Presenta el estilo musical en detalle.

R ampb está escrito en ritmo blues, traducido como "rhythm whining" o "rhythm and blues". Una forma musical que combina jazz, gospel y blues. Este término musical fue acuñado por la revista estadounidense Billboard a finales de los años 1940. Se han derivado varios tipos de música diferentes, como el rock, la discoteca y el rap con los que estamos familiarizados, todos los cuales pueden considerarse desarrollados como R&B.

Origen - Blues

El antecesor del R&B apareció en la zona negra de Estados Unidos en los años 1940.

En aquella época, no mucha gente podía permitirse una variedad de actividades de entretenimiento. A los negros que aman la música les gusta reunirse en la calle después de cenar y tocar música con instrumentos sencillos como guitarras y armónicas para expresar sus sentimientos sobre la vida, el trabajo y salir de casa. Este desarrolló el predecesor del b, blues-R.

Con la invención de la cinta y la aparición de cada vez más emisoras de radio pequeñas, la música blues empezó a salir de los círculos negros y se hizo popular en Chicago. No sé si es porque se ha hablado de la música blues durante demasiado tiempo. Los fanáticos de la música están ansiosos por escuchar canciones de blues con ritmo fuerte, ritmo brillante y contenido no demasiado triste.

Pero el término r&b fue originalmente un término de marketing musical acuñado por Jerry Wexler de la revista Billboard en 1947, reemplazando a la música racial (originaria de la comunidad negra, pero considerada muy desagradable por la sociedad de posguerra) y la Junio ​​de 1949 La categoría Billboard Harlem golpea la paradoja. El término se utilizó originalmente para definir la música rock en formato 12-blues y boogie-woogie con ritmo de fondo, que luego se transformó en los elementos básicos del rock.

En "Roll: An Unruly History" (1995), Palmer define el ritmo y el blues como cualquier tipo de música acuñada por un título general. En su libro de 1981, Deep Blue, Palmer utilizó "R&B" como sinónimo. Abreviatura de jump blues, que según escribió Lawrence Cohn, autor de Nothing But the Blues, fue inventada por la empresa paraguas $TERM Industry Conference. Además de la música clásica y la música religiosa, "Rhythm and Blues" incluye toda la música negra, excepto la música negra. es una canción gospel, y sus ventas son suficientes para entrar en las listas de música pop.

Los músicos se adaptaron a los cambios en los gustos del público y agregaron piano, batería, sexismo y tecnología ultranueva: la guitarra eléctrica, dejaron al público. baila este nuevo género de blues con un ritmo fuerte, creando una "acusación rítmica" clásica

Ritmo refrescante

Importantes investigaciones y desarrollo en las décadas de 1950 y 1960 incluyen a Ray Charles, Ruth; Brown y Wanderer después de escuchar sus obras clásicas, encontraremos que la música R&B como Jay Chou y Utada son muy diferentes, pero en términos de elementos musicales, todavía hay muchas similitudes. Las obras se componen de 4 tiempos y 12 tiempos por sección. A diferencia de la música pop blanca tradicional, la queja rítmica enfatiza el segundo y cuarto tiempo en una sección, lo cual es un efecto rítmico muy refrescante.

Ya sea el timbre del canto o el instrumento, habrá un gran cambio.

Cuando escuchemos "Mud", sentiremos que Xu Zhian la cantó. La flauta de madera a menudo nos da una sensación muy viva. Esta es la calidad del sonido de diferentes canciones e instrumentos en las obras de R amp, como "Bullfighting" o "Lady" de Jay Chou. Podemos encontrar fácilmente que tanto en términos de música como de sonido, el párrafo inicial y el estribillo se tratan obviamente de manera diferente.

La parte vocal y la parte instrumental a menudo se hacen eco entre sí: en R; en la canción B, cuando el cantante canta ciertos sonidos, la parte musical o el cantante del coro tocará/cantará esos sonidos repetidamente, como en "hacer y responder preguntas" o hacer que suene como un eco.

