¿Qué culturas pragmáticas existen?
El expresionismo significa que los artistas se centran en expresar sus sentimientos internos a través de sus obras, mientras descuidan imitar la forma de los objetos que describen, por lo que a menudo aparecen como distorsiones y abstracciones de la realidad. Esta práctica se utilizó específicamente para expresar sentimientos de miedo; las obras expresionistas alegres son raras. Según esta definición, también se puede decir que las obras de Matisse Grunewald y El Greco son expresionismo, pero en general el expresionismo se limita a obras del siglo XX.
Simbolismo A finales del siglo XIX, algunos intelectuales europeos estaban descontentos con la vida social y la cultura oficial de salón. No se atreven a afrontar la realidad y no están dispuestos a expresarse directamente. A menudo utilizan símbolos y técnicas morales para ficcionalizar otro mundo en sus fantasías y expresar sus deseos, dando lugar así al arte simbólico moderno. En 1886, el poeta Jean Morais propuso esto por primera vez en el nombre "Manifiesto simbolista".
El simbolismo estuvo influenciado por el idealismo subjetivo de los poetas británicos prerrafaelitas y simbolistas Mallarmé y Porter, y los músicos Wagner y Nietzsche. El simbolismo aboga por enfatizar la subjetividad y la individualidad, utilizando la imaginación de la mente para crear una imagen mágica con significados sugerentes y simbólicos. Ya no muestran lo que ven en ese momento, sino que expresan sus pensamientos y su mundo espiritual interior a través de la síntesis de imágenes específicas. En términos de forma, la búsqueda de magníficos efectos decorativos y de apilamiento.
El imaginismo es una de las corrientes literarias y artísticas modernas. Creado por primera vez por Marinetti en Italia en 1909. De 1911 a 1915 fue muy popular en Italia. Se extendió a los países europeos durante la Primera Guerra Mundial. Basándose en las filosofías de Nietzsche y Bergson, el autor cree que el arte del futuro debería tener un "sentido moderno" y aboga por que los artistas expresen la llamada "concurrencia de estados de ánimo" al crear.
El poeta, escritor y crítico literario italiano Marinetti publicó el artículo "La creación y el manifiesto del futurismo" en "Le Figaro" en febrero de 1909, marcando el nacimiento del futurismo. Enfatizó que la ciencia y la tecnología modernas y el transporte industrial han cambiado los estilos de vida materiales de las personas, y la vida espiritual humana también debe cambiar en consecuencia. Él cree que el desarrollo de la ciencia y la tecnología ha cambiado los conceptos de tiempo y espacio de las personas, la antigua cultura ha perdido su valor y los conceptos estéticos también han sufrido grandes cambios...
Como muchas escuelas de literatura occidental y arte a principios de este siglo, imaginería La tarta fue abandonada al poco tiempo. En cambio, surgió la teoría del vórtice. Sin embargo, como idea, la teoría del vórtice tiene poca simpatía y su influencia es muy débil. Las creaciones de los vorticistas se centraron en expresar poder en lugar de mostrar imágenes. Pound y los partidarios de la teoría de los vórtices lanzaron la revista "Elast" de 1914 a 1915. En su creación, también siguió algunas de las opiniones de los vorticistas. El propósito del imaginismo es exigir a los poetas que expresen vívidamente las cosas con imágenes vívidas, precisas, implícitas y altamente concentradas, e integrar los pensamientos y sentimientos instantáneos del poeta en la poesía. Se opone a comentarios y suspiros. Mientras estaba en Londres, Pound estableció un salón con Hilda Doolittle y Richard Aldington, que recibió el apoyo de muchas personas, entre ellas D.H. Law-renoe, William Carlos Williams, etc. Los Imagists se fundaron en 1902. Pound una vez editó la revista Imagist The Egoist y editó la primera antología de poesía imaginista en 1913. El imaginismo no tiene una teoría específica, pero tiene sus propias ideas estéticas, que se pueden resumir a grandes rasgos de la siguiente manera: utilizar lenguaje ordinario, pero utilizar palabras precisas que tengan sonidos o que se utilicen inadvertidamente para la decoración; crear nuevos materiales; Usar el ritmo para expresar nuevas emociones; usar imágenes para presentar imágenes específicas, firmes y afirmativas; implicar significado sin expresarlo directamente. Escuelas modernas de poesía inglesa y americana. Las imágenes son imágenes objetivas con sentimientos subjetivos y son un concepto inherente a la teoría literaria clásica china.
La literatura sobre la corriente de la conciencia generalmente se refiere a obras literarias que enfatizan el flujo de la conciencia de los personajes. El término "corriente de conciencia" es un término psicológico que se introdujo en el mundo literario en 1918 cuando May Sinclair reseñó la novela "El viaje" de la británica Dorothy Richardson. La literatura de la corriente de la conciencia es una rama importante de la literatura modernista, sus principales logros se limitan al campo de la novela y también se expresa en dramas y poemas.
