Algunas preguntas sobre el arte
1. Fauvismo: primer movimiento modernista surgido en Francia a principios del siglo XX. En 1905, un grupo de jóvenes, encabezados por Matisse, estudiaron en el estudio del maestro simbolista Moreau y enviaron sus obras al "Salon d'Automne" de París. La mayoría de estas obras tienen colores salvajes, pinceladas voladoras e imágenes extrañas, que sorprendieron al público e inmediatamente causaron sensación en París. En aquella época, un crítico comparó estas obras con un grupo de bestias devorando el suave arte académico, y el nombre de "fauvismo" se extendió a partir de entonces. Estos pintores creen que lo más importante en la pintura es el color, enfatizar el contraste de color, usar audazmente colores puros, atreverse a romper las limitaciones del cuerpo y perseguir la expresión de emociones fuertes y la liberación de la personalidad se convierten en su * * * propósito. del conocimiento y la acción. De hecho, no tienen ni un programa claro ni una organización estricta, sino una organización flexible de múltiples facciones bajo la bandera del fauvismo. El movimiento pictórico fauvista alcanzó su clímax entre 1905 y 1906. El período de apogeo fue breve, pero tuvo una gran influencia en el arte modernista posterior, especialmente en el expresionismo alemán. Posteriormente, sus respectivas obras dejaron de tener el mismo aspecto y el fauvismo se desintegró por sí solo. Los pintores representativos incluyen a Matisse, Dylan, Duffy, Flemish y Van Gogh. Donggen, Luo, Yavlinsky y col.
Matisse, Flanders, Dylan,
2 Expresionismo: Munch, Klimt, Kalsi.
3. Cubismo: "Las muchachas de Aviñón y Guernica" de Picasso.
Pan protea
4. Futurismo: Balla, Boccioni
5. Dadaísmo:
La niña desnuda bajando las escaleras, L. ? h? oh? oh? Pregunta"
Entre las dos guerras mundiales
1. El surrealismo
La persistencia de Dalí en la memoria
Enns Te, Margaret, Miró.
2. Abstracción
Kandinsky, Mondrian, Klee.
4. Bauhaus: ¿Gropius, Mies? ¿Dónde? ¿Virtud? Colección
Después de la Segunda Guerra Mundial
1. Expresionismo abstracto: la primera escuela de pintura modernista y corriente artística importante que surgió en Estados Unidos en los años cincuenta. Hereda los resultados de la exploración desde Van Gogh hasta el surrealismo en la búsqueda de la abstracción, la franqueza y la automaticidad del arte y la expresión del yo subconsciente. Enfatiza la libertad y la falta de propósito de las acciones del autor, elevando el acto creativo en sí a una posición importante. Entre ellos, siempre ha estado el factor de utilizar el comportamiento del creador como medio de comunicación artística. Expresionismo abstracto adaptado al estado psicológico y a las exigencias estéticas de los americanos tras la Segunda Guerra Mundial.
Alemania Gorki, Pollock? Kunin, Newman, Lewis
2. Minimalismo: surgió de la abstracción y se rebeló contra el expresionismo abstracto.
3. Arte Pop: La palabra “Pop” significa popular, popular y popular. Fue propuesta por el crítico de arte británico Alavi. Su término general para el arte que utilizaba imágenes populares como contenido fue posteriormente aceptado por los críticos y ampliamente adoptado.
Warhol Rauschenberg
4. Realismo fotográfico: Surgió en Estados Unidos a finales de los años 1960. La gran cantidad de obras abstractas cansaba a la gente, por lo que algunos pintores se dedicaron al arte pop Turning. a una representación brutal y realista de la realidad es obviamente un retorno al conservadurismo.
Eso es, Hansen,
5.op art: Opart es la abreviatura de arte de efectos de luz, que se desarrolló junto con el pop art en los años 60, pero que sólo se desarrolló más tarde. atención social. Tiene sus raíces en el arte abstracto y es un nuevo patrón desarrollado a partir de la abstracción. Generalmente, a través de patrones de color estáticos, la audiencia tendrá efectos visuales como ilusiones, rotaciones y luces. Es un nuevo desarrollo del arte abstracto en la ilusión.
