Ayúdame a traducir estas seis personas a nombres chinos. Todos son maestros del arte.
El Lissitzky nació el 23 de noviembre de 1890 en Rusia Central, una pequeña comunidad judía a 50 kilómetros al sureste de Smolensk en el antiguo Imperio Ruso. Cuando era niño, vivió y estudió en la ciudad de. Busk, ahora Bielorrusia, y luego pasó 10 años en Smolensk viviendo con sus abuelos y asistiendo a la escuela secundaria de Smolensk. Siempre mostrando interés y talento por la pintura, en 1909 postuló a la Academia de Arte de San Petersburgo, pero fue rechazado. Aunque aprobó el examen de ingreso y obtuvo el título, porque por ley el régimen zarista sólo permitía que un número limitado de estudiantes judíos asistieran a las escuelas y universidades rusas.
Como muchos otros judíos que vivían en el Imperio Ruso en esa época, El Lissitzky fue a Alemania a estudiar, el mismo año que dejó el Imperio Ruso estudió cooperación técnica en arquitectura e ingeniería en la Academia Alemana de Darmstadt. . Durante el verano de 1912, El Lissitzky, en sus propias palabras, "viajó por Europa", pasando un tiempo caminando 1.200 kilómetros en París, Italia, donde se interesó por las bellas artes y el dibujo, la arquitectura y el paisaje. Ese mismo año, algunas de sus obras se incluyeron por primera vez en una exposición de la Unión Rusa de Artistas de San Petersburgo, y permaneció en Alemania hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial, cuando se vio obligado a regresar a casa para vivir con muchos de sus compatriotas, incluidos otros artistas expatriados en el Imperio ruso prerrepublicano, como Kandinsky y Marc Chagall. Estuvo profundamente influenciado por Vladimir Tatlin y la composición que descubrió.
Después de la guerra, vino a Moscú, donde se diplomó en arquitectura en la escuela e inmediatamente comenzó a trabajar como asistente en diferentes empresas constructoras. Más tarde, El Lissitzky rápidamente se dedicó al arte judío. El Lissitzky hizo su primer intento importante en el diseño de encuadernaciones de libros. Su trabajo debutó en el libro de 1917 Sihas hulin: usando letras hebreas y diseñando con imágenes artísticas distintivas. Se unió a las filas constructivistas alrededor de 1919 y posteriormente creó muchas obras destacadas de diseño clásico, como cuñas rojas y estampados circulares blancos, carteles para la exposición soviética en Zurich, diseños de libros para Merz y anuncios gráficos en tinta. En 1921, Al Lissinski abandonó su patria y se dirigió a Alemania, los Países Bajos y Suiza, donde conoció a modernistas y dadaístas de otros países europeos del manierismo holandés, cuyas ideas artísticas procedían de este fue promovida y difundida en el extranjero, y trajo conceptos y conceptos constructivistas rusos. Las ideas constructivistas comenzaron a ser reconocidas por Occidente, lo que provocó una gran conmoción. Lissitzki transmitió las ideas y teorías del constructivismo al dadaísmo, De Stijl y la Bauhaus. En 1925, Lisisky regresó a Moscú. Después de regresar a la Unión Soviética, comenzó a enseñar, tarea que continuó hasta 1930. Por supuesto, además del diseño y desarrollo de exposiciones, El Lissitzky comenzó a experimentar con nuevos medios impresos. Algunos de sus trabajos más exitosos e influyentes fueron el diseño de libros y publicaciones periódicas. que utilizó la imprenta y tipografía radical. En sus últimos años, su mayor interés se centró en el diseño y la arquitectura de exhibidores, lo que trajo cambios revolucionarios al diseño de exhibidores, lo que le valió el respeto internacional, "donde podía usar su poder creativo para servir a la sociedad". En su autobiografía escrita en junio de 1941, escribió: "Mi trabajo más importante como artista es crear exposiciones".
Lyubov Popova, artista de izquierda.
Aleksandr Rodchenko
Viadimir Tatlin
Dziga Vertov), nacido el 2 de enero de 1896 en Bialystok. Posteriormente, para escapar de la guerra, llegó a San Petersburgo con sus padres, donde conoció a Mayakovsky y entró en contacto con el movimiento futurista. Vertov había escrito novelas y poemas fantásticos desde que era estudiante y el movimiento futurista le dejó una profunda impresión. Posteriormente, estudió música y se convirtió en músico del género futurista. En 1916, Vertov fundó el "Laboratorio Aural" para experimentar con la edición de sonido.
