Poemas que alaban el arte del piano
La segunda mitad de su vida coincidió con la caída de Polonia. Pasó un tiempo en el extranjero y compuso muchas obras patrióticas para piano para expresar su nostalgia y sus sentimientos de subyugación. Entre ellas se encuentran "Primera narrativa", "Polonesa en Bach" y otras obras heroicas relacionadas con la lucha de liberación nacional de Polonia. Hay obras de combate llenas de entusiasmo patriótico, como el Estudio Revolucionario y el Scherzo en si menor; hay obras trágicas que lamentan el destino de la patria, como la Sonata en si bemol menor; también hay obras de fantasía que añoran la patria y; familiares, como muchos nocturnos y fantasías.
Chopin se ganó la vida con el piano durante toda su vida, y casi todas sus creaciones fueron música para piano, por lo que fue llamado el "piano poeta". A menudo recaudaba dinero para actuar para compatriotas en el extranjero, pero no estaba dispuesto a actuar para los nobles.
En 1837, rechazó severamente el puesto de "Pianista Principal de Su Majestad el Emperador de Rusia" otorgado por Rusia. Schumann llamó a su música "un cañón escondido entre las flores", anunciando al mundo que "Polonia no perecerá".
Chopin vivió una vida muy solitaria en sus últimos años. Dolorosamente se llamó a sí mismo un "huérfano polaco lejos de su madre". Antes de morir, pidió a sus familiares que transportaran su corazón a su patria.
2. Conocido como el "poeta pianista", hace referencia a obras de combate llenas de entusiasmo patriótico. Le encantaba la música folclórica polaca desde que era niño y compuso polonesa y polonesa profesional a la edad de 7 años.
La segunda mitad de mi vida coincidió con la caída de Polonia: la primera narrativa, como por ejemplo; también hay obras de fantasía sobre la nostalgia de la patria y de los familiares. Por supuesto, lo primero que me viene a la mente es Chopin. Esta evaluación es anterior y tiene más autoridad que la evaluación de Fu Cong. El gran músico polaco Fryderyk Francisque Chopin (1810-1849) compuso muchos pianos patrióticos. Para expresar su nostalgia, pasó algún tiempo en el extranjero, comenzó a actuar a los ocho años y a los veinte era un pianista y compositor reconocido en Varsovia... Se refiere a los poetas del piano, como muchos nocturnos y fantasías. , como el Estudio Revolucionario en Si menor y el Scherzo. Hay obras trágicas que lamentan el destino de la patria, como la Sonata en si bemol menor. Entre ellas se encuentran obras heroicas relacionadas con la lucha de liberación nacional de Polonia, que declaran al mundo que "Polonia no perecerá".
Chopin vivió una vida muy solitaria en sus últimos años. Dolorosamente se llamó a sí mismo un "huérfano polaco lejos de su madre". Antes de morir, pidió a sus familiares que transportaran su corazón a su patria.
Chopin se ganó la vida con el piano durante toda su vida, y casi todas sus creaciones fueron música para piano, por lo que fue llamado el "piano poeta". A menudo recaudaba dinero para actuar para compatriotas en el extranjero, pero no estaba dispuesto a actuar para los nobles.
En 1837, rechazó severamente el puesto de "Pianista Principal de Su Majestad el Emperador de Rusia" otorgado por Rusia. Schumann llamó a su música "un cañón escondido entre las flores".
3. La historia de la música clásica para piano El desarrollo de los instrumentos de piano y la creación de la música para piano se complementan.
Los logros de la música de piano en cada época están estrechamente relacionados con el desarrollo de los instrumentos de piano. Rastrear la historia del desarrollo de los instrumentos de piano puede ayudarnos a comprender y comprender mejor el desarrollo de las obras musicales para piano y ayudarnos a interpretar con precisión obras para piano de diferentes períodos y estilos.
El clavecín de percusión y el clavicémbalo fueron los primeros instrumentos de teclado populares en la escena musical occidental del siglo XV al XVIII, y son los predecesores del piano moderno. En comparación con los pianos actuales, la gente los llama "fortepianos".
El clavecín, también conocido como clavecín, es el instrumento de teclado y cuerda más sencillo de todos los instrumentos occidentales antiguos, y también es el más sutil, sensible y expresivo. La historia del clavicordio se remonta al siglo XV.
Se menciona ya en 1404 en un poema llamado "La ley del poeta del amor". En 1425, en un lugar llamado Minton en el noroeste de Alemania, se encontró su imagen en las tallas detrás del altar.
