Diccionario de ilustraciones de la moda mundial del siglo XX: ¿Cuál era el estilo de ropa estadounidense en la década de 1950 (imágenes)?

Ilustración de moda: El "diablo de la moda" con 500 años de historia

La ilustración de moda existe desde hace casi 500 años Desde la aparición de la ropa, ha sido necesario diseñar. Ropa. Ideas o imágenes transformadas en ilustraciones de moda. Esta forma visual tiene su origen en la ilustración, el dibujo y la pintura, y también se la conoce como “dibujo de moda”. Los diseñadores de moda utilizan principalmente "dibujos de moda" para intercambiar ideas en papel o digitalmente; su función principal en el diseño es previsualizar y visualizar el resultado final antes de coser la ropa real.

A continuación, echemos un vistazo al proceso de desarrollo histórico de la ilustración de moda, el “diablo de la moda” con una historia de 500 años, por etapas.

1. El comienzo de la ilustración de moda

La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a una fascinación por la ropa de personas en varios países del mundo. Se imprimieron libros que ilustraban lo que era apropiado para diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y la agitación social causada por estos descubrimientos.

Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, que contenían paneles de figuras vestidas según una nacionalidad o casta concreta. Estas fueron las primeras ilustraciones de ropa y los prototipos de las ilustraciones de moda modernas. Es probable que los diseñadores de vestidos, modistas y sus clientes utilicen estas ilustraciones para inspirar nuevos diseños.

Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear detalles realistas de trajes y trajes de época.

Estas publicaciones periódicas comenzaron en Francia e Inglaterra en la década de 1670 y se consideran las primeras revistas de moda e incluyen Le Mecure Gallant, The Lady's Magazine, La Gallerie des Modes, Le Cabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modes. . Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta al creciente número de lectoras femeninas ávidas de las últimas novedades sobre moda. No fue hasta finales del siglo XVIII y principios del XIX que las ilustraciones de estilo masculino adquirieron tanta importancia como las ilustraciones femeninas.

2. La placa de moda en el siglo XIX

La placa de moda saltó a la palestra a finales del siglo XVIII y se hizo popular en París. Durante este período aparecieron publicaciones como la de Horace Venet. "Conjunto incroyable de Merveilleuses", etc. Los objetos, así como una serie de fotografías de moda en acuarela grabadas por Georges-Jacques Gatine durante el período de Napoleón I, se hicieron famosas durante un tiempo.

La posición de Francia como árbitro de la moda garantiza una demanda constante de ilustraciones de moda en el país y en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron como resultado más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan orientación general sobre confección.

En esta etapa también apareció la personalización de la alta costura (apareció en la década de 1860). Las empresas de moda contrataban ilustradores, que trabajaban directamente con los diseñadores de ropa femenina. Cuando los diseñadores colgaban las telas sobre los modelos vivos, las ilustraciones. El diseñador esbozará el nuevo diseño. También crean ilustraciones de cada diseño de la colección terminada, que luego pueden enviarse a los clientes.

A finales del siglo XIX, la impresión a mano en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales podía verse desde atrás o de lado, para que la prenda pudiera verse desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Se adhieren a convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador.

3. Revistas de moda e ilustraciones en el siglo XX

En las primeras décadas del siglo XX florecieron por primera vez las ilustraciones de moda en el sentido moderno. A medida que la distribución de los últimos estilos de moda se volvió cada vez más rentable, el trabajo de ilustrador de moda se convirtió en una carrera. La moda, que antes era obra de artistas individuales, se está convirtiendo ahora en una industria que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas inventaron un nuevo pasatiempo cuyo nombre completo es: la cultura de compras.

La revista francesa de lujo Gazettedubonton, publicada entre 1912 y 1925, reunió a un grupo de jóvenes artistas a quienes se les dio una libertad sin precedentes para interpretar la moda. Iribe fue una figura destacada entre estos ilustradores de moda, contribuyendo a prestigiosas publicaciones que también incluían a Charles Martin, Eduardo García Benito, George · George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las planchas que produjeron para la Gazette mostraban la influencia de los grabados en madera japoneses, así como nuevas variaciones del estilo Art Déco.

