Arte barroco vibrante

——Exploración y descubrimiento en el Museo Ashmolean de la Universidad de Oxford, Reino Unido No. 9

Debido a que tengo un gran interés en la música del período barroco, me gusta especialmente escuchar a los músicos del período barroco. Bach, que amaba las casas y las iglesias, también prestó especial atención a las pinturas del período barroco cuando visitó la Galería de Arte Ashmolean en el segundo piso, que está dedicada a las pinturas de este período.

Una breve introducción——

Barroco originalmente significaba perlas de forma irregular y era una forma de arte. Debido a la popularidad de este estilo artístico, las generaciones posteriores lo llamaron el período barroco. La música producida durante este período se llama música barroca. El período barroco es una época de la historia del arte occidental, aproximadamente el siglo XVII. Su manifestación más temprana fue en Italia a finales del siglo XVI y alcanzó su apogeo en el siglo XVIII.

Algunas características de la música barroca son: ritmo fuerte y saltador, el uso de polimelodía y música polifónica, y un mayor énfasis en los altibajos de la música, por lo que se presta gran atención a los cambios de intensidad. y la velocidad permanece constante de principio a fin.

Figuras representativas del periodo barroco incluyen: Bach, Vivaldi y Handel. Bach es el padre de la música, lo que demuestra su gran prestigio; Vivaldi se hizo famoso en todo el mundo con sus “Cuatro Estaciones”; Handel es un maestro de la melodía, y sus obras tienen una elegancia que deja tras de sí una gran fortuna; el periodo barroco.

El arte barroco es un estilo artístico europeo del siglo XVII que utiliza movimientos exagerados y detalles claramente discernibles para crear dramatismo, tensión y dramatismo en la escultura, la pintura, la arquitectura, la literatura, la danza y la música. magnífico efecto. Este estilo se originó en Roma, Italia, alrededor de 1600, y luego se extendió a la mayor parte de Europa. La popularidad y el éxito del estilo barroco están relacionados con el apoyo de la Iglesia Católica Romana.

Figuras representativas del arte de la pintura incluyen: Caravaggio, Gian Lorenzo Bernini, Rembrandt, Peter Paul Rubens, Velázquez y Jan Fume Er, espera.

Sala de Exposiciones 46 en el segundo piso del Museo Ashmolean, Arte Barroco, 1600-1700.

El arte barroco está lleno de una fuerte vitalidad.

Este estilo innovador se desarrolló en Italia alrededor del año 1600. Los anistas exploran el realismo y los modos de expresión en la pintura y la escultura. Algunas personas prefieren un tipo de arte idealizado basado en el estudio de las antigüedades.

Roma atrae a artistas y coleccionistas con su herencia clásica. Aquí emigraron artistas italianos y nórdicos, entre ellos Pietro da Cortona, Nicolas Poussin y Claude Lorrain. Los mecenas adinerados competían para adquirir exquisitas colecciones de arte.

Roma es el principal centro de mandatos de la Iglesia católica. La Iglesia impulsó una nueva piedad que requería un arte más directo y emotivo.

La galería lleva el nombre de la Sra. W. F. R. Weldon, una mecenas desde hace mucho tiempo que legó su colección de arte a los Ashmoleans en 1936.

Matthias Stone (1589/1600- después de 1652) "Blow Hot, Blow Cold, Circa 1640" ~

Préstamo de una colección privada, 2018.

"Blow Hot, Blow Cold" cuenta una historia de la fábula de Esopo "El dios de la selva y el viajero". En esta historia, un campesino sopla sobre Set, el dios del bosque, para calentarle los dedos fríos. El dios del bosque se sorprendió aún más cuando vio al granjero enfriando de la misma manera un plato de sopa caliente. Este tema es especialmente popular en el arte holandés porque combina hábilmente elementos de la mitología clásica y la vida cotidiana. El artista holandés Stone se mudó a Italia, donde trabajó al estilo de Caravaggio, favoreciendo los efectos de iluminación dramáticos. Aquí, la cena nocturna está iluminada por una sola vela.

