Las principales facciones del cine de vanguardia
La primera etapa
Representada por las películas experimentales de los pintores cubistas F. Lecheles y R. Clair, también consideraban el movimiento como la esencia del cine de aquella época, pero era diferente de la La diferencia entre las películas de vanguardia alemanas es que no utilizan cambios en los gráficos dibujados a mano como contenido de expresión, sino que combinan objetos o escenas de la vida cotidiana. Por ejemplo, el cortometraje "Mechanical Dance" de Lecheres de 1924 y el "Programa intermitente" de Claire (1924). , estas películas tampoco tienen historias completas ni temas distintos. Estas películas también se conocen como películas dadaístas, películas abstractas o cine puro.
La segunda etapa
Películas experimentales basadas en la joven cineasta G. Drucker, el español L. Buñuel y el dramaturgo y joven poeta A. Artaud para representar.
Influenciados por la literatura surrealista, sus películas expresan el subconsciente humano, incluyendo sueños y alucinaciones. El cortometraje "La concha y el monje", rodado por G. Drucker en 1928 (escrito por A. Artaud), analiza principalmente las caóticas actividades psicológicas de un monje. El análisis psicológico se realiza con la ayuda de una serie de planos inconexos; "Un perro andaluz", de L. Buñuel en 1928, también muestra de forma similar las actividades subconscientes de las personas o persigue una nueva metáfora absurda. Este tipo de películas también se conoce como cine surrealista.
Después de 1929, el movimiento de vanguardia en el cine francés también se trasladó al documental. Este documental se dividió rápidamente en dos tendencias: una es ridiculizar los fenómenos sociales, como "Una escena en Niza" del director francés J. Vigo (1929 ~ 1930), que utiliza principalmente imágenes grotescas y montajes grotescos para satirizar a la sociedad de clase alta. en la ciudad. La vida fea; el otro es un documental con color lírico o esteticismo. Por ejemplo, J. Evans rodó "El puente" (1928) y "Lluvia" (1929) bajo la influencia directa de W. Ruthman y el movimiento de vanguardia francés. El pintor cubista francés Fernand Lechers trabajó inicialmente en cine con la intención de realizar un estudio de la pintura a través del cine. Mientras creaba, naturalmente se dio cuenta de por qué las películas no pueden escapar de la narrativa y la interpretación. Exploró este aspecto en el rodaje de "La danza de la máquina" (1923). Yuxtapone objetos en movimiento naturales de la vida cotidiana, como péndulos, niñas en columpios, mujeres subiendo escaleras y caballos de madera en movimiento, con piezas móviles de máquinas de películas, patas de maniquíes, artículos de primera necesidad en tiendas, carteles y titulares de periódicos. , formando una escena verdaderamente llena de efectos de movimiento cinematográfico: el baile de máquinas.
Dado que Lecheres concede gran importancia a la combinación de formas puramente compositivas y al procesamiento contrapuntístico de segmentos rítmicos, todos los objetos en movimiento en la película se mueven como el ritmo de un péndulo. Esos objetos naturales se han convertido en imágenes en movimiento llenas de vitalidad y fuerte atractivo, mientras que el movimiento de los personajes ha perdido su sentido de realidad, pero al mismo tiempo ha creado una manera especial de sentir el movimiento. Lescher habló una vez sobre el propósito de hacer esta película. Quería "crear el ritmo de los objetos comunes en el tiempo y el espacio y mostrar la belleza de sus formas. Sin embargo, de hecho, como señaló Siegfried Kracauer, "representó esta forma en la película La belleza pertenece al ritmo, no al el objeto mismo cubierto por el ritmo. En cuanto a la experimentación del ritmo visual cinematográfico, "La danza de la máquina" de Lechelles explora sin duda un nuevo campo de expresión artística cinematográfica. Las propuestas artísticas del dadaísmo fueron consideradas una consecuencia absurda de la Primera Guerra Mundial. Los artistas dadaístas tomaron el lema político del anarquista Bakunin "La destrucción es creación" como su credo estético, utilizaron obras maestras de la pintura del Renacimiento como objetos de sátira y desafiaron las opiniones tradicionales sobre el arte. La más representativa es "La Mona Lisa con barba" de Dusan. Esta escuela antiarte fue consistente con la estética cinematográfica surrealista de la década de 1920, encontrando su propia belleza en las películas experimentales. "Return to Reason" de Man Ray (1923) es la primera obra del dadaísmo.