Otra característica de R amp es que algunas frases y oraciones se repiten muchas veces. Al igual que el continuo "No lo hago, no lo hago, no lo hago" en "Twister", es un ejemplo obvio.

El hip-hop se traduce en hip-hop, y el rap se traduce en rap. Estos dos conceptos son diferentes. En realidad, el hip-hop no es un término musical, sino un término cultural que incluye rap, graffiti, hip-hop y tocar como DJ. El rap se originó en la década de 1960, mientras que el hip-hop como interpretación musical se originó a principios de la década de 1970. Su predecesor fue RAP (a veces con un poco de R(B)).

Literalmente, Hip-hop es Hip, Hop es Hop, y juntos son Hip-waking. Inicialmente se refería a la etapa embrionaria del hip-hop (es decir, lo que solíamos llamar break dance), y luego se convirtió gradualmente en un concepto enorme: la cultura hip-hop que ahora llamamos también incluye esa ropa holgada, pesada, de oro puro. joyas y " YoYo? "¿Qué pasa?" "Hábitos orales - en resumen, es el estilo de vida y el "estilo" de los negros en los barrios pobres de Estados Unidos.

El origen del hip-hop se puede resumir en una palabra "pobre". ¿Por qué? ¿Debemos usar ropa grande Talla 1? Además de ser conveniente para hacer ejercicio, la ventaja de este tipo de ropa de talla grande es que se puede usar durante varios años más. ¿Por qué hay graffiti? ¿Esta cosa se usó por primera vez como símbolo? de la división de influencia entre las pandillas del barrio, y luego se volvió cada vez más exquisito y desarrollado. Se convirtió en un arte popular; ¿por qué existía el hip-hop? Porque no podían permitirse el lujo de ir a los salones de baile y todavía existía la discriminación racial. En ese momento, y es posible que no puedan divertirse en los salones de baile de los blancos incluso si tuvieran dinero; ¿por qué las obras de hip-hop puro se basan principalmente en la negritud y las malas palabras? Estos jóvenes negros de la calle no tienen futuro ni esperanza, entonces. lo odian más de lo que lo aman.

El hip-hop es originalmente una subcultura con tendencias contraculturales, y sus características destructivas y folklóricas son diferentes a las nuestras, la cultura popular va en contra, pero juzgarlo. A partir de la situación actual, no solo se ha convertido en una parte importante de la cultura dominante, sino que también está aumentando, difundiéndose y desarrollándose rápidamente. Una explicación razonable es que en nuestra era cada vez más metafísica, la vida y el entretenimiento no solo requieren emoción, inocencia, nobleza. y seriedad, pero también humor, crueldad, baja autoestima y un estilo descarado que se atreve a desafiarlo todo; a decir verdad, nuestra vida cultural realmente carece de esto, si es que existe el hip-hop chino o la esperanza. dirección de desarrollo, creo que deberíamos comenzar desde estos lugares y ingresar al mercado de una manera que esté deseosa de halagar la música convencional

Los principales jugadores de hip-hop actuales y la audiencia es relativamente joven. Nacieron alrededor de 1980. Estos Hip-Hopers que comenzaron a estar expuestos a la cultura hip-hop en la escuela secundaria en la década de 1990 se convertirán en la primera generación de hip-hop en China. A medida que crezcan, creo que el hip-hop de China. La cultura del lúpulo se volverá cada vez más popular y será cada vez más reconocida, al igual que la música rock ya no se considera ajena después de más de diez años, al igual que los cómics y los videojuegos japoneses están surgiendo gradualmente. El hip-hop es una cultura, no solo algo. No es que usar una gran camiseta POLO, usar un sombrero de mono, usar zapatos deportivos y colgar una gran cadena alrededor del cuello sea hip-hop. >Hip-Hop: Hip-Hop es trasero, Hop significa saltar. La música hip-hop se originó a partir del R&b (rhythm and blues) en la década de 1970, pero con el R;b es completamente diferente, enfatizando la música de baile pura de la década de 1980. Al agregar técnicas de Scratch (dar vuelta el disco intermitentemente para producir un efecto especial de frotar la aguja) y rimas callejeras específicas para negros, se formó la música rap. , pero hoy en día estas dos palabras se usan a menudo indistintamente. Términos mixtos, pero Rap enfatiza Rap y Hip-Hop tiende a referirse a Beat.

