Una visión general desde el período de la música griega y romana antigua hasta el período de Beethoven
En primer lugar, la música griega y romana antigua
En cuanto a la situación específica de la música en la antigua Grecia y Roma, debido a que quedan muy pocos materiales musicales, sabemos muy poco. sobre la música de este período. Los orígenes de la música griega antigua están relacionados con el culto a dioses y con mitos y leyendas. La palabra "música" proviene de "Musa", la diosa encargada del arte en la mitología griega antigua. Los famosos dioses Apolo, Atenea y Dioniso eran todos dioses del arte, y se decía que fueron ellos los que crearon la música. La música griega antigua se utilizó ampliamente en actividades religiosas y también jugó un papel importante. En la antigua Grecia, las arpas y los violines eran los principales instrumentos musicales. Fueron inventados y poseídos por diferentes dioses, por lo que a menudo se asociaban con la adoración de diferentes dioses. La lira es un instrumento de cuerda que se utiliza principalmente para acompañamiento solista, interpretación épica y canto, y a menudo se asocia con la adoración de Apolo. Fue el principal instrumento utilizado en los rituales dedicados a Apolo. Afrodita es un instrumento de viento que se utiliza a menudo en los sacrificios a Dioniso, el dios del vino. En los conceptos culturales occidentales modernos, la música de lira y el culto a Apolo, así como la música de Afrodita y el culto a Dioniso, se han convertido en símbolos de una música con dos personalidades opuestas. El primero es un estilo apolíneo tranquilo y sobrio, mientras que el segundo es un estilo dionisíaco indulgente y romántico.
El legado de la música griega antigua en teoría musical es muy rico y tuvo una importante influencia en el desarrollo posterior de la música occidental. Pitágoras (alrededor del 550 a. C.) vinculó la armonía de los intervalos y ritmos musicales con la armonía y el orden del universo. Creía que la base de la armonía del universo es la proporción perfecta de los números. universo, por lo que la música puede explicar mejor los fenómenos cósmicos, incorporando así la música a su teoría de que los números abstractos son la fuente de todas las cosas. Otros dos filósofos, Platón y Aristóteles, son conocidos por discutir las funciones sociales y morales de la música. En la antigua Grecia ya apareció un sistema completo de modos musicales y un conjunto de términos musicales. Pero la música es principalmente una melodía de una sola parte, sin armonía ni polifonía. La música suele combinarse con poesía, danza y teatro y, en ocasiones, va acompañada de instrumentos musicales. La antigua Grecia no dejó atrás el sonido real de la música, sino que sólo conoció la situación musical de aquella época a través de algunos registros escritos, algunas inscripciones en lápidas y un pequeño número de fragmentos de obras musicales.
Aún no quedan muchos discos de la antigua Roma, y la mayor parte de su cultura musical proviene de la antigua Grecia. Una característica importante de la música romana antigua es el desarrollo práctico y ritual de la música, y la música militar es muy popular. La música tiende a ser profesional. Estas son las diferencias entre la antigua Roma y la antigua Grecia, pero la música de la antigua Roma no se puede comparar con la antigua Grecia en términos de salud mental. En esta época, la música perdió la nobleza e inocencia de la antigua Grecia y se convirtió en puro entretenimiento. Entre los instrumentos musicales destacan varios instrumentos de metal, como la tuba con trompa recta y las trompas en forma de G.
