Cultura musical negra desde el siglo XX
Como todos sabemos, los antepasados de los afroamericanos eran esclavos negros que fueron traficados a América del Norte desde África occidental desde principios del siglo XVI hasta finales del siglo XIX. La música de África Occidental en esa época es. la principal fuente de la música afroamericana actual. (Maultsby 2001: 571) Debido a que ningún musicólogo había realizado un estudio sistemático de África occidental en ese momento, no sabemos mucho sobre la situación de la música de África occidental en ese momento. Desde el siglo XX, especialmente después de la década de 1970, muchos musicólogos han investigado esta área, brindándonos una comprensión más profunda de su música folclórica contemporánea. (Merriam 1959: 13) Considerando que la música folclórica contemporánea es el resultado de la herencia y el desarrollo de la música folclórica antigua, podemos referirnos a la música folclórica del África occidental actual para especular sobre las principales características de la música folclórica de África occidental del siglo XVI al el siglo XIX.
La música folclórica de África occidental enfatiza el uso de instrumentos de percusión, y sus tiempos y ritmos son muy complejos. La música europea a menudo usa solo un tiempo para diferentes partes al mismo tiempo, mientras que la música folclórica de África occidental es diferente. Esto. Las partes suelen utilizar diferentes patrones de tiempos al mismo tiempo. Por ejemplo, una parte utiliza cuatro-cuatro tiempos, mientras que otra parte utiliza ocho-ocho tiempos que alternan entre ocho-tres y ocho-cinco tiempos. ). (Nettl 1972: 400) Además, en la música de África occidental aparecen a menudo varios ritmos sincopados y polirritmos, lo que la hace muy colorida en términos de ritmo y compás. Otro aspecto del uso del ritmo en la música folclórica de África occidental es que la característica es que. aparece una unidad de 12 tiempos en un bucle. (Titon 2002: 103)
La melodía y el lenguaje de la música folclórica de África occidental están muy estrechamente combinados. Debido a que muchas lenguas de África occidental son lenguas tonales como el chino, el rock también es común. utilizado en melodía. El tono de muchos sonidos cambia durante el proceso y no está fijo a una altura determinada. (Nettl 1972: 401) La música de África occidental a menudo utiliza técnicas de repetición para desarrollar ideas musicales, y el método representativo de canto y ejecución es el estilo principal. (Nettl 1972: 399)
La música folclórica de África occidental siempre ha tenido una tradición de improvisación y canto, en lugar de tocar y cantar según partituras. (Nettl 1972: 402) Su entorno de interpretación también es diferente de la música clásica europea. No se produce en salas de conciertos ni en conciertos, pero es inseparable del trabajo, los juegos y los rituales, y es diferente del teatro, la danza, el arte, la poesía, etc. Las formas de arte se unen. Otra característica clave de la música folclórica de África occidental es su promoción de la participación y, en muchos casos, se fomenta la participación del público en las actuaciones. (Titon 2002: 90)
Al comparar la música actual de África Occidental y la música afroamericana, no es difícil encontrar que la música afroamericana hereda la tradición de la música de África Occidental en todos los aspectos.
Las variedades y características de la música afroamericana
La música afroamericana se puede dividir a grandes rasgos en tres categorías: música laborista, música religiosa y música popular. Los principales tipos de música laborista son las canciones laboristas; la música religiosa más influyente es la música espiritual y gospel negra; la música popular incluye blues, jazz y disco (disco) y otras variedades diferentes. Entre estas variedades, la más antigua fue la música laborista, mientras que las más influyentes fueron el blues y el jazz.
La variedad más importante de música laboral es el canto llamado "grito de campo". Los cantos son improvisados y cantados. La mayoría utiliza palabras funcionales como letra, y sólo unos pocos utilizan palabras sustantivas como letra. Muchos de ellos utilizan la escala pentatónica, y muchas de las notas son "tonos doblados o tonos flexibles", que más tarde se convirtieron en las únicas notas azules del blues. Los cánticos utilizan principalmente el estilo y Yi Ling Zhong, y el ritmo es relativamente complejo.
(Ferris 1991: 51)
Las canciones espirituales son canciones religiosas cantadas por cristianos negros en las iglesias. Su contenido expresa principalmente emociones dolorosas, como "¿Estás ahí?". "La letra es:
Cuando nuestro Señor fue crucificado, ¿estabas tú allí?
