Recogida del diccionario
Francia:
En 1905 surge el auge del animismo liderado por Matisse en Francia; en 1808 nace el cubismo, siendo Picasso y Braque figuras clave. Como punto de inflexión entre el arte tradicional y el arte moderno, "Les Demoiselles d'Avignon".
Expresionismo alemán:
El expresionismo es una escuela de arte que surgió a principios del siglo XX. Su característica artística es enfatizar la importancia de la expresión y catarsis de emociones en la obra. La principal base de actividad del expresionismo se encuentra en Alemania, pero como corriente artística se puede ver en varios países europeos. En 1905 apareció en Alemania la Sociedad Bridge, que fue la primera sociedad expresionista en Alemania. Muchos pintores de la Bridge Society expresaron la naturaleza primitiva del hombre y de la naturaleza y elogiaron la liberación sexual. La segunda escuela del expresionismo alemán fue el "Club de Jóvenes Caballeros", fundado en 191, con representantes entre ellos Kandinsky y Márquez. Es similar a las bestias francesas, con un fuerte color nórdico y tradición nacional alemana.
Expresionismo noruego;
La pintura expresionista alemana, que se desarrolló en los años previos a la Primera Guerra Mundial, ha ido prestando atención gradualmente al estado psicológico de las personas contemporáneas. La pintura noruega Edvard Munch (1863 ~ 1944) tuvo una influencia directa en el arte expresionista alemán.
Expresionismo en otros países:
El expresionismo también fue evidente en otros países europeos. La Escuela Secesionista Austriaca de Viena y su representante Klimt (1862 ~ 1918) hicieron grandes contribuciones al desarrollo del Simbolismo y el Expresionismo a principios del siglo XX.
Futurismo en Italia:
El futurismo, que apareció en Italia en 65438-0909, es un movimiento literario más amplio que es diferente del animismo y el cubismo. No es tanto un estilo sino una ideología. En este movimiento participaron escritores, dramaturgos, artistas, arquitectos y más.
Arte modernista en Rusia y Países Bajos:
1913 El suprematismo fue una importante contribución de los artistas rusos al arte moderno. El fundador del suprematismo fue Malevich. El suprematismo sentó las bases de la teoría abstracta geométrica. El pintor holandés Mondrian (1872 ~ 1944) llevó la teoría de la abstracción geométrica a un nuevo nivel y fundó Geométrica de stijl (Geometric de stijl) en 1914.
El dadaísmo en Suiza durante la Primera Guerra Mundial y sus consecuencias
El dadaísmo, su influencia se extendió a Europa y Estados Unidos. El dadaísmo se opuso a la guerra, la autoridad y la tradición, el arte, la racionalidad y la civilización tradicional, y defendió la vida y la literatura sin propósito ni ideales. Estos artistas exiliados tenían fuertes sentimientos contra la guerra. Al ver que la civilización humana era pisoteada, sintieron que su futuro era sombrío, por lo que se desarrolló entre ellos la anarquía y el nihilismo. Querían organizar un grupo literario y artístico internacional para crear obras literarias y artísticas acordes con sus nuevos ideales. En la reunión fundacional de febrero de 1916, la cantante Madame Lois encontró por casualidad en un diccionario francés la palabra "papá", que significa "lenguaje ambiguo de los niños". La gente pensó que el nombre era extraño y divertido, y sería bueno usar el nombre de su grupo. Pronto publicaron el Manifiesto Dadá. La declaración decía que "Dada no tiene fe" y "Dada no tiene nada que pedir, y Dada es Dada". Los representantes del dadaísmo fueron Picabia y Duchamp.
El artista francés Marcel Duchamp (1887 ~ 1968) estuvo obsesionado con el cubismo y el futurismo en sus primeros años. Duchamp llegó a Nueva York en 1915. Estaba muy interesado en la "civilización de máquinas" de Estados Unidos.
Después de decir "Nueva York en sí misma es una obra de arte", viajó entre Estados Unidos y Francia para promover el dadaísmo y fundó American Dadaist Art 1965438. En febrero de 2007, la Exposición de Arte Independiente de Nueva York exhibió un regalo de Duchamp. titulado "Primavera" causó sensación.
Duchamp explicó: "No importa si hice esta "Primavera" yo mismo. Elegí un electrodoméstico común y corriente y le puse un nuevo título para darle a la gente una nueva perspectiva. El significado práctico original se ha perdido, pero ha ganado un nuevo contenido "La aparición de esta obra de arte muestra la negación del dadaísmo de la civilización tradicional, y su importancia radica en elevar los productos existentes en la vida al más alto nivel. La altura del arte marcó el abolición de la frontera entre vida y arte. La vida es arte, abriendo un amplio campo y creando el posterior Pop Art.