Los realizadores expusieron hábilmente clavos, botones, fotografías y cinta adhesiva a la película, creando contornos caóticos en la pantalla. Cuando se estrenó la película, el entusiasmo de los artistas del cine de vanguardia casi rompió el techo y la gente consideró esta vez como una fiesta muy exitosa. Los dadaístas buscaban la belleza del llamado "encuentro repentino entre la máquina y la sombrilla en la mesa de operaciones". Al año siguiente, "Intermission" de René Clair se convirtió en la obra representativa más destacada del dadaísmo.
Rene y Claire incorporaron a su obra el espíritu cómico y el sentido del humor de Chaplin en "La danza de la máquina", creando esta "obra maestra absurda" de "Intermission".
Se parecen a los sueños de los artistas dadaístas: barcos de papel flotando en el aire en las casas parisinas, cigarrillos convertidos en pilares de los templos griegos, escenas de juegos de varios artistas dadaístas: Man Satie con un cañón, bailando Jean Berlin apareció en el tejado del Teatro Xiangshu Con un disfraz divertido, la procesión fúnebre perdió su sentido de solemnidad debido a la fotografía de alta y baja velocidad, Lin Bu finalmente se levantó del ataúd, y así sucesivamente. , todo lleno de ritmo. Vale la pena señalar que, en comparación con "Return to Reason" de Man Ray, "Intermission" de René Clair no utiliza formas abstractas, sino materiales de la vida real. Sin embargo, la clave para la formación de estilos similares es su concepto artístico antirracional. Claire cortó conscientemente el tiempo y el espacio reales de los materiales visuales en las pausas intermitentes, apareciendo en una forma antilógica. Al mismo tiempo, esa edición visual desordenada no tiene una estructura narrativa, sino el "método de transposición" de la pintura dadaísta, un nuevo descubrimiento de las técnicas de edición cinematográfica. Especialmente la foto famosa: una bailarina con falda bailando ligeramente desde abajo, pero cuando la cámara se acercó, inesperadamente descubrió que se trataba de un hombre con una barba caída y quevedos. Aquí Claire creó "una especie de elementos diferentes". Las naturalezas entran en contacto entre sí sobre una superficie plana, creando un extraño efecto visual de quema poética”. El propósito es hacer reír al público. En la búsqueda de la estética dadaísta por parte de René Clair, los materiales realistas perdieron su realidad y se volvieron surrealistas. La búsqueda estética del surrealismo en las películas dadaístas condujo finalmente al nacimiento de las películas surrealistas. Así como la literatura y la pintura evolucionaron desde el dadaísmo hasta el surrealismo. Los cineastas surrealistas, basándose en la estética ilógica e irracional de las películas dadaístas, "intentaron combinar sueños, satisfacciones psicológicas, procesos inconscientes o subconscientes (principalmente influenciados por Freud y, en menor medida, por el marxismo). Influencia) en la pantalla. Para crear una Película absolutamente realista que existe en la mente del artista y que trasciende los sueños y la realidad. El surrealismo se convirtió en el destino final de muchas artes cinematográficas de vanguardia ("La concha y el monje" de Sherman Dulac, el cuadro de un perro andaluz de 1927), Gaston Lavelle. 1928 El collar de perlas y La estrella del mar de Man Ray se convirtieron en iconos surrealistas de la época.
