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Escuelas de arte extranjeras en el siglo XX
Los principales acontecimientos que ocurrieron en el mundo en el siglo XX incluyen: la Primera Guerra Mundial; el enorme impacto de la revolución socialista rusa que condujo al ascenso del Este; La crueldad sin precedentes de la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Fría entre la Unión Soviética y los Estados Unidos; el bienestar provocado por el desarrollo de la industria, la ciencia y la tecnología y los nuevos problemas causados por ello; la negación total de la posibilidad que trae consigo la tradición; al desarrollo de la cultura humana y las graves crisis que provoca; diversas filosofías e ideas artísticas activan el pensamiento de las personas y también provocan una gran confusión. La creación artística bajo la bandera de la "revolución" es extraordinariamente activa, pero al mismo tiempo ha perdido sus inmutables criterios de juicio. El modernismo se generalizó en Occidente y el realismo continuó desarrollándose después de los ajustes.
El arte moderno occidental del siglo XX se puede dividir a grandes rasgos en dos etapas. La primera etapa es desde principios del siglo XX hasta el final de la Segunda Guerra Mundial en 1945; la segunda etapa es desde 1945 hasta la actualidad. La primera etapa estuvo dominada por el modernismo, y la segunda etapa comenzó en la década de 1950. Surgió una corriente y un género artístico relacionado y diferente al modernismo, que se denomina posmodernismo. En el período posterior, el modernismo todavía estaba muy activo, pero era tradicional y académico, de modo que otras artes no convencionales que fueron excluidas por el modernismo también mostraron signos de recuperación.
El arte moderno occidental anterior a la Segunda Guerra Mundial -generalmente conocido como "modernismo" o arte "modernista", abarca diversas características vanguardistas y vanguardistas desde principios del siglo XX.
Siempre ha habido dos tendencias en el arte tradicional europeo: enfatizar el espíritu racional y la expresión emocional, que también se reflejan en el arte moderno. Los pintores postimpresionistas Cézanne (énfasis en la racionalidad) y Van Gogh (énfasis en. emoción) Se convirtieron en los pioneros de las dos principales tendencias del arte modernista.
Fauvismo - En el Salón de Otoño de París de 1905, un grupo de jóvenes artistas liderados por Matisse (1869-1954) expusieron sus pinturas al óleo. Este grupo de artistas fue llamado absurdamente "Bestias" por el crítico Louis Wasser, de ahí el nombre de "Brutalismo".
Los pintores más importantes del círculo fauvista no siempre adhirieron al estilo de pintura de alrededor de 1905. Los retratos y paisajes de De'an (1880-1954) del período 1905-1907 tienen matices distintos y manchas de color en su mayoría contrastantes. Después de 1907, se obsesionó con el cubismo y más tarde le encantaba utilizar tonos gris plateado. Su estilo pictórico volvió al realismo clásico, que es similar al estilo pictórico de Connor. Maurice Flamenco (1876-1958) estuvo obsesionado con Van Gogh en sus inicios y luego fue influenciado por el cubismo. Su estilo pictórico es más tosco que el de Matisse, lo que da a la gente una sensación de depresión. Dufy (1877-1953) persistió en el estilo de pintura de bestias durante más tiempo que otros artistas. Sus obras contienen un sabor y decoración más orientales, y su estilo pictórico posterior tiende hacia la abstracción. Luo (1871-1958) utilizó a menudo gruesas líneas negras para delinear sus personajes y sus obras contienen sentimientos religiosos.