Graffiti: Graffiti, analizado en el diccionario, es dibujar o escribir en las paredes públicas. Hoy en día, la tradición del graffiti y las formas callejeras ha influido en artistas de todo el mundo. Como herramienta de ventas, las primeras promociones de baile hip-hop siempre invitaban a artistas del grafiti a diseñar folletos y carteles. Sin embargo, en la década de 1980, la música hip-hop fue ampliamente introducida y aceptada por el público. Durante un tiempo, el hip-hop no habló de vender cultura ni introdujo formas tempranas de graffiti. El graffiti, ya sea en técnicas específicas o en técnicas pictóricas, también ha tenido un impacto en las formas de arte, como los enojados graffitis de la Revolución Mexicana. Hoy en día, en las ciudades estadounidenses plagadas de pandillas, las advertencias y amenazas de violencia entre pandillas también se transmiten a través del graffiti.

Indie: Abreviatura de Independent, que significa la compañía discográfica a la que pertenece el artista. Indie: Independent Label (empresa independiente). A diferencia de las cinco compañías discográficas más importantes del mundo, que tienen una enorme red de distribución y pueden realizar diseños generales para los cantantes, como estilismo y actividades promocionales, Major (el sistema de las cinco compañías discográficas más importantes) puede proporcionar a los artistas el mejor entorno objetivo para ingenieros de grabación, acompañantes. , etc., y completar el plan de marketing completo. Por eso, a menudo tienen la capacidad de convertir a una persona común y corriente en una gran estrella. Más importante aún, debido a intereses comerciales, los buenos artistas de las principales compañías discográficas a menudo se ven obligados a sacrificar algunos ideales y perseverancia. Esta es la razón por la que los fanáticos acérrimos del rock desdeñan las fuertes connotaciones comerciales de Major y apoyan a algunas compañías discográficas independientes que permiten a los artistas hacer sus propios álbumes de acuerdo con sus propios ideales sin mucha publicidad comercial.

Presentamos a varios cantantes famosos de hip-hop:

Eminem: hay que mencionar que, como hombre blanco, se desempeñó muy bien en esta música dominada por los negros. Mi canción favorita, Stein, sin mí, por el momento (una versión de una vieja canción de Aerosmith).

Cincuenta centavos: un número muy popular que no necesita presentación. Escuché muchas canciones y 21 me gustaron más.

D 12 - El famoso grupo de rap, el primer álbum de D-12, "Devil's Night", ya lo demostró hace tres años.

Snoop Dogg: tiene una voz única y siente que habla con mucha claridad.

p. Diddy: enemigo de Eminem y muy buen cantante.

Los Black Eyed Peas y Justin colaboraron en una canción

Dr. Dre, un destacado productor y cantante que aparece a menudo en muchos MV de hip-hop y produjo muchos álbumes muy famosos.

Jay-z-Rap es muy limpio, la única diferencia es que no hay malas palabras.

Jazz

En menos de un siglo, la música distintivamente estadounidense conocida como jazz ha pasado de ser una música folclórica oscura a convertirse en el tipo de arte más importante producido en los Estados Unidos. Hoy en día se puede escuchar y tocar en casi todos los rincones del mundo. El jazz prospera en diversas formas, desde el blues de raíz y el ragtime, pasando por Nueva Orleans hasta Dixieland, el swing, el jazz convencional, el bebop, el jazz moderno, el free jazz y el jazz electrónico. Lo sorprendente no es que el jazz aparezca en tantas formas, sino que cada una de sus formas es importante y ha mantenido su propio carácter y encanto único. Si quieres apreciar todo tipo de jazz y experimentar todo tipo de diversión, debes tener la mente abierta, ser tolerante y escuchar.

