¿Qué es la teoría del color de la Bauhaus?

La educación del color es una parte importante del sistema educativo de la Bauhaus. Fue fundada por John Eaton y seguida estrictamente por los artistas de origen húngaro Nagy, Paul Klee, Kandinsky y otros. El curso de color permite combinar arte y diseño industrial. ?Establecer una educación sobre el color o incluso cursos básicos no estaba originalmente en el plan de Gropius. John Eaton tuvo una visión única y persuadió a Gropius para que abriera cursos preliminares. Por eso la Bauhaus fue más famosa que otras escuelas en ese momento. se convirtió en un curso obligatorio en la escuela Bauhaus, e incluso a los estudiantes que no se desempeñaron satisfactoriamente en los cursos básicos no se les permitió ingresar al taller para recibir capacitación. Cursos preliminares y talleres de formación: estos dos elementos son los pilares básicos de la Bauhaus ideal de Gropius. Sin embargo, en 1919, todo el mundo debía haber pensado que este ideal nunca se haría realidad. ?Eton es ante todo un maestro del arte del color, que a menudo utiliza como su firma. Los dos ejercicios que pide a los estudiantes que realicen son particularmente importantes: el primer ejercicio requiere que los estudiantes jueguen con diversas texturas, formas, colores y tonos. Los ejercicios bidimensionales también incluyen ejercicios tridimensionales. El segundo ejercicio requiere el uso de líneas rítmicas para analizar obras de arte. El propósito es permitir a los estudiantes captar el espíritu interior y el contenido expresivo de las obras originales. Eaton también desafió a sus alumnos a observar e interpretar el mundo real. Les pidió que representaran objetos de la naturaleza (piedras, vegetación y similares). Estos bocetos no eran el propósito en sí mismos, pero el verdadero propósito era perfeccionar la percepción visual de los estudiantes y explorar e interpretar la naturaleza. Se puede decir. Cualquier ejercicio diseñado por Eaton no es un fin en sí mismo. Son meros preparativos, pasos en el camino hacia la creatividad independiente. Eaton cree que cuando se considera el color, es imposible separar el elemento gráfico, y viceversa, porque los dos son interdependientes. Es más probable que las personas comprendan a fondo las formas geométricas claras cuyos elementos básicos incluyen círculos, cuadrados y triángulos. Todas las formas posibles se esconden silenciosamente entre estos elementos gráficos. Los que quieren ver pueden verlo y los que no quieren verlo no pueden verlo. Los gráficos también son colores. Sin color, no habría gráficos. Los gráficos y el color son uno. Los colores del espectro son los más fáciles de entender. Todos los colores posibles se esconden silenciosamente entre ellos. ¿La gente que quiere ver puede verlo y la gente que no quiere verlo no puede verlo...? Las figuras geométricas y los colores del espectro son las figuras y colores más simples y emocionales. significa la expresión más adecuada de una obra de arte. Los gráficos no pueden existir sin color; los gráficos no pueden existir sin algunas limitaciones contextuales relevantes: las comparaciones en ciertos detalles son siempre indispensables. Por tanto, el contenido central de la teoría de Eaton es el concepto de contraste y tensión. Para el estudio del contraste de color, Eaton seleccionó siete tipos distintos como base para su investigación. Estos siete tipos de contraste incluyen: un contraste simple entre dos colores, un color brillante y un color oscuro. Contraste, el contraste entre un color cálido y uno. Color frío, el contraste entre colores complementarios. Eaton también comparó calidad y cantidad. El propósito de diseñar estos ejercicios de contraste es descubrir las propiedades básicas de colores relacionados y maximizar sus efectos. Como resultado del pensamiento de Eaton sobre cuestiones de color, diseñó una bola de color en lugar de un círculo de color. Dijo que esta bola de color era "la forma que mejor puede expresar el orden de los colores". También "permite representar las leyes de los colores complementarios, diagramar todas las relaciones fundamentales entre estos colores complementarios y diagramar sus relaciones con el blanco y el negro". Alrededor del "ecuador" de la esfera de color, la distribución del color es del rojo. Para Eaton, las propiedades del color definitivamente no se limitan a algunas propiedades ópticas. Creía que los colores transmitían condiciones emocionales universales a las personas y que los gráficos transmitían mensajes similares. Después de estudiar tres formas geométricas básicas, Eaton descubrió que había cierta similitud entre ellas y colores específicos. Esta similitud se refiere a similitudes emocionales y mentales. Por ejemplo, el cuadrado simboliza la paz, la muerte, el negro, la oscuridad y el rojo, mientras que el triángulo simboliza el entusiasmo, la vitalidad, el blanco y el amarillo. El círculo simboliza "uniformidad, infinito y tranquilidad". El círculo también simboliza el color azul.