Cubismo - El nombre Cubismo surgió en 1908 cuando Braque expuso su obra en la Galería Carnival. El crítico Louis Vasseur comentó en la revista Gil Brass: "El señor Braque redujo todo a un cubo". Este estilo de pintura recibió su nombre del cubismo. El cubismo es una escuela de arte llena de ideas. Persigue principalmente la belleza de las formas geométricas y la belleza producida por la disposición y combinación de formas. Niega el método tradicional de observar y expresar las cosas desde un punto de vista, simplificando la imagen tridimensional en una imagen plana y bidimensional. El interés por la luz y la sombra, la luz, el aire y la atmósfera deja paso a los contornos formados por líneas rectas y curvas, así como al interés y concepción artística de la rápida acumulación y entrelazamiento de superficies. En lugar de ver las cosas desde una perspectiva, reunimos imágenes de lo que diferentes pilotos han observado y comprendido, mostrando así la persistencia del tiempo, basándose principalmente en conceptos y pensamientos racionales. El cubismo tiene una larga historia, pero se considera un hito en el arte moderno. El cubismo no solo influyó en el desarrollo de la pintura en el siglo XX, sino que también promovió eficazmente la innovación de la arquitectura y el diseño.
Maestros de Cubismo Son Picasso y Braque. También participaron en las actividades del club cubista Laurent Sen, Apollinaire, Salmon, Renard, Gris, Léger, etc. Legge (1881-1955) fue un pintor original del movimiento cubista.
Intentó combinar cubismo y realismo para expresar la belleza y el poder de la maquinaria. Su creación ha traspasado el ámbito del cubismo.
Futurismo - El futurismo italiano se diferenciaba del animismo y el cubismo y era una actividad literaria más amplia. El futurismo cree que el rápido desarrollo de la industria, la ciencia, la tecnología, el transporte y las comunicaciones en el siglo XX ha provocado cambios más fundamentales en el mundo objetivo. Consideran la guerra, la violencia y el terror como medios necesarios para destruir el viejo mundo y crear un mundo nuevo, y todos los elogian y elogian. Maldijeron la herencia cultural de la humanidad y la cultura existente como podridas, rígidas y sin valor. Se oponen a toda forma de imitación, se resisten a los gustos armoniosos y elegantes y niegan el papel de la crítica de arte. La teoría futurista reflejaba el fuerte deseo de innovación de un grupo de jóvenes artistas italianos. Estaban insatisfechos con la situación de estancamiento y atraso de la literatura y el arte italianos desde el siglo XIX, y esperaban que su propia literatura y arte mejoraran. Además, el futurismo surgió en medio del ascenso del nacionalismo italiano. No sólo reflejó el autodespertar y el autoascenso de la nación italiana, sino que también reflejó la vacilación, la inestabilidad, el nihilismo y el extremismo de los jóvenes intelectuales de la nación durante un punto de inflexión histórico. . débil.
Los artistas futuristas utilizaron el cubismo para descomponer objetos para expresar escenas y sensaciones de movimiento. Balla (1871-1958) fue un pintor que pasó del neoimpresionismo al futurismo. Una de sus obras maestras, "La dinámica de un perro encadenado", muestra un perro corriendo y los pies de una mujer, condensando una serie de acciones en una sola imagen, dando la impresión de que el perro corriendo tiene docenas de pies.
Expresionismo: el expresionismo es también una tendencia de pensamiento y una secta que involucra todos los campos de la literatura y el arte. Los artistas expresionistas se oponen a la imitación mecánica de hechos objetivos y abogan por expresar la "belleza espiritual", transmitir información interna y enfatizar. art. La expresividad del lenguaje y la importancia de la forma. Utilizan sus pinceles para representar el lado oscuro de la vida social y a las personas pequeñas que luchan en la línea de la vida. Sus obras a menudo revelan pesimismo y tristeza. El pintor noruego Munch (1863-1944) influyó directamente en el arte expresionista alemán, y en sus obras han aparecido fuertes elementos expresionistas. La mayoría de sus obras representan temas como la enfermedad, la muerte y el sexo. Sus gritos representan el miedo de la gente a la soledad y la muerte. La adolescencia representa el miedo a la claustrofobia. Munch reveló los pensamientos internos ocultos de sus contemporáneos y mostró el dolor y la alegría en el mundo interior de las personas. Sus esfuerzos y su búsqueda única del lenguaje artístico son generalmente bienvenidos y respetados por los artistas jóvenes. Las exposiciones de Munch contribuyeron al surgimiento del expresionismo alemán. Rolfs, Collind y Nolde son conocidos como los pioneros del expresionismo alemán. La primera sociedad expresionista alemana fue el Bridge Club organizado en Dresde en 1905, y la segunda sociedad fue el Young Knights Club establecido en Munich en 1911. Entre sus miembros se encontraban Kandinsky, Marx, M. y Kehl, Pontonque et al. Tras el estallido de la Primera Guerra Mundial, el Caballero Verde cesó sus actividades. El Young Knights Club promovió la pintura moderna en Alemania y Europa.