¿Estuviste presente cuando nuestro Señor fue crucificado?
¡Señor! Esa escena me hizo temblar
¿Estuviste presente cuando nuestro Señor fue crucificado?
¿Estuviste presente cuando lo clavaron al árbol?
¿Estuviste presente cuando lo clavaron al árbol?
¡Señor! Esa escena me hizo temblar
¿Estabas ahí cuando lo clavaron en el árbol?
Las canciones espirituales se cantaban originalmente de forma improvisada, a menudo como forma de guiar a la multitud, por lo que son relativamente fáciles de aprender. Aunque su contenido es cristiano, su forma de canto y composición preservan las tradiciones de África occidental.
El blues es una canción solista de estilo folk. Originalmente era una canción de entretenimiento personal de los negros. Más tarde se hizo muy popular y tuvo un profundo impacto en casi todas las variedades musicales estadounidenses, incluido el jazz.
El blues se produjo después de la Guerra Civil estadounidense. En aquella época, muchos esclavos negros liberados abandonaron sus granjas y sus pueblos de origen para realizar trabajos que no conocían, como construir ferrocarriles y cavar zanjas. El trabajo y los magros salarios los hacían sentir miserables, por lo que improvisaron algunas canciones para expresar su desgracia. Este era el blues original. Por la noche, los negros se entretienen cantando blues en las zonas residenciales. Este tipo de blues se llama "blues rural". Posteriormente, los cantantes negros acudían a los bares y salones de la ciudad para cantar country blues, acompañados de guitarra, armónica o piano. Estos blues cantados por cantantes profesionales se denominaban "blues urbano".
El tema principal de las letras de blues es sobre el amor y la vida laboral. El ritmo original de la letra era de una oración por párrafo, repetida tres veces, y luego evolucionó a dos oraciones por párrafo, repitiéndose la primera. para formar un formulario AAB, como por ejemplo:
¿Cuántos años más me vas a tratar como a un perro?
¿Cuántos años más me vas a tratar como a un perro?
Preferiría morir rápido y dormir bajo tierra. [3] (Titon 2002: 194)
La escala utilizada en el blues es básicamente la misma que la tonalidad mayor, pero a menudo hay notas de tercera, séptima o incluso quinta que se bajan un semitono y, a veces, estas notas también se utilizan. Estas notas acentuadas se denominan "notas azules" (Ferris 1991: 229).
La melodía del blues es generalmente de 12 compases, cada línea de la letra se canta en 4 compases y 3 líneas son exactamente 12 compases. Esta forma se llama "blues de doce compases". Una sección de 12 compases obviamente hereda la tradición de los 12 tiempos como unidad en la música de África Occidental. El blues usa acordes tónicos, acordes dominantes y acompañamiento de acordes subordinados. La regla general de progresión armoniosa es que la primera oración usa el acorde tónico, los dos primeros compases de la segunda oración usan el acorde subordinado, los dos últimos compases usan el acorde tónico. y los dos primeros compases de la tercera oración usan el acorde dominante. Use acordes dominantes, y los dos siguientes compases usan acordes tónicos. La progresión de acordes es la base para el canto y la interpretación improvisados. Los cantantes pueden improvisar y cantar innumerables melodías hermosas basándose en esta progresión armoniosa simple. Es precisamente gracias a esta progresión armoniosa de 12 compases que los cantantes pueden crear de manera improvisada. .
Blues La mayoría de los cantantes de country blues son hombres, mientras que los cantantes de blues urbano son en su mayoría mujeres. Los cantantes e intérpretes de blues suelen colaborar con músicos de jazz y tienen una relación estrecha. Debido a que tanto el blues como el jazz son música creada por personas negras, los ritmos son complejos y cambiantes, todas las melodías suenan a blues y ambos enfatizan el canto y la interpretación improvisados.
Cuando hablamos de jazz, no podemos dejar de mencionar la música Ragtime. En inglés, la palabra “ragtime” significa tocar una melodía utilizando ritmos sincopados. El ragtime apareció a finales del siglo XIX y era un solo de piano compuesto por compositores de aquella época. Aunque adoptó la armonía de la música clásica europea, estaba influenciado por la música negra y estaba lleno de ritmos sincopados.