Por lo tanto, cada forma nace con lo que Eaton llama su propio color: el estado de ánimo expresado por la forma y el color deben coincidir y si un pintor quiere obtener un efecto equilibrado y armonioso en su obra, debe prestar atención a estas combinaciones naturalmente identificables; : cuadrados y rojos, triángulos y amarillos, círculos y azules. Esta teoría es el prototipo de la emoción del color y del efecto emocional del color. Eton se convirtió en una gran influencia en la Bauhaus, e incluso Gropius sintió que su posición como director estaba comprometida, por lo que en 1923 abandonó la Bauhaus. Sin embargo, no se puede negar que la educación sobre el color en Eton tuvo un profundo impacto en la Bauhaus: no sólo se vieron afectados los cursos básicos, sino también los cursos profesionales de diseño. Su teoría científica del color y su teoría científica de la composición de formas son importantes y sólidas para sentar las bases de la expresión visual. Más tarde, Kandinsky se hizo cargo de la educación del color. Kandinsky fue a enseñar en la Bauhaus en 1922. Su teoría tenía muchas similitudes con la de Eton. Kandinsky comprendió desde pequeño que tenía un don para la estética integral, es decir, cuando se estimula un sentido, el otro responderá al mismo tiempo. Específicamente para él, cuando ve una escena o incluso un color, escuchará algunos sonidos al mismo tiempo o por el contrario, al escuchar música, verá ciertos colores o escenas; Lo que escuchó y vio fue bastante especial. Por ejemplo, sería una nota específica tocada en un instrumento específico. En la Bauhaus maximizó sus talentos. Los colores y los sonidos también evocaban en él sentimientos muy especiales. Aunque las emociones que experimentaba eran inevitablemente subjetivas, Kandinsky todavía quería explicarlas, y para ello había estado trabajando en Descubrir y definir sus leyes universales. Los estudios de Kandinsky para el curso preliminar se dividieron en dos partes: una era dibujo analítico y la otra era un estudio teórico del color y la figura. Primero examina los colores y las formas de forma aislada, luego los relaciona entre sí y finalmente con el "sustrato", el plano en el que se muestran todas las imágenes bidimensionales. Kandinsky definió los "cuatro tonos principales" de color de una manera estética integral: color cálido brillante, color cálido oscuro, color frío brillante y color frío oscuro. Esto es lo que llamamos la emoción del color. Según su teoría, el factor que determina la temperatura de color de cualquier color radica en si el color tiende a ser amarillo (absolutamente cálido) o azul (absolutamente frío). Sin embargo, cada color no sólo tiene una temperatura de color, sino que también tiene un significado simbólico. "El amarillo es un color típico de la tierra" y "el azul es un color típico del cielo", y estas propiedades también conducen a muchas otras propiedades. El amarillo es agresivo, trascendental, agresivo, proactivo e inestable, por el contrario, el azul es comedido, limitado, tímido y pasivo; El amarillo es duro y nítido; el azul es suave y flexible. El sabor amarillo es estimulante y el color azul hace que la gente se sienta como si estuviera probando higos frescos. El cuerno es amarillo y el órgano es azul. Debido a que el verde mezcla el amarillo y el azul completamente opuestos, crea una sensación perfecta de equilibrio y armonía, que es negativa y autosatisfactoria. Kandinsky hizo una anotación sobre el significado del verde, de la que se desprende hasta qué punto se disponía a salirse del tema para explicar las características del color: "La posición que ocupa el verde puro es lo que se llama el burgués en el mundo humano". mundo." La posición que ocupa: es un elemento inamovible, contento con su posición, limitado en todos los aspectos. " El rojo, por el contrario, es animado, inquieto y poderoso. Mezcla rojo y amarillo y obtendrás naranja. ¿El naranja y el violeta (una mezcla de rojo y azul) constituyen el último par de Kandinsky? Los principios que se aplican al contraste entre amarillo y azul se aplican igualmente al contraste entre naranja y violeta, aunque en menor medida. Así, la brecha entre el amarillo y el azul se salva con el rojo. Kandinsky asignó muchos ejercicios durante sus conferencias, todo con el fin de permitir a los estudiantes encontrar el contrapunto apropiado entre color y gráficos. Declaró que si los colores primarios deben corresponder a las formas básicas, formando un triángulo amarillo, un cuadrado rojo y un círculo azul, entonces la mezcla de formas debe ir siempre acompañada de la mezcla de colores. Un pentágono es una mezcla de cuadrados y triángulos, por lo que debe ser de color naranja.