En Estados Unidos, las revistas de moda para el mercado masivo Vogue y Harper's Bazaar cubren tendencias en ocasiones sociales así como ropa contemporánea. Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con el genio Erte, que duró de 1915 a 1938 y fue uno de los contratos más largos en la historia editorial.

Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la revista Vogue siempre contó con ilustraciones en sus portadas. Las primeras portadas de Vogue presentaban ilustraciones de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape, F.X.

Después de la Primera Guerra Mundial, se les unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud) y AndreMarty.

4. La edad de oro de la ilustración de moda

Las décadas de 1920 y 1930 representaron la "edad de oro" de la ilustración de moda. Todo artista comercial es considerado un artista de moda y un dibujante consumado. Muchas personas son capaces de representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela con autoridad y convicción.

Los nuevos avances tecnológicos en fotografía e impresión comenzaron a colocar reproducciones de fotografías directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los gráficos de moda ya no eran representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la opción preferida de las revistas; Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y que se comenzaban a incorporar ilustraciones en las páginas interiores.

Con la recesión que siguió a la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de prendas de vestir en Estados Unidos dio grandes pasos, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media dependían de costureras calificadas para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para las modistas domésticas.

El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda tanto como sea posible a los lectores. La fotografía libera a los ilustradores de la necesidad de registrar con precisión la ropa y se inclina más a interpretar la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas estaban interesados ​​principalmente en obtener efectos pictóricos y decorativos interesantes, y se sentían agobiados y, por tanto, aburridos, de reflejar fielmente cualquier cosa que estuviera en el espíritu de la moda contemporánea.

El “New Look” de Dior de finales de la década de 1940 sirvió de inspiración para el renacimiento de la moda de posguerra. En muchos sentidos, fue un retroceso al pasado, en lugar de mirar hacia el futuro. regreso a una era más alegre y optimista

5. La destrucción y el resurgimiento de la ilustración de moda

En la década de 1950, los editores de moda habían dedicado una mayor parte de sus presupuestos a la fotografía y la comunicación editorial. La posterior elevación de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tuvieran que contentarse con producir artículos sobre lencería y accesorios, o trabajar en campañas publicitarias.

En la década de 1960, la ilustración de moda era el pilar de la publicación de revistas. El estatus de la revista siguió desapareciendo, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas juveniles, muchas de las cuales se publicaron en la década de 1960, todas las cuales utilizaban la ilustración como una alternativa barata a la fotografía.

Antonio López (Antonio López) fue el único artista que apareció regularmente en la revista Vogue durante este periodo, y su carrera comenzó en "Women's Wear Daily"

En la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda continuó Fue difícil sobrevivir hasta la década de 1980, cuando una nueva generación de artistas apareció en revistas como La Modeenpeinture (1981) y Visionaire (1991). Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias de Barney en Nueva York de 1993 a 1996. p>

6. La ilustración de moda hoy

En algún lugar entre las bellas artes y el arte comercial, la ilustración de moda ha sido recientemente reevaluada como un género importante a medida que la belleza y la elegancia quedan obsoletas tanto en la moda como en el arte. , la ilustración de moda a veces parece un retroceso a una época anterior.

La fotografía es excelente para documentar los detalles de la ropa, por lo que el enfoque de los ilustradores ya no estaba en la representación precisa de la prenda, sino en la forma. interpretación de la prenda y su posible portador A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una gama única de diseños gracias al apoyo de herramientas digitales y plataformas de redes sociales. En la década de 1990, los ilustradores pioneros Ed Tsuwaki, Graham Rounthwaite, Jason. Brooks y Kristian Russell comenzaron a despuntar en el campo de los gráficos por ordenador.

Este período fue testigo del surgimiento de los programas de diseño por ordenador Adobe Photoshop e Illustrator, y también fue testigo del surgimiento de los ilustradores tradicionales. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer ilustración como un elemento específico de sus cursos de moda. Ha habido un resurgimiento de la ilustración "tradicional" hecha a mano, y los ilustradores de moda a menudo miran hacia el pasado. . Maestros, que buscan inspiración estilística. Las ilustraciones de moda basadas en métodos clásicos han complementado con éxito las ilustraciones creadas mediante procesos más modernos.

