1 Después del Renacimiento, ¿en cuántos períodos se puede dividir aproximadamente la música occidental? Decir las características de las obras de cada época y citar las figuras y obras representativas de cada época.
Desde el siglo XIV, el sistema social y político del feudalismo medieval, el sistema de caballería y la autoridad del Papa han ido decayendo gradualmente, y la edad de oro del arte gótico ha pasado. Una nueva era de la civilización se llama Renacimiento (el Renacimiento en la historia de la música occidental se refiere al período comprendido entre 1430 y 1600).
La palabra Renacimiento originalmente significa renacimiento y generalmente se refiere al renovado interés de la gente en la cultura de la antigua Grecia y Roma en el siglo XIV, o al movimiento de prosperidad cultural después de la larga Edad Media. En 1393, un famoso erudito de Constantinopla, Manuel Claesoloras, fue a Venecia para solicitar el apoyo occidental para el Imperio Bizantino. Después de que los turcos capturaran Constantinopla en 453, un gran número de eruditos griegos huyeron a Italia. Sin embargo, el entusiasmo de los renacentistas por la cultura clásica no surgió de repente. Ya en la Baja Edad Media, Cicerón, Virgilio, Séneca y Aristóteles eran escritores e incluso figuras veneradas en catedrales, monasterios y escuelas. El Renacimiento fue en gran medida la culminación de un largo anhelo por la cultura clásica.
El énfasis en los seres humanos en las obras clásicas, la representación fiel de las proporciones y la apariencia de las partes humanas en las esculturas clásicas y la lucha entre los seres humanos y el destino en las tragedias clásicas inspiraron el espíritu del humanismo renacentista. Los humanistas no aceptaron el escolasticismo, que se especializaba en teología y lógica. Enfatizaron la dignidad y el valor humanos y expresaron la belleza de la naturaleza humana en el arte con un estilo elegante y suave.
Sin embargo, el predominio de la religión no se desvaneció rápidamente y un gran número de obras de arte del Renacimiento seguían siendo de temática religiosa. Pero los artistas incorporaron imágenes y emociones seculares a las obras religiosas. También produjeron muchas obras de contenido secular. En su opinión, la vida y el más allá son igualmente atractivos, y expresar emociones y disfrutar de la alegría ya no se considera malo. Buscaban hacer sus obras comprensibles para los hombres y aceptables para Dios.
La expresión del espíritu renacentista en la música fue más lenta que la de la literatura, la pintura y la escultura que se inspiraban directamente en las obras clásicas. Los músicos todavía tenían que formarse en la iglesia y servir a la iglesia o a la corte. Pero se reconoció el valor de la música secular. La música ya no es sólo un accesorio de los rituales religiosos; es también un arte independiente.
1. La Escuela de Borgoña y la Escuela Flamenca Francesa
Desde principios del siglo XV hasta mediados del XVI, las zonas bajas de la zona norte del continente europeo formaron un fuerte Influencia en el Renacimiento europeo Géneros musicales que tienen una importante influencia en el desarrollo de los estilos musicales. Se desarrollaron a partir de la escuela borgoñona y de dos generaciones de la escuela franco-flamenca.
La escuela de música de Borgoña surgió en el Ducado de Borgoña, que incluía Bélgica, Países Bajos y el noreste de Francia. La corte de Dijian era el centro cultural de Europa Occidental en aquella época. escuela Son Guillanme Dufay (1400-1474) y Gilles Binchois (1400-1460).
La Escuela de Borgoña abandonó el rígido estilo musical polifónico de los músicos parisinos de la Baja Edad Media. Absorbieron elementos de la música británica Dunstable y italiana, combinados con la tradición polifónica francesa para crear una música natural, suave y brillante. El tercer intervalo se ha convertido en el intervalo melódico principal y la obra tiene una melodía clara y un ritmo distintivo en lugar del estado desenfocado del pasado. La Misa es la suite vocal polifónica más grande del Renacimiento. No sólo tiene la función de rituales religiosos, sino que también refleja la sabiduría creativa del compositor. Mahoma fue un importante compositor que contribuyó al desarrollo temprano de la misa. Algunas de sus misas tienen canciones profanas como tema principal y llevan nombres de canciones profanas. Cada parte del motete de Dufet ya no tiene sus propias palabras, pero las dos partes superiores tienen palabras latinas unificadas y la parte inferior es un instrumento en lugar de una melodía fija. Las baladas seculares compuestas por Banchuwa tienen melodías hermosas y claras y colores brillantes.
