Maestro de la ilustración Artista raro-raro
Desde muy joven creó mezclas únicas de criaturas extrañas en sus obras, mostrando el estilo misterioso y extraño de su pensamiento artístico. Al principio, también creó algunos dinosaurios y monstruos antiguos y distantes. Pronto, rompió con las limitaciones del arte tradicional de ciencia ficción y fantasía y utilizó su ilimitada capacidad de fantasía para desarrollar temas personalizados.
En la escuela, mostró un talento artístico excepcional y una perspectiva de observación única. Después de la secundaria, fue a la Escuela de Artes y Oficios de Newark, pero después de unas semanas abandonó por frustración. La razón es sencilla. Estaba cansado de las clases monótonas en la escuela, pero aun así, cuando el profesor de arte lo mencionaba, siempre estaba lleno de elogios. En las preguntas del cuestionario dadas por el profesor del aula, el profesor suele criticar los trabajos de otros estudiantes, excepto... En los últimos días, Dorian trabajó a menudo para sus agentes en Nueva York, Chicago, Los Ángeles y otros lugares, y recibió buenas críticas. Se convirtió en un exitoso ilustrador independiente de ciencia ficción.
Dorian Klevenger es básicamente un artista de terror, pero sus obras son sin duda estéticas en el sentido moderno: estéticas con un extraño encanto. El público más sensible a su obra notará que hay una mezcla de trastorno obsesivo-compulsivo y ansiedad en las pinturas, que es tan picante pero refrescante como una bebida fuerte.
Sus obras están llenas de la combinación de hermosas mujeres y formidables crustáceos, así como armaduras parecidas a erizos cubiertas de púas y espinas de hierro. La sirena de "Flight" es uno de los animales más peligrosos del océano: la mantarraya. Su baile en el agua es inequívoco y el más hermoso, como caminar y deslizarse sobre una lujosa pelota con un vestido elegante. Si desea explorar más ilustraciones maravillosas o trabajos generados por computadora, hay muchos lápices azules arriba. Creo que te gustarán.
Se adjuntan ilustraciones del ilustrador Dorian Krivenger-Manta Rays.
¿Qué ha vivido el controvertido ilustrador Wu Yong en estos años? No sabemos por lo que ha pasado Wu Yong, el ilustrador del libro de texto People's Education Press, en los últimos años. Es una persona muy discreta en la vida y no ha aceptado ninguna entrevista.
Si no fuera por esto, no le prestaríamos atención a Wu Yong en absoluto. Aunque esta no es la primera vez que vemos el nombre de esta persona, estamos muy familiarizados con Wu Yong Design Studio porque veíamos el nombre de este estudio en los libros de texto cuando éramos niños. Antes de esto, siempre pensamos que para ser ilustrador de libros de texto debe ser una persona con buenas perspectivas y una gran fortaleza profesional, pero sus trabajos han adquirido una atmósfera extraña en los últimos años, lo que hace que la gente dude de la experiencia de Wu Yong en los últimos años.
Después de que se expusieron las ilustraciones del libro de texto de People's Education Press, mucha gente habló de ello. Al principio, todo el mundo estaba insatisfecho con las ilustraciones del libro de texto, pero finalmente la información publicada en línea hizo que la gente se estremeciera. Esto no parece ser un accidente, sino más bien una conspiración que ha sido planeada durante muchos años, y el propósito de la otra parte parece ser perturbar la visión de la vida de los niños y dejar que se vean afectados por tales conceptos erróneos y pensamientos desde una edad temprana. edad. Todo el mundo siente cada vez más curiosidad por este diseñador, Wu Yong. No parecía tener obras representativas, pero se convirtió en una de la noche a la mañana.
Después de una investigación en profundidad, se descubrió que las experiencias y cambios de Wu Yong a lo largo de los años estaban directamente relacionados con su maestro. El maestro de Wu Yong es Lu Jingren, y Lu F, el diseñador de portada del libro de texto de People's Education Press, es el hijo de Lu Jingren. Esta puede ser la razón por la que Wu Yong pudo obtener la calificación de ilustración en el libro de texto de People's Education Press. El estudio de Wu Yong no existe en absoluto, pero él es elegible para postularse.
No sabemos qué ha vivido Wu Yong en los últimos años, pero sus acciones han tenido un gran impacto negativo en los conceptos correctos de los niños. También espero que el funcionario pueda investigar este asunto a fondo, porque Wu Yong probablemente no sea un individuo, sino un grupo, lo cual es realmente espeluznante.