Remontándonos a sus raíces, el jazz se desarrolla a partir de canciones populares. Hay muchas fuentes y no es fácil verificarlas con detenimiento. Durante el siglo XIX, la música fue un medio importante para que los esclavos negros expresaran sus vidas y emociones en las plantaciones del sur de Estados Unidos. Desde finales del siglo XIX, el jazz se basa en la música tradicional británica y estadounidense, integrando blues, ragtime y otros tipos de música. Es un producto "híbrido". La música afroamericana conserva muchas características africanas, con características rítmicas obvias y características de improvisación colectiva. Esta tradición combinada con la música (principalmente vocal) de la nueva residencia dio como resultado no sólo un nuevo sonido sino también una forma completamente nueva de expresión musical.

La música afroamericana más famosa es la música religiosa.

Estas hermosas canciones también las escuchaban los blancos, pero estaban más de moda que las que se cantaban en las iglesias negras rurales. La música gospel tal como se la conoce hoy refleja con mayor precisión el poder emocional y el sentido melódico de los primeros afroamericanos que la herencia religiosa de la música de los cantantes de Fisk Jubilee en la primera década del siglo XX.

Otras formas musicales tempranas, incluidas canciones laborales, canciones infantiles y música de baile que se remontan a los días de la esclavitud, se han convertido en un importante patrimonio musical, especialmente dadas las severas restricciones a la actividad musical bajo el sistema de la época.

Además de los elementos absorbidos de la música tradicional europea, las canciones folklóricas blancas y las canciones pop, los rasgos artísticos más distintivos de las melodías de jazz son la "escala de blues" (presentaremos esta escala en la sección sobre blues) estructura), se puede decir que la armonía del jazz se basa completamente en la armonía tradicional, pero utiliza varios cambios de acordes con mayor libertad. La principal diferencia también la provocan los acordes de blues.

El jazz es muy distintivo en términos de instrumentos y métodos de interpretación, lo que lo diferencia completamente de las bandas tradicionales. Desde la "Era del Jazz", el saxofón se ha convertido en uno de los instrumentos más vendidos. El trombón puede tocar slides divertidos o extraños que otros instrumentos de metal no pueden, por lo que causa sensación en las bandas de jazz. La trompeta es también el instrumento favorito de los músicos de jazz. El novedoso timbre producido por este instrumento, que combina diferentes sordinas y algunas notas en el registro más alto, se ha vuelto casi exclusivo del jazz. El piano, el banjo, la guitarra y más tarde la guitarra eléctrica ocuparon un lugar destacado con sus potentes sonidos de percusión y su capacidad para tocar acordes. Por el contrario, los instrumentos de cuerda más importantes (violín, viola, violonchelo) en la banda tradicional desempeñan un papel relativamente menor. El rico tono del corno francés es muy encantador en la orquesta, pero su temperamento es demasiado dócil para la banda de jazz; , Casi nadie lo usa. En una orquesta, cada instrumento intenta integrarse en el sonido general en términos de control de tono y volumen, pero en una banda de jazz ocurre lo contrario y los músicos se esfuerzan por hacer que cada instrumento "se mantenga firme".

La organización de la banda es muy flexible. Las partes más básicas son dos partes: el grupo rítmico y el grupo melódico. En las primeras bandas de jazz, la sección rítmica estaba formada por bajo, banjo y batería. Posteriormente el bajo y el banjo fueron sustituidos paulatinamente por el bajo y la guitarra, y también se añadió el piano. En la década de 1930 surgió una banda de baile, que en ese momento se llamaba "big band". Consta de tres partes: sección rítmica, sección de metales y sección de instrumentos de viento. Los instrumentos utilizados por la sección rítmica siguen siendo el bajo, la guitarra, el piano y la batería; la disposición común de la sección de metales es de tres trompetas y dos trombones, pero este número no es fijo, la banda de viento suele estar formada por cuatro o cinco saxofones, todos; toca el clarinete u otro instrumento de viento de madera. Si el arreglo es para cinco saxofones, normalmente dos altos, dos tenores y un alto. También hay una banda comercial (a veces llamada "Sweetness", "Hotel", etc.), que es similar a la "big band", pero los saxofones tienden a ser todos altos, y el grupo de instrumentos de viento hará más uso de otros. instrumentos (como flautas y oboes), a veces hay tres o cuatro violines. El sonido de esta banda se puede escuchar a menudo en cintas comerciales.

