Entrevista con Liu Jinan

Entrevista - La gente contemporánea debería pintar pinturas contemporáneas. Entrevistador en el estudio Liu Jinan en Beijing la tarde del 21 de diciembre de 2005: Wang Minde (en adelante, Wang), Chen Ziyou (en adelante, Chen). ), Sun Jintao (en adelante, Sun) Entrevistado: Liu Jinan (en adelante, Liu)

Wang: Desde la década de 1990, el regreso a la tradición se ha convertido en una tendencia dominante en el desarrollo de la pintura china. ¿Qué opinas de este fenómeno?

Liu: Este tema es difícil de discutir y muy complicado. También se puede decir que la dificultad y la complejidad son fenómenos académicos actuales. Siempre estamos dispuestos a obstaculizar artificialmente una trayectoria artística fluida y accesible, volviéndola rígida y torpe, que se ha convertido en nuestra característica. Sin mencionar que desde lejos, se puede ver por nuestra actitud hacia las tradiciones nacionales en los últimos cien años que no siempre las hemos seguido y respetado. Por tanto, la vuelta a la tradición esta vez es sólo para utilizarla para algo. Si no se cambia esta costumbre, será inútil para el arte. De hecho, la pintura tradicional es una existencia concreta, heredada o negada, no tiene ningún efecto sobre la tradición, pero tiene algunos desvíos hacia los tiempos contemporáneos. ¿A qué deberíamos volver cuando volvamos a la tradición? ¿Es técnico, esquemático o un regreso al reino? Por otra parte, ¿pueden regresar el espíritu y el carácter? ¿Se puede rehacer Realm? Si no, ¿cuál es el sentido del retorno del esquema? En mi opinión, la tradición se ha convertido en un símbolo espiritual y un modelo estándar para los pintores contemporáneos. El papel y la importancia de la tradición para los tiempos contemporáneos es advertir a las generaciones futuras que se dejen llevar, hagan avances audaces, enfrenten la verdad y creen obras que estén en línea. con esta época. Por lo tanto, creo que el patrón pseudotradicional actual no promueve la tradición, sino que perjudica las ventajas de la tradición. La pintura tradicional se considera rígida, basada en modelos y poco progresiva.

Wang: La formación de la tradición no se basa en el plagio y la repetición, sino en la perfección de este estilo a través de la sabiduría y la creatividad.

Liu: Sólo desde la perspectiva de las técnicas y patrones, el nivel tradicional actual sólo se puede alcanzar en términos relativos. Este nivel relativo no se puede comparar con el arte tradicional, pero es un poco mejor entre los contemporáneos. un poco menos, este nivel de habilidad está lejos de la tradicional búsqueda de la perfección y altos estándares de habilidad. Tenemos que admitir que existe una brecha técnica insuperable entre los pintores contemporáneos y los pintores tradicionales. Esta es la base tradicional, y esta base no se puede obtener con una formación de varios años.

Wang: Esta tendencia a volver a la tradición y al estrecho sentimiento nacional también son un factor importante. Desde principios del siglo XX, hemos adoptado una actitud negativa integral hacia la tradición debido a factores ajenos al arte, y hemos perdido demasiadas tradiciones excelentes. Ahora que la fortaleza económica e integral del país ha mejorado y su estatus ha mejorado, hemos comenzado a valorar la tradición nuevamente, pero este "regreso" es muy similar al pensamiento durante la "Revolución Cultural" en términos de pensamiento, ya sea avanzado o atrasado, no tradicional. Lo que es moderno es esta simple oposición.

Liu: Efectivamente. El sentimiento nacional que acaba de mencionar ha causado un gran daño al desarrollo del arte, especialmente a la pintura china, y también ha dado a algunas personas una excusa para enfatizar que la cultura nacional siempre está justificada. Sin embargo, respetar las tradiciones nacionales y la innovación independiente nunca ha sido una contradicción. Ninguna nación del mundo considera la cultura de imitación como el cuerpo principal de su cultura, incluida la imitación de su propia cultura. Un entorno cultural saludable no sólo requiere que cada practicante lo mantenga y construya, sino que también requiere la actitud y la mínima dignidad mostradas al promover esta cultura.

Wang: ¿Cómo se educa a los estudiantes?