El estilo expresionista también es evidente en otros países europeos. A finales del siglo XX, muchas personas conscientes se dejaban influir por el estilo juvenil. Este nuevo estilo es popular en los campos de la pintura y las artes y oficios, centrándose en el carácter decorativo del arte. La Escuela de la Secesión de Viena, que se originó en Austria, y su representante Klimt (1862-1918) fueron también los pioneros del simbolismo y el expresionismo. a principios del siglo XX hicieron importantes contribuciones al desarrollo.
Suprematismo y constructivismo ruso - 1915 - 1920. El suprematismo, que apareció en el mundo de la pintura, es una abstracción geométrica con características metafísicas rusas. El suprematismo es una tendencia artística que abandona la representación de imágenes objetivas específicas y el reflejo de la experiencia visual. Los "nuevos símbolos" utilizados por su fundador Malevic (1878-1935) fueron el cuadrado, el triángulo y el círculo. Leigh Chiskey también es una representante del supremacismo. Fue él quien difundió el concepto de suprematismo en Alemania e incluso más allá de Europa, y Mohoy-Noddy también difundió el suprematismo en la Bauhaus.
El constructivismo es una importante contribución de los artistas rusos al arte moderno, y Tatlin es una figura representativa que inicialmente sólo apareció en forma de collage.
Dutch de stijl: una escuela de abstracción geométrica que apareció en los Países Bajos en 1917 y lleva el nombre de la revista Style. Los fundadores son Dusberg y Mondriaan (1872-1944). de Stijl se negó a utilizar elementos figurativos y defendió el uso de la abstracción geométrica pura para expresar el espíritu puro.
Bajo los lemas de la abstracción y la simplificación, de Stijl impulsó el espíritu de las matemáticas. Las creaciones únicas de De Stijl y Mondrian tuvieron un impacto significativo en el arte abstracto y el diseño arquitectónico occidental moderno.
Escuela de París - La "Escuela de París" aquí se refiere a los artistas que estuvieron activos en París a principios del siglo XX y no participaron en el modernismo. No están organizados en un club y tienen diferentes estilos. Básicamente adoptaron un enfoque realista y estuvieron más o menos influenciados por ideas brutalistas y futuristas. Muchos de estos artistas procedían de otros países europeos, viajeros extranjeros y artistas parisinos locales. Viven en la pobreza, están deprimidos, a menudo beben y se drogan, hacen amistad con todo tipo de personas y se asocian con artistas de tendencias vanguardistas. Las obras de estos talentosos artistas tienen una fuerte expresión emocional. Entre las figuras destacadas se encuentran Modigliani, Utrillo, Chagall, Sudina y otros. El estilo de los pintores de la "Escuela de París" se encontraba entre el realismo y el fotorrealismo.