Artistas y bandas de jazz famosos incluyen a Paul Martin, Dave Holland (bajista), Niels-Henning o Steed Orsted Peterson, Betty Carter (cantante) y Diana Reeves (cantante). Cantante femenina), CASSANDRA WILSON, Michael Brick y Randy Brick Brothers Band, DAVID SANCHEZ (saxofón tenor), Jr., Lee (cantante japonesa), Zheng (pianista coreano), (guitarrista de jazz de Hong Kong, China), James. ..

Inferior

El punk es una fuerza musical anti-rock que surgió en la década de 1970. Punk se traduce como "punk" en China continental; Provincia de Taiwán. Se llama "Beng" en Hong Kong. En Occidente, punk significa (jerga) gángster, basura, prostituta, abusador de menores, inferior, etc. (Aunque su significado ha cambiado algo ahora). Han pasado 25 años desde que Leg McNeil lanzó por primera vez la revista punk en 1975, y los Sex Pistols convirtieron la música en tendencia.

Para comprender el impacto del punk en el mundo y los espacios interiores, primero es necesario comprender el significado y el desarrollo del punk.

Abstracto

El punk, la música rock más primitiva, se compone de una melodía sencilla y tres acordes. Un tipo de música rock sencilla nacida a mediados de los años 1970, con origen en el garage rock y el pre-punk rock de los años 1960. La música punk y las bandas de punk prestan menos atención a las habilidades musicales y prefieren una postura clara de liberación ideológica y anti-mainstream. Esta intención original fue imitada activamente por Gran Bretaña y Estados Unidos bajo el trasfondo histórico específico de la época, y finalmente formó el movimiento punk. Aunque la mayoría de las bandas de punk son sorprendentemente similares y sus trabajos son demasiado monótonos, muchas bandas de punk famosas tienen sus propias características distintivas, como la música pop chicle de los Ramones, los acordes fuertes con forma de cara de los Sex Pistols, el sentimiento pop de los Buzzcocks y los elementos reggae de The Clash, las características artísticas experimentales de The Wire. Desde entonces, el punk se ha transformado gradualmente en post-punk, new wave, hardcore y otros estilos. A mediados de la década de 1980, el movimiento punk en su conjunto cayó en su punto más bajo. Hardcore punk, pre-punk, new wave, post-punk, synth-pop (Synth-Pop), synth-pop, power pop (PowerPop), NoWave (sin wave), PunkRevival, etc. El crítico británico Jon Savage escribió que la historia la hacen aquellos que dicen "no", y en 1976 no había voz más fuerte que el "no" del punk rock. Desde el principio, el punk se opuso furiosamente a este fenómeno. Además, al igual que diversas formas de rock and roll y sus subgéneros, el punk no era un movimiento enteramente nuevo. La definición de la palabra "punk" puede parecer confusa, pero es una fuerza tan omnipresente como el heavy metal, una autoexpresión desenfrenada, una alegría total, clara y siempre sin censura. Subvertir incluso a uno mismo: la esencia del punk. Los punks utilizaron música simple para elevar su comportamiento rebelde explícito a un nivel filosófico, creando un sentido retorcido de responsabilidad y un fenómeno cultural marginal basado en la teoría de la iniciativa subjetiva y la negación de la negación. Los hippies llegaron a su fin con su idealismo amable y bello "utópico", mientras que la siguiente generación se fue al extremo opuesto. En lugar de orar a Dios, entrégate a Dios. Hoy en día, la gente habla más sobre los pensamientos internos del punk rock, por lo que decir "Focus Interview es punk, Nietzsche es punk, Lu Xun es punk, las computadoras que fallan con frecuencia son punk ..." está demasiado lejos del tema, pero Pase lo que pase, el punk siempre ha vivido en nuestro mundo, como nuestra sombra, siempre nos seguirá. La música rock es una emoción corrupta oprimida por una falsa conciencia de autoexplotación, mientras que el punk es una contradicción estéticamente agradable pero políticamente condenada al fracaso. Su enfoque único revolucionó la música estadounidense y británica. La música punk siempre ha sido discreta en los Estados Unidos. Los conceptos de hard-core rock y rock independiente nacieron finalmente en la década de 1980. En el Reino Unido, el punk rock se ha convertido en el favorito del público. Gran Bretaña no es la cuna del punk rock. Sigue siendo un lugar donde la música punk florece y crea colisiones culturales. Se aferra a ideas diferentes a las de Estados Unidos al expresar ira y rebelión.