Hacia 1440. Su estructura está ilustrada y explicada en los manuscritos de Araut y en el tratado del músico alemán Ferton "La esencia de la música".
El fortepiano más antiguo que se conserva se fabricó en 1537 y se conserva en el Museo Metropolitano de Nueva York. Domenico fabricó otro piano en 1543 y ahora se encuentra en la colección del Museo de Instrumentos Musicales y de la Universidad Karl Marx de Leipzig. Otro clavecín contemporáneo del clavecín es el clavecín mencionado anteriormente, también llamado clavecín.
Este instrumento musical está formado por una gran familia, que tienen diferentes formas y muchos nombres. Hay muchos registros históricos sobre el clavecín.
El primer clavicordio fue fabricado por un artesano llamado Hermann en Padua, una ciudad del noreste de Italia, en 1397. En cuanto a los principios de fabricación, el clavicordio se desarrolló basándose en los principios de los instrumentos de cuerda.
El mecanismo de producción de sonido se compone principalmente de teclas de piano, acordes, cuerdas, rieles de engranaje, martillos de cuña, nudos fijos de cuerda entera que producen sonido, pasadores, llaves y rieles de equilibrio. Entre ellos, el nudo de producción de sonido fijo de cuerda entera es el dispositivo de producción de sonido del fortepiano.
Este nudo está hecho de tela y se fija a cada cuerda. Debido al efecto del nudo de pronunciación, las cuerdas del clavicordio no siempre sonarán sin importar cómo se punteen.
Las características de pronunciación del clavicordio son: para producir sonido de cuerda, todo el nudo fijo de la cuerda debe estar separado de las cuerdas. Según su estructura, si se corta toda la cuerda, la cuerda quedará dividida en dos partes: sonora y sorda.
Solo se pueden pronunciar párrafos sin paradas. Por tanto, para poder completar el proceso de pronunciación, debemos utilizar un martillo en forma de cuña como herramienta de pronunciación.
Cuando el martillo de cuña golpea la cuerda, se calzará primero en la cuerda, lo que provocará que parte de la cuerda se separe del nudo fijo de toda la cuerda. En este momento, el martillo de cuña equivale a la función de un código o producto de piano.
Luego, el martillo en forma de cuña golpea las cuerdas en el momento en que las agarra. Haga vibrar la sección de la cuerda opuesta al nudo tope, produciendo un sonido de piano.
El clavecín evolucionó a partir del Soltrix con una estructura de teclas pulsadas y un sofisticado mecanismo de teclado. El principio sonoro del clavicémbalo es completamente diferente al del clavicémbalo.
El mecanismo de producción de sonido se compone principalmente de teclas de piano, cuerdas, husillos, deslizadores de husillo, rieles guía de bajo nivel, teclas, rieles de equilibrio de teclas y otros dispositivos. En la varilla superior hay estructuras finas como amortiguadores, diales, lengüetas, resortes de cerdas y pivotes.
El núcleo mecánico del clavecín es el "eyector". Es decir, una delgada varilla de madera fijada al extremo de la llave.
Hay una abertura en el extremo superior de la varilla de empuje. Una lengüeta de madera que puede moverse hacia arriba y hacia abajo está montada sobre un pivote en la abertura.
En la lengüeta se fija una esfera de pluma o cuero. Cuando se presiona la tecla.
La púa golpea las cuerdas a medida que la varilla superior se eleva, en el momento del golpe. El amortiguador se abre, permitiendo que las cuerdas vibren y produzcan sonido.
Cuando se suelta la tecla, la varilla superior desciende y la púa que cae obliga a la lengüeta a girar hacia atrás hasta poder pasar las cuerdas. Luego, un resorte de cerdas cerca de la lengua hará que ésta vuelva a su lugar.
Al mismo tiempo, el amortiguador situado en la abertura superior de la varilla de empuje también está en estrecho contacto con las cuerdas, suprimiendo el sonido y evitando que la varilla de empuje siga deslizándose. En este punto, la varilla de empuje vuelve a su posición original, esperando la siguiente pulsación de tecla.
Los dos pianos se diferencian en su uso y estilo de ejecución. En su larga evolución histórica, el clavicordio se ha utilizado principalmente como instrumento para la enseñanza y el aprendizaje musical.