Víctor Vasavelli
6. Arte Conceptual: Suen.
8. Arte de la Tierra: Cristal
2. Pablo Picasso (1881-1973) es uno de los artistas más influyentes de Occidente en el siglo XX. Dejó una asombrosa cantidad de obras a lo largo de su vida, con estilos ricos y diversos y una creatividad extraordinaria. Picasso nació en Málaga, España, y posteriormente se estableció en Francia durante mucho tiempo. Su padre es profesor de arte. Ama el arte desde que era niño. A los 15 años ingresó en la Academia de Bellas Artes de Barcelona con excelentes resultados, para posteriormente trasladarse a la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Llegó a París, Francia, en 1900 y comenzó a describir las vidas de los pobres con gran compasión. En este momento, sus obras están llenas de tragedia. Las imágenes finas y los fríos tonos gris azulados hacen que sus pinturas estén llenas de soledad y desesperación, desastre y desgracia. La gente llama a este período el "período azul" (1900-1904) de su creación. 1904-1906 fue el "período rosa" de la carrera creativa de Picasso. Sus obras de este período representan principalmente personajes de circo. Aunque las imágenes son melancólicas, no son solitarias. Desde 65438 hasta 0906, influenciado por las primitivas esculturas africanas y las pinturas de Cézanne, Picasso se dedicó a explorar nuevos estilos de pintura. Como resultado, pintó una obra maestra histórica: "Las señoritas de Aviñón".
Las muchachas de Aviñón
Esta pintura al óleo increíblemente grande no sólo marca un importante punto de inflexión en la historia artística personal de Picasso, sino también un avance revolucionario en la historia del arte occidental moderno, desencadenando La Nacimiento del movimiento cubismo. "Les Demoiselles d'Avignon" se inició en 1906 y se completó en 1907, con muchas revisiones durante el período. En este cuadro, cinco mujeres desnudas y un grupo de naturalezas muertas forman una composición formal. El título de la pintura fue añadido por el amigo de Picasso, Andreu Selman. Se dice que al propio Picasso tampoco le gustó. Pero en fin, este es sólo el nombre de la obra. En el arte moderno, los títulos son cada vez menos relevantes para las obras, y los pintores a menudo no utilizan conscientemente títulos para explicar el contenido de sus obras. Lo mismo debe decirse de Las señoritas de Aviñón de Picasso. La intención original de la pintura era una alegoría sobre las enfermedades de transmisión sexual, titulada "La recompensa del pecado", lo cual es claramente evidente en el boceto original, el boceto presentaba a un hombre sosteniendo un esqueleto en su mano, recordando una antigua máxima moral española: " Todo es vanidad." Pero durante la creación formal del cuadro, estas anécdotas o detalles implícitos fueron eliminados por el artista. Su impacto final no proviene de ninguna descripción literaria, sino del poder conmovedor de su lenguaje pictórico.
Este cuadro es la primera obra cubista. Las imágenes de las tres mujeres desnudas del lado izquierdo del cuadro son obviamente rígidas deformaciones del cuerpo humano clásico; los rostros y posturas ásperos y anormales de las dos mujeres desnudas del lado derecho están llenos de características salvajes del arte primitivo. Los pintores descubrieron el encanto primitivo de las esculturas africanas y oceánicas y presentaron a Picasso. Sin embargo, fue Picasso, no los pintores fauvistas, quien destruyó la estética clásica con el arte primitivo. En esta pintura no sólo se niegan las proporciones, sino también la totalidad orgánica y la continuidad del cuerpo humano. Entonces la pintura es (como dijo un crítico) "como vidrios rotos". Aquí Picasso destruyó muchas cosas, pero en el proceso de destrucción, ¿qué ganó? A medida que nos recuperamos del impacto de ver la pintura por primera vez, comenzamos a ver que la destrucción es bastante ordenada: todo, tanto la imagen como el fondo, está dividido en bloques geométricos angulares. Notamos que estos fragmentos no son planos, tienen una sensación tridimensional porque están sombreados. No siempre estamos seguros de si son cóncavos o convexos; algunos parecen bloques sólidos, mientras que otros parecen fragmentos de un cuerpo transparente. Estos bloques inusuales dan al cuadro cierta unidad y continuidad.
