¡500 puntos! ! ! Buscando materiales para conferencias - sobre el arte de la música de piano
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En 1698, el organero italiano Bartolomeo. . Cristofori era el noble florentino Fernando. Medici construyó un piano similar en forma y estructura al clavecín. En 1709, Cristofori construyó otro piano que podía tocar pianissimo y fortissimo al mismo tiempo, iniciando así la era histórica del arte del piano. En italiano, "piano" se refiere a un clavecín que puede producir sonidos fuertes y débiles al mismo tiempo. Posteriormente, Cristofori dedicó todo su tiempo libre a la revolucionaria invención del piano. Desde 1709 hasta su muerte en 1732, fabricó 25 pianos de una sola vez.
[Yehudi． Menuhin] El predecesor del piano fue el clavicémbalo, no el clavicémbalo. El clavicémbalo se producía pulsando las cuerdas, mientras que el piano se producía golpeando las cuerdas. Puedes tocar cualquier estilo de música en el piano, pero es posible que no puedas lograr resultados verdaderamente perfectos. Como violinista, tengo una base para decir esto, porque el sonido producido por las cuerdas no es como la voz humana. La voz humana puede mantener una cierta intensidad, pero cuando se golpean las cuerdas, el sonido cambiará de fuerte a. fuerte. débil. Por lo tanto, la interpretación del piano no puede lograr plenamente el efecto del canto humano. Sin embargo, si el intérprete tiene habilidad, también puede tocar un sonido cercano a la voz humana. Cuando el sonido de las cuerdas comienza a decaer, se deben minimizar los intervalos para mantener el sonido coherente y redondeado, de modo que se pueda producir un sonido similar al del canto humano. Para lograr tal efecto sonoro, el intérprete debe tener habilidades extraordinarias. De lo contrario, la intensidad del sonido no puede permanecer sin cambios después de golpear la cuerda. La calidad del piano no sólo está directamente relacionada con la estabilidad de la intensidad del sonido de las cuerdas, sino que también afecta a la interpretación. El piano también es un instrumento armónico. Debido a que tiene todas las escalas y puede tocar una variedad de armonías, el piano puede tocar una variedad de música.
¿Por qué el piano es una herramienta importante para la autoexpresión? El famoso escritor George. Bernard Shaw dijo: "El piano es el instrumento musical más importante de la historia. Es tan importante para la música como la imprenta lo es para la poesía". El príncipe de los instrumentos de teclado en el siglo XVI había sido el clavicémbalo, pero la demanda de un instrumento de teclado con más canto se disparó y la gente quería un instrumento que pudiera ofrecer más timbre. El clavecín no puede producir un sonido suave o fuerte como un piano, ni tampoco puede producir reverberación. A medida que la sociedad se volvió cada vez más secular, en el siglo XVIII la gente esperaba que los instrumentos de teclado tocaran los corazones de las personas como canciones, en lugar de simplemente transmitir música. Pronto se produjo un piano que satisfacía las necesidades de la época. Si el clavecín representa la época barroca, el piano se ha convertido en un símbolo de la música clásica y romántica.
Los primeros pianos despertaron el interés de muchos fabricantes de instrumentos musicales, que mejoraron el instrumento, pero el piano finalmente no alcanzó su pleno desarrollo. El filósofo Voltaire dijo una vez: "Hacer pianos y el clavecín debería ser obra de. el fabricante de ollas." La estructura interna del piano es demasiado dura, lo que lo hace incómodo para la práctica. Si se tocan las teclas con demasiada suavidad, el martillo no puede hacer contacto con las cuerdas. Si se tocan las teclas con demasiada fuerza, los martillos rebotarán, lo que provocará golpes repetidos. cuerdas y el sonido será desagradable. No fue hasta que Cristofori utilizó el escape que este problema quedó completamente resuelto. Aunque Cristofori inventó el piano, los italianos aficionados al canto y al violín no estaban interesados en este nuevo invento. Después de la muerte de Christopher Christopher, los alemanes rápidamente tomaron el control del desarrollo del piano.
