilo y cantabile". "Su temperamento es extremadamente estable, por lo que no abusa de la libertad de los pintores fauvistas para disfrutarlo". ("Diccionario de pintura moderna", editado por Raymond Konya y otros, People's Fine Arts Publishing House, 1991, p. 39). En 1907 conoció a Picasso y quedó profundamente atraído por su obra "Las señoritas de Aviñón". Se hicieron amigos íntimos y juntos planearon el movimiento cubista.
En 1908, Braque llegó a Estaque. Allí es donde Cézanne pintó muchos de sus paisajes en sus últimos años. Allí, Braque comenzó a explorar las formas geométricas detrás de la apariencia de la naturaleza a través de pinturas de paisajes. Su casa de Estac es típica de su época. En esta pintura, las casas y los árboles se simplifican en formas geométricas. Esta expresión procede evidentemente de Cézanne. Cézanne resumió las diversas formas de la naturaleza en cilindros, conos y esferas, mientras que Braque fue un paso más allá y persiguió esta representación geométrica de los objetos naturales. Comprimió la profundidad espacial de la imagen de una manera única, haciendo que la casa en la imagen pareciera una caja de cartón torcida, en algún lugar entre un efecto plano y tridimensional. La disposición del paisaje en el cuadro no se superpone por delante y por detrás, sino que avanza de arriba a abajo, de modo que algunos objetos llegan a la parte superior del cuadro. Todas las escenas del cuadro, tanto las más profundas como las más profundas, se presentan con igual claridad. Debido a que el estilo pictórico de Braque mostró claramente la influencia de Cézanne en esa etapa, esta etapa también se llama el "Período del Cubismo de Cézanne".
Mandolina
1909-1910, óleo sobre lienzo, 71,1 x 55,9 cm, Tate Modern, Londres.
En el bodegón "Mandolina", el instrumento rodeado de ondas de diversas formas y colores se esconde en las vibraciones de bloques, colores, ritmos, todos elementos con características acústicas de sombra, luz, reflejos resuenan. Todo el cuadro está lleno de fragmentos geométricos de diferentes formas, y apenas encontramos espacios en blanco o completamente carentes de movimiento. La luz difusa, los bloques inclinados en una dirección u otra, se hacen eco entre sí. Como lo describió Braque en un libro: "El eco debe seguir al eco, todo resuena". Lo que realmente unifica muchos elementos visuales es el agujero circular de la mandolina en el centro de la pintura; esta figura negra es también el centro donde se encuentran todas las diagonales que se cruzan en la pintura. Se puede observar que la vitalidad de esta pintura proviene de movimientos en dos direcciones diferentes: una es movimiento ascendente y la otra es movimiento rotacional. Los colores de las pinturas siguen siendo tan sencillos como en sus obras anteriores, pero más vivos y variados, sin perder su sencillez.
Clarine
Georges Braque 1882-196
1913 Óleo y collage sobre lienzo, 95,3×120,3cm.
El clarinete de Braque, escrito en 1913, es su obra maestra del collage. Usó papel de grano de madera, periódico y papel de colores para hacer un collage de un conjunto de formas simples en el centro de la pintura, y usó un lápiz para dibujar líneas y sombras alrededor de las formas.
Aquí, la imagen objetiva y los elementos creativos subjetivos se fusionan entre sí, dando como resultado una intimidad y un valor escultórico inesperado pero convincente. En esta estructura pictórica simple y rigurosa, cada elemento visual, ya sea una hoja de papel diferente o una línea discreta, se ha convertido en un símbolo. Esas líneas dan a los gráficos recortados algo de apoyo y significado, e incluso hacen que las personas sientan alguna connotación espiritual en ellos. A través del collage, el artista revela al espectador algunos elementos de expresión aparentemente olvidados, especialmente la belleza de los materiales y los colores. Evidentemente, esto es muy diferente del estilo del cubismo analítico.
Este trabajo también demuestra la asombrosa capacidad de Braque para controlar y procesar el espacio pictórico. Si su análisis del tratamiento espacial en las obras cubistas mostró una sensación de movimiento y vitalidad, entonces en su exploración del llamado cubismo sintético, sus composiciones mostraron una tendencia estática peculiar y estable. Todos los personajes del cuadro se reúnen hacia el centro del cuadro. El pintor utilizó una línea ligera y segura para rodear el grupo de figuras hechas de papel, fortaleciendo así aún más la fuerza centrípeta del cuadro, bloqueando efectivamente todos los movimientos que puedan exceder sus límites y bloqueando cualquier movimiento que parezca exceder su campo de fuerza. Los detalles están bloqueados.
Naturaleza muerta
1912, carboncillo, papel recortado, cartón, 62x48cm Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia.