A principios de la década de 1920, Vertov se convirtió en el editor del primer documental de noticias de la Unión Soviética, "Film News Weekly". Durante la Guerra Civil, el "Movie News Weekly" se convirtió en una importante herramienta de comunicación. Los materiales cinematográficos de todo el país se editaron inmediatamente en el "Movie News Weekly" y luego se difundieron mediante trenes de propaganda por todo el país. Editando noticieros, Vertov produjo el primer largometraje histórico "Historia de la Guerra Civil", dirigió varios documentales y fundó una revista cinematográfica "Movie Pravda" que se transmitía de vez en cuando.
A través de estas prácticas, Vertov fue formando gradualmente su propia teoría cinematográfica. En 1923, publicó un artículo titulado "Abandonar el método cinematográfico dramático" y propuso la teoría del "ojo cinematográfico". Comparó la cámara con el ojo humano y abogó por que los cineastas utilicen la cámara para capturar la vida de forma inesperada, enfatizando la observación improvisada de la realidad. Pero Vertov no se oponía al montaje. Enfatizó la organización del material observado en la película para guiar al público a una conclusión ideológica clara. La aparición de las películas sonoras permitió a Vertov combinar las teorías del "ojo de película" y el "oído de radio" que defendía para formar un montaje de contrapunto de imagen y sonido. En 1931, Vertov filmó la "Sinfonía de Donbas", que fue apreciada por Chaplin. "Tres canciones sobre Lenin" es otra obra maestra de Vertov, que muestra "todo el proceso desde el pasado hasta el futuro, desde la vida de esclavo a la vida libre". En 1937, Vertov filmó "Canción de cuna". Después de eso, su teoría fue duramente atacada. Hasta su muerte el 12 de febrero de 1954, Vertov nunca volvió a hacer su propia película, sólo algunas películas como misiones.
Kazimir Malevich, conocido como "la última figura de la vanguardia abstracta" por los historiadores, nació en Kiev, Ucrania en 1878, de ambos padres. Es de ascendencia polaca y su padre trabaja en. Gestión de una refinería de azúcar. Ingresó en la Escuela de Pintura de Kiev a los once años y comenzó una vida dedicada a la pintura.
Malevich sabía dibujar y escribir. Era un creador independiente, un profesor y un activista que podía guiar a otros. Es muy creativo, tiene muchas obras, propone constantemente nuevos conceptos en pintura y participa a menudo en exposiciones de arte y actividades sociales. Es un artista de izquierda en acción. Tenía excelentes habilidades organizativas. Reunió camaradas varias veces para formar grupos de pintura, escribir manifiestos, planificar programas y liderar movimientos. Entre ellos, el grupo de pintura "New Art Affirmers" fue el más poderoso e influyente. Cuando el sentimiento revolucionario era alto, Malevich criticó a Shagar por su línea creativa incorrecta. Bourgeois luchó por Shagar desde el puesto de director de la "Escuela Pública de Arte" en Vitebizk. Cuando Lenin murió, también escribió un largo panegírico. finalmente se separó de Tatlin, que defendía el constructivismo, y se opuso al "productivismo" de este último desarrollado a partir del "constructivismo". Una vez dijo: "En lo que respecta a la naturaleza del arte, el arte es, en última instancia, inútil. Es irrelevante. Si el arte es". Para ser útil, el arte dejará de existir y los artistas ya no podrán abrir nuevas fuentes de diseño". Esta visión clara de la función del arte se produce en el momento en que el "realismo socialista" está desarrollando su dictadura. En primer lugar, las obras para su exposición individual en Moscú en 1929 fueron retenidas por las autoridades durante dos años y medio y no fueron devueltas. A finales de 1930 fue arrestado para su revisión y encarcelado brevemente. Sin embargo, todavía puede seguir exponiendo en casa y en el extranjero, y sigue manteniendo un estudio en la Galería Nacional. Parece que la persecución sufrida durante la era de Stalin no fue tan grave. Cuando murió en 1935, su funeral se celebró con gran respeto y el Estado también le concedió una pensión para hacerse cargo de la vida futura de su familia.