El género del "humor negro" es un género muy importante en la literatura modernista occidental y ha tenido un impacto amplio y profundo en la literatura mundial moderna.
Sus "Catch-22", "Gravity's Rainbow", "Tobacco Broker", "Slaughterhouse Five" y otras obras son las obras clásicas más influyentes y representativas de la escuela del humor negro. Los novelistas con "humor negro" resaltan lo absurdo del mundo que rodea a los personajes y la opresión de los individuos por parte de la sociedad, expresan la falta de armonía entre el entorno y el individuo (es decir, "yo") con una actitud impotente y burlona, y amplifican y distorsionan esto. falta de armonía, lo que lo hace más absurdo y ridículo, pero también hace que la gente se sienta pesada y deprimente. Por eso, algunos críticos llaman al "humor negro", "humor bajo la horca" o "humor ante el desastre". Los escritores de "humor negro" suelen crear algunos "antihéroes" con personalidades excéntricas, utilizando sus palabras y hechos ridículos para aludir a la realidad social y expresar sus puntos de vista sobre cuestiones sociales. En cuanto a las técnicas de descripción, los escritores de "humor negro" también rompen con la tradición y las tramas de las novelas carecen de conexiones lógicas. A menudo mezclan la narrativa de la vida real con la fantasía y la memoria, y la filosofía seria con los gags. Por ejemplo, "Catch-22" de Heller, "Gravity's Rainbow" de Pinchon y "The First-Class Breakfast" de Wenig. Algunas novelas de "humor negro" se burlan de la crisis espiritual de la humanidad, como The Tobacco Agent of Bath y Cabot Wright Begins de Purdy. Como forma estética, el "humor negro" pertenece a la categoría de comedia, pero también es una comedia pervertida con un tinte trágico. El surgimiento del "humor negro" está relacionado con la agitación en los Estados Unidos en la década de 1960. Las cosas absurdas y las contradicciones de la "comedia" en la sociedad capitalista contemporánea no son creadas por escritores basándose en su voluntad subjetiva. Son reflejos de esa vida social. . Aunque este tipo de reflexión tiene cierta importancia social y valor cognitivo, los escritores también atacan a todas las autoridades, incluida la clase dominante, pero enfatizan que el entorno social es difícil de cambiar, por lo que sus obras a menudo revelan un estado de ánimo pesimista y desesperado.
El punto de vista fundamental del existencialismo es considerar las actividades conscientes irracionales de individuos aislados como la existencia más real, y utilizar esto como punto de partida de toda su filosofía. El existencialismo afirma ser una filosofía centrada en las personas que respeta la individualidad y la libertad humanas. El existencialismo va más allá del alcance de la filosofía pura y ha influido en todos los aspectos de la vida espiritual en la sociedad occidental, especialmente en la literatura y el arte. El existencialismo se centra en las personas, respeta la personalidad y la libertad humanas y cree que las personas viven en un universo sin sentido. No tiene sentido, pero las personas pueden crearse a sí mismas sobre la base de la existencia y vivir una vida maravillosa. La iniciativa más famosa y explícita del existencialismo es el lema de Jean-Paul Sartre: "La existencia precede a la esencia" (l'existence précède l'essence). significa que no existe moralidad o alma externa fuera de la existencia humana; la moralidad y el alma son creados por los seres humanos en su existencia; las personas no están obligadas a adherirse a ciertas normas morales o creencias religiosas, tienen la libertad de elegir; Mire lo que ha hecho, no quién es. El existencialismo niega la existencia de Dios o cualquier otra regla predeterminada. Jean-Paul Sartre se opuso a cualquier elemento "rebelde" en la vida porque reducía el espacio de libre elección de las personas. Si no existe tal resistencia, entonces el único problema que una persona tiene que resolver es qué camino elige tomar. Pero el hombre es libre; incluso si se engaña a sí mismo, todavía tiene potencial y posibilidades. Jean-Paul Sartre también dijo: "El infierno son los demás". Esta visión parece contradecir la opinión de que las personas tienen libertad de elección. De hecho, todos tienen la libertad de elegir, pero todos tienen una responsabilidad ineludible por los resultados de sus elecciones. El mayor problema que enfrenta la gente en el proceso de elección es la elección de los demás, porque todos tienen la libertad de elegir, pero la libertad de todos puede afectar la libertad de los demás, por eso se le llama "el infierno para los demás".
El drama absurdo es uno de los géneros del drama moderno. Absurdo, derivado de la palabra latina sardus (sordera), se refiere filosóficamente a la desconexión del individuo de su entorno vital. El término "Teatro del Absurdo" apareció por primera vez en el libro "Teatro del Absurdo" publicado por el crítico de teatro británico Martin Esling. Es un resumen del autor de las obras de dramaturgos como S. Beckett, E. Ioniscu, A. Adamov, J. Genet y H. Pinter que aparecieron en Europa en los años cincuenta. La base filosófica del drama absurdo es el existencialismo, que niega el significado de la existencia humana y cree que la comunicación entre las personas es imposible y que el mundo es frío e incomprensible para los humanos. Han perdido la confianza en la sociedad humana, lo que es un reflejo ideológico de la realidad de la sociedad capitalista occidental después de la Segunda Guerra Mundial.