Tiene un sonido metálico. Es versátil en sus cambios de sonido y, al mismo tiempo, puede reproducir efectos similares a canciones con mucha facilidad. Muchos compositores han descubierto que el clavicordio es un instrumento adecuado para la música de cámara íntima debido a su variedad de tonos.
Este clavicordio es adecuado para tocar oberturas, sonatas, toccatas y suites. Las dos o tres "Canciones" de J.S. Bach compuestas en 1723 son documentos importantes que reflejan el estilo de tocar el fortepiano.
El énfasis de la gente en el estilo de canto y la necesidad de cambios sutiles en la intensidad durante la interpretación han promovido la creación de música de clavecín de percusión. El repertorio adecuado para tocar el clavicordio suele tener una estructura de dos partes; en términos de tipo, se destacan principalmente adaptaciones de canciones, minuetos, música pastoral, rondos, estudios, dulzura y suavidad;
En la Europa del siglo XVII, la gente de otros países además de Alemania, especialmente los de Inglaterra, Francia e Italia, preferían el instrumento del clavicémbalo. Muchos compositores, como D. Scarlatti y Handel, han compuesto música para clavecín.
En la Europa barroca, el clavecín no sólo era un instrumento solista muy común, sino que también se utilizaba para tocar el bajo digital en música de cámara y para acompañar recitales en óperas y oratorios. Lo mejor del clavecín puede reflejarse plena y vívidamente en la música creada por los compositores franceses.
Los bocetos musicales del compositor francés son muy característicos del clavecín. Es suave, ligero, claro, rico y diverso en color, y tiene una gran cantidad de sonidos decorativos en la melodía, lo que requiere un alto nivel de habilidades de piano y gusto artístico por parte del intérprete.
d. Scarlatti fue un clavecinista y compositor que desarrolló técnicas como tocar tonos dobles, cruzar las manos, repetir tonos y arpegios en octavas. Tanto el fortepiano como el fortepiano tienen sus propias ventajas y desventajas.
4. Comprender el arte del piano. El piano, el "rey de los instrumentos musicales" con una historia de cientos de años desde el siglo XVIII hasta el presente, ha producido muchos músicos, intérpretes y compositores famosos. y educadores durante su historia de desarrollo. Quizás puedas contar algunas de sus historias: Bach, Mozart, Czerny, Beethoven, Chopin, Debussy, etc. Sin embargo, siempre está muy lejos de la gente, misterioso y elevado.
He estudiado piano desde que era niño y me gustaría hablar sobre mis puntos de vista sobre tocar el piano. 1. Cuestiones técnicas en la interpretación del piano. La tecnología para tocar el piano se refiere principalmente a la capacidad de los miembros humanos para tocar música en el piano después del entrenamiento.
La capacidad se puede resumir en sensibilidad local, flexibilidad, independencia, fuerza, velocidad, reflejos y facilidad de control sobre todos estos aspectos. En general, es una relación perfectamente coordinada y cooperativa.
Existen muchos requisitos técnicos, como el tacto de las teclas, la digitación, los pedales... Si quieres ser un excelente pianista, lo primero que debes hacer es saber hacer volar tus diez dedos. limpia, firme y poderosamente en el piano, y los diez dedos son las partes más directas y sensibles al tocar el piano. Por lo tanto, la fuerza, la sensibilidad, la velocidad de los dedos, así como las capacidades táctiles y de control en constante cambio son la base.
El tacto de las teclas es uno de los temas más importantes a la hora de expresar la música de piano. Las diferentes pulsaciones de teclas dan como resultado grandes variaciones de timbre y volumen.
Hay muchas maneras de tocar la salud. Es útil para tocar con un dedo, con varios dedos o incluso con todo el puño; también hay teclas de silencio para sonidos de diferente intensidad... y así sucesivamente.
Hay teclas táctiles verticales y teclas táctiles horizontales, que pueden denominarse el "método yin y yang" de los movimientos de los dedos. Las teclas táctiles verticales son yang y fuertes, basadas en una fuerza firme, directa, rápida y poderosa.
Las teclas táctiles horizontales son femeninas y los puntos clave son el ligero deslizamiento, el empuje y la suavidad horizontal. Además, existen tres formas básicas de tocar teclas: legato, legato y salto.
La velocidad de pulsación está muy relacionada con estas tres teclas táctiles básicas. Al tocar legato, normalmente tocas las teclas más lentamente. Por ejemplo, en el estudio en mi mayor de Chopin, el emoticón de la pieza está marcado con "legato". Para utilizar el método táctil legato, la velocidad con la que los dedos tocan las teclas es relativamente lenta.