Escultura de marfil "Venus y Cupido" de Georg Peter (1601/2-1634) ~

Comprada en 1932.

Petel era un experto en la talla de marfil y era muy elogiado por su trabajo. Trabajó en Munich, el sur de los Países Bajos, Génova y Augsburgo. Esta estatuilla es una adaptación liberal de la antigua estatua de Afrodita en Cnidos en el Vaticano. Sus obras fueron recopiladas por Peter Paul Rubens, que era un amigo íntimo suyo. Esculpió la estatua en 1624 mientras visitaba al pintor.

Esto puede ser "Venus y Cupido" recopilado por George Villiers, primer duque de Buckingham en 1635.

"La gloria de Alemania" de Sir Peter Paul Rubens (1577-1640), óleo sobre lienzo ~

Aceptado por el gobierno británico y pertenece a Christopher Norris) parte de la herencia impuesto sobre el patrimonio.

Rubens se inspiró en un antiguo relieve romano bellamente tallado. Fue descubierto en París en 1620 por su amigo Nicolas-Claude Fabry de Peresque.

Este relieve es una caricatura que representa una despedida alemana de sus padres, el emperador Tiberio y su madre Livia, así como de otros miembros pasados ​​y presentes de la familia. En esta obra muy ampliada, Rubens aporta vida y calidez a la fría piedra. También restauró dos cabezas faltantes. En 1626, regaló el cuadro a Peresque.

Francesco Buoneri, Cecco del Caravaggio (grabado entre 1610 y 1621), "El interior está decorado con un "Naturaleza muerta, un joven sosteniendo un instrumento musical", óleo sobre lienzo~

Comprado en 1936.

El hombre miró hacia afuera con expresión desafiante. Está sentado en la cocina, con una ocarina en la mano, y sobre la mesa hay varias frutas, pan y cerámica. Otros elementos como su traje, su violín o sus costosas cristalerías indican que se trata de algo más que una escena cotidiana.

Secco fue un seguidor cercano de Caravaggio, y sólo conocemos algunas de sus pinturas. Le gustan las obras con iluminación intensa y temas misteriosos. Aunque las pinturas de Secco contienen elementos de realismo, sus pinturas son muy dramáticas. El inusual ángulo de la mesa es típico de su estilo personal.

"Testimonio" de Anthony van Dyck (1599-1641), hacia 1619, óleo sobre lienzo~

Por Charles T. Maude Ofrecido en 1869.

El Cristo muerto, de la sangre manando de sus heridas, es bajado de la cruz y llorado por la Virgen María, María Magdalena y Juan Evangelista. El Sacrificio de Cristo se refiere a la Eucaristía o Sacramento de la Misa. Por su énfasis en el sufrimiento físico, este retablo podría servir como un llamado al arrepentimiento.

Van Dyck probablemente completó esta pintura alrededor de 1619, antes de partir de Amberes hacia Inglaterra. Se desconoce su ubicación original. El atractivo emocional reflexivo es típico del arte religioso del siglo XVII.

Claude Lorrain (1604/05-1682) "Ascanius disparando al ciervo de Silvia", óleo sobre lienzo~

Regalado por la Sra. W. F. R. Weldon en 1926.

Ascanio, el hijo del líder troyano Eneas, está cazando en la campiña romana. Lamentablemente, sus acciones conducirán a la guerra entre troyanos y latinos.

El paisaje en tonos plateados es armonioso y tranquilo. Las nubes que se acumulan y la suave brisa se mueven entre los altos árboles, evocando la violencia venidera.

Esta escena poética proviene de la Eneida de Virgilio. Claude pintó este cuadro para el príncipe Lorenzo Onofrio Colonna en Roma durante el último año de su vida.

Originalmente estaba pensado como pieza complementaria de otra pintura de paisaje, Dido y Eneas ante Cartago, pintada por Claude en 1675-76.