El estilo pictórico de Malevich comenzó con una estricta formación realista. Pintó el impresionismo en sus primeros días y evolucionó hacia pinturas abstractas tridimensionales, estructurales y futuristas. Más tarde, se dedicó al "maximalismo" y produjo algo de arte didáctico. El museo no sabe en qué extremo colgar el "cubo rojo", el "cubo negro", el "cubo blanco sobre fondo blanco", etc. Para explicar este tipo de trabajo, Malevich dijo una vez en 1915: "El artista se ha liberado de todos los conceptos, imágenes e ideas, y se ha elevado por encima de todos ellos y de toda vida moral. En el período posterior, regresó al Renacimiento y Declaró que mientras se ocupaba del arte y la sociedad al mismo tiempo, mientras creaba arte puro y se dedicaba al diseño práctico, lo que perseguía era en realidad la omnipotencia de la era del Renacimiento, que consideraba el arte y la vida como uno solo. Posteriormente, utilizó diversas actividades del grupo de pintura "New Art Affirmers" para practicar sus revolucionarios conceptos artísticos.
El grupo de pintura "Unovis" (Unovis), que se estableció formalmente el 14 de febrero de 1920, continuó usando la palabra rusa "Unovisets" como nombre, tomando el nombre de estabilidad y apoyo. La palabra "hold" es "affirmer" en inglés y puede traducirse como "affirmer" o "firmer" en chino. Aquí usaremos "affirmer" por el momento.
Los "afirmantes" creen que la creación será más significativa si el creador sale de sí mismo y contribuye al grupo. Responde al espíritu del colectivismo político y anima a los individuos a unirse a acciones grupales y convertirse en "cosmopolitas". En el campo del arte se promovió el espíritu internacionalista del comunismo, que era exactamente lo contrario del énfasis en el individuo en Europa Occidental en ese momento, lo que formó una oposición muy interesante en el modernismo. Malevich utilizó su "cuadrado negro" como símbolo del grupo pictórico. Según él, el cuadrado negro es "todo" y "nada", "realidad no objetiva" y "realidad objetiva total". " y una "cuasi imagen del organismo técnico del futuro mundo último", y el objetivo común de los "afirmantes" es que todos trabajen juntos para construir una "nueva forma" y un "nuevo espacio" de arte. "Nuevo sistema" crea un modelo para "la futura organización mundial maximalista".
El líder Malevich capacitó a estudiantes destacados, atrajo colegas creativos y formó un grupo poderoso. Con base en la Escuela de Arte de Vitaibizk, organizaron actividades masivas, levantaron la bandera de la integración del arte y la vida y se dedicaron al "trabajo creativo colectivo". Con un cálido espíritu de camaradería, continuaron lanzando nuevas teorías y trabajos, a partir de la mitad. Hace un siglo. Lo figurativo avanzó rápidamente hacia la abstracción, los símbolos y la estructura pura. En junio de 1920, la "Unión Panrusa de Profesores y Estudiantes de Arte" celebró su primer congreso en Moscú. Malevich encabezó la multitud, llevó folletos y obras y participó vigorosamente en la reunión. Atrajo la atención de todas las partes y se convirtió en un líder. líder. El centro de tendencias del día; el "afirmante" creó un momento glorioso para sí mismo.
Los historiadores señalaron que los "afirmantes" tuvieron éxito gracias a "conceptos revolucionarios, teorías exhaustivas, pasos claros y excelentes productos terminados". En términos de estilo, presenta una forma concisa, tonos simples y potentes, una programación espacial flexible e interesante y conceptos visuales nítidos y novedosos. Desde el punto de vista general, es simple y llamativo, y está muy estructural y orientado al diseño. . Hoy, cien años después, sigue desempeñando un papel no sólo en el arte puro, sino también en diversos aspectos de la vida como la arquitectura, los interiores, los escenarios, la edición y la impresión, los carteles publicitarios, la ropa, los muebles, los artículos para el hogar, etc. La Asociación de Pintura "Affirmers" No se fomenta la firma de obras, varias obras se exponen bajo el nombre de la asociación de pintura en lugar del nombre del artista, y con frecuencia se proponen programas incendiarios y llamamientos a la acción colectiva, prefiriendo ser llamados una "fiesta de arte". De hecho, su modo de funcionamiento la acerca más a una organización política, más bien a una comuna de artistas, de la que también se puede decir que es una república artística. Desde 1920 hasta la última exposición en 1923, esta República artística de China existió en la historia durante menos de tres años. Una vez caminó al lado de la República política de China en el camino revolucionario, intercambiando chispas deslumbrantes.