El movimiento surrealista se centró en París
El surrealismo, que se desarrolló sobre la base del dadaísmo, absorbió los conceptos de dadaísmo, tradición y creación independiente, y abandonó el dadaísmo y niega por completo el concepto nihilista. actitud, pero tiene creencias y programas relativamente positivos. Como movimiento literario, se extendió ampliamente entre las dos guerras mundiales. El surrealismo estuvo profundamente influenciado por la teoría del subconsciente de Freud, que sirvió como ideología rectora de este movimiento artístico. Apuestan por explorar el nivel trascendental del ser humano, combinando el concepto de realidad con el instinto, el subconsciente y las experiencias oníricas para lograr una escena absolutamente surrealista. Entre las figuras representativas se encuentran Ernst, Miró, Dalí y Magritte. "La persistencia de la memoria" es la famosa obra de Dalí.
Una colección de artistas que no se unieron a ningún grupo artístico: la "Escuela de París"
Desde principios del siglo XX hasta antes de la Segunda Guerra Mundial, París reunió a un gran número de artistas destacados . Entre estas personas hay artistas que viven en él pero no participan en ningún grupo. Mantienen sus propias características artísticas y estilo personal, se nutren del arte de sus predecesores y contemporáneos, se centran en la creación de concepciones artísticas y el lirismo, y expresan sus emociones internas frente a la pobreza, la tristeza, la nostalgia y otros encuentros. No están organizados en un club y tienen diferentes estilos. Se les conoce colectivamente como la "Escuela de París". Los pintores representativos incluyen a Franco Modigliani, Rousseau, Chagall, Soutine, etc. A continuación se muestran "El pueblo y yo" de Chagall y "El sueño" de Rousseau.
Escultores
En la primera mitad del siglo XX, hubo escultores modernos famosos, entre ellos Bochum, Brancusi, Henry Moore, Giacometti, etc. Retrato del rey y su esposa de Henry Moore;
El suizo Giacometti (1901 ~ 1966) fue a la vez escultor y pintor. Era miembro de los surrealistas. Cambió su estilo artístico muchas veces a lo largo de su vida, y más tarde se centró en el estudio de las figuras humanas, desarrollando poco a poco un tipo de retrato escultórico con cualidades visuales únicas. En "Walking Man", a la figura parece haberle quitado todo su caparazón material, dejando sólo un esqueleto delgado, lo que obliga a la gente a repensar la relación entre las personas y el espacio.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el centro del arte mundial se trasladó de París a Nueva York, en Estados Unidos, y desde entonces Nueva York se ha convertido en el centro del arte occidental.
Estados Unidos de América
El símbolo del arte moderno estadounidense que lidera la generación de la pintura occidental es el surgimiento del expresionismo abstracto. El Expresionismo Abstracto, también conocido como “Action Painting” o “Escuela de Nueva York”, es una escuela de Expresionismo, Abstraccionismo y Surrealismo, y es en realidad una corriente artística. Esta corriente de pensamiento se adaptó al estado psicológico y a las exigencias estéticas de los estadounidenses después de la Segunda Guerra Mundial, enfatizó la libertad y la falta de propósito de las acciones de los artistas y elevó el acto creativo en sí a una posición importante. Entre los pintores representativos del expresionismo abstracto se encuentran Pollock (1912 ~ 1956), de Kooning (1904 ~ 1997) y Still (1904 ~ 1980). El expresionismo abstracto se convirtió en una "abstracción pospictórica" en la década de 1960, también conocida como "Escuela de campo de color" y "Abstracción de borde duro". Más tarde vinieron nuevas formas geométricas abstractas.
El arte pop apareció por primera vez en Gran Bretaña en la década de 1950 y posteriormente fue ampliamente utilizado en el arte estadounidense para referirse a un fenómeno del arte popular.
El arte pop es un arte basado en la cultura popular y se convirtió en el género de arte moderno más popular e importante del mundo a finales de los años 1960. La palabra "Pop" contiene el significado de popular, popular y popular, por lo que la característica del Pop Art es reflejar de manera integral diversos campos de la cultura popular. El arte pop basado en la cultura popular está inevitablemente arraigado en la sociedad industrial moderna y la economía mercantil, ya sea como fuente de creación, medios técnicos o elementos lingüísticos, es inseparable de la sociedad comercial desarrollada y la vida empresarial de esa época. Los artistas pop vivían en una sociedad comercial, y el entorno urbano y la cultura popular en el estilo de vida comercial proporcionaban símbolos lingüísticos para sus ideas y creaciones: coloridas necesidades diarias, anuncios abrumadores, periódicos y revistas, dulces imágenes de cantantes y estrellas de cine, eliminación de residuos, protección del medio ambiente, etc Utilizan materiales locales y utilizan pintura, instalación, collage, serigrafía, colecciones ready-made y otros métodos para crear. A través de la selección de materiales y una cuidadosa producción, combinan las imágenes más familiares de cantantes, estrellas de cine, carteles publicitarios y coca. -Cola, etc. en la vida cotidiana de las personas. Se representó para mostrar la vida de la época, mantener a la gente en estrecho contacto con la época y igualar el arte y la vida.