Recientemente, las ilustraciones han surgido a través de colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda están empezando a llamar la atención. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones complejos y una personalidad infinita para causar una impresión duradera.

Bienvenido a visitar la cuenta pública "Painting Practice", puede recibir un paquete de regalo gratuito con los secretos de pintura de los ilustradores y conocer las tendencias de precios de las ilustraciones comerciales en el mundo. ¿Cuál era el estilo de ropa estadounidense en los años 50 (fotos)?

Los estilos de ropa específicos de los Estados Unidos en la década de 1950 son los siguientes:

1. Nuevo look

El 17 de febrero de 1947, Christian Dior) lanzó Una serie de ropa de moda llamada "Corolla" en París. Se puede decir que este diseño conmocionó al mundo entero. ¡Casi todos los medios del mundo aparecieron en los titulares! Algunas personas incluso exclamaron: el "NewLook" de Dior realmente puso fin a la Segunda Guerra Mundial

, permitiendo que los corazones de las personas que fueron gravemente dañadas por la guerra volvieran a la belleza y la tranquilidad.

El nuevo estilo tiene el estilo de ropa noble y elegante de las mujeres de clase alta del siglo XIX, pero se reinterpreta utilizando nuevas tecnologías y nuevas técnicas de diseño para mostrar la feminidad y masculinidad del período de guerra. contraste.

El largo de las mangas suele llegar hasta el centro del antebrazo, las llamadas mangas 3/4, y van forradas con guantes largos. La línea natural de los hombros redondeada y suave, los senos altos arreglados con un sujetador y la cintura esbelta se conectan a la falda larga con un dobladillo ancho sostenido por un polisón más largo que la pantorrilla, a 20 cm del suelo, combinado con tacones de aguja. , la apariencia general es muy elegante y llena de feminidad.

2. Ropa de cóctel

Este es un nuevo estilo lanzado por Christian Dior en 1948. El punto clave de su diseño es que el cuello abierto en la parte delantera del pecho es relativamente bajo.

El cabestrillo

se coloca en el hombro cerca del brazo, dejando el pecho y los hombros más expuestos.

El escote es en forma de V o de corazón, y la falda es

falda de corte A

o recta. La falda llega hasta la pantorrilla y es ligeramente más corta que un vestido de noche formal. Es muy adecuada para usar en eventos sociales anteriores. Es un tipo de ropa entre los vestidos de noche informales y formales.

3. Chaqueta cortavientos

El abrigo largo, suelto y hasta la rodilla también es la prenda icónica de esta temporada, pero a menudo se elige cuero u otras telas nítidas para crear líneas duras y combinar con el estilo. El cinturón resalta la feminidad y hace eco del vestido sin mangas que se ciñe a la cintura en el interior.

4. Faldas

Hay dos tipos de faldas, una es muy ajustada y la otra es una falda ligeramente holgada, plisada y con vuelo. La falda plisada acampanada era muy cara, por lo que al principio fue difícil promocionarla en Europa, que se enfrentaba a la hambruna. Como resultado, se hizo popular por primera vez en los ricos Estados Unidos.

5. Jeans

Baratos y duraderos

Denim

Antes, era la ropa de los trabajadores y vaqueros que hacían cosas duras. trabajo Se hizo muy popular en la década de 1950 y fue usado por personas de todas las edades y clases.

La sexy combinación de jeans y chaqueta de cuero de Marlon Brando y James Dean, así como la imagen de gángster, fueron copiadas por millones de jóvenes rebeldes en ese momento.

Información ampliada

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, la ropa occidental ya no se parecía a los "uniformes militares para hombres" de antes de la guerra.

hombres

y mujer Un conjunto único de "ropa de trabajo". Gracias a los cambios sociales y los esfuerzos de un grupo de diseñadores, la gloria de la alta costura occidental en la década de 1950 se creó y se convirtió en un clásico eterno. Quedó registrado en la historia de la moda y llevó el desarrollo de la industria de la alta costura a una época. -haciendo pico.