El organero y el alemán Gottfried. Silbermann, que también era amigo de Bach y siempre había soñado con construir un instrumento con un gran rango dinámico, descubrió milagrosamente los dibujos de Christopher del dispositivo de martillo y los puso en práctica. A finales de la década de 1840, el emperador Federico el Grande compró más de una docena de pianos Silbermann y los colocó en el Palacio Imperial y en varios palacios de Berlín. El año anterior, Bach había probado el piano de Silbermann. Al maestro del clavecín y del órgano no le gustó, pero cuando visitó a Federico el Grande y lo probó de nuevo con el nuevo y mejorado aparato, Bach declaró que era perfecto. . Las obras para piano de Bach son el repertorio para piano más antiguo que se conserva.
En 1843, el fabricante de pianos de Boston Jonas. Chicolin inventó la estructura de hierro fundido para hacer el marco exterior del piano. No sólo el piano se mantenía afinado durante mucho tiempo, sino que su fuerte sonido también podía extenderse a todos los rincones de la sala de conciertos. El prototipo de piano de Cristofori era mucho más ligero que los pianos modernos. Con hasta 20.000 piezas, el piano moderno ha sido coronado como "Hija de la Revolución Industrial". Desde entonces, el piano se ha convertido en un instrumento representativo de la Escuela Romántica. Durante la época romántica, los genios del piano nacieron uno tras otro. En Alemania, Félix. Mendelssohn nació en 1809, hijo del polaco Friedrich. Chopin nació en 1810, Franz de Hungría. Liszt nació en 1811. Crean una visión del piano llena de personalidad distintiva y expresión emocional intensa.
El desarrollo de la creación musical ha impulsado aún más el progreso de la tecnología de producción de pianos. Desde 1860, la humanidad ha entrado en la verdadera era del piano. El fabricante británico de instrumentos musicales Broadwood mejoró el diseño de las cuerdas del piano cuadrado para ampliar el rango de graves. Las perillas de control y los rodilleras también fueron reemplazados por pedales. Broadwood también realizó mejoras en el piano de cola, lo que aumentó la intensidad y la resonancia del sonido del piano, pero al mismo tiempo debilitó la claridad del sonido. A principios del siglo XIX, el francés Sebastián. Erard comenzó a utilizar varillas de soporte de metal en el soporte de la guitarra. En 1822, Erard dio el paso más importante, que fue utilizar un doble escape en el piano. Esto permitía al intérprete tocar la misma nota rápidamente y en legato, por lo que el piano podía usarse para tocar varias melodías. Todos los pianos actuales utilizan escapes dobles, por lo que Erard es conocido como el "padre del piano moderno". Enrique alemán. Pappu también fue un inventor prolífico. En 1826, a Papp se le ocurrió una idea muy creativa: utilizar almohadillas de nailon en lugar de almohadillas de cuero en los martillos. Además, también han aparecido algunos inventos importantes en los pianos de cola y pianos cuadrados, como la instalación cruzada de cuerdas, que no sólo alarga las cuerdas, sino que también hace más razonable la posición del puente, y la colocación de las cuerdas del bajo y La superposición de cuerdas agudas le da al piano un efecto de sonido más ideal.
Con el desarrollo de la civilización social, los pianos se han vuelto cada vez más populares entre la clase alta y han surgido nuevas marcas de pianos. En la segunda mitad del siglo XIX, Henry. Steinway se convirtió en un destacado fabricante de pianos. La Revolución Industrial impulsó el desarrollo de la industria de fabricación de maquinaria y la tecnología de producción de pianos ha experimentado nuevas mejoras. A mediados del siglo XIX, la industria de fabricación de pianos en Alemania se desarrolló rápidamente y algunas marcas de pianos establecidas desde hacía mucho tiempo también estaban llevando a cabo activamente innovaciones tecnológicas. Los pianos que producían ocupaban salas de conciertos de todos los tamaños en Europa. No fue hasta 1914 que el piano americano Steinway entró en el mercado europeo, poniendo fin al monopolio alemán del piano. Antes del estallido de la Primera Guerra Mundial, los pianos fabricados en Alemania eran famosos por su excelente calidad. Los británicos eran buenos fabricando pianos para la enseñanza. Los dos principales fabricantes de marcas francesas, Erard y Pleyel, producían principalmente pianos para actuaciones. Durante esa época, los fabricantes de instrumentos trabajaron incansablemente para mejorar las técnicas de producción e infundir a los pianos tonos más ricos.