Tras la escuela borgoñona, la escuela flamenca francesa estuvo activa en Europa en la segunda mitad del siglo XV. La zona donde operaban era Flandes, provincia del sur de Holanda en aquel momento, y norte de Francia.
Johannes Ockeghem (1430-1495) fue un bajista, compositor y famoso profesor de música. Sus masas y motetes se centran en la parte de bajo, con sonido pleno y partes continuas, acercando el temperamento musical al canto gregoriano. La música de Jacob Obrecht (1452-1505) de la misma generación es de un estilo diferente. Sus creaciones están obviamente influenciadas por la música profana italiana y española, con temas musicales distintivos y estructuras musicales claras.
Josquin des Pres (1450-1521), alumno de Okegang, es un representante de la segunda generación de la escuela de música flamenca. El espíritu del humanismo renacentista es evidente en su música. Compuso 18 misas, 87 motetes y 72 canciones profanas. Martín Lutero dijo: "Él es el maestro de las notas. Puede usar las notas como quiera; otros compositores sólo pueden escuchar las instrucciones de las notas". Mientras sus antecesores se centraron más en resolver problemas técnicos de contrapunto, José utilizó técnicas de un nivel superior de expresión del contenido lírico. Utilizando una técnica de imitación temática libre y continua, la música se puede desarrollar de forma imaginativa. Se le considera "el primer compositor con una personalidad completa que surgió de la brumosa historia".
2. Reforma Religiosa y Música
La Reforma Religiosa fue un movimiento religioso que se produjo a finales del Renacimiento. La Revolución Protestante de 1517 provocó que la mayoría de los países del norte de Europa se separaran de la Iglesia Católica Romana; a la primera le correspondió la Reforma Católica, que alcanzó su punto máximo alrededor de 1560. Debido a que tanto los antiguos como los nuevos concedían gran importancia a la música ritual, la Reforma promovió el desarrollo de la música religiosa en Europa.
La corrupción en la Iglesia Católica Romana se volvió cada vez más grave durante el Renacimiento. El Papa León X vendió más de 2.000 cargos eclesiásticos, y la iglesia también vendió dispensas e indulgencias religiosas, lo que despertó el descontento de la gente. Además, el crecimiento del espíritu nacional europeo y la rebelión contra los sistemas teológicos formados a finales de la Edad Media contribuyeron a este movimiento reformista. En 1517, Martín Lutero (1483-1546), profesor de teología en la Universidad de Wittenberg en Alemania, redactó 95 tesis, que fueron publicadas en la puerta de la iglesia del castillo e impresas en otras ciudades para combatir la venta de indulgencias. El movimiento de reforma religiosa. Lutero fue excomulgado por la Santa Sede en 1520. Pero los alemanes lo aceptaron como un líder y se comprometieron a establecer una iglesia alemana independiente.
Luther es un gran amante de la música, sabe cantar y tiene algunas habilidades de composición. También es un admirador de la música de Josquin. Creía profundamente en el papel educativo y moral de la música. Tradujo la Biblia al alemán y creía que todos tenían derecho a leer y comprender la Biblia. Asimismo, creía que la música litúrgica debía afectar a los creyentes o ser participada directamente por los creyentes. Conservó parcialmente la música católica y sus palabras latinas en la música protestante. Al mismo tiempo, también presidió la creación de himnos (también traducidos como himnos protestantes) con letras alemanas que tenían las características de la época y el sabor nacional. Originalmente eran sólo canciones individuales. Está compuesto por música polifónica de compositores según el estilo popular del Renacimiento. En la segunda mitad del siglo XVI, evolucionó hasta convertirse en un himno de cuatro partes con una melodía en voz alta, lo que se ajustaba al principio de Lutero de que la música debería ser fácil de entender. Lutero rompió las fronteras absolutas entre la música religiosa y laica e incorporó a la música religiosa un gran número de excelentes melodías profanas, lo que permitió a la música protestante mantener su conexión con el pueblo durante mucho tiempo y así tener vitalidad. La teoría y la práctica de la educación musical universal que defendió sentaron una base sólida para la prosperidad de la cultura musical alemana en los siglos siguientes.