Liu: Mis requisitos para los estudiantes son relativamente flexibles. La llamada flexibilidad significa esforzarse por crear un entorno en el que los estudiantes puedan dibujar animaciones de forma activa. Para la enseñanza, me concentro principalmente en tres aspectos. Primero, establecer sus propios métodos de habilidades básicas, permitiendo a los estudiantes elegir el alcance básico de acuerdo con sus propias características, intereses y ventajas. También se puede decir que es un aprendizaje enfocado en habilidades básicas. El segundo es abogar por la formación básica en expresión. Las habilidades básicas en expresión son hasta cierto punto más importantes que la formación en técnicas básicas. Estos dos aspectos no pueden separarse de la técnica de expresión y de la técnica, para que los estudiantes puedan entender qué es la técnica. un proceso de solicitud y no un método formulado. El tercero es el plan de estudios. Por ejemplo, en respuesta a este pensamiento, he agregado sucesivamente algunos cursos como "Entrenamiento en abstracción física", "Análisis de técnicas tradicionales" y "Bodegones en tinta" como contenidos didácticos básicos.

Wang: ¿Qué opinas de la crítica de arte?

Liu: La crítica de arte es muy importante para el arte de la pintura y, en gran medida, puede mantener el arte de la pintura. el camino correcto y tener valor. De hecho, el arte no sólo necesita teorías y críticas, sino que otras industrias también deberían prestarle atención, para que nuestra carrera se vuelva gradualmente más estandarizada y profesional. El problema es que este tipo de teoría y crítica de la industria realmente pueden promover el desarrollo de una causa en una trayectoria positiva, lo cual es significativo. Tomemos como ejemplo a Estados Unidos. Puede vivir sin historia, pero nunca podrá vivir sin la teoría cultural contemporánea como base de sus acciones. Esto se refleja en todos los ámbitos de la vida. Por el contrario, carecemos de este tipo de conciencia y capacidad, y parecemos impotentes para cambiar las cosas que tenemos delante. No somos tan decididos y claros como cuando discutimos sobre cuestiones tradicionales, lo que demuestra que la creación y el establecimiento son más eficaces que la imitación y la imitación. herencia. Además, demasiados problemas que hemos creado nosotros mismos también son uno de los factores que restringen el desarrollo, como las cuestiones chinas y occidentales, las cuestiones tradicionales, las cuestiones de innovación, las cuestiones de mercado, etc. Estas cuestiones que no deberían ser un problema, las haremos. pasar décadas o incluso ha sido discutido, debatido y disfrutado durante cientos de años.

Por lo tanto, a veces me pregunto si también existen cuestiones de fusión e integración de la pintura china y occidental entre los círculos pictóricos y pintores occidentales, si hay discusiones sobre si se debe utilizar la tradición o no, y si existen lemas institucionales similares como herencia, retorno e innovación artística ? Sin estas teorías rectoras y preguntas controvertidas, ¿cómo podrían pintar? Al contrario, hemos abogado reiteradamente por salir al mundo, para qué sirve sincronizarse y dialogar con el mundo. Por lo tanto, creo que ya seas crítico o pintor, la mejor manera de cambiar "el bien y el mal" es restablecer los valores contemporáneos, devolverte la pintura y conseguir el arte contemporáneo como las empresas. Este "estándar" y el "derecho a hablar" son el valor real. No tiene sentido utilizar un estándar tradicional para hablar de las cosas. Después de todo, el arte como cultura no es sólo una cuestión de diversión.

Chen: ¿Cómo empezaste a dibujar pinturas chinas?

Liu: Cuando estabas en la escuela secundaria, comenzaste a dibujar imágenes en blanco y negro, que también es una forma de ilustración con lápiz. y tinta. Sólo después de llegar a la universidad comencé oficialmente a usar pinceles para dibujar sobre papel de arroz, gongbi y bocetos con tinta, probablemente alrededor de 1980.

Wang: ¿Cuáles fueron las obras más importantes de ese período? Liu: Cuando estaba en mi tercer año de universidad, pinté un cuadro llamado "Heart Tide", que expresaba el contenido de Peng Dehuai. Este cuadro participó en la Segunda Exposición Nacional de Arte Juvenil.

Wang: ¿Es la “Exposición de arte juvenil de China en progreso”?