En esta pintura podemos ver un nuevo método para expresar el espacio tridimensional en un plano bidimensional. Este método se utilizó por primera vez en las pinturas de Cézanne. Vemos que las caras de las dos imágenes en el centro de la imagen están de frente, pero sus narices están dibujadas de perfil; las cabezas están en el lado izquierdo de la imagen, pero los ojos están de frente. Vídeos desde diferentes ángulos se combinan en una misma imagen. Este lenguaje llamado "video sincronizado" se usa más obviamente en la imagen en cuclillas en el lado derecho del cuadro. Esta imagen de tres cuartos de la espalda está separada del eje central de la columna debido al desmontaje y empalme. Sus piernas y brazos están alargados, lo que sugiere una extensión hacia la profundidad; su cabeza está volteada para mirar al espectador. Picasso parece haber dado vueltas de 180 grados alrededor de la imagen antes de componer imágenes desde varios ángulos en esta imagen. Este método de pintura rompe por completo las restricciones de perspectiva de los pintores en los 500 años transcurridos desde el Renacimiento italiano.
Picasso intentó mantener el cuadro plano. Aunque muchos de los bloques de la pintura son cóncavos y convexos, no son profundamente cóncavos ni convexos. El espacio que se muestra en la pantalla es tan poco profundo que la pintura parece una imagen en relieve. El pintor eliminó deliberadamente la distancia entre los personajes y el fondo, intentando que todas las partes del cuadro aparecieran en la misma superficie. Si prestamos un poco de atención a la mancha azul del fondo a la derecha, podemos detectar la originalidad del artista. El azul suele tener visualmente un efecto de retroceso. Para contrarrestar este efecto, Picasso enmarcó estas manchas azules con bordes blancos deslumbrantes, de modo que pareciera que destacaban desesperadamente.
Les Demoiselles d'Avignon es en realidad una estructura de pintura independiente que no se preocupa por el mundo exterior. Lo que le importa es el mundo formado por sus propias formas y colores. Nació de la inmortal obra de Cézanne que representa a una chica bañándose. Forma una estructura puramente pictórica en un orden diferente al orden natural.
El disfrute de Cassler
"Retrato de Cassler", Picasso, 1910, óleo sobre lienzo, 100 × 61,5 cm, Chicago, Art Center of Chicago.
Las pinturas de Picasso del período del "cubismo analítico" de 1909-1911 demuestran aún más el abandono de la representación objetiva. Durante este periodo, las imágenes de sus obras, ya fueran naturalezas muertas, paisajes o figuras, estaban completamente descompuestas, dejando al espectador con poca comprensión de ellas. Aunque cada pintura tiene un título, a las personas les resulta difícil encontrar el objeto relacionado con el título. Esas formas descompuestas y fondos se fusionan entre sí, haciendo que toda la imagen esté llena de bloques de diferentes formas entrelazados con líneas verticales, diagonales y horizontales. En esta compleja estructura de red, las imágenes emergen lentamente pero pueden disolverse instantáneamente en bloques complejos. Aquí se minimiza el papel del color. Parece que en la pintura sólo hay algunos monótonos colores negro, blanco, gris y marrón. De hecho, lo que el pintor quiere expresar es sólo la estructura compuesta de líneas, formas y formas, y la tensión que emana de esta estructura.
Este retrato de Cussler demuestra claramente cómo Picasso aplicó el lenguaje analítico del cubismo a la creación de figuras específicas. Lo sorprendente es que Picasso nunca dejó de utilizar modelos como referencia en esta representación extremadamente abstracta de imágenes en descomposición y abandono del color.
Para pintar este cuadro, le pidió a su viejo amigo el Sr. Kessler que se sentara pacientemente frente a él veinte veces. Se esforzó por descomponer la forma en detalle, obteniendo así una estructura pictórica que parece estar compuesta de capas de bloques de color transparentes superpuestos. Los únicos colores del cuadro son el azul, el ocre y el violeta grisáceo. El color aquí juega sólo un papel menor. Aunque el contorno de la imagen del Sr. Canwell todavía puede verse vagamente en el entrelazado de líneas y cuadrados, es difícil juzgar su parecido con la persona real. Roland Penrose, el experto en Picasso más famoso, comentó una vez después de ver este cuadro: "Cada vez que se separa una cara, un plano se separa de la parte adyacente, moviéndose constantemente hacia atrás, produciendo constantemente una sensación inmediata, que recuerda a las ondas del agua. Mientras tus ojos vagan a través de estas ondas, puedes captar algunas señales aquí y allá, como una nariz, dos ojos, un cabello cuidadosamente peinado, unas pulseras, un par de manos cruzadas. Pero a medida que el ojo se mueve de un punto a otro, se siente constantemente el placer de pasear por algunas superficies que convencen por su apariencia similar... Ver un cuadro así crea imaginación, el cuadro es ambiguo pero parece real, y hace su propia interpretación con alegría, impulsado por lo simétrico y armonioso; vida de esta nueva realidad."