La evolución del punk

Aunque el punk fue tan negativo y extremo, acabó escribiendo una página importante en la historia del arte mundial. La aparición del punk no sólo afectó al mundo de la música. , también influyó en la moda, la gráfica, el vídeo y la decoración de interiores. El escritor Malcolm Mclarer dijo: "Si el punk se tratara sólo de música, habría muerto hace mucho tiempo" y "El punk fue el evento más importante en la Gran Bretaña de la posguerra. El punk también puede dar ambigüedad a la posguerra. Una pequeña traducción del modernismo". .

El punk ha crecido tanto que quizás ni siquiera nos damos cuenta. Se ha convertido en un arte escénico, un concepto e incluso una vida. En términos de diseño gráfico, la portada del álbum "Sex Pistols" desencadenó la locura del "pegado de importación paralela". Todas las revistas de carteles de aquella época estaban diseñadas de esta manera, lo que tuvo una gran influencia en la futura industria del diseño.

En el diseño de moda, la gente siempre puede malinterpretar que aquellos con cabello punk son amigos punk. ¡Esto está muy mal! De hecho, la tendencia punk debió ser experimentada por los jóvenes en los años 1980.

Todo el look de Anita Mui estuvo influenciado por el look punk. La gente piensa que la señorita Mei está marcando la tendencia, pero en realidad, ¡la está siguiendo! El look punk es a menudo una forma de rebelión. En la década de 1980, un niño llamado Gell llevaba el pelo recogido, unos vaqueros estrechos, una camisa blanca desabrochada y un walkman con unos auriculares atados a la cintura. Ya tenía un aspecto punk. (¡¡Es una pena que la gente de Hong Kong solo aprenda a mirar y escuchar canciones pop chinas con auriculares!!)

Tipos

Punk rock

Punk primitivo

Punk (punk)

Hardcore punk (también traducido como hardcore)

Era post-punk

Ska punk

Estilo Ska

Música punk pop

Famosa banda de punk

Sex Pistols

Clash

The Ramones

Música Country

El nombre apareció en Estados Unidos en los años 20 y tiene un amplio origen. El contenido de las canciones de esa época, además de expresar la vida laboral, el disgusto por la vida solitaria y errante, el anhelo de un hogar cálido y tranquilo, cantando sobre el dulce amor y el dolor del desamor.

En cuanto al método de canto, al principio la gente estaba acostumbrada a cantar con su propia voz, principalmente en forma de solo o coro, acompañados de guitarra, banjo, armónica y violín.

Las melodías de la música country son generalmente suaves y hermosas, y la estructura musical es relativamente simple. La mayoría son baladas, en forma de dos o tres partes.

La ropa también es relativamente informal. Incluso si participas en concursos o actúas en ocasiones importantes en la sala de conciertos, no necesitas usar ropa de actuación. Se aceptan jeans, ropa informal, sombreros de piel y zapatillas de deporte.