Liu: Quizás sí. En 1980, se exhibió en el Museo Nacional de Arte de China y la escuela nos organizó para ir a ver esta exposición. En la segunda mitad de 1981, comenzamos nuestro proyecto de graduación. Pinté un cuadro más grande llamado "Padres y gente". En 1983, pintó dos cuadros, "Vendedor de carbón" y "Li Kui visita a su madre". Estos fueron pintados para el concurso de pintura temático organizado por el Instituto de Investigación de Pintura China en ese momento. En nuestra impresión, la exposición no se llevó a cabo. pero después de que la pintura fue seleccionada, nunca más se la volvió a ver. No se devolvió. Ese mismo año pinté otro cuadro llamado "Boxer Blood".

Wang: En términos de conceptos creativos, obras como "Heart Wave" y "Fathers and Folks" no están muy lejos de algunas pinturas en tinta realistas de la época. Las composiciones están completas y tienen una trama determinada. . Lo que realmente me sorprendió fue el grupo de cabezas y cuerpos humanos que creaste a mediados de los años 80.

Liu: En 1985, comencé a dibujar algunos retratos con tinta pura. El mundo del arte estaba muy activo en ese momento y yo también quería probar algunas expresiones. Las cabezas de la pintura son todas negras y los bordes parecen cortados con tijeras. La pintura es muy divertida. En 1989, pintó una serie de figuras humanas con dientes y garras a la vista, y los nombres también eran muy extraños. Hay un cuadro en el que una persona se mueve como un perro, agarrándose del suelo con ambas manos, y en el suelo crecen plantas muy duras. Se llama "No existe tal persona". También hay algunas pinturas donde los movimientos de las personas se parecen a reacciones fisiológicas. Más tarde, algunos amigos dijeron que estaba sexualmente reprimido (risas). En aquella época, cuando pintaba estos cuerpos humanos, sentía que el cuerpo humano era más natural. Desde las creaciones más formales del pasado hasta pintar cabezas y cuerpos, siento que estoy más cerca de un estado de expresión. Wang: ¿Cuándo empezaste a pintar naturalezas muertas con tinta? ¿Cómo se te ocurrió la idea de pintar naturalezas muertas con tinta?

Liu: En 1995, participé en el examen de calificación para adultos. Vi las pinturas de algunos candidatos que no entendían en absoluto la relación entre dibujar, pero fueron muy divertidos de dibujar. Se enfrentaron a un frasco, miraron de negro y se pintaron de negro, miraron de blanco y se pintaron de blanco, eran muy auténticos, se atrevieron a pintar y tenían mucho gusto. Durante la evaluación, bromeamos diciendo que estas pinturas eran "obras maestras". Pero no pueden ir a la escuela y no podrán dibujar así una vez que aprendan. Más tarde, conservé varios de los papeles como propios. Ahora ya no puedo verlos con claridad, pero aún los conservo. En aquel momento quería pintar una serie de naturalezas muertas. Al principio usé tinta espesa y polvo blanco. Era la primera vez que usaba colores publicitarios. Espolvorea mica sobre el polvo blanco. La mica queda muy brillante. Después de que se seque, límpiala con un paño hasta que parezca metal. Pero el polvo blanco es muy gomoso y el color es demasiado espeso. Se caerá después del secado y la pintura no tendrá sentido. Más tarde, no usé polvo blanco y solo usé tinta para dibujar una serie de pinturas. Algunas composiciones se dibujaron repetidamente muchas veces. En 1995 participé en la exposición "Ink Tension and Expression", exhibiendo dos "Naturalezas muertas" por primera vez. En el segundo año, participé en la Bienal de Tinta de Shanghai y en la Bienal Internacional de Tinta de Shenzhen, y las obras que seleccioné. eran todos "naturalezas muertas". Posteriormente hubo algunas exposiciones importantes, y también se exhibieron.

Sol: Tus pinturas tienen un significado moderno muy fuerte y al mismo tiempo contienen un profundo espíritu cultural tradicional. Tus obras son interesantes, encantadoras y elegantes. Se puede decir que tus obras son famosas. en el mundo de la pintura para esto Con más de treinta años de práctica artística, debes tener una experiencia artística rica y única. ¿Podrías hablar de ello?