Botella, vaso y violín
1890-1892, óleo, 45×57 cm, Museo de Orsay, París.
A partir de 1912, Picasso se dedicó a sus experimentos pictóricos de estilo "Cubismo sintético". Empezó a hacer collages. La obra titulada "Botella, vaso y violín" demuestra claramente este nuevo estilo.
En este cuadro podemos distinguir varias figuras basadas en objetos cotidianos: una botella, un vaso y un violín. Todos ellos están representados por recortes de periódicos. Aquí, el foco de atención del pintor es en realidad la cuestión de la forma básica.
Sin embargo, este tema se trata con una actitud completamente nueva en este momento. En el análisis cubista, la imagen se reduce a sus elementos básicos, es decir, se descompone en muchos pedazos pequeños. Picasso utilizó estos bloques de construcción como elementos para formar un nuevo orden de objetos y espacio en sus pinturas. Usó pinceladas cortas y gruesas para yuxtaponer y conectar los bloques, logrando una estructura de imagen clara y encarnando un procedimiento de pintura riguroso y racional. Ahora, en la obra del cubismo sintético, simplemente siguió el procedimiento opuesto. Ya no toma objetos reales como punto de partida y los descompone en elementos básicos. En cambio, toma los elementos básicos como punto de partida y transforma formas y bloques básicos en gráficos de objetos objetivos. Es decir, antes de exponer botellas, tazas y violines, ha organizado y dispuesto una estructura pictórica abstracta. Al abandonar la pintura y la pincelada, alcanzó incluso una realidad más objetiva. Utiliza periódicos, papel tapiz, papel de grano de madera y otros materiales similares para hacer collages de bloques de diferentes formas. Por un lado, estos bloques muestran el mundo exterior al cuadro y, por otro, su combinación orgánica muestra la unidad e independencia del mundo propio del cuadro. No es de extrañar que su marchante de arte y amigo Kahn Weiler comentara sobre él: "Incluso sin saber jugar con el pincel, todavía puede crear obras excelentes. En este collage, un periódico a la izquierda representa una botella y el papel impreso con ella". La veta de la madera representa un violín. Unas pocas líneas fuertes dibujadas con carboncillo hacen realidad esta transformación, uniendo esos materiales de collage no relacionados en un todo orgánico.
Se puede decir que este lenguaje artístico del collage es el principal símbolo de la pintura cubista. Picasso dijo una vez: "Incluso desde un punto de vista estético, uno puede preferir el cubismo. Pero el papel maché es el verdadero núcleo de nuestro descubrimiento. En el uso de este lenguaje de collage, Picasso es obviamente mejor que otros pintores cubistas (como Braque). y Grice) son más audaces e imaginativos. Cuando otros pintores organizan diferentes papeles, deben considerar si son consistentes con una lógica realista. Siempre limitaron su papel con imitación de madera a objetos que representaran madera (como mesas y guitarras). Picasso se liberó por completo de esta limitación. En sus cuadros, el tablero de una mesa se puede representar con papel tapiz estampado o un recorte de periódico como violín. Picasso una vez explicó sus puntos de vista sobre el collage en una conversación con François Giraud:
“El propósito del papel maché es señalar que se pueden introducir diferentes sustancias en la composición, convirtiéndose en la pantalla en lo mismo que La naturaleza es comparable a la realidad. Intentamos alejarnos de la perspectiva y encontrar el espíritu del trompe l'oeil. Nunca utilizamos fragmentos de periódico para representar una botella, un piano o un rostro. Nunca nos basamos en el significado literal del material. En cambio, utilizar el material lo saca de su contexto habitual, creando un conflicto entre la imagen visual original y su nueva definición final, haciendo pensar en los beneficios del desplazamiento de los objetos de periódicos y botellas. Entrar en un mundo extraño, un mundo de inadaptados. . Sólo queremos que la gente piense en esta extrañeza, porque nos damos cuenta de que vivimos solos en un mundo muy perturbador." (François Giraud et al. Traducido de "Picasso in Lovers' Works", Tianjin People's Publishing House, 1988, p. 60).