En 1925, se estableció una estación de radio en Nashville, Tennessee, Estados Unidos. Comenzaron una columna llamada "Ópera antigua - Voces de los aldeanos". Se invitó a cantar a un cantante folklórico de 81 años llamado Jamie Thompson y el espectáculo fue recibido calurosamente por el público. A partir de entonces, la gente se refirió colectivamente a esta música como "música country". La música country se ha convertido en una de las formas musicales favoritas de los trabajadores en los Estados Unidos. En los Estados Unidos, "cuello azul" se refiere a la clase baja, por lo que este tipo de música también se llama "música de cuello azul".

En las décadas de 1940 y 1950, la música country llegó a las grandes ciudades. Influenciados por otras bandas, se añadió piano, otros instrumentos y amplificación electrónica. En ese momento, la gente llamaba a esta música "Nashville". Los premios Grammy, organizados por el Instituto Nacional de Artes de la Grabación, son los máximos galardones.

Los dos componentes más importantes de la música country son el acompañamiento de cuerdas (generalmente guitarra o guitarra eléctrica, pero también a menudo guitarra y violín hawaianos) y la voz del cantante. La música country ha abandonado los sonidos (efectos) "electrónicos" muy utilizados en la música pop. Lo más importante es que la voz del cantante es el sello distintivo de la música country (música folk), y los cantantes de música country casi siempre tienen un acento del sur de Estados Unidos, al menos un acento rural.

Sin embargo, tan importante como la música en sí es su contenido y, en este sentido, la música country difiere significativamente del pop, el rock, el rap y otros géneros. La música country generalmente tiene ocho temas: 1. Amor; 2. Amor perdido; 3. Humor vaquero; 5. Diversión; 6. Orgullo de la región; Los dos primeros temas no son exclusivos de la música country, pero los seis últimos distinguen la música country de otros géneros de música popular estadounidense. En resumen, la gente del campo tiene su propio sentido del humor; vive como un loco al estilo vaquero; no se avergüenza de su ciudad, estado y región; Expresar sentimientos religiosos y patriotismo. Estos temas distinguen la música country de artistas como Britney Spears y Superboy.

Clasificación de la Música Country

Música Country Antigua (Early Country)

Cowboy (Cowboy)

Western Swing

Bluegrass (Bluegrass)

Música de bar (Hongyu-Tonk)

Las canciones de Hank Williams fascinaban a las mujeres e hacían imitar a los hombres, haciendo que este inferior Bars se convirtiera en un elemento básico de la música country en el principios de la década de 1940. Vivió lo que cantaba, pero su estilo de vida excesivo finalmente lo llevó a su muerte prematura a la edad de 29 años.

Rock (country rock)

En Memphis en 1953, las fronteras raciales en la música también estaban claramente divididas. La mayoría de los negros escuchan RB; b) En ese momento, la música country era muy popular entre los blancos. En un esfuerzo por encontrar una manera de mezclar música en blanco y negro, el productor Sam Phillips quería encontrar un chico blanco que pudiera cantar canciones negras para su sello discográfico, Sun Records. Entonces estaba Elvis... Elvis.

El sonido de Nashville

Country Rock

El movimiento Outlaw

En el centro de esta tormenta estaba Willie Nelson. En 1968, Nashville rechazó su música más nueva y personal, para su consternación. Nelson dejó Nashville y se fue a Austin, Texas, donde comenzó sus conciertos anuales y atrajo a otros cantantes similares que en ese momento no prestaban atención, como Wayne Jennings y Chris Criss Tofferson.

Nuevo Country Tradicional

Nueva Música Country (New Country)

Representante:

Jimmy Rogers (8 de septiembre de 1897-26 de mayo) , 1933)

Canciones clásicas: "T is for Texas", "Yodeling in Blue" Now in Jail"

Vernon Dahl Hart (6 de abril de 1883-18 de septiembre de 1948)

Canciones clásicas: "Prisoner's Song" y "The Wreck of Old 97"

Alvin Pugh de la familia Carter Lecent Carter (diciembre de 1893, 7 de noviembre de 1960);

Sarah Carter (21 de julio de 1899-8 de enero de 1979);

Mabel Carter (10 de mayo de 1909-23 de octubre de 1978)

Canciones clásicas: "Will "El círculo se romperá" y "Flores silvestres del bosque"