Liu: Gracias por tu cumplido. Me siento avergonzado. En el proceso del purgatorio del arte, las alegrías y las tristezas involucradas son como lo que dice el budismo zen, es como una persona bebiendo agua y sabiendo si está caliente. o frío. El tema de la experiencia artística que mencionaste hace un momento. Esta es una pregunta muy amplia. ¿Puedes ser más específico? Sun: Los factores técnicos en la pintura son un tema inevitable para los críticos de arte, y también son problemas que deben enfrentarse. Se puede decir que sin los factores técnicos en la pintura, no habría arte en la pintura. asunto.

Liu: La tecnología en el arte es un signo de madurez artística. La pintura china es un tipo de arte con tinta. Dominar la tecnología de la tinta es una de las señales para juzgar si la vida artística de un pintor es madura, y eso. También determina su gusto artístico uno de los símbolos importantes. Los puntos, líneas y bloques creados por el pintor con tinta, así como el espacio en blanco fuera de los puntos, líneas y bloques son flexibles, y el aliento interior también cambia constantemente. Esta es también la vitalidad de una obra. En este sentido, el nivel técnico determina la vitalidad del trabajo.

Del proceso de desarrollo de la historia del arte también podemos ver que es un proceso de fortalecimiento continuo de los factores técnicos. Existe una situación similar en la literatura y el arte. Por ejemplo, la poesía de cinco caracteres es la forma más común de poesía de las canciones populares Yuefu originales de la dinastía Han, que los funcionarios Yuefu las recogieron de boca de los ancianos del campo. Los eruditos posteriores las compilaron y se convirtieron en las canciones populares de Yuefu que vemos hoy, que han sido procesadas técnicamente por los literatos, haciéndolas más elegantes. Más tarde, a través de la transformación de Cao Zhi, la forma de los poemas de cinco caracteres tuvo las características estéticas de la melodía. Más tarde, debido a la influencia de la traducción de las escrituras budistas, los cuatro tonos y los ocho problemas en la melodía de Shen Yue llegaron a Shen. Quanqi de la dinastía Tang y Wen de la dinastía Song jugaron un papel decisivo en la configuración final del poema de cinco caracteres, y lo que hicieron estas personas fue simplemente aumentar continuamente el contenido técnico de la forma del poema de cinco caracteres. La música y el arte tienen una situación similar. Las melodías populares han sido procesadas y organizadas por los literatos, convirtiéndolas de vulgares a elegantes, pasando de la clase popular a la de los eruditos-burócratas e incluso de la corte. En aquella época se utilizaba la poesía palaciega para el canto, se puede observar que el procesamiento y disposición de los literatos y el fortalecimiento de los factores técnicos jugaron un papel clave. Voy demasiado lejos. Se puede decir que la tecnología es uno de los contenidos centrales de todo arte. El nivel de gusto artístico depende, por un lado, de los logros culturales del autor. El aspecto más importante es el logro cultural del autor basado en ello, sobre todo, la libre comprensión de la tecnología.

Chen: ¿En qué año te trasladaron a Beijing? ¿Cuáles son sus trabajos representativos desde su llegada a Beijing? Liu: marzo de 2000. El trabajo con el que estoy más satisfecho en los últimos años es "Observar las elecciones estadounidenses".

Wang: Para la exposición que conmemora el 60º aniversario de la victoria de la Guerra Antijaponesa este año en la Academia de Pintura China de Shanghai, pintaste un cuadro llamado "Luchando contra los japoneses". cuadro.

Liu: Para ser honesto, ese cuadro es un poco una broma. La idea en ese momento era que yo nunca había participado en la Guerra Antijaponesa, así que simplemente me divertiría pintando. No elegiría el concepto de guerrilleros preparándose para luchar en una tienda de gasa verde, porque lo encuentro poco interesante. Si quisiera pintar, pintaría montañas y campos llenos de gente en la oscuridad, luchando contra los japoneses, con granadas volando en el aire y explotando en las cabezas de los japoneses. Sólo así lo encontraría divertido. Chen: ¿Cuáles son tus pensamientos creativos recientemente?