El siglo XX fue un parteaguas. Al mismo tiempo que entraba en el siglo XX, el piano entraba en la etapa de modernización. Comparado con muchos músicos, un músico francés creó un nuevo sistema de composición a principios del siglo XX: Claude. Debussy. Debussy no sólo fue un pianista de primer nivel, sino también un destacado compositor de piano. Hizo muchas exploraciones nuevas en la creación musical, utilizando el piano como paleta que puede crear colores ricos y efectos de sonido únicos. Su lenguaje armónico radical fue el mayor regalo que aportó a la creación musical en el siglo XX.
Desde la aparición del primer piano antiguo hasta el uso generalizado de los pianos modernos, la producción de pianos ha experimentado una historia de casi 300 años. Después de la mejora continua por parte de los maestros del piano de las generaciones pasadas, la estructura del piano se ha vuelto cada vez más perfecta y el sonido se ha vuelto más perfecto. Se ha convertido en el instrumento de teclado con el rango más amplio y el poder más expresivo entre los instrumentos modernos. Los trescientos años de desarrollo histórico del piano no sólo reflejan la búsqueda de la estética acústica por parte de la gente, sino que también describen la relación de refuerzo mutuo entre el instrumento y el intérprete.
Sin embargo, cuando un pianista dedica sus emociones y su estado mental a una obra para piano, lo que completa no es sólo una segunda creación de la obra, sino también la búsqueda por parte del intérprete del reino de unidad entre el piano y el intérprete, y la realización de la función del piano como medio de autoemoción. Los trescientos años de historia del piano son los trescientos años que ha vivido la cultura humana. La razón por la que el piano es grandioso es que es un símbolo de los altibajos de la humanidad durante trescientos años.
El auge de la música para teclado en el período barroco tardío. El estilo artístico europeo desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII defendía el lujo, la singularidad y la artesanía meticulosa, y se llamó "barroco". Antes de esto, durante el Renacimiento, el arte perseguía el "realismo" y respetaba la "naturaleza". Muchas obras de arte reflejan el paso gradual del culto y la alabanza a los dioses a la preocupación por las emociones humanas. Los artistas de la época barroca llevaron adelante y evolucionaron este estilo, y pusieron más énfasis en la tensión, la excitación y las emociones excitantes en las nuevas tendencias artísticas. La música barroca tiene un profundo trasfondo social y formó un temperamento artístico único. Durante este período tomaron forma muchos géneros importantes de la música europea.
El comienzo del siglo XVIII supuso un nuevo hito en la historia de la música para teclado barroca del fortepianista italiano Domenico. Scarlatti y Jean-Philippe, músico de la escuela francesa de clavecín. Rameau abrió nuevos caminos en la música para teclados. El maestro de música alemán John. Sebastián. Bach probó casi todos los géneros musicales y principios estructurales de la época en su práctica creativa, sentando un modelo eterno para las generaciones posteriores de música y una figura que hizo época en la historia del arte del piano. La contribución de la música barroca no tiene paralelo en la historia de la música. Su llegada marca el comienzo del amanecer de la civilización musical europea moderna.
En 1685, Domenico. Scarlatti nació en Nápoles, Italia. A los dieciséis años ya era organista y compositor en la Capilla Real de Nápoles. Venecia, Florencia y Roma han dejado las huellas creativas de este músico. Scarlatti no sólo escribió música religiosa para la iglesia, sino que también compuso óperas, música de cámara y otras obras seculares para la familia real, formando gradualmente su propio estilo musical único.