Durante la Reforma Protestante, la Iglesia Católica también llevó a cabo reformas con el fin de purificar la iglesia y frenar el desarrollo del protestantismo. Este movimiento también se denomina "Contrarreforma". La Iglesia Católica Romana rectificó a la Santa Sede, erradicó los abusos, restauró la Inquisición largamente abandonada, estableció un "índice de libros prohibidos", inspeccionó libros y evitó la erosión de ideas heréticas. De 1545 a 1563, el Papa Pablo III celebró varias conferencias en Trento para reafirmar las enseñanzas de la fe católica. En la reunión, muchos músicos fueron criticados por adoptar una actitud impía hacia la música religiosa, usar demasiada música secular y destruir la pureza de la música religiosa. El complejo contrapunto polifónico hizo que la letra fuera difícil de escuchar y la misa no logró su verdadero propósito religioso. Opiniones extremas incluso pedían la abolición de la polifonía y la restauración de la música monofónica al estilo del canto gregoriano.
3. Palestrina y Lasus
Palestrina (Giovanni Pierluigi da Palestrina, 1525-1594) fue una figura importante durante la Reforma musical. Bajo las limitaciones de los principios de la música católica romana, heredó y absorbió las técnicas polifónicas de la escuela de música flamenca, creando un estilo coral polifónico con un significado estético único. Como compositor de música religiosa, sirvió a la iglesia durante toda su vida y escribió una gran cantidad de misas y motetes, entre los cuales obras como la Misa de Marcelo fueron reconocidas por la iglesia y se convirtieron en un modelo de la música católica romana. La mayoría de las obras son coros a capella de cuatro a seis voces. Entre ellos, la voz clara se mueve lentamente y se combinan el tono principal y la polifonía. Suena armonioso, solemne y piadoso, y se ha convertido en un modelo de música religiosa a capella. Los alumnos de Palestrina y los seguidores de su estilo musical formaron más tarde la Escuela Romana de Música, que floreció durante mucho tiempo.
Orlande de Lassus (1532-1594) fue otro importante compositor tan famoso como Palestrina en la segunda mitad del siglo XVI. Fue un líder de la escuela musical franco-flamenca. La tradición alcanza su apogeo en. su música. Nació en la ciudad flamenca de Mons y viajó por Italia, Francia e Inglaterra. Después de 1556, pasó la mayor parte de su carrera sirviendo en la corte del duque de Baviera en Munich. Sus más de 2.000 obras cubren una amplia gama de géneros y estilos musicales de varios países y regiones europeas. Entre las obras religiosas, un gran número de motetes son ricos en contenido, y los "Salmos Confesionales" también son obras famosas. Entre las obras profanas, las baladas francesas, las canciones alemanas y la villanella italiana impresionaron a músicos de todo el mundo. Comparada con la tranquilidad y el desapego de la música de Palestrina, la música de Lasus es más vívida y emotiva, con un temperamento más dinámico.
4. Baladas francesas y madrigales italianos
En el siglo XVI, los compositores franco-flamencos se encontraban en iglesias y cortes de toda Europa, y sus estilos musicales eran muy populares en Europa. Al mismo tiempo, también se han desarrollado estilos musicales nacionales únicos en varios países.
Autor: Black Ribbon 2006-5-31 17:02 Responder a esta afirmación
-------------------- ------------------------------------------------- - ----------
3 Respuestas: Breve historia de la música occidental: el Renacimiento
La canción más representativa de Francia es la Chanson francesa. Se trata de un coro secular no acompañado de cuatro o cinco voces, con música ligera y ritmo distintivo. No sólo era amado por los ciudadanos emergentes, sino también popular entre los nobles. Clement Janequin (1485-1560) es famoso por sus baladas descriptivas. Las que imitan el canto de los pájaros, como "Skylark" y "Song of the Birds"; las que representan escenas callejeras, como "Negocios en París"; "La batalla de Marigny" es pionera en obras de temática bélica.
El madrigal italiano fue la forma musical secular más influyente en Europa en el siglo XVI. Los compositores, ya sean religiosos o laicos, flamencos, italianos o franceses, casi siempre incursionaron en este género. Los madrigales italianos del siglo XVI no están directamente relacionados con los madrigales del siglo XIV. Sus letras son en su mayoría poemas pastorales con contenido sentimental o amoroso, y son de estilo polifónico de cámara. El desarrollo inicial de los madrigales italianos estuvo influenciado por la canción lírica popular italiana Flortola. Después de mediados del siglo XVI, la música y la poesía se acercaron y se desarrollaron expresiones descriptivas y emocionales. El estilo cromático fue desarrollado por Carlo Gesualdo (1561-1613). su clímax en lo pastoral. La creación de Claudio Monteverdi (1567-1643) a finales del siglo XVI transformó la pastoral de la imitación polifónica a la forma de solo, dúo y acompañamiento. Usó melodías recitativas y persiguió la expresión dramática, lo que sentó las bases para el siglo XVII. El desarrollo de la ópera abrió el camino.