Al tocar legato, la velocidad debe ser más rápida. Por ejemplo, la variación final del tercer movimiento de la sonata "Appassionata" de Beethoven requiere que tus dedos toquen las teclas rápidamente, concentres las yemas y toques un hermoso legato. El sonido que rebota más rápido, como el "Joker" de Vera Robles, las emociones traviesas y divertidas deben surgir suavemente.
El timbre y el volumen producidos por diferentes métodos de pulsación de teclas son diferentes. En las obras para piano, muchas piezas musicales contienen melodías menores además de temas.
Los intérpretes primero deben dominar y utilizar correctamente diferentes métodos de pulsación de teclas para tocar los diferentes timbres requeridos en la música, de modo que la música tenga distintas capas y un estilo sobresaliente. La música es el arte del sonido. Para convertir el arte sonoro del piano sin palabras en lenguaje y hacerlo vívido y comprensible para el público, debemos trabajar duro al tocar las teclas.
Los cambios de timbre y volumen son como la supresión, mejora, pausa y frustración al recitar un poema. Puede expresar y transmitir apropiadamente diferentes pensamientos y sentimientos y, al mismo tiempo, puede producir un efecto que es indescriptible con palabras, pero infinitamente memorable. La tecnología de rendimiento ocupa una posición clave y avanzada.
Sin tecnología, la expresión de contenido musical es sólo charla vacía. Sin embargo, la aplicación de la tecnología en la interpretación del piano debe cumplir con las necesidades del estilo y el contenido ideológico de la obra musical. Aprender tecnología es para expresar mejor la música.
2. Captar las características del estilo musical de piano. Mientras sea música, tiene estilo. En cierto sentido, la historia del desarrollo del arte del piano es un microcosmos de la historia del desarrollo de la música mundial.
A partir del proceso de desarrollo del arte del piano, podemos comprender el desarrollo de todo el pensamiento musical. Una comprensión profunda de la historia del desarrollo del arte del piano, las características creativas de varios estilos y la forma de pensar del compositor pueden comprender directamente la esencia de la música.
Según la historia generalmente aceptada de la música occidental, el desarrollo del arte del piano ha pasado por: el período de estilo barroco, el período de estilo clásico vienés, el período de estilo romántico, el período de estilo impresionista y el siglo XX. Período de estilo musical moderno. Existe una cierta base para que las obras de un compositor se posicionen en un determinado estilo en una determinada época, porque siempre podemos ver más o menos las características clásicas de un determinado estilo en cada obra, que es la "esencia" del estilo. ".
Por ejemplo, el equilibrio, la elegancia y la naturaleza son la esencia del estilo clásico; el estilo romántico se centra en el color y contiene muchos factores subjetivos y emocionales. Para los intérpretes, dominar obras de diferentes épocas y estilos requiere diferentes tratamientos.
La polifonía es una característica importante de la música para piano barroca. Aunque el grado de polifonía variaba de un compositor a otro, una formación polifónica rigurosa era fundamental sin importar qué compositor tocara durante el período barroco. La música polifónica consta de varias líneas paralelas, generalmente sin ningún orden en particular.
Aunque destaca, varias partes siguen siendo independientes. En la mayoría de las obras de Bach, hay frases emotivas escondidas en las voces libres.
No hay duda de que el tema es condensado y conciso, y las frases breves y concisas contienen el contraste y la información más ricos. Por lo tanto, al tocar obras barrocas, especialmente obras de Bach, no es apropiado enfatizar una de ellas de forma aislada.
Pero intenta explicar los aspectos significativos de cada detalle tanto como sea posible. En sus obras, Bach, salvo algunas excepciones, casi no marcó en el manuscrito velocidad, dinámica, expresión, etc.
El intérprete tiene así una gran libertad y se le permite realizar diversas interpretaciones creativas dentro del estilo general. En definitiva, a la hora de tocar música barroca debemos establecer el concepto básico de "que cada nota y cada verso se canten bien".
Que cada sonido se vuelva elegante y noble, y esté bajo un cuidadoso control; también haga que cada sonido sea claro y coherente, incluido en la respiración continua. Al tocar obras de Haydn y Mozart del período clásico, las emociones personales deben ser ligeramente restringidas, las claves deben ser frescas y delicadas y la música debe estar llena de una atmósfera sana, vivaz, humorística, entusiasta y optimista; Debe ser fácil de entender, sencillo y amigable, pero también afectuoso. Esfuércese por crear un efecto general que sea elegante y discreto, en consonancia con la costumbre de la gente de apreciar la música clásica.