Durante muchos años de deambular y viajar, Scarlatti entró en contacto con muchas personas como Arcangelo. Corelli y George. Federico. Intérpretes y compositores como Handel. En una atmósfera musical libre y fuerte, Scarlatti hizo muchos intentos musicales novedosos y audaces. El uso de la ornamentación y la disonancia no sólo refrescó al público de la época, sino que también tuvo un profundo impacto en el desarrollo de la música en las generaciones posteriores.
En 1728, Scarlatti sirvió como profesor de música en la corte y siguió a María. La princesa Bárbara llegó a Madrid, España, y comenzó su apogeo creativo en Madrid. Scarlatti compuso más de 500 sonatas para teclado para la educación musical de la princesa. Estas obras maestras clásicas abrieron un nuevo mundo para la música para teclado posterior.
La época del Barroco tardío comenzó a finales del siglo XVII y principios del XVIII. En ese momento, en muchos campos, ya fuera la ciencia, la política, la filosofía o el arte y la cultura, presagiaba. la llegada del Siglo de las Luces. En un contexto social que mezclaba religión y música, el gran músico alemán Johann. Sebastián. Bach superó los monumentos construidos por sus predecesores y llevó la polifonía con teclado a su punto más alto, convirtiéndose en el mayor arquitecto sonoro polifónico del período barroco.
La creación de la música para teclado de Bach no sólo está arraigada en la cultura religiosa tradicional, sino que también está profundamente arraigada en la música folclórica tradicional alemana. También está influenciada por Martin. Influencia luterana. El lenguaje musical de Bach es sumamente rico y tiene una personalidad distintiva.
[Jacques. Lucier] Bach cambió las leyes de la música y fue muy lejos. Desarrolló una estructura maravillosa con acordes y partes ricas. Esta es una característica importante de la música de Bach. Como este "Himno"... hay un acorde casi cada medio tiempo... Hay 7 acordes en 12 notas, lo cual es muy rico.
[Jacques. Lucier] El bajo de Bach es excelente y es fácil tocar sol mayor en el teclado. Pero ya tiene un estilo de jazz, el bajo sube y baja, es un bajo que canta, no sólo golpea notas de bajo en un teclado, es canto. Si olvidas la tonalidad de sol mayor, también está el bajo... y entonces nunca parará, nunca parará. Y ésta es una característica importante de la música de Bach.
No hay ninguna parte aburrida, es muy interesante tocar sin un tema como este... Todo tiene valor... Continuar...
En 1717, el archiduque Leopoldo de Köthen contrató a Bach como músico de la corte durante mucho tiempo. . El archiduque Leopoldo era un amante de la música. Admiraba mucho el talento musical de Bach y le trataba con generosidad. Además, el propio archiduque Leopoldo dominaba el violonchelo y el clavecín antiguos, por lo que Bach aprovechó esto y compuso muchas piezas instrumentales de este tipo. Se puede decir que la era Ketten es la cima de la creación de Bach. En aquella época, Bach compuso una gran cantidad de música para teclado que fue de gran valor. Si la música para órgano de Bach es principalmente un reflejo de su visión del mundo de la música religiosa, el lenguaje de la música secular y folclórica se refleja más en su estilo fresco, sus suites para clavicordio con sabor a vida y su instrumento central "Well-Tempered Clavier Collection". El clave bien temperado ha sido llamado el "Antiguo Testamento" de la música para piano por generaciones posteriores, y su primer volumen se completó durante este período. Estas obras son naturales y fluidas, con un impecable equilibrio entre connotación musical y técnica interpretativa.
Escribió en el primer volumen de "The Well-Tempered Piano Collection": Por el conocimiento y la familiaridad con la música.