Adriaan de Vries (c. 1556-1626) Mercurio y Cupido, alrededor de 1626, escultura de bronce~

Préstamo de una colección privada, 2017.

El holandés Adrian de Vries fue el escultor barroco con más talento de su generación. Después de trabajar con Giambologna en Italia, fue nombrado escultor de la corte del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Rodolfo II en Praga. Esta vibrante estatua fue fundida en la Royal Foundry hacia el final de la vida del escultor. Aunque está inspirado en el mundialmente famoso Mercury de Gian Bolonia, es un raro ejemplo del estilo posterior de De Vries. Mercurio y Cupido están esculpidos en cera blanda, dándoles una forma casi grotesca manteniendo perfectas proporciones anatómicas.

Nicolas Poussin (1593/94-1665) Discurso sobre Moisés, óleo sobre lienzo~

Hija del difunto Sir Edward Fry Adquirido con financiación del Arts Fund a través de generosas donaciones, 1950 .

El faraón ordenó ahogar a todos los hijos de los hebreos en el río Nilo (Éxodo 2:2-4). La madre de Moisés puso a su hijo en un arca hecha de juncos. La hija de Faraón llegó al río, rescató al niño y le puso por nombre Moisés, mientras su hermana María miraba.

Poussin pintó este cuadro en 1654 para su amigo el artista Jacques Stella. Eligió representar un episodio de tristeza y desesperación en lugar de las escenas populares de "Buscando a Moisés". La historia tiene lugar en la antigua Roma, el futuro hogar del cristianismo. La Esfinge y el Dios del Río son símbolos del Nilo.

Sala de exposiciones 47 en el segundo piso del Museo Ashmolean, Arte alemán y flamenco 1400–1650

Las obras de arte en esta sala son de Alemania, creadas por artistas flamencos y españoles del finales del siglo XV hasta mediados del siglo XVII.

En el arte italiano del siglo XV, el entusiasmo por la escultura y la arquitectura romana antigua no disminuyó. A principios del siglo XVI, los artistas del norte habían comenzado a modificar sus tradiciones regionales en respuesta al arte del Renacimiento italiano. Varios pintores completaron aquí sus estudios en Italia y trajeron las últimas tendencias de la pintura italiana a su ciudad natal.

Hans Schäufelein (hacia 1480/85-1539/40) "Cristo adiós a su madre", óleo sobre tabla~

Con emblema Firma, fechado en 1514. Préstamo de una colección privada, Londres.

La temática de este cuadro es inusual. La historia de cómo Cristo fue separado de su madre en vísperas de la Última Cena no aparece en la Biblia pero aparece por primera vez en textos medievales.

Albrecht Durer ilustró este tema en un grabado en madera que se convirtió en modelo para varios de sus contemporáneos alemanes. Entre ellos se encontraba Schöufelein, que tomó el grupo central de los grabados de Durero pero añadió los apóstoles a la izquierda y algunas figuras adicionales a la derecha. Está grabado con el símbolo del artista, una pala ("schaufel" en alemán), un juego de palabras con su nombre.

Sir Peter Paul Rubens (1577-1640), emperador Maximiliano I, grabado en tinta ~

Cortesía de Chambers Hall, 1855 .

En 1634, Rubens recibió el encargo de diseñar una serie de decoraciones callejeras para celebrar la entrada del recién nombrado gobernador hispano-holandés Fernando a Amberes. Este es uno de varios bocetos al óleo que Rubens hizo de los artistas y artesanos que realizaron sus diseños.

Este boceto fue un estudio para una estatua del emperador Maximiliano, una de las doce grandes estatuas doradas que adornaban el pórtico del emperador.

Sur de Alemania, retrato de finales del siglo XV, “Retrato de una joven sosteniendo flores” ~

Legado de William W. Spooner, 1968.

Se cree que este exquisito retrato fue pintado por el famoso grabador Mir von Landester, fallecido en 1510. Poco se sabe sobre su obra como pintor, y sería difícil demostrar que pintó este cuadro.