Después de la Guerra Civil estadounidense, los músicos negros pudieron obtener o comprar los instrumentos utilizados en la banda militar durante la Guerra Civil a un precio relativamente barato, y los músicos negros de Nueva Orleans comenzaron a tocar estos instrumentos por su cuenta. forma. Tocan no sólo durante procesiones festivas y conciertos, sino también en funerales. En el camino de regreso a la ciudad desde el cementerio después del funeral, tocaron canciones populares con ritmos sincopados que a menudo se encuentran en la música ragtime, completando y mostrando libremente sus habilidades interpretativas. Después de que la banda de viento negra evolucionó gradualmente de una banda ceremonial al aire libre a una banda interior utilizada principalmente para bailar y entretener, los músicos utilizaron música getame y ritmos sincopados para tocar marchas europeas, música de baile e incluso selecciones de ópera, y agregar pasajes de improvisación. De esta manera, los músicos negros de Nueva Orleans crearon gradualmente una nueva forma de tocar: el jazz.
El "Jazz" nació a principios del siglo XX. Inicialmente se escribió como "jass", "jasz" o "jazz", y luego se unificó como "jazz". Hay diferentes opiniones sobre por qué esta música se llama "jazz", pero la mayoría de los investigadores creen que este nombre está relacionado con el barrio rojo de Storyville en Nueva Orleans, porque muchos músicos negros procedían originalmente de esa zona y tocaban en burdeles y casinos. . (Ferris 1991: 233) Algunas personas piensan que la palabra "jazz" proviene de "jasmine" (jazmín), porque las mujeres del burdel en Storyville suelen usar perfume con sabor a jazmín; otros piensan que "jazz" proviene de "jezebel" (desvergonzado); libertinaje) Mujer), a finales del siglo XIX, esta palabra era casi sinónimo de prostituta en Estados Unidos. (Ward 2000: 65)
La primera banda de jazz incluía clarinete, corneta, trombón, batería y otros instrumentos. Más tarde, la trompeta reemplazó a la corneta. Con la incorporación del saxofón, la guitarra, el doble violonchelo y otros instrumentos, se formó una banda de jazz relativamente completa.
Después de que los músicos de jazz seleccionan una pieza musical, deciden qué tipo de armonía combinarla y cómo repetirla, comienzan a improvisar. La música que eligieron en su momento pudo ser ragtime, blues, marchas o canciones pop. Durante la improvisación, la corneta suele tocar la melodía, el clarinete toca la contramelodía alrededor de la melodía principal, el trombón toca la armonía básica y los tambores tocan varios ritmos. Además del acompañamiento, cada instrumento suele interpretar también una parte improvisada. Por lo tanto, en lugar de decir que el jazz es un tipo de música único, es mejor decir que es una forma única de tocar que combina la improvisación solista y el conjunto colectivo. La razón por la que los músicos pueden practicar este método es que absorbe la esencia de la música europea: la armonía, e improvisa bajo las limitaciones del fondo armónico, de modo que tanto la interpretación colectiva como la individual tienen una base. La razón por la que este método es bienvenido y amado por el público de todo el mundo es que sus principios son diferentes de los de la música clásica occidental y pueden reflejar mejor las opiniones de la gente moderna sobre la vida y sus necesidades espirituales.
En la década de 1920, muchos destacados músicos de jazz se mudaron de Nueva Orleans a Chicago, por lo que Chicago reemplazó a Nueva Orleans como centro del jazz. A los músicos blancos de Chicago también les gustaba el jazz y adaptaron algunas melodías de música clásica y popular al jazz, pero los músicos blancos no improvisaron. Este tipo de música de jazz interpretada según una partitura preescrita se llama "sweet jazz". En 1924, para actuar en el Carnegie Hall, Paul Whiteman, un defensor del "sweet jazz", pidió al compositor George Gershwin que escribiera "Blue" para la orquesta sinfónica al estilo del jazz "Rhapsody in Blue" (Rhapsody in Blue). ), esta pieza musical fue acogida calurosamente por el público tras su interpretación y fue denominada "jazz sinfónico" (jazz sinfónico). Dado que tanto el "sweet jazz" como el "jazz sinfónico" no se improvisaban sino que se tocaban con una partitura, muchos críticos de la época no los consideraron "jazz".