[Juana. Mike McGregor/Pianista (mujer)] La música de piano bien temperada se escribe en respuesta a cambios en la afinación. En aquella época, las teclas se afinaban según la relación de quintas, y efectivamente era muy bueno tocar determinadas obras, como interpretar a William. Las obras de Byrd están en su mayoría en clave de do mayor con una gran cantidad de variaciones. "La colección de pianos bien temperados" se basa en la afinación de octavas. Divide una octava en 12 semitonos y podrás tocarla en cualquier tono por primera vez. Por lo tanto, Bach escribió de manera audaz y pionera preludios y fugas para cada tonalidad. Originalmente en do mayor, do menor, sol mayor y sol menor, de repente se convirtieron en mi bemol menor o mi bemol menor, este es un trabajo completamente nuevo. En el primer libro, comienza con el Preludio en do mayor, luego cambia a do menor y luego hay una nueva tonalidad de do sostenido mayor. De esta forma, sube nivel a nivel. Escribió muchas de esas fugas.
[Andrés. Schiff] Mozart, Beethoven, Chopin y Schumann practicaban esta música todos los días, al igual que más tarde Bartók y Casals, quienes la llamaron el Antiguo Testamento de la música. Yo también lo creo y practico el "Clave bien temperado" todos los días. Jugar 2, 4 o 6 preludios y fugas diferentes cada día es una excelente forma de empezar el día, como darse una ducha para limpiarte. Es algo muy puro que hacer para el espíritu, la mente y el cuerpo en lugar de hacer otras tonterías que hacen perder el tiempo. Porque esto ya te da suficiente práctica. Una pieza como esta... Esta ya utiliza casi todas las técnicas de digitación. Al igual que bailar, te sentirás sumamente feliz de estar vivo.
[Gavrilov] El ritmo del Preludio en do sostenido mayor es muy enérgico, por supuesto, también es muy poderoso y es suave, hermoso y fresco. Esta pieza musical hace que la gente se sienta feliz, cómoda y enérgica. Se juega como una novela. Sí, realmente me gusta.
En su vejez, la visión de Bach era casi ciega y su condición física se deterioraba rápidamente. La última obra para teclado de Bach, "El arte de la fuga", se conoce como la "obra filosófica" del músico. Utilizó el alto grado de lógica y rigor estructural del pensamiento musical para reflejar la belleza armoniosa de las matemáticas y el universo contenido en la música. La obra quedó inacabada en el momento de la muerte de Bach.
[Juana. McCregg/Pianista (mujer)] La última fuga es el contrapunto nº 14, que es muy larga. Son muchos párrafos, basados en 3 temas, el primer tema es serio... solemne... El segundo tema es muy ligero y aporta vitalidad a la obra. El tercer tema es más interesante: uno muy personal, titulado "B-A-C-H". Porque en alemán, B es el sonido de si bemol y H es el sonido de si, entonces su nombre suena así... Así suena Bach en el teclado. Esta es la primera vez que utiliza su propio nombre para componer música. Muy interesante porque es muy fácil de deletrear y era la primera vez que escribía una fuga como ésta. Esta parte tiene una estructura muy estrecha, con muchas conexiones estrechas... Bach no completó esta fuga antes de su muerte, por lo que la música se cortó repentinamente.
Se cree que se trata de una fuga en cuatro partes, el punto de entrada final de la obra y una reinterpretación del arte de la fuga. Pero murió sin terminar. Por ello, dejó este sorprendente final que acabó de repente...
En 1750, la muerte del gigante musical Bach fue considerada como el resto de la música barroca. Con el ascenso de la Ilustración burguesa y el nacimiento de la música clásica vienesa, la música barroca fue gradualmente sumergida por nuevas tendencias. Para Bach, la gente extraña más sus magníficas habilidades para tocar el teclado que sus excelentes obras musicales para teclado. En la historia del arte del piano, las obras para teclado de Bach construyeron un edificio musical racional y mostraron un hogar espiritual puro y hermoso para toda la humanidad.
Música para piano de la escuela clásica temprana
En la primera mitad del siglo XVIII, Europa experimentó enormes cambios ideológicos y políticos. Sobre la base de la "oposición al poder teocrático" defendida durante el Renacimiento, el "Movimiento de la Ilustración" planteó además el lema de oponerse a la monarquía, abogar por un retorno a la naturaleza y defender el pensamiento racional humano. La música occidental comenzó a cambiar desde el período barroco. al periodo clásico. La música para piano de este período también se liberó de la estructura polifónica perfecta del Barroco, para cumplir con la tendencia de "retorno a la naturaleza" defendida por toda la sociedad de ese momento.