En estas películas que tienen elementos dramáticos pero carecen de acción dramática, el amor se ha convertido en el objeto principal. Una representación de la desconexión entre los sueños y la realidad. Entre ellas, "La concha y el monje" de Drucker se considera la primera. Una película surrealista que cuenta la historia de la fantasía de un sacerdote ascético e impotente de competir por una chica con un rival amoroso. como predicador, general y guardia de prisión, pero la película utiliza una serie de imágenes para revelar el estado psicológico del personaje. Destacaba claramente el dolor y la tristeza del sacerdote, pero carecía del humor que se esperaba de esa época. por lo que no despertó mucho interés A partir de entonces, Buñuel era un perro andaluz (participó Salvador Dalí en la creación del guión) describe una serie de sueños de un vagabundo con problemas mentales, adentrándose así en la exploración de lo humano. estado subconsciente, tratando de despertar el impulso interno de la audiencia, atrayendo verdaderamente la atención de la gente, y se considera surrealismo. Obras representativas típicas de la película "Un perro andaluz", los sueños y estados subconscientes de los personajes están conectados por una serie de aterradores. Eventos y escenas de terror: un hombre corta el globo ocular de una mujer con una navaja, un accidente automovilístico en la calle, un hombre semiandrógino mira fijamente una mano cortada, carne de burro podrida amontonada sobre un piano, un intento de violación, un nido de hormigas. en la palma de su mano, y más
Toda la película está llena de violencia, sexualidad y rareza. El humor resalta las características de las obras surrealistas que no están dominadas por la razón y la lógica en comparación con la narrativa psicológica. Del impresionismo y "Intervalo" de René Clair, "Un perro andaluz" es * * similar. La diferencia es que el paisaje y los personajes de la película son todos realistas y no parecen estar interesados en utilizar figuras y líneas geométricas poco realistas para pintar. En el cine, naturalmente, también tienen diferencias: en comparación con la narrativa psicológica del impresionismo, la trama de la película no tiene lógica narrativa, y las acciones y motivaciones de los personajes de la obra no tienen base psicológica. Impulso comparado con el intermedio de Claire, la película pierde su despreocupación. Una sensación de relajación que Buñuel llamó "Un perro andaluz", un llamado desesperado y feroz a matar, que simbolizaba el espíritu rebelde de los jóvenes intelectuales que estaban llenos de ambivalencia sobre la realidad social. A finales de la década de 1920, la película también pasó claramente de la exploración del ritmo puro en las películas de vanguardia a la exploración del contenido, y "este contenido significativo pertenece claramente al reino de la fantasía". Más bien, es permitir que la fantasía se vuelva inconscientemente más real y más importante que el mundo de nuestros sentidos. La realidad interior se convierte en la única realidad que les importa a los surrealistas, como señaló Kracauer: Los surrealistas creen firmemente que la realidad interior es mucho más elevada que la realidad exterior. Por lo tanto, su objetivo principal es manifestar el flujo interno de la vida con todo su contenido a través de la actividad instintiva, sueños, fantasías, etc. , sin recurrir a historias ni a ningún otro enfoque racional.
Las diversas escuelas de tendencia surrealista activas en Francia en la década de 1920 se mostraron entusiastas y activas en la exploración de la estética cinematográfica. Aunque todavía existen algunas limitaciones en el pensamiento de estos jóvenes cineastas, y aunque algunas de sus teorías y opiniones son demasiado extremas, su comprensión del "arte plástico dinámico", su exploración de las estructuras de las imágenes cinematográficas y sus contribuciones al lenguaje visual cinematográfico son inconmensurable.
En lo que respecta al surrealismo, este realmente cumple los deseos del escritor surrealista Bruton en la película: "(El tiempo) se divide, se trastorna y se destruye. El presente y el futuro ya no entran en conflicto. Vivir en el ayer o en el mañana Es tan fácil como vivir hoy, e incluso puedes vivir el ayer y el mañana al mismo tiempo. Esto sin duda se convirtió en la base creativa para el resurgimiento de las películas modernistas a finales de los años cincuenta. Al mismo tiempo, el espíritu experimental del avant francés. Las películas de vanguardia continuaron inspirando a diferentes artistas cinematográficos de diferentes épocas y nacionalidades que han llevado a cabo exploraciones estéticas del arte cinematográfico más imaginativas, novedosas, peculiares y profundas.