Solos de cuerda y conciertos de fama mundial

En nuestra vida diaria, siempre podemos escuchar diferentes tipos de música en todas partes. La música se ha integrado en nuestras vidas. Hay muchos tipos de música en el mundo, pero ¿sabes qué solos de cuerda son mundialmente famosos? A continuación se muestra mi colección de solos de cuerda de fama mundial. Echemos un vistazo.

Las cuerdas de cuerda que a menudo se mencionan ahora generalmente se refieren a los grupos de cuerdas (violín, viola, violonchelo, contrabajo) en las orquestas occidentales. Hay muchos instrumentos que se pueden tocar juntos, el más común de los cuales es un cuarteto de cuerda (primer violín, segundo violín, viola y violonchelo), pero la forma no es fija. Hay muchas formas de reiniciar, con instrumentos de viento de madera (flauta, clarinete, oboe y fagot) a menudo unidos por trompas para formar un quinteto.

Instrumentos de cuerda

Los instrumentos de cuerda se pueden dividir en instrumentos con trastes, instrumentos pulsados ​​e instrumentos de percusión.

Instrumentos para pulir cuerdas

Hay violines, violas, violonchelos y contrabajos que producen sonido frotando las cuerdas con un arco. Los instrumentos de cuerda orquestales incluyen todos los instrumentos que utilizan un arco para golpear las cuerdas y producir sonido debido a la vibración. El tono se produce presionando los dedos de la mano izquierda contra las cuerdas del diapasón. Para que el timbre o sonido sea bueno y para que coincida con las diferentes interpretaciones de cada parte, se deben seleccionar diferentes materiales de madera. La sección de cuerdas es la más grande de las cuatro categorías principales de música orquestal y, a menudo, es la parte más importante de la música cuando se toca.

Instrumentos pulsados ​​(clavecín clásico)

Clavicordio clásico es el nombre general de los instrumentos pulsados. La partitura puntuada es puro pentagrama; hay guitarra clásica, arpa, pipa, etc. Toca las cuerdas directamente con las uñas o las uñas, sin necesidad de ningún complemento externo como arcos, púas, dedales o uñas de carey. Debido a la similitud en los materiales y los principios de pronunciación, el tono perfecto puro y etéreo es la característica de similitud más obvia de todos los instrumentos de cuerda clásicos.

El piano es un instrumento de cuerda.

El piano puede tocar armonía y música polifónica. La gente lo adora como pieza solista, conjunto y concierto, por lo que se le conoce como el "Rey de los instrumentos". Este piano tiene 88 teclas, afinadas al temperamento igual estándar. Los pianos se fabricaban golpeando cuerdas con martillos envueltos en fieltro. Al tocar el piano, presione la tecla con el dedo y el otro extremo de la tecla levantará la parte correspondiente de la acción, haciendo que el martillo golpee las cuerdas para emitir un sonido. El botón de parada de la acción detiene el sonido cuando se levanta el dedo. La poesía sinfónica, también conocida como "poesía sonora", es un género orquestal dramático y lírico de un solo movimiento iniciado por Franz Liszt. Antes de la aparición de los poemas sinfónicos de Liszt, los músicos solían componerlos en forma de oberturas de concierto. La poesía sinfónica encarna en su concepción un pensamiento filosófico, un estado de ánimo poético o un determinado tema literario. La poesía sinfónica fue fundada por Liszt, el "rey del piano" húngaro, a mediados del siglo XIX.

El nombre de poesía sinfónica fue acuñado por Franz Liszt, quien creía que "los títulos pueden dar varios colores sutiles a la música instrumental, que son casi los mismos que los colores expresados ​​en diferentes formas poéticas" (Berg Lioz y su "Sinfonía Harold"), por lo que relacionó el título música sinfónica con la poesía y la llamó poesía sinfónica.

Sus trece poemas sinfónicos toman como temas la poesía, el drama, la pintura y los acontecimientos históricos, y utilizan ampliamente el método de deformación del tema para crear la imagen artística de un título específico. En pocas palabras, es música orquestal que cambia según una historia. Dado que la poesía sinfónica nació en el período romántico (incluido el género de la música romántica y el género de la música folclórica), en las primeras etapas del desarrollo de la poesía sinfónica, las obras eran principalmente en forma de sonata (como "Mi Patria" de Smetana y "Mi Patria" de Borodin). Patria"). "En las estepas de Asia Central").

Sin embargo, cuando la era terminó, el impresionismo y el expresionismo introdujeron la poesía sinfónica en el ámbito de la música atonal. Debussy concedió gran importancia a la armonía en sus piezas sinfónicas y abandonó las restricciones tradicionales de las formas de sonata armónicas mayores y menores. Schoenberg incluso adaptó un poema sinfónico atonal de forma breve y concisa.

Extensión: Música Clásica

Los primeros movimientos de algunos conciertos de la escuela de música clásica suelen utilizar partes de doble presentación.

La orquesta toca la primera parte, luego se suma el instrumento solista y luego el instrumento solista toca la segunda parte con un contenido diferente. Además, antes del final del primer y tercer movimiento, se inserta una cadencia interpretada por un instrumento solista después de la segunda inversión del acorde principal, y se utiliza un vibrato largo perteneciente a este acorde para hacer la transición al final del conjunto orquestal. .

1. Concierto para violín de Vivaldi en mi menor "Primavera"

2 Concierto de Brandeburgo n.º 3 en sol mayor de Bach

3 Concierto para piano en re. mayor

4. Concierto para piano en la mayor de Mozart

5 Concierto para clarinete en la mayor de Mozart

6 Concierto para piano n.° 1 de Chopin. p>

7. Concierto para piano n.º 1 de Tchaikovsky en si bemol menor.

8. Concierto para piano n.º 2 de Rachmaninoff en do menor

9. Concierto para violonchelo de Dvořák en si menor.

10. Concierto para violonchelo de Elgar en mi menor.

Los primeros movimientos de algunos conciertos de música clásica y música romántica utilizan mayoritariamente partes de doble presentación. La orquesta toca la primera parte, luego se suma el instrumento solista y luego el instrumento solista toca la segunda parte con un contenido diferente. Además, antes del final del primer y tercer movimiento, se inserta una cadenza interpretada por un instrumento solista después de la segunda inversión del acorde de tónica, pasando al final del conjunto orquestal con un vibrato largo en el acorde subordinado.

En las obras de los compositores de música romántica y más tarde de los compositores de música nacional de varios países, los instrumentos solistas son más expresivos, conmovedores y difíciles, y la música entera a menudo tiene un sentido más fuerte de poder y sinfonía.

Los conciertos para piano de Chopin, los conciertos para violín de Mendelssohn, Brahms, Paganini y otros, así como los conciertos para violonchelo de Dvořák, los conciertos para piano de Grieg y los conciertos para piano de Tchaikov Ski se han convertido en tesoros únicos en el tesoro cultural musical del mundo.

Liszt condensó la concepción artística de las suites de múltiples movimientos y creó una forma de concierto de un solo movimiento. Sus dos conciertos para piano de un solo movimiento se han convertido en obras maestras domésticas.

Después del siglo XX, por ejemplo, el concierto vocal de Greer en la Unión Soviética estaba compuesto por voz humana y orquesta. Algunos conciertos del género musical modernista occidental muestran las características de "condensación" y "concisión". El concierto compuesto por Wei Born, miembro de la "Nueva Escuela de Música de Viena", en forma de secuencia atonal dodecafónica, sigue ocupando el "primer puesto" entre obras similares.

；