El dadaísmo y el surrealismo, dos corrientes modernistas que aparecieron en los países europeos a principios del siglo XX, fueron generalmente críticas con los conceptos morales y estéticos tradicionales. Entre ellos, los conceptos y comportamientos del dadaísmo fueron los más concentrados. expresión de este espíritu crítico. El dadaísmo abandonó la búsqueda de la estética y el lenguaje artístico de otras escuelas, y afrontó la realidad social y los valores existentes con una actitud cínica. El dadaísmo no es tanto una escuela literaria como una corriente social de pensamiento. El dadaísmo surgió en 1915-1916. Un grupo de jóvenes rebeldes se traslada a Zurich, Suiza. Este grupo de jóvenes, cansados de la guerra y satisfechos con los valores sociales existentes, resisten y ridiculizan a la sociedad, pero no pueden ver el futuro de la sociedad y están infectados por un fuerte nihilismo. Abogan por una vida idealista y sin rumbo, por la literatura y el arte. Accidentalmente encontraron la palabra dada en el diccionario francés-alemán y decidieron utilizarla como nombre del club. El dadaísmo influyó en el arte estadounidense. El propósito del dadaísmo no era crear sino destruir y desafiar, por lo que se utilizaron ampliamente el collage y las cosas ya hechas. El representante más famoso del dadaísmo es el artista francés Dusan (1887-1968).
El surrealismo, que se desarrolló sobre la base del dadaísmo, absorbió el dadaísmo y los conceptos de creación tradicional y automática, abandonó la actitud nihilista de negación total del dadaísmo y tuvo creencias y programas relativamente positivos. El surrealismo está profundamente influenciado por la teoría del subconsciente de Freud. Apuesta por explorar el nivel trascendente del ser humano, tratando de romper con los conceptos de realidad lógica y realidad práctica, integrando la realidad con el instinto, el subconsciente y la experiencia onírica para lograr una A absoluta. Situación surrealista. Este concepto estético, que no está sujeto a conceptos racionales y morales, incita a los artistas a expresar sus impulsos originales de diferentes maneras y liberar su libre albedrío. Los pintores españoles Dalí y Miró fueron maestros del surrealismo.
El pintor italiano Sirico (1888-1978), que participó en la exposición surrealista, colaboró con Carla en 1917 e impulsó la formación de la "pintura metafísica". La formación de la "pintura metafísica" se produjo durante el período activo del futurismo. La "pintura metafísica" se opuso a la desintegración y la expresión dinámica del futurismo y abogó por que la pintura debería volver a imágenes claras y definidas para expresar una concepción artística silenciosa. Sus obras pueden parecer concretas, pero en realidad están llenas de sueños poco realistas. Las pinturas metafísicas de Kiriki fueron populares entre muchos pintores surrealistas.
Arte moderno occidental después de la Segunda Guerra Mundial: desde la década de 1950, las actividades artísticas en Nueva York, EE. UU., se han vuelto cada vez más activas. El símbolo del arte moderno estadounidense que lidera el mundo de la pintura occidental es el surgimiento del expresionismo abstracto.
Expresionismo abstracto: el expresionismo abstracto es en realidad una tendencia artística sin características de estilo unificadas. Enfatiza la libertad y la falta de propósito de las acciones del autor, elevando el acto creativo en sí a una posición importante. Entre los maestros importantes del expresionismo abstracto se encuentran Toby, de Kooning, Crane, Rothko, Motherwell y Pollock (1912-1956). Las pinturas de acción de Pollock eliminaron las limitaciones de muñecas, codos y hombros, permitiendo al pintor utilizar movimientos de todo el cuerpo para expresar su conciencia y movimientos internos incontrolables, sentando un precedente para el arte de acción occidental posterior.
Arte pop: el nombre Pop Art apareció por primera vez en Gran Bretaña después de la década de 1950 y posteriormente fue ampliamente utilizado en el arte estadounidense, convirtiéndose en un fenómeno de arte popular.