Puede formar pareja con un retrato similar de su prometido. El rosa o clavel que sostiene en su mano izquierda se asocia con una pareja de novios.

(Arriba) Sala de exposiciones 48 en el segundo piso del Museo Ashmolean, bodegones holandeses y flamencos.

La pintura de bodegones se originó en el siglo XVI, cuando los artistas comenzaron a crear obras independientes utilizando objetos inanimados, como frutas o flores, que habían aparecido en obras religiosas e históricas. Apareció por primera vez en Italia, pero es una forma de arte asociada principalmente con artistas holandeses y flamencos del siglo XVII, muchos de los cuales se especializaron en una rama de la pintura de bodegones: flores, frutas, peces, utensilios de fiesta, utensilios de cocina y otros artículos. . A veces dan a sus pinturas un significado simbólico al hacer referencia a la brevedad de la vida, pero la mayoría probablemente deben apreciarse principalmente como ejemplos de la habilidad del artista para crear la ilusión de objetos familiares.

En 1939, Theodore W. H. Ward (1879-1955) conmemoró a su esposa, Daisy Linda Ward (anteriormente conocida como Te Lavers (1883-1937) donó todas las pinturas al museo. La propia Daisy W. H. Ward fue pintora y cantante de ópera. (Manual disponible para los visitantes)

Henri Fantin-Latour (1836-1904) "Naturaleza muerta con rosa blanca en una copa de vino, 1872", óleo sobre lienzo~

Legado en 1936 por la Sra. W.F.R.

Fantine Latour fue una artista francesa más conocida por sus pinturas de flores. Entre los más de treinta tipos de flores pintadas por Fantine Latour, las rosas son las más comunes. Este bodegón es un maravilloso ejemplo de su combinación de vidrio transparente y rosas. Para ello utilizó a menudo copas de vino inglesas talladas. Las amplias pinceladas empleadas por Fantine-Latour contrastan marcadamente con las naturalezas muertas holandesas y flamencas que la rodeaban, que habían sido pintadas con más refinamiento sólo unos siglos antes.

Guitarras inglesas del siglo XVIII a principios del XIX~

Aelbert Cuyp (1620-1691) "Duck West Jergent, 1647-1650", impresión en tinta~

2018, cedido por una colección privada.

El pato Jergent occidental es un ave notable. A lo largo de su vida pone más de cien huevos al año. El propietario de Westjetgen la quería especialmente y le encargó este cuadro en 1647, cuando tenía 20 años. El poema holandés adjunto parece ser la autobiografía de Sijtergen. La segunda inscripción registra tristemente su muerte tres años después. El hecho inusual de que Sijetgen fuera inmortalizada en una pintura, incluido un poema dedicado a ella, demuestra que debió ser uno de los animales más preciados del siglo XVII.

Lo anterior presenta las salas de exposición 46, 47 y 48 en el segundo piso del Museo Ashmolean.

La Sala 46 es Arte Barroco (1600-1700), lleno de intensa vitalidad. Sus características artísticas son: el uso de movimientos exagerados y detalles claramente identificables para crear efectos dramáticos, tensos, aparatosos y magníficos.

La Sala de Exposiciones 47 es Arte Alemán y Flamenco (Arte Flamenco) 1400-1650. En la Italia del siglo XV, el entusiasmo por la escultura y la arquitectura romanas antiguas continuó sin disminuir. A principios del siglo XVI, los artistas del norte comenzaron a responder al arte del Renacimiento italiano, trayendo las últimas tendencias de la pintura italiana a su tierra natal.

La Sala 48 es de bodegones holandeses y flamencos. La pintura de bodegones se originó en el siglo XVI, apareció por primera vez en Italia y se asocia principalmente con artistas holandeses y flamencos del siglo XVII. La pintura de bodegones es probablemente principalmente una técnica utilizada por los artistas para crear la ilusión de objetos familiares.