3. Guernica
Guernica, Picasso, 1937, óleo sobre lienzo, 305,5×782,3 cm, Museo del Prado.
El óleo "Guernica" es una obra maestra de gran influencia y significado histórico creada por Picasso en los años 30.
La pintura fue encargada por el gobierno español para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937. Esta pintura muestra la atrocidad del bombardeo de la Luftwaffe a la ciudad española de Guernica en 1937. Como artista con un fuerte sentido de la justicia, Picasso mostró una gran indignación ante este acto bárbaro. Completó esta obra maestra en apenas unas semanas como condena y protesta contra las atrocidades fascistas.
Aunque Picasso era aficionado a la innovación artística de vanguardia, no abandonó la expresión de la realidad. Dijo: "No soy surrealista y nunca me he divorciado de la realidad. Siempre permanezco en la situación real de la realidad". Esta también puede ser una razón importante por la que eligió pintar Guernica. Sin embargo, la expresión de la realidad en sus pinturas es completamente diferente al realismo tradicional. El rico significado simbólico de sus pinturas es difícil de encontrar en obras realistas ordinarias. El propio Picasso explicó el significado simbólico de esta pintura, diciendo que el toro simboliza la violencia, el caballo herido simboliza el sufrimiento de España y las luces brillantes simbolizan la luz y la esperanza. Por supuesto, en el cuadro también se representan muchas escenas de la vida real. En el lado derecho del cuadro, una mujer sostiene a su bebé muerto y llora al cielo. Debajo de ella hay un soldado, tirado en el suelo con flores en las manos y brazos extendidos con flechas rotas. En el lado izquierdo de la pintura, un hombre aterrorizado levantó las manos en el aire y gritó al cielo. No muy lejos de él, la mujer que se agachó para escapar estaba tan asustada como si sus patas traseras estuvieran detrás de ella. Todos estos son retratos reales de las víctimas de horribles bombardeos aéreos.
Muchas imágenes del cuadro reflejan la absorción por parte del pintor de factores pictóricos tradicionales. La imagen de una madre sosteniendo a su hijo muerto parece provenir de la tradición de la Piedad; la mujer sosteniendo una lámpara de aceite recuerda la forma de la Estatua de la Libertad. La imagen de las manos gritando en el aire es similar a la pose moribunda de un patriota en un cuadro de Goya. La imagen de un soldado tendido en el suelo con los brazos extendidos parece estar relacionada por matrimonio con figuras encontradas en algunas pinturas de guerra del Renacimiento italiano temprano. Se puede ver que Picasso no sólo fue un innovador audaz con un espíritu rebelde, sino también un artista que respetaba y dominaba la tradición.
A primera vista, esta pintura es muy aleatoria en la organización de imágenes y composición, e incluso podemos sentirla un poco desordenada. Esto parece coherente con la atmósfera caótica en la que los residentes estaban dispersos presa del pánico durante el bombardeo. Sin embargo, cuando miramos de cerca esta pintura, encontramos que en este largo espacio pictórico, la disposición de todas las formas e imágenes ha sido cuidadosamente concebida y deliberada, y tiene un orden estricto y unificado. Aunque muchas de las imágenes son dinámicas, sus formas textiles revelan claramente algún significado clásico. Vemos que en el centro de la imagen, diferentes imágenes brillantes se superponen entre sí para formar un triángulo isósceles; el eje central del triángulo simplemente divide toda la imagen en forma de franja en dos cuadrados; Y las imágenes en los lados izquierdo y derecho de la pantalla están muy equilibradas. Se puede decir que esta composición llamada pirámide tiene algunas características similares a "La Última Cena" de Leonardo da Vinci. Además, toda la pintura se puede dividir en cuatro secciones de izquierda a derecha: la primera sección resalta la imagen del toro; la segunda sección enfatiza el caballo herido y luchando, y las deslumbrantes luces eléctricas de arriba parecen ojos asustados y solitarios; en el tercer tramo, lo último que llama la atención es la "Estatua de la Libertad" sosteniendo una lámpara y asomando la cabeza por la ventana. En el cuarto párrafo, inmediatamente llama la atención la imagen del hombre asustado con los brazos extendidos hacia el cielo, inolvidable su gesto desesperado. Picasso utiliza esta composición cuidadosamente organizada para expresar imágenes exageradas y deformadas llenas de dinámica y emoción de una manera unificada y ordenada. No solo representa detalles ricos y variados, sino que también resalta y enfatiza puntos clave, mostrando sus profundas habilidades artísticas.