Edward Munch (1863 65438 + 12 de febrero-1944 65438 + 23 de octubre) fue un pintor y grabador expresionista noruego. Gran pintor noruego y pionero de la pintura expresionista moderna. Edvard Munch es un artista noruego de renombre mundial cuyas pinturas se caracterizan por un fuerte sentido de subjetividad y tristeza. Picasso y Matisse absorbieron su alimento artístico, y varios artistas de Alemania y Francia también se inspiraron en su obra. Su intenso y absorbente tratamiento del sufrimiento psicológico tuvo una gran influencia en el desarrollo del expresionismo alemán a principios del siglo XX.
Los temas y estilos pictóricos de Modigliani están muy concentrados. Sólo pintaba personas. De todas sus pinturas que se conservan, sólo quedan dos paisajes. Uno de ellos fue pintado por Tashkenny cuando tenía catorce años. Aunque no tenía características personales, su técnica estaba alcanzando a los impresionistas. El otro fue realizado un año antes de su muerte, y sus pasteles y distorsiones son iguales a sus pinturas de figuras. Aparte de estos dos paisajes, a excepción de Brancusi y las esculturas africanas, todas las obras de Modigliani se concentran en dos categorías, retratos y desnudos. No tiene imágenes grupales ni obras narrativas.
Sus primeros trabajos fueron relativamente tradicionales en cuanto al retrato, pero pronto desarrolló un estilo propio en el que los fondos de los retratos se volvían abstractos. En términos generales, un retrato formal debe tener un fondo, principalmente un ambiente interior, que revele la situación social de la figura, mientras que un retrato de ejercicio no tiene fondo, sólo color.
Modigliani estaba en algún punto intermedio. La mayoría de sus retratos no son obras, pero no pintan fondos. En el mejor de los casos, son sólo muebles geométricamente abstractos. Este tipo de procesamiento en segundo plano no indica el entorno de vida ni el estatus social del personaje, lo que hace que el personaje en sí parezca único. Ésta es la preocupación del pintor por las personas, especialmente por el mundo interior de las personas.
Es lógico que los ojos puedan expresar mejor el mundo interior, pero, curiosamente, muchos de los retratos de Modigliani, incluidas muchas obras excelentes, no incluyen ojos. Los pintores, al igual que los escultores griegos antiguos, trataban el ojo como una superficie plana y lo pintaban de un solo color. De hecho, en términos críticos de hoy, Modigliani pintó ※¿Mirada? , una mirada hacia uno mismo. La teoría de la mirada tiene su origen en la teoría del espejo del psicólogo francés Lacan (Jacques Lacan, 1901-1981) de mediados del siglo XX, que cree que los niños comienzan a mirarse a sí mismos a través del espejo, lo cual es el comienzo para que las personas se estudien a sí mismas y su relación. con el medio ambiente. A finales del siglo XX, la teoría de los estudios culturales en el período posmodernista enfatizaba la mirada, el espionaje, el contacto visual y otras comunicaciones en la mirada, creyendo que la comunicación de los ojos revelaba el entorno social y las relaciones de supervivencia de las personas. Modigliani dijo una vez que sus personajes miran su mundo interior. Yo diría que sus personajes están tan solos como el propio pintor, comunicándose sólo consigo mismo. Como no saben nada del mundo exterior, no tienen ojos. Los llamados ojos ciegos sólo ven su propio mundo interior. De esta forma, el trasfondo abstracto de los personajes se justifica porque el trasfondo y el entorno no son más importantes que los propios personajes. Así, en otras pinturas, incluso si los ojos están dibujados, los ojos de los personajes están en blanco y vacíos, aparentemente sin foco. Hacen la vista gorda ante el mundo exterior. Por eso también me gustaría decir que la abstracción de Modigliani es sólo una forma superficial. Sus retratos son en realidad su comprensión de las personas y un reflejo de su propio mundo interior.