Así como el arte moderno como el expresionismo abstracto odia la industrialización y evita las ciudades y la civilización mecánica, los artistas pop utilizan los materiales y medios con los que entran en contacto en su entorno de vida para crear imágenes que el público pueda entender, combinando así el arte con la civilización mecánica industrial. , y popularizado a través de los medios de comunicación (televisión, periódicos, impresos). Para lograr efectos publicitarios efectivos, estas artes populares y populares deben tener contenido novedoso, animado y sexy para atraer la atención de la audiencia y estimular su deseo de consumir, convirtiéndose así en una civilización del arte de consumo. El artista pop más famoso es uno de ellos. Andy Warhol.
Posmodernismo es el término general para las tendencias artísticas de vanguardia en los países europeos desde la década de 1950 y después del modernismo. Estos incluyen "arte minimalista", "arte ambiental", "land art", "arte accidental" y "arte escénico". El arte conceptual, que apareció en Estados Unidos en los años 1960 e influyó en países europeos y asiáticos, considera que los conceptos e ideas del artista son la primera prioridad en las actividades artísticas. Las verdaderas obras de arte no requieren que los artistas creen formas materiales, sino que principalmente transmiten al público el proceso de formación y desarrollo de ideas a través de diversos medios. El arte conceptual pone especial énfasis en la participación del público.
También existe el "fotorrealismo" o "surrealismo" que surgió en la década de 1970, que utiliza los logros de la ciencia y la tecnología modernas para crear arte. Su característica principal es el uso de logros fotográficos para una descripción objetiva y veraz. Las obras de realismo fotográfico a menudo dan a las personas una sensación de seriedad e indiferencia, reflejando la alienación, la indiferencia y la inhumanidad entre las personas en la sociedad occidental contemporánea. Merece nuestra atención la corriente artística que surgió en los Estados Unidos en la década de 1980. Se trata del "neoexpresionismo".
El fenómeno artístico conocido como posmodernismo tiene las siguientes características: 1. Intentar romper con las categorías estéticas y romper los límites entre el arte y la vida, cuestionando las tendencias artísticas dominantes, prestando atención al arte de minorías étnicas y remotas; áreas, y abogar por el pluralismo, reconociendo el policentrismo. 3. De las categorías morfológicas del arte tradicional y del arte modernista a la metodología, utilizando el arte para expresar diversas formas de pensar; 4. De enfatizar los sentimientos subjetivos hacia el mundo objetivo y ser hostil a los patrones de personalidad y estilo; sociedad mecánica La combinación de sentimiento y maquinaria industrial; 6. Promover la popularización y hacer un uso extensivo de los medios de comunicación.
El famoso artista de la posguerra en Europa es el artista francés Du Bois (1901-1985). Es bueno creando nuevos símbolos lingüísticos, provocando un impacto visual y espiritual en las personas. Matthew (1922-) es un famoso pintor abstracto lírico. Buli de Italia (1915-1995) y Tabiz de España (1923-) son importantes artistas de la posguerra que prestan atención a la expresión del lenguaje. El primero creó obras clasificando bolsas de lino y ropa ensangrentada basándose en sus trágicas experiencias en los hospitales durante la guerra; el segundo mezcló pegamento, cal apagada y arena para crear una pintura en relieve profunda, estable y rica.
En los años 60 aparece en Francia el "Nuevo Realismo". Entre estos artistas neorrealistas, Christopher es mejor conocido por su agrupación de objetos. El "Ritual de pintura" de Kline en París en 1960 tenía una mujer desnuda pintada retorciéndose sobre un lienzo extendido en el suelo. Acompañado de música y vídeo. Alman utilizó el método del "conjunto de productos" para fabricar conjuntos complejos del mismo artículo; Cezard es famoso por inventar métodos de compresión. Usó un compresor hidráulico para comprimir carrocerías y motores de desecho en pedazos de objetos metálicos con estructuras superficiales extrañas.
El alemán Beuys (1921-1986) es un importante representante del arte conceptual y performance occidental. Su arte tiene un sentido de crítica social y un fuerte sentido de misterio religioso.
Jaja, no encuentro ninguno chino en casa. ¿Puede ser extranjero?
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