Aquí, Picasso todavía utiliza el lenguaje artístico del recorte. Sin embargo, el efecto visual del recorte en la pintura no se logra mediante métodos de recorte reales, sino mediante pintura a mano. Los personajes de "cortar y pegar" superpuestos uno sobre otro se limitan a tres colores: negro, blanco y gris, resaltando así eficazmente la atmósfera tensa y aterradora de la imagen.
4. Cubismo El cubismo es un movimiento y género de la historia del arte occidental moderno, también traducido como cubismo. Comenzó en Francia en 1908. Los artistas cubistas buscaron la fragmentación, el análisis y la recombinación de formas para formar una imagen separada, con muchos fragmentos combinados sirviendo como objeto de presentación del artista. El artista describe el objeto desde múltiples ángulos y lo coloca en la misma imagen para expresar la imagen más completa del objeto. La superposición de varios ángulos de los objetos crea muchos ángulos lineales verticales y paralelos, y las sombras dispersas hacen que las imágenes cubistas pierdan el sentido tridimensional causado por el método de perspectiva de las pinturas occidentales tradicionales. El fondo y el tema del cuadro se intercalan alternativamente, dando al cuadro cubista las características de una pintura bidimensional.
El cubismo comenzó en 1906, liderado por George? ¿Braque y Pablo? Creados por Picasso, vivieron en Montmartre, París, Francia. Se conocieron en 1907. Hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, los dos trabajaron muy estrechamente.
El nombre Cubismo apareció de forma casual. En 1908, Georges Braque (1882-1963) expuso la obra "Casa Estaque" en la Galería Kahneweiler. El crítico L. Piston comentó en la revista "Gil Brass": "El señor Braque restauró todo... en un cubo". Los principales integrantes del cubismo fueron Pablo Picasso y Braque. El óleo de Picasso "Las señoritas de Aviñón" (1910) se considera una obra del cubismo.
La exploración de los pintores cubistas se originó a partir de la teoría y la práctica creativa de Cézanne.
Consideran la frase de Cézanne "la naturaleza debe expresarse mediante cilindros, esferas y conos" como su búsqueda artística. En esencia, esto es el reflejo de la realidad social de la civilización industrial y la era de las máquinas de principios del siglo XX en el espíritu del pintor.
Picasso dijo una vez: "Hacemos cubismo no para hacer cubismo, sino para expresar lo que tenemos". Braque admitió: "El cubismo, o más bien yo, el cubismo fue el medio que creé y utilicé para adaptar la pintura a mi genio." La unión de sus dos temperamentos, y su reunificación a través de los esfuerzos de Grice y Legge, dieron como resultado un Cubismo Dinámico.
La aparición del método pictórico cubista pasó por un proceso de gestación. A principios del siglo XX, la pintura parisina estuvo muy activa. Después del postimpresionismo y el simbolismo, los artistas jóvenes generalmente se preocupan por cómo innovar formas para expresar las emociones internas y la psicología de las personas en una sociedad industrial que cambia rápidamente. Aparecieron nuevas escuelas en Francia, Alemania, Italia y Rusia. En Francia, con el auge del animismo, otro grupo de escritores y artistas se reunió en la "lavandería móvil" de Montmartre. Entre los participantes se encontraban Picasso, Braque, Laurentson, Apollinaire, Salmon, Renard, Gris, Léger, etc. Fueron apoyados por un comerciante de arte, D.-H. Carnweiler, que abrió una galería en París, conocida como la Sociedad Cubista. De Laurent y Glaize también participaron en actividades cubistas. En 1910, se estableció una nueva sociedad cubista con J. Perón como centro. Debido a sus frecuentes actividades en Pitoux, Francia, se le llamó Grupo Pitoux. También estuvieron asociados al Grupo Pito el pintor holandés P. Mondriaan y el mexicano J. de Rivera. Dieron orden y reglas al cubismo analítico, promoviendo así el desarrollo del cubismo en una dirección más abstracta y subjetiva. A partir de 1912, Picasso y otros llevaron a cabo exhaustivos experimentos cubistas. Dentro de la estructura rota y transparente del cubismo analítico, todavía hay una fuerte sensación de luz y espacio. El pintor concentra objetos observados en diferentes estados y diferentes puntos de vista en un plano para producir un efecto de experiencia general. El cubismo sintético ya no parte de la disección y análisis de un determinado objeto, sino que crea nuevos motivos combinando una variedad de materiales diferentes e intenta acercar al artista a la realidad cotidiana de la vida a través del collage físico.