Liu: En lo que pienso más es en la relación general entre la creación personal y nuestra era. Esta pregunta puede parecer demasiado grande, pero está demasiado relacionada con la clasificación del desarrollo del arte contemporáneo, incluida la creación personal, y no se puede pasar por alto. Una vez le dije a un amigo que en la situación actual de la pintura china, qué pintor pinta bien y cuál pinta mal no tiene sentido. La creación de pinturas chinas contemporáneas está en un solo nivel, que es distinguir entre pintores altos y bajos. ¿Por qué dices eso? Porque en cada época, el hecho de que el arte pueda desarrollarse hasta una etapa avanzada no está determinado por uno o unos pocos pintores. Pueden tener cierta influencia, pero el espíritu artístico y el apogeo artístico de una época están directamente relacionados con el desarrollo general de la sociedad. ¿Por qué son buenas las pinturas de la dinastía Tang? No es porque las generaciones futuras no puedan igualar la artesanía de la dinastía Tang, sino porque el desarrollo económico y cultural de la dinastía Tang alcanzó su punto máximo. El llamado "espíritu de la dinastía Tang" se refleja en todos los campos y niveles. sociedad, e incluso penetra en la apariencia y expresión de una persona. Al igual que un rostro, el rostro de la dinastía Tang era regordete y rico. Esta es la base. No existe tal base en ninguna época posterior a la dinastía Tang.

Wang: De hecho, lo mismo ocurrió en Europa desde finales del siglo XIX hasta principios del XX. El impresionismo no fue sólo una revolución en las técnicas pictóricas, ni se debió enteramente a la invención de la fotografía. Más bien, el estilo de vida y los valores de la clase media proporcionaron un terreno nutritivo y maduro para el impresionismo. En otras palabras, cuando esa época necesitaba el impresionismo, Monet dio un paso adelante. Si se tratara sólo de un cambio en la propia pintura, el impresionismo no tendría un impacto tan grande.

Liu: Así es. Siento que la pintura china actual todavía está en un proceso de ajuste y búsqueda, y aún no ha entrado en una etapa de madurez. Por ejemplo, en la pintura china, hemos estado discutiendo la cuestión de la combinación de los estilos chino y occidental durante cien años, pero aún no hemos resuelto esta cuestión. ¿Por qué? Porque nuestra era se encuentra en un período de ajuste y transformación. La política se está ajustando, la economía se está ajustando y también se están encontrando y ajustando los estándares morales de la gente. En un período de transición social así, hay demasiadas cosas incongruentes en nuestros cuerpos. ¿Cómo puede madurar el arte de la pintura? Creo que cuando el arte alcanza una etapa avanzada, es muy fluido y consistente. Al igual que el arte clásico, sus materiales de pintura, sus métodos de pintura y todos los aspectos tienen un estándar. Es posible que en unas pocas décadas más, cuando la sociedad se vuelva normal y muy próspera, el arte entre en un período de madurez. En esta etapa, cada artista busca algo que haga época en un nivel. Al igual que el Monet impresionista, abrió una nueva era, pero como usted dijo, el surgimiento de Monet no es aislado ni accidental, sino una elección inevitable para el desarrollo de los tiempos.

Wang: Un grupo de personas debería prestar atención a este tema en una época, formando una tendencia de exploración. En esta tendencia, un determinado pintor puede ser el primero en tocar un nuevo punto de partida artístico y abrirlo. una puerta. Supongamos que si Monet hubiera pintado ese tipo de pintura durante el Renacimiento, se habría convertido en un caso atípico y el Renacimiento no habría elegido a Monet. Sólo cuando los artistas de una época buscaban el "impresionismo" nació Monet. Liu: Sí. El problema ahora es que este equipo no se hace más grande, sino que se hace más pequeño.

Incluyendo el grupo experimental moderno de tinta y lavado de la década de 1980, a medida que envejecen, la pasión de este grupo de personas se verá afectada lentamente, lo cual es terrible.

Wang: No basta con producir unos cuantos buenos cuadros o unos cuantos buenos pintores.

