Cultura pop japonesa
Arte pop En la década posterior a mediados de la década de 1950, se desarrolló en Estados Unidos y Gran Bretaña un nuevo género artístico llamado "arte pop". Todas estas personas, denominadas "artistas pop", tenían una característica única en sus creaciones durante este período. Utilizaban imágenes culturales comerciales populares y objetos cotidianos de la vida urbana como temas y adoptaban a menudo técnicas creativas. de industrialización y comercialización. Los elementos que crearon el arte pop no se encontraron en todas partes. La cultura urbana británica y estadounidense de la posguerra fue el terreno especial para su crecimiento. Sólo los artistas que están en estrecho contacto con esta cultura urbana pueden captar el estilo único y las técnicas de expresión del Pop Art.
Se cree que el arte pop en sentido estricto se originó en Gran Bretaña, no en Estados Unidos. A finales de 1952, un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos y críticos se reunieron en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres. Este autoproclamado "grupo independiente" se centró en discutir la cultura popular y su significado, como las películas occidentales, las novelas espaciales, los carteles publicitarios, la belleza de las máquinas, etc. Todos estos fenómenos se consideraban antiestéticos en ese momento. Este grupo quedó fascinado por la nueva cultura popular urbana, y se sintió particularmente atraído por las expresiones americanas. Por un lado, a los ojos de los británicos, Estados Unidos en ese momento era un país ideal con todo, desde productos de nailon hasta motocicletas nuevas. Por otro lado, el mundo del arte británico en la década de 1940 estaba envuelto en una atmósfera de serio romanticismo, y el arte pop británico fue una reacción a él.
En 1956, los "Independientes" realizaron una exposición titulada "Esto es el mañana". La obra más conmovedora de la exposición y la obra más influyente en la historia del arte es un cartel colocado en el área de entrada por Richard Hamilton, titulado "¿Qué tienen las casas de hoy que las hacen tan extraordinarias y encantadoras?" ‖ (Figura 1). La pintura muestra un apartamento moderno con un hombre musculoso y una mujer desnuda arrogante recortados de revistas ilustradas. El apartamento contiene una gran cantidad de artefactos culturales: un televisor, una grabadora, la portada ampliada de un cómic, una insignia de Ford y un anuncio de una aspiradora. A través de la ventana del cuadro se puede ver una pantalla de cine que muestra un primer plano de Al Jolson de la película "The Jazz Singer". El hombre también sostenía una piruleta extremadamente grande con tres letras grandes POP. La palabra Pop Art proviene de aquí. POP no es sólo el sufijo de la palabra inglesa lollipop, sino también la abreviatura de la palabra "popular".
En Estados Unidos, el arte pop fue una reacción contra el expresionismo abstracto dominante de los años cincuenta. Por un lado, las obras del expresionismo abstracto se ven como una muestra de la personalidad única del artista. Es completamente personal, subjetiva y espiritual. Destaca la pureza del arte y se convierte en una especie de arte aristocrático espiritual. Por otro lado, como este tipo de espiritualidad radica en la improvisación y es completamente personal, muchos recién llegados la han imitado, por lo que parece que todos pueden hacer este arte "elegante". Es una pena que la mayoría de estas obras solo tengan imágenes deslumbrantes y sea difícil mostrar el espíritu. Se puede decir que “parece mucho, pero en realidad es menos”. El arte pop abordó las cuestiones del expresionismo abstracto y probó audazmente nuevos materiales, nuevos temas y nuevas formas. En la década de 1960, el arte pop trajo vigorosamente "vida" y vida urbana moderna a museos y galerías. La primera exposición colectiva que popularizó el término "pop" fue la exposición "Nuevos artistas realistas" celebrada en Sydney Janis Gallery en 1962, que reunió a artistas de esta corriente (incluidos artistas europeos). A esta le siguieron dos exposiciones en 1963: la "Exposición de los Seis Pintores" y la "Exposición de la Imagen Popular".