Al igual que los retratos, las figuras desnudas de Modigliani también persiguen el mundo espiritual interior en formas externas abstractas. Además de la abstracción del fondo de algunas obras y la ceguera de algunos personajes, la sencillez de los colores decorativos y la planitud de las formas espaciales, así como el uso improvisado de los colores del pincel, son también una forma que tiene el pintor de prestar atención. a los propios personajes. Sin embargo, la principal forma de lograr este objetivo es a través del diseño compositivo del pintor. La mayoría de las pinturas de desnudos femeninos de Modigliani son pinturas de cuerpo entero reclinadas. Al componer el cuadro, el pintor utilizó deliberadamente el borde del lienzo para cortar las piernas de los personajes, y algunos incluso cortaron las manos y la parte superior de la cabeza. Desde el Renacimiento europeo, las pinturas de figuras tradicionales, especialmente las pinturas de figuras clásicas y académicas, han enfatizado los principios de totalidad y unidad. Todas las partes del cuerpo humano están completamente dibujadas siempre que sean visibles en perspectiva. Esto sigue la teoría estética de la perfección propuesta por el antiguo filósofo griego Alex Dodd. Modigliani no siguió este principio. Cortó las piernas del personaje, liberando visualmente el cuerpo humano de las limitaciones del marco, haciéndolo parecer flotar sobre el lienzo, y el cuerpo humano en sí quedó resaltado. Es decir, dado que el marco del cuadro ya no limita nuestro campo de visión y ya no es una ventana para que pintores y espectadores observen el mundo, los objetos observados no están muy lejos fuera de la ventana, sino muy cerca de nuestros ojos. con la capacidad de espiar cerca.
KaetheKollwitz, antes conocida como KaetheSchmidt. Grabador y escultor alemán. Nacido en Königsberg (actual Kaliningrado, Rusia) en 1867 y fallecido en Dresde el 22 de abril de 1945. Comenzó a aprender pintura a los 14 años. En 1889 se casó con Karl Kollwitz, un médico que trabajaba en los barrios marginales, y en 1898 comenzó a enseñar en la Academia de Artes Femeninas de Berlín. En ese momento, ella se había convertido en socialista. Sus primeras obras, como "El levantamiento de Weaver", "El levantamiento", "La muerte y la mujer", "Liebknecht" y "La guerra", transmitieron de forma aguda el destino trágico y el destino de la clase trabajadora bajo el sistema capitalista. lucha.
Egon Schiele (1890 ~ 191820) fue un gigante de la pintura austriaca, un pintor expresionista y un importante representante de la Secesión de Viena a principios del siglo XX. Nacido en Thun, Austria en 1890, fallecido en Viena a causa de la peste en 1918.
En 1906, a la edad de 16 años, Schiele fue admitido en la Academia de Bellas Artes de Viena. Estudió con el pintor decorativo Gustav Klimt, líder de la Secesión de Viena, y se benefició de sus elegantes técnicas decorativas en línea y composición. Más tarde conoció a Kokoschka. Su cuadro de Egon Schiele[1] "Paisaje de verano" estuvo inicialmente influenciado por el academicismo y el impresionismo, sentando una sólida base para el modelaje. Después de haber sido influenciado por Klimt y Kokoschka, su obra tiene un estilo decorativo distinto, lo que demuestra que estuvo fuertemente influenciado por los patrones árabes del estilo Art Nouveau - Jugendstil. Si el arte de Klimt pasó del simbolismo al expresionismo, Schiele ha entrado en el mundo del expresionismo puro.
Egon Schiele alcanzó la etapa de madurez de la creación artística cuando tenía 20 años. En 1910, creó la primera obra expresionista que hizo época y, posteriormente, creó muchas obras impactantes en sólo ocho años.
El arte posterior de Schiller no sólo estuvo influenciado por el suizo Hodler, sino que también se inspiró directamente en la psicología de Nietzsche y Freud. Expresó descaradamente la psicología y las emociones de la gente de esa época. Los personajes y escenarios que describe no son estáticos, no importa la forma que tengan, todos están en estado de pánico.
El anhelo de vida y la amenaza de muerte se entrelazan en una sombra aterradora que se cierne siempre sobre sus obras. Las figuras de sus obras son esbeltas y las líneas frías y rectas emocionan. Destaca el contorno claro de la imagen y le gusta utilizar el rojo, el amarillo y el negro para expresar emociones fuertes. Además de exagerar las expresiones y los movimientos de los personajes, Egon Schiele[2] en "Home" también retrató deliberadamente las emociones neuróticas de los personajes. Para crear su carácter y estado de ánimo nervioso, también fue al manicomio para estudiar las actitudes y movimientos de los pacientes mentales, y mostró gestos y expresiones similares al lenguaje de señas, lo cual fue profundamente conmovedor. Su estilo pictórico es lúgubre y deprimente, y a menudo pinta con personajes decadentes, neuróticos y mórbidos. Entre sus obras representativas se encuentran "Home", "Rain Boy", "Sunflower", "Reclining Woman", etc.
Te enviaré estos primero. Busca sus pinturas y mira si te gustan.