Aunque la Sociedad de la Sección Áurea, una rama del cubismo, continuó realizando exposiciones en 1920 y 1925, el cubismo como movimiento artístico perdió su vitalidad ya en 1914.
El cubismo es una escuela de arte llena de ideas. Persigue principalmente la belleza de las formas geométricas y la belleza producida por la disposición y combinación de formas. Niega el método tradicional de observar y expresar las cosas desde un punto de vista, simplificando la imagen tridimensional en una imagen plana y bidimensional. El interés por la luz y la sombra, la luz, el aire y la atmósfera deja paso al interés y la concepción artística de las líneas rectas y curvas apiladas y contornos y bloques entrelazados. No vemos las cosas desde un solo punto de vista, sino que damos forma a las cosas que observamos y entendemos desde diferentes puntos de vista en la imagen, mostrando así la continuidad del tiempo. Al hacerlo, es obvio que no nos basamos principalmente en la experiencia visual y el conocimiento perceptivo, sino que nos basamos principalmente en la razón, los conceptos y el pensamiento.
Bajo el lema antitradicional, el cubismo tenía una fuerte tendencia formalista. Sin embargo, su exploración de formas artísticas ha promovido en gran medida los campos de las artes prácticas que prestan atención a la belleza formal, como las artes y oficios modernos, las artes decorativas y el arte arquitectónico.
Los pintores cubistas no tuvieron una orientación teórica sistemática, y cada uno exploró según sus propias ideas. Picasso decía: "Quiero pintar según mi imaginación, no según lo que veo". Braque también decía: "El pintor no quiere formar una anécdota, sino crear un hecho pictórico".
La aparición del cubismo es también inevitable para el desarrollo del propio arte. En la pintura tradicional, las pinturas sólo se basan en la naturaleza objetiva, y sólo se representa una parte y un lado de la naturaleza. Con los cambios en la vida moderna de la gente moderna: objetividad y microscopicidad, velocidad y variabilidad, así como las limitaciones de las máquinas en las personas, se requieren pinturas que muestren tal diversidad y complejidad, la visión de la belleza geométrica del antiguo Platón griego y La deliberada de Cézanne; La representación de la estructura de las cosas y la perspectiva atemporal, junto con la ilustración de la escultura africana negra, llevaron a la creación del arte cubista.
Figuras y obras representativas:
Pablo Picasso (1881-1973), Les Demoiselles d'Avignon;
Georges Braque (1882-1963), Familia Estaque;
"Tres mujeres" de Fernand Léger (1885-1955);
Guitarra y partitura musical de Juan Gris (1887-1927);
Cubismo Tenía dos escuelas en el siglo XX. Una es la escuela del barco de lavandería. Los representantes de esta escuela son Picasso y Poloch, que también son ortodoxos. La otra escuela es la Escuela Beehive, representada por un grupo de pintores cubistas emergentes. La popularidad del cubismo también fue catalizada por estos pintores de la colmena.
Al mismo tiempo, el cubismo tuvo tres periodos. Uno se encuentra en las primeras etapas de desarrollo. En la historia del cubismo, en su gestación y etapas iniciales, se buscaron formas geométricas simples y se abandonó el análisis de la luz y el color. Persigue la forma objeto.
La siguiente es la etapa del Cubismo Analítico, que todavía se centra en la descomposición de las formas más que en la reorganización general, y los colores son básicamente únicos. La tercera etapa es el cubismo sintético, que es relativamente maduro y mejorado por el cubismo analítico. Durante este período, los pintores comenzaron a prestar atención al efecto general del cuadro en lugar de simplemente enfatizar la descomposición local. Los colores se enriquecen gradualmente y se vuelve a enfatizar la forma de las cosas.