La influencia de la música afroamericana
El jazz dio lugar a la producción del "sweet jazz" y del "jazz sinfónico", pero la influencia de la música afroamericana va mucho más allá. Algunos críticos creen que el jazz es una de las tres contribuciones más importantes de los estadounidenses a la civilización mundial (Ward 2000: VII). Porque la música afroamericana, incluido el jazz, abrió una nueva página en la historia de las músicas mundiales a principios del siglo XX.
La música clásica europea, que se ha desarrollado paulatinamente desde el Renacimiento, alcanzó su apogeo a finales del siglo XIX. Analizándolo desde la perspectiva de la etnomusicología, no es difícil encontrar que tiene las siguientes características:
1) Existe una detallada división del trabajo dentro de los músicos Generalmente, el compositor es responsable de la creación, de la escritura. Partituras, intérpretes y cantantes El intérprete es responsable de la interpretación, canta y toca según la partitura, y hay pocas actuaciones improvisadas. Lo que los artistas deberían expresar deberían ser los sentimientos del compositor en ese momento y lugar, no sus propios sentimientos aquí y ahora.
2) Este tipo de música generalmente se interpreta en una sala de conciertos. La responsabilidad del público es sentarse allí en silencio y escuchar con los oídos. El público generalmente no puede participar en la actuación. Escuche atentamente durante la música. No se permite ningún sonido.
3) Aunque este tipo de música refleja la vida, no se toca en la vida diaria y generalmente no se combina con trabajos, rituales, juegos, amor y otras actividades. Al mismo tiempo, la música clásica es sumamente técnica y no puede dominarse sin un estudio y una formación especializados a largo plazo, ni puede entenderse sin una edificación a largo plazo;
Si comparas esta cultura musical con otras culturas musicales del mundo, como India, China, África y Oriente Medio, no es difícil encontrar que otras culturas musicales valoran la improvisación y permiten al público tener algún tipo de creatividad. El nivel de participación está estrechamente integrado con la vida diaria misma, y todos tienen varias funciones prácticas. En comparación con ellos, la música clásica occidental es muy especial. La cultura de la música clásica europea es ciertamente una cultura musical excepcional, pero también relativamente especial, en la historia de la humanidad.
Según la visión de Andrew Clark, la cultura de la música clásica europea se ha convertido en “agua sin fuente y madera sin suelo” en el siglo XX. “En la década de 1920, el lado creativo de la música clásica comenzó a evolucionar a lo largo del siglo XX. líneas de modernización: "Todos los callejones sin salida han desaparecido" y "sólo persisten los entusiastas más ardientes". (Clark 2004: 8)
Estados Unidos es el país más desarrollado económica y culturalmente del mundo. Los primeros inmigrantes procedían principalmente de Europa. La enseñanza de la música clásica europea es la principal tarea de la enseñanza de la música en las universidades estadounidenses. escuelas intermedias y escuelas primarias. Sin embargo, según las estadísticas del año 2000, en Estados Unidos sólo entre 10 y 15 personas han tenido contacto con la música clásica europea. Sólo la mitad de estas personas están realmente interesadas en la música clásica y la otra mitad sólo la escucha ocasionalmente. En otras palabras, sólo entre 5 y 7 personas en este país están interesadas en la música clásica europea, y entre estas personas, la mayoría escucha la radio, seguida de los discos y la menor va a conciertos. (Brown 2002: 7) Resulta que Clark tenía razón, el público ya no estaba interesado en la música clásica.
La música afroamericana sigue principios completamente diferentes para crear música. Se basa principalmente en la improvisación. Los intérpretes y cantantes también son compositores cuando actúan, hablan de sus propias emociones, no de las de los demás. se llevará a cabo en varias ocasiones, y se anima a las personas a participar. Los oyentes con menor nivel de cultivo no serán rechazados. Además del efecto auditivo, también se enfatiza el efecto visual de la actuación porque quieren que la música sea lo mejor posible. Lo más cerca posible de la vida, lo mejor es integrarse con la vida. Por ello, sus actuaciones satisfacen las necesidades del público y son muy populares.
Debido a que los principios de la música afroamericana mencionados anteriormente son tan diferentes de la música clásica europea, pueden señalar una nueva dirección de desarrollo para el mundo a medida que la música clásica se convierte gradualmente en un dinosaurio cultural. en esta dirección, abriendo una nueva era de multiculturalismo y cultura de ocio emergente. Ésta es la influencia de la música afroamericana en la cultura musical mundial y la enorme contribución que los afroamericanos han hecho a la historia de la música mundial.