Las polilíneas y curvas también tienen sus propios colores apropiados. También hay ejercicios que exploran este efecto y, si no confirman las afirmaciones de Kandinsky, a menudo parecen bastante bonitos. Kandinsky desarrolló un sistema de este tipo no sólo para revelar la llamada relación entre color y línea, sino también para aplicarlo a todo el diseño de la composición. Su punto de partida fue dividir las aplicaciones en tipos. Los patrones horizontales son cálidos, los patrones verticales son fríos. Una composición que obliga al ojo a moverse hacia arriba es libre y ligera, mientras que una composición que obliga al ojo a moverse hacia abajo es pesada y deprimente. Una composición que obliga al ojo a moverse hacia la izquierda es aventurera y liberadora, mientras que una composición que obliga al ojo a moverse hacia la izquierda es madura y segura. Este tipo de "ley" puede crear armonía y contraste visual, y también puede utilizar la composición para expresar sentimientos psicológicos sutiles. El posterior profesor Klee también hizo una gran contribución al curso de color. Al igual que las de Kandinsky y Eton, la teoría del color de Klee tenía sus raíces en la de Goethe y, en gran medida, también se basó en las teorías de otros: Runge, Delacroix, el propio Kandinsky y Delaunay, cuyo tratado sobre los efectos de la luz fue traducido al inglés. Alemán por Klee en 1912. Al igual que Eaton, Klee comenzó con colores espectrales, que pintó en un círculo, una forma ligeramente más convencional que la esfera utilizada por Eaton. En la experiencia visual, el color es el aspecto más rico. Las líneas sólo tienen longitud, y los tonos sólo tienen medida y concentración. El color añade un tercer elemento: la calidad, es decir, Klee les pidió que usaran una escala metafórica para medir el peso de varios colores. Alto y bajo (por ejemplo, el rojo es más pesado que el azul) y piense en la progresión de múltiples colores, con un paso que va del morado al rojo. El propósito de Klee al guiar a sus alumnos a lo largo de toda esta formación no era establecer reglas. Simplemente entregó la materia prima a los estudiantes y les dejó sacar sus propias conclusiones. En la enseñanza del color en la Bauhaus, además de la investigación de la teoría del color en los cursos básicos, también se realiza la investigación de la aplicación del color en el taller mural (taller). El contenido principal es utilizar el color para servir directamente a la configuración del espacio, o cómo aplicar el color en la arquitectura. Los jóvenes profesores del taller mural de la Bauhaus desarrollaron un nuevo método para decorar espacios arquitectónicos básicos utilizando grandes bloques de pintura plana, deshaciéndose poco a poco del concepto tradicional de utilizar pinturas abstractas a gran escala como decoración de paredes interiores. La práctica de la Bauhaus en este campo tuvo un profundo impacto en la forma en que se aplica el color en la arquitectura y los espacios interiores del futuro, y ha dado lugar a nuevos desarrollos en la práctica arquitectónica occidental contemporánea. En 1922, Kandinsky fue el encargado de guiar la investigación sobre la aplicación del color en el taller mural. Junto con las conferencias sobre teoría de la forma y el color que impartía en sus cursos básicos, Kandinsky desarrolló un detallado programa de investigación del color en el taller de frescos. ?Kandinsky vinculó las propiedades físicas y químicas del color (como las propiedades de la pintura y las propiedades de los adhesivos) con diversos trabajos técnicos, vinculó las características psicológicas del color con diversos experimentos de análisis y creación, y estipuló la investigación sobre la aplicación del color. Dos aspectos básicos, que logran coherencia estructural con su enseñanza de la teoría del color. Basándose en la discusión teórica de Kandinsky sobre los efectos psicológicos del color, algunos destacados aprendices del taller mural, como Schinlek Scheppa, Arndt y otros, se deshicieron gradualmente del método de utilizar pinturas abstractas a gran escala como decoración de paredes interiores y consideraron usar Con la técnica de pintura plana con grandes bloques de color, cada interfaz del espacio se pinta con diferentes colores para realzar o cambiar la sensación del espacio arquitectónico básico. Esta idea tuvo entonces un significado innovador. Nadie había propuesto todavía en el taller mural de la Bauhaus un conjunto completo de teorías o métodos sobre la aplicación del color en el espacio, basándose en la teoría de los efectos psicológicos del color de Kandinsky. Después de las discusiones, algunos aprendices destacados en el taller de murales, como Sinluck Scheppa, Arndt y otros, se deshicieron gradualmente del método de utilizar pinturas abstractas a gran escala como decoración de paredes interiores y consideraron utilizar técnicas de pintura plana a gran escala para pintar cada interfaz. el espacio con diferentes colores para realzar o cambiar la sensación del espacio arquitectónico básico. Posteriormente, por razones políticas, es decir, desde el punto de vista nazi, la Bauhaus fue "uno de los baluartes más destacados del concepto marxista judío de 'arte'. La Bauhaus se vio obligada a cerrar sus puertas, y algunos profesores y Los estudiantes emigraron. Al promover la filosofía educativa de la Bauhaus a nivel local, la Bauhaus se hizo mundialmente famosa.

Desde entonces, los cursos básicos de la Bauhaus han sido aceptados por la gente y seguimos impartiendo los mismos cursos hasta el día de hoy

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