¿Cómo evolucionó el drag ball en el siglo XIX hasta convertirse en el baile local, el lugar de nacimiento de Fu Geng?
En la era posterior a la Guerra Civil, los juegos de tira y afloja se celebraban regularmente en el Hamilton Hotel 710 de Harlem. Los concursantes varían en raza, sexo y género (algunas mujeres visten ropa de hombre), pero la atracción principal son las imitadoras femeninas, que muestran sus atuendos y cuerpos ante un panel de jueces en un típico concurso de belleza.
Como estas bolas existen desde hace décadas, se han vuelto cada vez más populares y notorias. A principios del siglo XX, arrastrar la pelota se consideraba ilegal y tabú para los forasteros. Esto llevó el juego a la clandestinidad (sin duda aumentando su atractivo). Según la antología de dragballs de la Biblioteca Pública de Nueva York, el público de los dragballs se expandió de "unos pocos espectadores valientes" en el siglo XIX a miles en la década de 1930.
La escena del drag ball impulsada en el Renacimiento de Harlem
La creciente libertad y expresión de la cultura negra durante el Renacimiento de Harlem también contribuyó a una próspera escena del drag ball en la década de 1968 y 1920. Esta era no solo permitió a los artistas afroamericanos (desde pintores y escritores hasta bailarines y músicos) experimentar y reinventar su oficio, sino que también permitió a los artistas negros populares experimentar y explorar el género, el sexo y la sexualidad como nunca antes.
“Langston Hughes Hughes habló sobre su experiencia al asistir a un evento donde los hombres se vestían como mujeres y cómo los jueces generalmente favorecían a los hombres blancos a pesar de que el Hotel Hamilton tenía características interraciales y eurocéntricas. No fue hasta 1936, 69 años después de su primer baile, al que asistieron 8.000 espectadores, que un concursante negro se llevó a casa el primer premio por primera vez en el siglo XX. El prejuicio racial se extendió a otras ciudades importantes a principios y mediados de la década de 1930. Los juicios continuaron cuando la señorita Rachel Harlow de Filadelfia, una concursante blanca, ganó el concurso de belleza del campamento Miss América en 1967. En ese momento, Crystal Labeia, una concursante negra que representaba a Manhattan, afirmó que los jueces discriminaban a las concursantes negras y latinas y que la belleza El concurso fue vertical.
20 de febrero de 1967, en Nueva York, Estados Unidos. Las artistas compiten en el escenario durante un concurso de belleza en la ciudad de Nueva York. Las fotos incluyen a Miss Manhattan, Miss Nueva York, Miss Condado de Delaware. Brooklyn y Miss Fire Island
"Ella no puede. . Porque eras hermosa y joven y merecías lo mejor en la vida y no lo eras... No dije que ella no fuera hermosa, pero no se veía hermosa esta noche”, dijo Rabeja sobre la coronación de Harlow. >
Rabega se negó a competir en otros concursos de drag, pero no abandonó por completo el baile de salón. A principios de la década de 1970, la drag queen de Harlem Lottie LaBega convenció a Christo, quien promovió su propio baile, y la Casa La Bega, la. primera "casa" de dancehall de la historia - nació, con Christo a la cabeza, convirtiéndose en la "Madre"
El nacimiento del Ballroom
Desde el principio, el Ballroom sirvió como refugio seguro para gays, lesbianas y transgénero negros y latinos, y las casas se convirtieron más en familias que en equipos, dirigidas por las "madres" de la casa o los "padres" de la casa, guiando y criando a los "hijos" de la casa. el mundo
Glover explica: “En los bailes de salón, la casa es la infraestructura principal sobre la que se construye la escena.
"Proporciona una estructura de parentesco básica y también muestra otras posibilidades de parentesco. Alejarse de la dependencia de la familia biológica complica la idea de la elección familiar".
Desde 65438 hasta el siglo XX A principios de los años 1970, Crystal y Lottie realizaron su primer baile house en Harlem, al que llamaron "Christo". Lottie LaBeija lanzó el primer baile anual House of LaBeija. Exclusivamente para negros Diseñado con gran éxito por personas latinas trans, gays y lesbianas, el House Ball y La Casa La Bega inspiró a muchas otras luminarias del mundo del baile a construir sus propias casas.
“Otras mujeres trans, algunas de las cuales nunca se llamarían trans: Pepper Labeja, varias Leanne Corey... ...comenzaron a hacerlo. llevar el nombre de estas mujeres. ” es también la fundadora de Marison Margiela House.
Según Robertson, House Ballroom se diferenció aún más del pull-ball en 1973, cuando Erskine Christian se convirtió en el primer hombre gay en competir. Marcó la transición de las mujeres trans. y mujeres que aparecen en salones de baile familiares hasta incluir a hombres homosexuales y hombres homosexuales en casas y salones de banquetes. “Se empieza a ver esa transición de madre a hijo nuevamente, por lo que los hombres comenzaron a involucrarse. Así que el baile de salón pasó del baile de salón al baile en casa", dijo Robertson.