Hasta cierto punto, Estados Unidos ha influido en todo el arte pop del mundo. Debido al poderoso poder de la cultura comercial estadounidense, puedes ver películas de Hollywood y comer hamburguesas de McDonald's en casi cualquier país del mundo. Ha penetrado en muchas culturas y se ha convertido en una cultura popular consumible. Desde otra perspectiva, el Pop Art es también arte "industrial". Roy Lichtenstein dijo una vez: "Debido a que Estados Unidos se ha visto cada vez más afectado por la industrialización y el capitalismo, sus valores parecen estar más distorsionados... Creo que el significado de mi creación es mostrar que es sexual industrial. , esta es también la dirección del mundo entero. Europa pronto será la misma, por lo que el arte pop no será estadounidense, será global.
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El arte pop resistió el dicho de un crítico famoso: el gran arte debe ser un arte difícil. Los artistas pop a menudo usaban técnicas de collage o reproducción masiva, que parecían más fáciles. El arte popular es café instantáneo, es pantalla ancha." El cine moderno no es latín monástico, es arte popular. "El atractivo del arte pop es tan amplio como su alcance. Acepta todo, todos los aspectos más ordinarios de la vida. Sigue siendo arte, pero de ninguna manera es arte por el arte.
Mencionado por Arte pop británico y americano, los primeros en mencionar son los estadounidenses Rauschenberg y Jasper Johns, y el británico Richard Rauschenberg nació en 1925. Texas, estudió en la Académie Julesin de París a finales de los años 1940. Fue influenciado por el expresionismo abstracto. En sus primeros años, y a principios de la década de 1950, pintó una serie de cuadros completamente blancos en los que la única imagen era la sombra del espectador. Más tarde, pintó una serie de cuadros completamente negros, pero estos métodos de pintura no eran los suyos. Primero, se desarrolló en la dirección de la "pintura de ensamblaje", utilizando objetos comunes de la vida para formar imágenes: se componen botellas de cerveza y papel usado, neumáticos viejos, periódicos, fotografías, cuerdas, sacos, almohadas, etc. lienzos y objetos fijados en el lienzo. "Cama" (Figura 2) es una obra típica de este tipo. El autor simplemente cuelga sacos de dormir y almohadas sobre el lienzo y luego le echa un poco de pintura. Sus obras pretenden romper las fronteras entre el arte y la vida. Como él mismo dice: "La pintura es arte y vida, ninguna de las dos está hecha". Lo que quiero hacer está en algún punto intermedio. "Al mismo tiempo, sus obras tienen rastros de expresionismo abstracto y, a menudo, son magníficas.
La filosofía artística de Rauschenberg se inspiró en el artista experimental John John, a quien conoció mientras trabajaba en Black Mountain College. Influenciado por John Cage Conoció a Cage en 1951 y ambos tuvieron una estrecha relación. Cage influyó en Rauschenberg desde una perspectiva zen: "El juicio no tiene sentido, porque no hay una cosa que sea mejor que otra". ser diferente de la vida, pero un acto en la vida. "
Durante su carrera creativa, Rauschenberg siempre ha mantenido contacto con las ciudades circundantes y la sociedad tecnológica. Su enfoque "integrado" puede reflejar mejor la riqueza de una época. Imágenes, como en "Símbolos" (Figura 3), podemos ver toda la información que es característica de los Estados Unidos en la década de 1960, incluido el presidente estrella Kennedy, el líder negro Martin Luther King, los soldados de la guerra de Vietnam, los astronautas alunizajes y la búsqueda del sexo, los hippies emancipados, etc.
La carrera de Johns tuvo muchas similitudes con la de Rauschenberg, y los dos compartieron estudio en un momento crítico de su desarrollo. Las imágenes son famosas, como una fila de números (Figura 4-1), un objetivo. (Figura 4-2), la bandera estadounidense (Figura 5), un mapa de Estados Unidos, etc. Estas se han convertido en imágenes clásicas del Pop Art, porque cree que ya no generan ninguna energía. Es que "la pintura es en sí misma, no la representación de ningún otro objeto".
