Historia de la Fotografía|Existencialismo después de la Segunda Guerra Mundial
La nota anterior resumía la respuesta positiva a la guerra después de la Segunda Guerra Mundial: la actitud humanista representada por la agencia Magnum Photo, que alcanzó su punto máximo en 1955 con la exposición "Familia Humana" en el MoMA. Este artículo abordará la reacción negativa a la guerra: el existencialismo. Al igual que el método anterior de dividir el tema en dos, dividiremos el reflejo del existencialismo en la fotografía en dos hilos: Europa y Estados Unidos, con dos figuras representativas de cada uno.
Europa
La fotonovela We Are 17 de Johan Van der Keuken de 1955 es un ejemplo del modo instantánea. El holandés estudió cine en París de 1956 a 1958, tiempo durante el cual tomó miles de fotografías en las calles de París, que se convirtieron en la base de su libro de 1963 Paris Mortel. El libro también se ha convertido en una obra monumental de la corriente europea. fotografía de conciencia.
"Paris Earthly" está dividido en seis capítulos, independientemente del encuadre y la composición, todos adoptan técnicas cinematográficas. Más tarde, Kuiken se hizo más conocido como director de cine. Casi no hay artículos sobre él en Baidu y Douban. Utilicé Wikipedia para encontrar las páginas interiores escaneadas de "Paris Earthly".
Ed Van der Elsken (Ed Van der Elsken) publicó la fotonovela "El amor en la orilla izquierda" en 1956. Fotografió a un grupo de amigos que vivían en el barrio de Saint-Germain, donde es el hogar de existencialismo, la concentración de la vida bohemia en la cultura del café y muchas historias de amor.
La fotonovela es una invención de los fotógrafos holandeses. Se puede decir que es el presagio de la fotografía privada. Se utiliza como medio diario para crear, a menudo utilizando una técnica de flujo de conciencia. No es ni documental ni completamente ficticio. Por motivos comerciales se puede publicar como un relato cinematográfico, pero por el limitado grado de virtualidad también se puede considerar como una colección de fotografía documental.
Estados Unidos
El existencialismo estadounidense tiene su propia forma de expresión: la Generación Beat. Frente al macartismo, la Guerra Fría y la triste era de Eisenhower, su respuesta fue: "romper con la sociedad, romper con las raíces y navegar hacia el yo rebelde en un viaje sin marcas". En la década de 1950, no sólo la fotografía, sino el arte estadounidense en su conjunto, se encerró en sí mismo y dejó de hablar con el mundo exterior. El arte se convierte en una expresión natural de los pensamientos internos.
La versión francesa de "The Americans" de Robert Frank se publicó en París en 1958, y la versión en inglés salió un año después, con la adición del prólogo de Kerouac (autor de "On the Road"). Frank hizo buen uso de las metáforas visuales y las editó juntas con extraordinaria inteligencia y energía. Kerouac dijo que "es un poema triste extraído de América".
William Clay Porque (William Klein) publicó su libro "Nuevo". York" en 1956, se le consideraba lleno de vitalidad y vida a pesar de la violencia, el cinismo y la provocación. Curiosamente, tanto New York como The Americans se publicaron originalmente en París.
Los fotógrafos de la corriente de conciencia representados por los cuatro recién presentados han llevado la fotografía del momento decisivo a la era de los momentos no decisivos. La mayoría de sus fotografías están poco estructuradas, desequilibradas, de grano grueso y desenfocadas, pero siempre lucen vibrantes. Lo que presentan es exactamente lo contrario de la actitud afirmativa de "La Familia Humana" o del espíritu optimista del humanismo.
Robert Frank y William Klein tuvieron un impacto significativo en la dirección posterior de la historia de la fotografía. El próximo capítulo: "On the Road" los presentará con más detalle. Pero quiero ampliar aquí el contenido de este capítulo y el final de esta nota, lo que quiero aclarar es la profunda influencia del existencialismo y la fotografía de la corriente de conciencia en la primera generación de fotógrafos en el Japón de la posguerra. .
Japón
En la década de 1960, la relación de amor y odio de Japón con los Estados Unidos desde el siglo XIX alcanzó su punto máximo, con la ira ante la ocupación estadounidense y la cultura traída por los ocupantes. El encanto crea una colisión violenta. Junto con la influencia del existencialismo francés en la década de 1960, surgió un Renacimiento en la fotografía japonesa.
Estas colecciones de fotografía pueden llevar cualquier definición del propósito final de la fotografía hasta el punto de ruptura. Pero no hay duda de que fueron una respuesta a un momento histórico: la naturaleza esquizofrénica de la sociedad japonesa de posguerra.
"Hiroshima-Nagasaki Chronicle" de Domon Ken y Tomatsu Akira en 1961, "Rose Punishment" de Hosoe en 1963, William Klein Elsken, ¿dos maestros de la fotografía del flujo de conciencia que representan a Estados Unidos y Estados Unidos? Europa respectivamente, comenzaron a visitar y trabajar en Japón.
"Provocación" se publicó en noviembre de 1968 con el objetivo de liberar la fotografía del "gobierno autoritario" de las palabras. La publicación sólo publicó tres números, pero tuvo una enorme influencia en la fotografía japonesa posterior.
"For the Coming Language" de Takuma Nakahira (uno de los fundadores de Provocation) en 1970, y "Farewell to Photography" de Daido Moriyama en 1972, llevaron el estilo de la corriente de conciencia al punto de situación de incoherencia. "Adiós a la fotografía" marcó el inicio de la era de la "Provocación". Daido Moriyama dijo: "Planeo llegar al final de la fotografía".
La siguiente nota entrará en el cuarto capítulo del libro "On the Road" y luego avanzará hacia el panorama social.