La década de 1950 fue una época en la que la industria de la moda adoptó nuevas posiciones, colores y cortes de ropa. Durante este período icónico, la gente se alejó gradualmente del estilo retro llamativo de las chicas pin-up y la ropa rockabilly.

La década de 1950 fue una época brillante en la que la elegante y lujosa "Gossip Girl" era popular. Destaca aún más las características de la mujer: exquisitez, elegancia, lujo, dulzura y romance, y perdura en nuestra memoria hasta el día de hoy.

Fuente de referencia:

-Nuevo estilo

Fuente de referencia:

ifeng.com - los años 50 más elegantes de la historia occidental Qué hermoso Cuáles son los trajes de la época? ¡El ilustrador de moda contemporánea más popular! ¿Cómo se hace?

Es el ilustrador más popular

También es el mejor portavoz de la moda

David Downton,

Nacido en 1959 en Londres .

Desde pequeño,

el mejor regalo para él ha sido una gran página en blanco.

Sin embargo,

Lo que David no esperaba era que

podría ganarse la vida con la pintura mucho tiempo después.

▲David Downton pintaba cuando era joven

▲El estudio es una pintura en sí mismo y no es menos hermoso que el estudio de Picasso.

▲Puedes crear trabajos impresionantes en el banco de trabajo "interesante e informativo".

David inicialmente estudió diseño gráfico.

Su primer trabajo fue un diseño de portada para la revista WhichComputer a principios de los años 1980.

.

▲ Ilustraciones de moda realizadas por David Downton en Nueva York en 1998. Realizado en tinta y papel acetato.

▲Una ilustración de moda dibujada por David Downton para Christine Lacroix en 1998. El material es tinta y papel de caja de colores.

Durante 15 años,

David ha sido ilustrador independiente.

Pase lo que pase,

Él disfruta de la vida de un ilustrador independiente.

▲Ilustraciones realizadas por David Downton en 1999 para un diseño de moda diseñado por Jean-Paul Gaultier. Un vestido largo negro combinado con gafas de sol negras es aún más impresionante. David toma a Kate Moss como prototipo y utiliza el estilo pop para expresar el encanto clásico de la moda. Esta obra es bastante famosa en la industria de la moda y es una de las obras más representativas de la industria de la ilustración de moda de los últimos años.

▲Una ilustración de moda dibujada por David Downton para Valentino en 1999. Similar al estilo de pintura de Lacroix, Eric y otros, los colores que utiliza están llenos de modernidad.

▲ Paloma Picasso, una ilustración de moda creada por David Downton en Londres en 1999. El material es gouache, papel para cartuchos de tinta y revestimiento de papel de acetato.

▲Las pegatinas de botellas cortadas en papel realizadas por David Downton en Londres en 1999, el modelo es Iman. Dibujado con tinta sobre papel Pantone recubierto de papel acetato.

Las obras de David tienen líneas simples y suaves,

muy textura y un estilo que no es pretencioso

bien puede mostrar la elegante postura del cuerpo humano.

Debido a este estilo de pintura único,

Algunas personas comenzaron a invitarlo a crear ilustraciones de moda.

Entre ellos se encuentra

la leyenda inmortal Carmen Dell'Orefice, de 85 años,

también es una de las musas de David.

▲ Ilustraciones de moda dibujadas por David Downton en Nueva York en el año 2000. La modelo es Carmen Dale Orpheus y el vestuario está diseñado por Thierry Mugler. Esta obra se dibujó primero con pasteles al óleo sobre papel Pantone, que luego se revistió con papel de acetato y luego se pintó con tinta.

▲David Downton pintó un retrato de Anna Page, la editora jefe de la famosa revista de moda europea, en 2001. Capturó con gran éxito el alma de esta "madrina de la moda". Combinación de colores exagerada, expresiones juguetonas, actitud desinhibida combinada con pinceladas aparentemente salvajes pero muy hábiles ~ ¡perfecto!

▲David Downton fue el director de diseño de Chanel para Amanda en 2002. Retrato de Harleezy.