Sin embargo, la aparición de nuevos estilos en la música para piano es inseparable del fenómeno de la sustitución del piano por el fortepiano. El piano mejorado no sólo podía expresar melodías serpenteantes, sino también tocar acordes ricos y fuertes, y así se convirtió en el principal instrumento de teclado del período clásico. Durante este período de transición, las melodías de la música de piano estuvieron profundamente influenciadas por las óperas cómicas italianas emergentes de la época, y las melodías tenían más características de canto. Además, el estilo dinámico de la Escuela Sinfónica de Mannheim a mediados del siglo XVIII también añadió nuevos factores al estilo de la música para piano.
Durante este período, la música respetaba la racionalidad humana, y el genio y la personalidad de muchos compositores se mostraban libremente. Entre ellos, la familia Bach todavía jugó un papel importante en el desarrollo del arte del piano, John. Sebastián. El hijo menor de Bach, Johann. Cristiano. Bach fue la primera persona en el mundo en ofrecer un concierto de piano; y otro hijo, Karl, conocido como "Hamburg Bach". Filipinas. Ang. Bach fue el compositor para teclados más importante de todo el período de transición y una figura clave en la transición del estilo barroco al clásico en la historia del arte del piano.
El primer maestro del clasicismo vienés: el compositor austriaco Joseph. Haydn es Karl. Filipinas. Ang. Sucesor directo de Bach, su creación musical para piano es igual a su estilo creativo básico: claro, optimista, lleno de humor y sabor folk. La economía y la cultura de Austria florecieron durante la época de Haydn. En aquella época, los pensadores ilustrados burgueses de Alemania y Austria tenían plena confianza en la vida y creían en el humanismo. Esta conciencia también se refleja plenamente en la creación musical de Haydn.
Haydn vivió una larga vida, abarcando un largo periodo desde el periodo barroco hasta casi todo el periodo clásico. El estilo musical para piano de Haydn se puede dividir en tres períodos: temprano, medio y tardío. Sus obras constan principalmente de 62 sonatas para piano. La mayoría de las primeras sonatas para piano eran partitas o diversiones, con rastros de arte rococó.
La década de 1870 fue el comienzo del período clásico en la historia del arte del piano y el punto de inflexión de toda la creación de Haydn. Influenciado por el movimiento "Sturm und Drang" que se lanzó en el mundo literario alemán en ese momento y el "estilo emocional" de la música del norte de Alemania, la escala de sus sonatas para piano continuó expandiéndose, los cambios de forma se hicieron cada vez más ricos y el desarrollo de los temas musicales se volvió más riguroso y arquitectónico. Después de la década de 1780, el estilo musical para piano de Haydn mostró una nueva tendencia y los elementos líricos en sus últimas sonatas para piano aumentaron enormemente. Durante este período, Haydn se había vuelto extremadamente competente en la expresión musical y también había logrado un equilibrio entre la armonía y el contrapunto en la estructura musical, que son dos características principales del estilo clásico.
Durante mucho tiempo, el estatus de Haydn en la historia del arte del piano no ha recibido la debida atención y se le ha malinterpretado como "el padre de Haydn", que se especializa en escribir música para piano de juguete. Sin embargo, la música de Haydn es una afirmación y un sentimiento de la realidad humana. En la larga historia de la creación de música para piano, Haydn es el vínculo con Carl. Filipinas. Ang. Bach y Luis. Admirador. El puente entre Beethoven.
La creación de la música para piano de Mozart
El 27 de enero de 1756, en una familia normal de profesores de música de Salzburgo, Austria, nació un profesor de música que conmocionaría al mundo en la futuro El maestro de la música clásica conocido como "Prodigy" es Wolfgang. Ah. mozart. Si decimos eso en José. En las obras de Haydn, la gente siente más su ingenio y humor, mientras que en la música de Mozart, la gente experimenta un fuerte sentido de humanidad. En la música de piano de estilo de clave principal, Mozart fue el primer compositor que utilizó la música para realizar descripciones psicológicas y retrataciones de personajes.