Los dramaturgos absurdos se niegan a reflejar la vida absurda de una manera tradicional y racional como los dramaturgos existencialistas, pero expresan directamente la existencia absurda de una manera absurda. El drama absurdo tiene las siguientes características artísticas: ① Se opone a la tradición del drama y abandona la lógica y la coherencia de la estructura, el lenguaje y la trama; ② Generalmente utiliza símbolos y metáforas para expresar temas. ③ Utiliza la comedia alegre para expresar temas trágicos serios. Entre las obras absurdas, Esperando a Godot de Beckett (1952) es la primera y más típica. El más extremo fue His Breath (1970), que no tenía ni una sola línea. Otras obras absurdas famosas incluyen "El cantante calvo y la silla" de Ionesco, "La doncella y el balcón" de Genette, "Una habitación" y "La fiesta de cumpleaños" de Pinter, etc. El drama del absurdo goza de gran reputación en el teatro occidental, pero su apogeo había pasado cuando se publicó El drama del absurdo de Essling. La mayoría de los dramaturgos absurdos tienen que hacer concesiones para ganarse el público. Las obras de Ionescu se volvieron cada vez más alegóricas, las obras de Beckett se hicieron cada vez más cortas, Adamov simplemente abandonó las obras absurdas y recurrió a las obras épicas de B. Brecht, y las nuevas obras de Pinter eran más cómicas que Absurdity. Como poderosa tendencia dramática, el drama absurdo se ha convertido en una cosa del pasado, pero este género dramático tiene una profunda influencia en el mundo del teatro occidental.
El término realismo mágico apareció por primera vez en Europa en la década de 1930. En 1925, el crítico literario alemán Franz? Más tarde, Luo publicó una monografía sobre pintura expresionista llamada "Realismo mágico, expresionismo tardío y varias cuestiones en la pintura europea actual", creyendo que el realismo mágico es un tipo de expresionismo. En 1938, el crítico literario italiano Massimo? Bontempelli también utilizó este término en sus obras de crítica de arte (lo llamó "realismo onírico"), que se considera un nuevo género en el mundo del arte contemporáneo después del surrealismo. Desde entonces, ¿el escritor cubano Alejo? Charpentier profundizó en el realismo mágico desde la perspectiva de la creación de novelas. En el prefacio de su novela "El Reino del Mundo" (1949), afirmó: "La magia es el producto inevitable (milagro) de cambios repentinos en la realidad, una manifestación especial de la realidad, una revelación extraordinaria e ingeniosa que enriquece la realidad, una transformación de la realidad Exageración de estado y escala. ¡El descubrimiento de esta realidad (realidad mágica) se siente fuertemente cuando un estado espiritual alcanza su punto máximo y excitación! "Él cree que la literatura del realismo mágico se basa en una rica imaginación y exageración artística. "Expresión especial" de la vida real convierte la realidad en "realidad mágica". ¿El escritor colombiano Gabriel lo aplicó por primera vez a la crítica literaria latinoamericana? García. La novela de Márquez "Cien años de soledad" se publicó en 1967. Esta novela refleja los cambios en el pueblo ficticio de Macondo y la familia Buendía durante un período de 100 años. Está lleno de tramas y personajes extraños, con fuertes significados mitológicos y simbólicos. Este estilo único ha despertado un gran interés en los círculos de lectura y críticos, y se considera el representante de un nuevo género en la creación de novelas modernas, por lo que se le llama realismo mágico tomando prestada la terminología de un nuevo género similar a este en el arte. La literatura del realismo mágico está dominada por la novela de género. La mayoría de estas obras reflejan la vida real en los países latinoamericanos de una manera mágica y mágica. "Personajes y tramas misteriosos y extraños, así como diversos fenómenos sobrenaturales, se insertan en narrativas y descripciones que reflejan la realidad, haciendo de la sociedad política real de América Latina un mito moderno, con una concepción artística fantástica y tramas y escenas realistas. Las personas y los fantasmas son inseparables , ilusión y realidad se mezclan." Esto crea un estilo único que combina magia y realidad, que es a la vez "mágico" y verdadero. Por eso la gente llama a este enfoque "realismo mágico". El realismo mágico no es magia por naturaleza, sino realidad. La "magia" es sólo una técnica, y reflejar la "realidad" es el propósito. ¿Como Andersen, el famoso crítico literario argentino? Ambert señaló: "En el realismo mágico, el propósito fundamental del autor es utilizar la magia para representar la realidad, en lugar de representar la magia como realidad".