A diferencia de los concursos de belleza de salón, el baile en casa se lleva a cabo en la casa por categoría. Las categorías comienzan con las caras (donde los miembros son juzgados por su belleza) hasta el cuerpo (admirando las curvas de los miembros), a la pasarela y a actuaciones que incluyen moda.
Woking comenzó a popularizar el dip y el spinning.
Vogue es una improvisación. por las poses de los modelos en las revistas de moda. El estilo de baile se originó en el mundo de los negros homosexuales y transgénero, pero sus orígenes exactos no están claros. Robertson dijo que algunos creen que fue Dupree, un pionero de la escena del baile de salón, quien creó la moda. , también se cree que fue creado por un hombre negro gay o transgénero en la prisión de Rikers Island de Nueva York, Willie Ninja, otro miembro legendario de la comunidad de baile de la familia, también es conocido como "Padre Woking" independientemente de quién sea su creador. ¿La forma de arte tenía otro nombre antes de llamarse moda?
“En realidad, la moda se llama pop, se llama tendencia, se llama spin”, explica Robertson. “Es lo mismo que el break dance. Pero cuando los acróbatas con dos articulaciones empezaron a incorporarlo a su moda, quisieron llamarlo una nueva forma de moda y llamarlo pop, dip and spin, a la antigua usanza.
Esta “vieja manera” de moda popular y giratoria se remonta a las décadas de 1970 y 1980. Luego, a principios de la década de 1968 y 1990, se introdujeron otros elementos de danza y se formaron dos nuevos tipos de danzas de moda. , se llaman "New Way" y "Fashionable Women"
Mientras que New Style se caracteriza por movimientos precisos de brazos, muñecas y manos, Fashionable Women se puede dividir en movimientos rápidos y angulares o mucho más lentos. , movimiento emocional y deliberado, según Glover, los cinco elementos básicos de la vogue fem incluyen la mano, la carrera, el paso del pato, el giro y el chapuzón (que a menudo se llaman incorrectamente "shablams" o "shams" "Muerte"). Drop") y actuaciones en el suelo
Willi Ninja describió la moda en el documental de 1990 Paris Is Burning como una forma de proyectar una sombra en la pista de baile o criticar a los oponentes. El juego Woking representa mucho más.
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“Woking cuenta su historia principalmente a través del deporte... y para mí, por quién lo hace, es una rebelión contra el comportamiento del mundo, que no sólo nos dice que nuestras vidas no tienen sentido, sino que también nos dice. "Nosotros sabemos que no tenemos nada que aportar", dijo Glover. "Es una resistencia, una resistencia específica, a estos mensajes culturales. Di: "No, tengo una historia que contar". Mi historia será muy convincente. En esta atmósfera especial podrás entender claramente de qué estoy hablando.
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Popular en la cultura dominante
La moda como forma de expresión se volvió más popular.
Madonna's Vogue rindió homenaje al dancehall y contó con fashionistas como José Gutierez Xtravaganza y Luis Camacho Xtravaganza en el vídeo Sin embargo, Madonna fue acusada de apropiarse de una cultura que no promovió, dando vida a la rica historia de la moda.
Paris Is Burning lleva a los espectadores directamente a la escena de baile de la cineasta Jennie Livingston. La película comenzó a filmar estos eventos después de ver la moda de la gente. El término dancehall "proyectar una sombra" incluso se incluyó en el Diccionario Merriam-Webster en 2017, ya que una mujer blanca queer fue acusada de apropiación cultural a través de su grabación. bailes familiares, y varios participantes en el documental también amenazaron con demandar después del éxito de la película, pero no recibirán compensación.
Desde principios de la década de 1990, los destellos de la cultura house dancehall han seguido penetrando el espacio principal de manera más prominente a través de las series de televisión. como Rupert's Drag Race, que se estrenó en 2009 y la serie de MTV America's Best Dance Inc. 2009, protagonizada por el fashionista transnegro Maldonado, y el drama de Ryan Murphy de 2019, que escribió una escena de baile familiar que incluía algunos de los personajes más transgénero de la historia. El elenco de TV History.
Glover dijo que esperan que la cultura dancehall continúe creciendo y se convierta en una parte importante de la comunidad queer negra y llegue a una audiencia más amplia de manera regular.
“I. Se siente como si el salón de baile fuera como una ballena”, dijo Glover. “Vive principalmente en las profundidades, muy, muy profundas del océano. Pero a veces una escena sube a la superficie, sube a la superficie, crea un zumbido en la escena de la cultura pop y luego regresa a las profundidades del océano, y quienes están en la superficie sienten sus ondas durante mucho tiempo. ”