Mozart mostró talentos extraordinarios en la interpretación y composición del piano ya a la edad de cinco o seis años. Siempre utilizó una presentación de motivos nítida y exquisita y cambios tonales flexibles y suaves para lograr un contraste emocional. La creación de la música para piano de Mozart no sólo heredó las técnicas de escritura de sus compositores predecesores, sino que también introdujo grandes innovaciones en el vocabulario musical y la estructura de la forma musical. Las sonatas para piano de Mozart no sólo son equilibradas y unificadas en estructura y forma, sino también más hábiles en el contraste de temas y personajes y en la aplicación de la armonía. En la escritura de Mozart siempre hay una "cadena" extremadamente sutil que conecta los materiales musicales aparentemente sueltos de sus obras. Bajo su genial creación, cualquier movimiento es un todo armónico sumamente perfecto y estrechamente estructurado.
Algunas personas dicen: "La música de Mozart no tiene una orquestación complicada ni un desarrollo abrupto. Todo es apropiado e impecable..." De hecho, el talento y el talento de Mozart hicieron que sus creaciones no fueran excesivas ni excesivas. Cambia la tradición. y tiene características extremadamente distintivas. Un gran número de sus obras revelan una especie de belleza sencilla, desarrollando hasta su punto máximo la elegancia del arte de la corte. Mozart no sólo tenía un equilibrio musical extraordinario, sino que también infundió el lirismo del arte vocal en forma de música instrumental. Al respecto, algunos incluso dicen que el mayor aporte de Mozart fue enseñar a cantar instrumentos musicales.
Cuando Mozart comenzó su extraordinaria carrera como compositor, el género del concierto tenía casi cien años. Mozart hizo muchas contribuciones a los conciertos para piano, desde el primer concierto para piano que compuso a la edad de 11 años hasta el último en el año de su muerte, los veintisiete conciertos para piano registran la trayectoria de crecimiento musical de Mozart. Mozart llamó a Viena la "Tierra del Piano", donde se ganó la vida enseñando piano e interpretando sus propios conciertos para piano.
En la historia de los conciertos para piano, Mozart tomó la delantera en el uso de técnicas sinfónicas para mantener un delicado equilibrio entre el solo de piano y la orquesta. El factor operístico es más evidente en sus conciertos para piano. Hay contraste y coordinación entre el piano y la banda, vívido, delicado y dramático. En cierto sentido, Mozart es el fundador del concierto para piano, y la forma de concierto para piano que perfeccionó y desarrolló se ha convertido en un modelo al que se referirán las generaciones futuras.
[Colín. Davis] Los conciertos para piano de Mozart tienen muchas características, entre las que destaca el de La mayor. Ese concierto no tiene oboes y el sonido es muy suave. Para Mozart, el clarinete era el equivalente a una soprano o una viola, y generalmente la viola estaba partida para darle a la orquesta un sonido más suave. Precioso, denso y dulce. Con la incorporación de un clarinete, todo suena aún mejor. Creó el concierto para piano moderno y Bach también escribió muchas obras similares, pero en un estilo completamente diferente. Mozart abrió un camino completamente nuevo para este tipo de trabajo.
En la creación de toda la vida de Mozart, el concierto para piano es la esencia de todos sus conciertos instrumentales. El equilibrio armonioso de la parte solista ha alcanzado un estado casi perfecto, con transiciones inesperadas, contrastes de diferentes emociones y claridad artística. Esta concepción hace de su concierto para piano un modelo del arte pianístico del siglo XVIII. De todos los conciertos para piano de Mozart, sólo dos fueron escritos en tono menor y están llenos de melancolía y emociones tristes. El Concierto para piano n.° 20 es sombrío e introspectivo. El maestro musical Ludwig. Admirador. A Beethoven le encantó este concierto y lo tocó él mismo. Fue esta cualidad la que convirtió a Mozart en un pionero en la creación de música para piano de muchos compositores del siglo XIX.