5. Escuela de Música de Venecia
Venecia es una ciudad importante de la península italiana después de Roma y el principal puerto de comercio entre Europa Occidental y Oriente. Venecia era famosa por sus ediciones musicales a principios del siglo XVI. A mediados del siglo XVI, la Escuela de Música Veneciana, que se desarrolló alrededor de la Basílica de San Marcos, inyectó vitalidad al desarrollo de la música europea.
El hermoso paisaje de la ciudad acuática de Venecia, los palacios de colores brillantes, los coloridos rituales y los conceptos religiosos menos ascéticos del pueblo veneciano hacen que la pintura y el arte musical venecianos estén llenos de ricos colores.
Después de que el músico flamenco A. Willaert (1490-1562) se convirtiera en director musical de la iglesia de San Marcos, adoptó la forma de canto compuesto de dos grupos de coros a ambos lados de la iglesia, acompañados por The Dos órganos de tubos produjeron un gran sonido estereofónico y la escena era grandiosa. Los músicos italianos Andrea Gabrieli (1510-1586) y Giovanni Gabrieli (1553-1612) exploraron más a fondo la relación entre las partes altas y bajas del coro, y entre la música vocal y la música instrumental, el contraste del sonido y los cambios de color. Y aplicar los principios del canto compuesto a la creación de conjuntos instrumentales. La "Sonata Fortissimo" de Giovanni Gabrieli es la primera obra musical en la historia de la música occidental que utiliza marcas dinámicas.
6. El desarrollo de la música instrumental
En el siglo XVI durante el Renacimiento, la música instrumental comenzó a desarrollarse de forma independiente. La música instrumental está poco a poco deshaciéndose de su posición subordinada como mero acompañamiento de la música vocal. Por supuesto, la mayor parte de la música instrumental temprana fue trasplantada de la música vocal, pero gradualmente cultivaron la imaginación de la gente sobre la música pura sin letra. Durante el Renacimiento, gran parte de la música instrumental todavía se improvisaba y parte de la música instrumental comenzó a grabarse y conservarse como partituras.
Durante el Renacimiento, algunos instrumentos musicales han formado una familia de instrumentos musicales que van desde los graves hasta los agudos, y los tipos de instrumentos de viento han sido relativamente ricos. Instrumentos principales como: flauta dulce, chirimía, trompa, flauta travesera, corneta, viola, trompeta y trombón antiguo (saco), etc. El instrumento musical más utilizado es el laúd, que ha desarrollado ricas técnicas de ejecución y adopta el método de notación de grados.
El predecesor de los instrumentos de teclado europeos es el dulcémele pulsado medieval (salterio). Dos tipos de clavicordios, producidos en el siglo XIV, se desarrollaron y maduraron durante el Renacimiento. Uno es el clavicordio, que utiliza martillos de metal para golpear las cuerdas. Aunque el sonido es delicado, el volumen se puede controlar mediante la fuerza de las teclas táctiles. El otro es el clavicémbalo, que utiliza púas para pulsar las cuerdas. El sonido es más fuerte que el primero, pero los cambios en el sonido no se pueden controlar con el tacto.
El principal género musical instrumental en aquella época era el "ricercar" (que en italiano significa buscar o explorar) adaptado de motetes y baladas. Era una pieza polifónica que utilizaba técnicas de imitación continua y que evolucionó hasta convertirse en fuga. La otra es la canzona, que fue influenciada por el estilo de balada francesa. La canzona de conjunto se convirtió más tarde en la sonata de iglesia.
Los bailes sociales se hicieron muy populares en el siglo XVI, apareciendo algunos bailes en pareja. Pavane (2/2 tiempo) y Galliard (3/4), se llaman Tanz y Nachtanz en Alemania, y Passamezzo en Italia (passamezzo) y saltarello (saltarello). Posteriormente aparecieron un par de danzas similares, la allemande y la courante. Suele haber un contraste en el ritmo y la velocidad entre estos pares de música de baile, siendo el primero lento y el segundo rápido y saltador.
Las variaciones son otro género musical instrumental importante. A finales del siglo XVI, William Byrd (1543-1623), John Bull (1562-1628) y Orlando Gibbons (1583-1625), de la British Virgin School, escribieron un gran número de obras de este género.