Siempre ha admirado a artistas como Lacroix, Antonio y Eric.

Por lo tanto,

También existen similitudes en color y línea en los primeros estilos de pintura.

En 1996, realizó ilustraciones para desfiles de alta costura para revistas.

En 1997, participó activamente en los desfiles de alta costura de París.

Al principio estaba deslumbrado y completamente desprevenido.

Sin embargo,

el desfile de París fue real y

inspiró a un artista. inspiración.

París tiene las mujeres más bellas y los mejores trabajos de diseño.

Y todo aquí es fascinante.

David nunca pintaba mientras las modelos desfilaban por la pasarela.

Porque descubrió que era imposible hacerlo en absoluto,

Simplemente tomó fotografías o miró desde el margen,

y realmente sintió cada momento conmovedor. .

Aprovechó cualquier otra oportunidad para pintar.

Ningún momento en el que el modelo estaba quieto podía escapar a sus ojos.

Por ejemplo: al probarse ropa,

A veces incluso cuando la modelo está haciendo un descanso en una rueda de prensa...

▲Los cosméticos también son suyos herramientas, tocando el corazón entre el primer y el último trazo de escritura, adecuadas tanto para colores claros como oscuros.

David dijo: "Cuando comencé a dibujar, pensé que era mi responsabilidad restaurar la apariencia de la ropa de acuerdo con la pasarela en el escenario. Sin embargo, la primera vez que asistí a una conferencia de moda fue En el desfile de Versace, solo dibujé los brazos de Kate Moss antes de que desapareciera. ¡Así que es mejor disfrutar de los detalles que muestra la modelo ahora!”

▲El borrador también es conmovedorDavid cree que lo más importante es la sensación del cuerpo debajo de la superficie de la ropa,

y luego la proporción, el color y otros detalles,

Sin embargo, esto es Más difícil de hacer.

▲Los borradores también se mueven

David dibujó innumerables borradores de diseño,

y luego seleccionó los mejores,

Cuando las pinturas Estaban casi completos, comenzó a eliminarlos,

"descomponerlos y reconstruirlos".

Siguió pintando,

hasta que parecían naturales.

Ha escrito para reconocidos medios de todo el mundo,

como "The Times", "The Independent",

y Harper's Bazaar (un versión australiana), etc.

Escribir reportajes relacionados con la moda.

Ha realizado tres exposiciones individuales en Londres y una exposición individual en Nueva York.

En los últimos años,

también ha diseñado imágenes visuales para centros comerciales en Hong Kong,

e ilustrado la colección de moda femenina de Vogue.

▲La portada dibujada por David Downton para el "Saturday Evening Post" en 2004. Esta obra fue creada en París y está realizada en gouache, acuarela y papel.

▲El cartel publicitario diseñado por David Downton para la conferencia de moda de TopShop en septiembre de 2004. Esta marca es obra de jóvenes diseñadores.

▲Ilustración de David Downton, Valentin Fitting, encargada por Vogue (Edición China) en 2005. Los materiales son tinta, gouache y papel, papel acetato.

▲ Ilustraciones de moda dibujadas por David Downton para YSL en 2006. Los materiales son tinta, acuarela y papel.

▲Una pintura de moda dibujada por David Downton para YSL en 2006, utilizando tinta, gouache, carboncillo y papel.

▲Ilustración de moda de David Downton encargada por la revista Madame (edición alemana) en 2007. Esta obra fue dibujada primero con pasteles al óleo sobre papel, luego recubierta con papel de acetato y luego pintada con tinta y gouache.

▲Ilustraciones encargadas por David Downton al Times de Londres en 2007. Los materiales son tinta, gouache y papel.

▲Ilustraciones dibujadas por David Downton para su revista PourquoiPas en 2008. La modelo es Dita Vontes. La ropa está diseñada por Lacroix. Los materiales son tinta, gouache y papel, fibra de acetato.

¿David dibujó vívidamente a la sexy bailarina?

Si quieres moler un mortero de hierro hasta convertirlo en una aguja~

Si quieres tener la capacidad de superar otros,

¡Debes cultivar tus habilidades al extremo!