Como dijo Mozart en una carta a su padre en septiembre de 1781: "Por los sentimientos, pase lo que pase.
5. Escribe un ensayo sobre el arte del piano (suspendió la prueba) ¿Has visto "Absolute Challenge" de CCTV? Mi capacidad para participar en el desafío me abrió los ojos. También tengo una habilidad: tocar el piano. ¡Es difícil describirlo en una frase! Tocaba el piano cuando era joven. Al principio, aprendía con curiosidad. Cuando el profesor enseñaba, a menudo cometía errores.
Recuerdo una vez, cuando toqué el fragmento de "The White". -Chica de pelo”, toqué una nota equivocada. Mi madre me lo señaló, pero discutí con ella. Mi madre no solo me señaló mi error, sino que también me educó pacientemente. Botella de cinco sabores, las lágrimas salieron como gotas. En ese momento, mi madre me iluminó y me animó. Ahora lo toco todos los días, cuando tengo tiempo libre. Experimento el ritmo del piano: a veces es triste, a veces es feliz. hace sol, a veces fluye y a veces es como un mago mágico.
Ahora he logrado algunos pequeños avances en el piano, pero esto es solo el comienzo. mejores resultados y esforzarse por participar en el concurso de piano infantil el próximo año.
6 La historia de la música de piano antigua El desarrollo de los instrumentos de piano y la creación de la música de piano se complementan entre sí.
Los logros de la música para piano en cada época están estrechamente relacionados con el desarrollo de los instrumentos para piano. La historia del desarrollo de los instrumentos musicales puede ayudarnos a comprender y comprender mejor el desarrollo de las obras musicales para piano y ayudarnos a interpretar con precisión obras para piano de diferentes. épocas y estilos.
Clavicordio de percusión y clavecín Fue un instrumento de teclado temprano que fue popular en la escena musical occidental desde el siglo XV al XVIII. Es el predecesor del piano moderno. El piano actual se llama "fortepiano", también conocido como clave grande. El clavecín es el instrumento de teclado y cuerda más simple de todos los instrumentos occidentales antiguos, y también es el más delicado, sensible y expresivo de la historia del clavecín. Se remonta a 1404. Se menciona en un poema llamado "La ley de los poetas del amor". En 1425, su imagen fue encontrada en las tallas detrás del altar en un lugar llamado Minton en el noroeste de Alemania. p>Alrededor de 1440. Su estructura está ilustrada y descrita en el manuscrito de Araut y en el tratado "La esencia de la música" del músico alemán Ferton.
El primer clavicordio que se conserva se fabricó en 1537. , conservado en el. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Domenico fabricó otro piano en 1543 y ahora se encuentra en la colección del Museo de Instrumentos Musicales y de la Universidad Karl Marx de Leipzig. Otro clavecín contemporáneo del clavecín es el clavecín mencionado anteriormente, también llamado clavecín.
Este instrumento musical está formado por una gran familia, que tienen diferentes formas y muchos nombres. Hay muchos registros históricos sobre el clavecín.
El primer clavicordio fue fabricado por un artesano llamado Hermann en Padua, una ciudad del noreste de Italia, en 1397. En cuanto a los principios de fabricación, el clavicordio se desarrolló basándose en los principios de los instrumentos de cuerda.
El mecanismo de producción de sonido se compone principalmente de teclas de piano, acordes, cuerdas, rieles de engranaje, martillos de cuña, nudos fijos de cuerda entera que producen sonido, pasadores, llaves y rieles de equilibrio. Entre ellos, el nudo de producción de sonido fijo de cuerda entera es el dispositivo de producción de sonido del fortepiano.
Este nudo está hecho de tela y se fija a cada cuerda. Debido al efecto del nudo sonoro, las cuerdas del fortepiano no siempre sonarán sin importar cómo se punteen.
Las características de pronunciación del clavicordio son: para producir sonido de cuerda, todo el nudo fijo de la cuerda debe estar separado de las cuerdas. Según su estructura, si se corta toda la cuerda, la cuerda quedará dividida en dos partes: sonora y sorda.
Solo se pueden pronunciar párrafos sin paradas. Por tanto, para poder completar el proceso de pronunciación, debemos utilizar un martillo en forma de cuña como herramienta de pronunciación.