Johns no pretende expresar sus sentimientos a través de sus obras. En su opinión, el artista tiene libertad absoluta. en lo que quiere hacer y no debe verse restringido por consideraciones de evaluación. Cree que en la mayoría de los casos, el trabajo será mal entendido y mal utilizado. Incapaz de controlar la situación y la forma en que se juzgó su trabajo, no tuvo ningún problema con esto. Situación interesante Una de sus famosas esculturas es una reproducción de dos latas de cerveza en hierro (Fig. 6), que a menudo se entiende como una crítica a una determinada situación actual de la sociedad. "En aquella época yo hacía esculturas con objetos pequeños: linternas y bombillas. Y luego está esta historia sobre Willem de Kooning, quien de alguna manera se molestó con mi agente y dijo: 'Esa perra, dale dos latas de cerveza y podrá venderlas'. 'Cuando escuché esto pensé: 'Qué escultura: dos latas de cerveza'. "En aquel momento me pareció que se adaptaba perfectamente a mis gustos, así que lo hice y mi agente los vendió". "
En el movimiento pop art británico, el artista que tiene el mismo estatus que Rauschenberg y Johns en Estados Unidos es Richard Hamilton. Los tres tienen un gran interés por el dadaísmo. Más aproximación. La educación personal de Hamilton tuvo una influencia importante en sus esfuerzos artísticos.
Comparado con la mayoría de los demás artistas, en realidad era un autodidacta. Comenzó a trabajar en publicidad después de graduarse de la escuela primaria a la edad de 14 años, mientras asistía a clases nocturnas en varias escuelas de arte. Su experiencia como docente se convirtió en otra poderosa influencia en su carrera de pintura. Ha impartido clases de diseño durante mucho tiempo, lo que le hizo prestar especial atención a la capacidad de resolución de problemas y, a menudo, le convirtió en un pragmático. En 1957, dijo que las cualidades que perseguía eran populares, efímeras, asequibles, divertidas, sexys, ingeniosas, encantadoras, baratas y producidas en masa.
Si bien Hamilton hizo un amplio uso de temas estadounidenses, no era un artista estadounidense. Siempre estuvo dispuesto a explicar su trabajo, a veces con gran detalle. Por ejemplo, la obra "Ella" es una colección de muchas imágenes publicitarias: fotografías de refrigeradores Shengjiao, anuncios de aspiradoras y otros electrodomésticos, y fotografías de la revista Esquire clavadas en la pared. Hamilton incluyó una larga descripción de esta obra: "Las mujeres en el arte de los años 50 eran anacrónicas: nos recordaban el olor de la alcantarilla, gordas morbosas, piernas rosadas cruzadas, tontas y lascivas. No se parece en nada a la imagen de una mujer fría en Este tipo de mujer es realmente lujuriosa y es especialmente inteligente a la hora de expresar su deseo sexual. Aunque está equipada con las joyas más caras, la gente todavía la considera sólo un accesorio de moda. Lo peor de una mujer es que no puede armonizar elegantemente con su entorno: la armonía entre una mujer y su entorno, al igual que la armonía entre ella y su ropa, puede determinar nuestra visión de ella. El sexo está en todas partes, y sus símbolos también. se puede encontrar en artículos de lujo glamorosos producidos en masa: plásticos carnosos y metales suaves y más carnosos. "
Crear más tarde. "I Dream of a White Christmas" toma una toma cinematográfica y crea una serie de elaboradas transformaciones. Lo especial es que Hamilton utilizó negativos de color en lugar de positivos de color, y reemplazó al cantante blanco de la película por un cantante negro, en alusión irónica al título de la canción cantada por el cantante. Sin embargo, este elemento de sátira no excluye la nostalgia. Las obras de Hamilton, como las de otros artistas pop británicos, tienen un toque de tristeza, lo que hace que sus obras sean más encantadoras que las de los artistas pop estadounidenses.