El collage del pintor estadounidense Hamilton "Lo que hace que el hogar de hoy sea tan diferente y tan atractivo" puede considerarse como la primera obra verdadera de arte pop. Se mezcla o insinúa imágenes de hombres y mujeres colgadas en la pared, televisión, libros y publicaciones periódicas pornográficas de baja calidad, artículos de primera necesidad para el consumidor, envases, películas e incluso la palabra "Pop" que aparece en una raqueta. Cuando la pintura se exhibió en Londres, se malinterpretó como un ataque al arte o a la sociedad de consumo. Hamilton explicó que su propósito era todo lo contrario, crear un nuevo arte. Dijo: "Prefiero pensar que mi objetivo es encontrar la poesía en las cosas y actitudes cotidianas".
De todos los movimientos artísticos de posguerra, el arte con mayor conciencia estadounidense es el minimalismo, cuyo objetivo es con total limpieza y plenitud, reduciendo el arte a los elementos más intrínsecos y esenciales del propio medio, eliminando otras partes no esenciales. Minimizar las técnicas artísticas es esperar que ocurra una sola actividad y brinde al público una experiencia única. Los pintores representativos incluyen: Frank Stella y otros.
El arte conceptual enfatiza la importancia de los conceptos humanos y el significado de las obras en la creación. Los artistas conceptuales creen que es difícil que las obras de arte tradicionales expresen plenamente las ideas del artista. Sólo el proceso creativo y los métodos y medios para registrar este proceso pueden expresar adecuadamente las ideas. El surgimiento del arte conceptual no es casualidad. Es un arte en el que el arte modernista vuelve gradualmente a la "cancelación" del expresionismo abstracto al minimalismo. Los artistas conceptuales actuaron y dieron conferencias en todas partes. También fundaron la revista "Art Language" en 1969 y realizaron una serie de exposiciones, convirtiéndose en una escuela modernista que se hizo popular en Europa y Estados Unidos en los años 1970.
El op art, también conocido como arte de efectos de luz o arte de ilusión óptica, apareció en Europa y Estados Unidos en la década de 1960 y se desarrolló junto con el Pop Art. Arraigado en el arte abstracto, es un método que utiliza la óptica. Principios para crear El arte de realzar una pintura. Los patrones geométricos estáticos y abstractos y sus diferentes combinaciones de claroscuros y gradientes de color crean ilusiones visuales o ilusiones ópticas para el público. Sus formas incluyen pinturas bidimensionales y obras tridimensionales. Riley Creek, Reino Unido
El land art, también conocido como "arte del paisaje", es un género de arte moderno occidental que surgió en la década de 1970. Los artistas de land art abogan por utilizar la naturaleza como material para la creación en el entorno natural, permitiendo a la mayoría de las personas participar en actividades artísticas y adquirir una nueva experiencia desconocida en los juegos y la fantasía. Smithsonian Spiral Jetty, EE.UU.
El surrealismo, también conocido como realismo fotográfico, se originó en Estados Unidos y se hizo popular en Occidente después de la década de 1960. Los artistas de esta escuela se opusieron a las emociones subconscientes del arte abstracto y a la práctica de no mostrar objetos concretos en el modelado. Creen que se deben eliminar los pensamientos subjetivos del pintor y los objetos deben reproducirse de manera objetiva, veraz e incluso como la fotografía, por eso también se le llama "fotorrealismo". El concepto artístico del surrealismo es semejanza y verosimilitud. Muchos pintores surrealistas utilizaron fotografías como base de sus pinturas y para crear un efecto objetivo y realista. Chuck Close (1940 ~) es un pintor representativo del surrealismo americano. Su obra Linda.
Posmodernismo
En la década de 1970, el arte modernista fue considerado como la etapa final de desarrollo y surgió el "posmodernismo". El posmodernismo es un concepto vago y los círculos académicos tienen opiniones encontradas al respecto. En términos generales, es un término general para las tendencias artísticas de vanguardia en Europa y Estados Unidos en las últimas décadas, principalmente en Estados Unidos después del modernismo. El concepto de posmodernismo apareció por primera vez en el campo de la arquitectura y luego se expandió paulatinamente a otros campos como el arte. No se trata de ninguna manera de una escuela de arte específica, sino de una tendencia cultural amplia, que se caracteriza por estar dominada por ideas multiculturales en el contenido y basadas en un enfoque integral en la forma. Los artistas posmodernos trabajan con una amplia gama de medios, que incluyen dibujo, escultura, artes escénicas, fotografía de naturaleza muerta, técnicas mixtas, instalaciones artísticas y más.
En los años 80 aparece en Estados Unidos el "Nuevo Expresionismo". El neoexpresionismo estadounidense tiene estrechos vínculos con el expresionismo europeo, especialmente el alemán. El auge del expresionismo en Estados Unidos es evidencia de un retorno al arte, y muchos elementos del expresionismo europeo recibieron renovada atención a principios de este siglo.
A finales del siglo XX surge el multiculturalismo en el arte occidental. Cada vez más artistas de Asia, África, América Latina y otras regiones vienen a Estados Unidos y Europa. Trajeron consigo sus tradiciones culturales originales y formaron nuevas formas de expresión artística en el nuevo entorno cultural. El arte occidental moderno añade contenido al multiculturalismo.
En la segunda mitad del siglo XX, además del artista pop Oldenberg, también estuvieron David Smith (1906 ~ 1965) y la escultora estadounidense Butterfield (1949 ~).