Liu: Lejos de ser suficiente. Ahora todos estamos en un "caparazón". Este "caparazón" es muy grueso y muchas personas están tratando de romperlo en este proceso, no importa si eres mejor o peor. Sólo cuando todos se den cuenta de este problema y destruyan el grueso "caparazón" original desde todas las direcciones, los artistas individuales podrán mostrar gradualmente su importancia y producir figuras que marcarán época como Monet y Cézanne. Muchos de los temas que se debaten actualmente en realidad están saliendo de un "caparazón" del que ningún pintor ha salido. Hablemos de la pintura con tinta moderna. ¿Qué es moderna? Hacerle una forma más abstracta, crear una composición y crear un nuevo patrón. ¿Es una pintura con tinta moderna? Absolutamente no. La pintura con tinta moderna definitivamente no es una cuestión de forma. Si fuera una cuestión de forma, sería fácil de hacer. Creo que la "modernidad" es el estado general de una época, desde las formas sociales y los estilos de vida hasta los valores y el espíritu nacional, todo debe estar sincronizado. El arte moderno es sólo un reflejo del "espíritu de la época" general en el arte. No importa si se utiliza tinta, imágenes, instalaciones u otros materiales, ni tampoco la forma que se utilice. Es importante comprender esto conceptualmente. Hay que comprender que no basta con retocar y conformarse con realizar pequeños cambios en un cuadro. En el proceso de modernización de toda la sociedad, debemos tener un arte moderno que se adapte al proceso social. Esta búsqueda debe convertirse en la conciencia de los artistas. Pero ahora no veo esto y soy más pesimista. Esta es la pregunta en la que he pensado mucho en los últimos años. En cuanto a cómo dibujar a continuación, todavía tengo muchas ideas específicas, pero no puedo hablar sobre este tema en detalle.

Chen: ¿Qué opinas de copiar y dibujar?

Liu: Desde la perspectiva de la enseñanza de la pintura china, copiar y dibujar son, por supuesto, importantes. Pero la clave del problema es que todo nuestro sistema de enseñanza debería tener primero un modelo exitoso. Por supuesto, esto no significa que todos deban convertirse en artistas cuando vengan aquí. Esto no es realista. Pero desde la dirección de la enseñanza universitaria, primero debemos tener las condiciones para cultivar artistas. Incluyendo el plan de estudios, la estructura de enseñanza, los métodos de enseñanza, la disposición del tiempo, los materiales y el hardware, en primer lugar, se hace de acuerdo con este modelo, y al menos tiene la posibilidad de permitir que los estudiantes se conviertan en artistas. El problema actual es que nuestro modelo de enseñanza en sí no tiene éxito. Lo que estamos haciendo es una carrera artística, y esta carrera es crear un pico como la antigua tradición para las generaciones futuras. Como arte nacional, ¿es posible que la pintura china alcance una etapa avanzada? Primero debemos pensar en estas cuestiones en la enseñanza y luego, mediante una exploración continua, esto es contradictorio. Cuando el arte alcanza una etapa avanzada, los diversos factores que lo componen, incluidos los métodos y materiales de pintura, están altamente coordinados. Hablemos del realismo en la pintura occidental. Se desarrolla sobre la base de ciencias como la ciencia del color, la anatomía y la deconstrucción, y es coherente con sus materiales y métodos de expresión. La pintura china se basa en el modelado lineal, ¿cómo puede ser realista? Lo que llamamos realismo con tinta y lavado solo puede resultar cómodo para los sentidos. El rostro es realista, la ropa está salpicada de tinta y es a mano alzada. Estamos acostumbrados y pensamos que es bueno y bueno. Pero estrictamente hablando, los siguientes trazos, un toque de tinta y la representación detallada del rostro son contradictorios y disonantes en términos de lenguaje artístico. ¿Cómo coordinar? Esto es algo a lo que nunca hemos podido adaptarnos en cien años. Porque no hemos establecido un estándar maduro. En los últimos 100 años, hemos estado combinando cosas chinas y occidentales, pero no hemos encontrado nada exitoso. No tenemos más remedio que enfatizar la tradición y la copia. Creo que para un pintor, heredar y restaurar la tradición es un acto puramente personal. Por ejemplo, Picasso estudiando el arte africano y Matisse aprendiendo de la pintura japonesa son todos actos personales. Si te gusta la tradición y jugar con pluma y tinta, está bien. Pero eso no significa que regresar a la tradición sea la única dirección de la pintura china. Incluso si un pintor no tiene sentido de la pluma y la tinta y no es bueno con la pluma y la tinta, aún puede dibujar buenos cuadros. Creo que a nuestra nación le gusta demasiado llegar a los extremos. Ser antitradición es decir que la tradición es inútil; ahora estamos enfatizando el regreso a la tradición y todo el mundo está pintando cuadros de los antiguos. Esto es muy ridículo.