En la era formal del cubismo, Braque y Picasso se rebelaron contra la tradición para que las pinturas ya no pudieran entenderse en términos de su interpretación en la realidad. Entonces la forma se convierte en un plano móvil y el color puede ignorarse. Creen que las formas coloreadas pueden provocar fácilmente alucinaciones y que el mundo material es producto de alucinaciones sensoriales. En 1912, Braque encontró una manera de expresar la forma y el color como dos elementos creativos independientes. Usó carbón para dibujar formas y cortó papel tapiz de colores en tiras para representar los colores. Este bodegón se basa en este concepto. Braque cortó un arco en el papel azul para revelar la parte del carbón y escribió el final de la palabra inglesa VIN en el papel azul, creando una sensación de superposición.
La Casa de Estac
Pintura al óleo, 1909, 73×59,5cm, Kunsthalle Bonn.
En 1908, Braque llegó a Estaque. Allí es donde Cézanne pintó muchos de sus paisajes en sus últimos años. Allí, Braque comenzó a explorar las formas geométricas detrás de la apariencia de la naturaleza a través de pinturas de paisajes. Su casa de Estac es típica de su época. En esta pintura, las casas y los árboles se simplifican en formas geométricas. Esta expresión procede evidentemente de Cézanne. Cézanne resumió las diversas formas de la naturaleza en cilindros, conos y esferas, mientras que Braque fue un paso más allá y persiguió esta representación geométrica de los objetos naturales. Comprimió la profundidad espacial de la imagen de una manera única, haciendo que la casa en la imagen pareciera una caja de cartón torcida, en algún lugar entre un efecto plano y tridimensional. La disposición del paisaje en el cuadro no se superpone por delante y por detrás, sino que avanza de arriba a abajo, de modo que algunos objetos llegan a la parte superior del cuadro. Todas las escenas del cuadro, tanto las más profundas como las más profundas, se presentan con igual claridad. Debido a que el estilo pictórico de Braque mostró claramente la influencia de Cézanne en esa etapa, esta etapa también se llama el "Período del Cubismo de Cézanne".
Dúo
1937, lienzo, pintura al óleo; largo 130,5 cm, ancho 162 cm; escondido en el Centro Pompidou, París, Francia
Georges Braque es una figura representativa del cubismo francés, él y Picasso fueron los fundadores del cubismo. La obra representa a un músico interpretando un dúo. A través del cubismo, el autor dio forma a los personajes en diversas formas cuadradas, cilíndricas, cónicas, etc. , y utiliza la división de color del plano para expresar esta escena, que encarna la imagen psicológica tridimensional del dúo, permitiendo a las personas "visualizar la esencia" frente a la imagen grotesca y sentir la imagen completa del objeto. Ésta es la riqueza de contenido y significado formal que ofrece el dúo.
La botella de brandy y la guitarra sobre la mesa
Oleo de 1930 sobre lienzo 130,50 x 75,00 cm
La botella de brandy y la guitarra sobre la mesa son clásicos de Braque. Parte de la serie "Table" de Braque. Braque utilizó a menudo como tema bodegones sobre mesas, tema que aparecería en sus pinturas desde el comienzo de su exploración del cubismo. Entre las numerosas naturalezas muertas, a Braque le gustaba especialmente la guitarra. Como músico, Brack tenía una afinidad especial por la guitarra.
Su amiga, la otra pintora cubista, Grace, incluso dijo: "¡La guitarra le dio nueva vida a Braque!". En la pintura, Braque le dio vida a la guitarra, y la guitarra real fue dividida en varios colores, curvas y formas irregulares se combinan maravillosamente en nuevas. formas y presentadas al mundo. En esta obra de principios de la década de 1930, finas partículas de arena se mezclan con pintura al óleo para crear un fondo rugoso. Diferentes pinceladas y pinceladas simulan la textura de la madera de la mesa y trazan el patrón de la alfombra y el papel pintado. En comparación con obras anteriores, esta pintura tiene un sentido más fuerte de composición y un uso más decorativo del color, mostrando la creatividad del artista en materiales, texturas, patrones decorativos y uso del color.
Otras obras:
En el Puerto de Normandía
En el Puerto de Normandía
Pintura al Óleo de George Braque -80x80cm-1909- (Instituto de Arte de Chicago de EE. UU.)
Braque describió esta escena en "Memoria de la primavera" de 1909, que es un buen ejemplo del enfoque de Braque. Otros pintores cubistas crearon una estera texturizada formal en el cielo. El cielo sobre el puerto de Normandía no es un espacio vacío, sino lleno de formas como el paisaje del cuadro. Marca un nuevo momento espacial para todo el cuadro y todos sus elementos, desde el faro, el barco y el cielo,
Violín Mozart Kubelik
Paciencia
El pintor y su modelo
Violín y paleta
——Compilado por Wang Xiao el 11.08.2020