Cuando el martillo de cuña golpea la cuerda, se calzará primero en la cuerda, lo que provocará que parte de la cuerda se separe del nudo fijo de toda la cuerda. En este momento, el martillo de cuña equivale a la función de un código o producto de piano.
Luego, el martillo en forma de cuña golpea las cuerdas en el momento en que las agarra. Haga vibrar la sección de la cuerda opuesta al nudo tope, produciendo un sonido de piano.
El clavecín evolucionó a partir del Soltrix con una estructura de teclas pulsadas y un sofisticado mecanismo de teclado. El principio sonoro del clavicémbalo es completamente diferente al del clavicémbalo.
El mecanismo de producción de sonido se compone principalmente de teclas de piano, cuerdas, husillos, deslizadores de husillo, rieles guía de bajo nivel, teclas, rieles de equilibrio de teclas y otros dispositivos. En la varilla superior hay estructuras finas como amortiguadores, diales, lengüetas, resortes de cerdas y pivotes.
El núcleo mecánico del clavecín es el "eyector". Es decir, una delgada varilla de madera fijada al extremo de la llave.
Hay una abertura en el extremo superior de la varilla de empuje. Una lengüeta de madera que puede moverse hacia arriba y hacia abajo está montada sobre un pivote en la abertura.
En la lengüeta se fija una esfera de pluma o cuero. Cuando se presiona la tecla.
La púa golpea las cuerdas a medida que la varilla superior se eleva, en el momento del golpe. El amortiguador se abre, permitiendo que las cuerdas vibren y produzcan sonido.
Cuando se suelta la tecla, la varilla superior desciende y la púa que cae obliga a la lengüeta a girar hacia atrás hasta poder pasar las cuerdas. Luego, un resorte de cerdas cerca de la lengua hará que ésta vuelva a su lugar.
Al mismo tiempo, el amortiguador situado en la abertura superior de la varilla de empuje también está en estrecho contacto con las cuerdas, suprimiendo el sonido y evitando que la varilla de empuje siga deslizándose. En este punto, la varilla de empuje vuelve a su posición original, esperando la siguiente pulsación de tecla.
Los dos pianos se diferencian en su uso y estilo de ejecución. En su larga evolución histórica, el clavicordio se ha utilizado principalmente como instrumento para la enseñanza y el aprendizaje musical.
Tiene un sonido metálico. Es versátil en sus cambios de sonido y, al mismo tiempo, puede reproducir efectos similares a canciones con mucha facilidad. Muchos compositores han descubierto que el clavicordio es un instrumento adecuado para la música de cámara íntima debido a su variedad de tonos.
Este clavicordio es adecuado para tocar oberturas, sonatas, toccatas y suites. Las dos o tres "Canciones" de J.S. Bach compuestas en 1723 son documentos importantes que pueden reflejar el estilo de tocar el fortepiano.
El énfasis de la gente en el estilo de canto y la necesidad de cambios sutiles en la intensidad durante la interpretación han promovido la creación de música de clavecín de percusión. El repertorio adecuado para tocar con clavicordio suele tener una estructura de dos partes; en términos de tipo, se trata principalmente de adaptaciones de canciones, minuetos, música pastoral, rondos y estudios, cuyo tono y estilo enfatizan la dulzura y la suavidad.
En la Europa del siglo XVII, la gente de otros países además de Alemania, especialmente la gente de Inglaterra, Francia e Italia, preferían los instrumentos de clavecín. Muchos compositores, como D. Scarlatti y Handel, han compuesto música para clavecín.
En la Europa barroca, el clavecín no sólo era un instrumento solista muy común, sino que también se utilizaba para tocar el bajo digital en música de cámara y para acompañar recitales en óperas y oratorios. Lo mejor del clavecín puede reflejarse plena y vívidamente en la música creada por los compositores franceses.
Los bocetos musicales del compositor francés son muy característicos del clavecín. Es suave, ligero, claro, rico y diverso en color, y tiene una gran cantidad de sonidos decorativos en la melodía, lo que requiere un alto nivel de habilidades de piano y gusto artístico por parte del intérprete.
d. Scarlatti fue un clavecinista y compositor que desarrolló técnicas como tocar dobles paradas, cruzar las manos, repetir tonos y arpegios en octavas. Tanto el fortepiano como el fortepiano tienen sus propias ventajas y desventajas.