Chen: Tus figuras en tinta son representativas de las pinturas en tinta modernas. ¿Cómo se refleja la modernidad en tus pinturas?

Liu: Personalmente creo que un pintor es primero un pintor. No importa si es “moderno” o no. La pintura es sólo una técnica en la superficie. tiempos y heredados por tradición, por lo tanto, diferentes épocas tendrán diferentes objetos de expresión y emociones estéticas. Desde una perspectiva más profunda, este tipo de arte que acompaña el surgimiento de los seres humanos tiene su consistencia y herencia constante, que es la esencia de la pintura: materializar el corazón del pintor. En la superficie, las obras de cada época tienen la huella de cada época, y eso es todo.

Chen: ¿Crees que existe alguna posibilidad para el desarrollo de la pintura de figuras con tinta? Liu: Por supuesto. He pensado repetidamente que la pintura es humanista. Lo que enfrentamos es algo contemporáneo. El uso de técnicas y materiales de pintura tradicionales chinos para expresar los tiempos contemporáneos debe tener sus limitaciones. Creo que el modelo creativo actual sigue siendo un modelo creativo general, que es una creación basada en la práctica formada por nuestro modelo de enseñanza a largo plazo.

Es solo que la práctica es dibujar una persona, y el boceto es dibujar una persona. Al crear, se convierte en una lista de dos personas, tres personas o un grupo de personas, con el cielo de fondo, y así es. una creación. Por supuesto, no todas las creaciones son así, pero básicamente no se desprenden de este modo, que es el modo de aparición en el escenario. Tan pronto como aparece un personaje y realiza una acción, la sensación de escenario es demasiado fuerte y no se puede ver la vitalidad del personaje. Este es un modo tan creativo. Cuando un pintor crea, se centra en la pincelada y el modelado, más que en el impacto de los propios personajes. Esto es lo que llamamos realismo.

Chen: Hablemos de tus opiniones sobre algunos grandes pintores de los últimos cien años. Liu: En términos de pintura de figuras, creo que Jiang Zhaohe está en la cima técnica. Además, pintó "Cuadro de refugiados" en una época devastada por la guerra. Creo que hasta ahora ningún pintor de figuras lo ha superado. Desde las formas, la pincelada y la capacidad de resumir, las pinturas de Jiang Zhaohe no tienen un lenguaje innecesario y los personajes están en perfecta armonía entre sí. Las pinturas de las generaciones futuras, incluyéndome a mí, están rotas. Lin Fengmian es un ejemplo típico de una combinación de estilos chino y occidental. Creo que es libre y tranquilo en su corazón y tiene un espacio libre relativamente grande. La pintura se siente libre y en su lugar, muy relajada en todos los aspectos y tiene el temperamento y el estilo de pintura de todos.

Chen: ¿Qué opinas del mercado del arte?

Liu: Creo que el mercado del arte ha cambiado en los últimos dos años. La mayoría de los coleccionistas tienen una mentalidad inversora ansiosa por lograr un éxito rápido y obtener ganancias rápidas, lo cual da mucho miedo. Esto puede ser un proceso y el mercado del arte poco a poco se volverá racional. Chen: ¿Te importa tu lugar en la historia del arte?

Liu: No pensé mucho en eso. Cuando estaba en la Universidad Normal de Hebei en la década de 1990, el centro cultural del condado me pidió información. Bromeé con mis colegas diciendo que sería bueno si se incluyera en los anales del condado y se consideraría historia. Que un pintor pueda permanecer en la historia no lo decide un individuo. Esto es más difícil que el mercado (risas).

Chen: ¿Los profesionales entienden tu trabajo igual que los no profesionales? ¿Cuáles son tus expectativas? Liu: La lectura y la apreciación son unidades indispensables en la creación. Respeto al público y creo que este respeto es recíproco. Por un lado, tengo que captar mi propia experiencia estética y, por el otro, expresarla en mi propia experiencia. En mi búsqueda artística, trato de eliminar lo complejo y mantenerlo simple; lo que proporciono es un esquema estético, la simplicidad y la calma son el estado mental, y la eliminación de lo extraño es el principio.