En segundo lugar, la música medieval
Desde el siglo V hasta el siglo XIV, fue el periodo medieval más largo en la historia de la música occidental. La música medieval era principalmente música religiosa cristiana y la música folclórica secular no se tomaba en serio. El poder de la iglesia es mayor que el del estado y otros grupos sociales, y todas las ideologías sociales, incluidas diversas artes y filosofías, deben servir a la iglesia. Durante este período, los himnos e himnos circularon ampliamente en los servicios religiosos. Entre ellos, el canto gregoriano es de gran importancia en la historia de la música occidental. La música eclesiástica medieval se desarrolló básicamente en torno a la modificación y expansión del canto gregoriano. El Salmo Gregoriano, que lleva el nombre del famoso Papa Gregorio I, finalmente se convirtió en la norma unificada y la máxima autoridad para la liturgia de himnos católica romana. Es una canción solista cantada en latín durante las liturgias de la iglesia. Es solemne, templado, de estilo sencillo y excluye en gran medida los deseos mundanos. Posteriormente, se le fueron añadiendo gradualmente otras partes para formar música polifónica. Se puede decir que el canto gregoriano es la base de la música polifónica. La importante contribución de la iglesia a la música fue la notación. Los neumas, producidos en el siglo VIII, son símbolos simples escritos en la parte superior de las letras. Pueden indicar el ascenso o descenso de los tonos del lenguaje, pero sin posiciones de tono, solo pueden indicar el contorno de la melodía con la que el cantante está familiarizado. y no puedo contarle a la gente sobre música desconocida. Guido (alrededor de 997-1050) fue un monje italiano del siglo XX. Resumió el bastón basándose en el trabajo de sus predecesores y contribuyó enormemente a su formación. En la Edad Media, además de la música cristiana más importante, también se desarrolló de forma natural, hasta cierto punto, la música profana.
Se trata principalmente de canciones monofónicas, cantadas principalmente en dialectos de varios grupos étnicos europeos. Muchos artistas populares pobres con un estatus social extremadamente bajo están muy insatisfechos con las limitaciones de la música religiosa sobre el arte musical y utilizan diversos métodos para difundir ampliamente la música secular entre la gente. La poesía y la música bárdicas surgieron de las Cruzadas, que duraron 200 años a partir del siglo XI. Los bardos están compuestos principalmente por nobles y caballeros de la corte, y su música se basa principalmente en temas amorosos y estilo pastoral. En la Edad Media, la música instrumental se desarrolló principalmente como música secular, siendo la voz humana la música principal en el culto de la iglesia. La música instrumental en la música secular se utiliza principalmente para acompañar el canto y el baile. La mayor parte es improvisación y no se han transmitido partituras. En el siglo XIV, el "arte nuevo" apareció en Francia y se extendió rápidamente por toda Europa. El concepto de "Art Nouveau" proviene de un artículo escrito por el obispo, poeta y músico francés Philippe Vitry. El concepto pronto se volvió ampliamente utilizado, lo que indica el surgimiento de una nueva tendencia musical diferente del antiguo "arte antiguo" del siglo XIII. La principal característica del "arte nuevo" fue una secularización sin precedentes de la creación musical. Los compositores combinan la polifonía religiosa con vocabulario musical secular para explorar nuevas posibilidades en la creación de formas musicales. Se utiliza la notación de duraciones de notas más pequeñas y se sistematiza la notación rítmica. El representante más importante del movimiento Art Nouveau fue Ma Xiao (1300-1377), y el representante italiano fue Landini (1325-1397).
La "Edad Media" en la historia de la civilización occidental alguna vez fue considerada una época oscura de ignorancia, pero hoy tendemos a juzgar este período de la historia con una actitud más objetiva. Desde una perspectiva musical, aunque la influencia de la iglesia en la música tiene su lado negativo, también tiene su lado positivo. El énfasis de la iglesia en la música, sus esfuerzos por unificar los instrumentos musicales y la gran cantidad de mano de obra y recursos materiales invertidos en el desarrollo musical promovieron el desarrollo de la música europea en la Edad Media y dieron como resultado una preservación relativamente buena de los materiales musicales. La aparición de la polifonía y el órgano de tubos sentó una base sólida para el desarrollo posterior de la música profesional.
En tercer lugar, la música renacentista
La palabra Renacimiento es francesa y significa “renacimiento”. Este período de la historia occidental duró desde 1300 hasta 1650. El término refleja el escepticismo y la negación de la Edad Media y la admiración de la cultura antigua por parte de pensadores interesados en revivir la herencia cultural de la antigua Grecia y Roma. Sin embargo, este resurgimiento no fue una simple reproducción del original, sino la construcción de una nueva cultura y tradición reviviendo la esencia de la antigüedad, y sus logros pronto superaron la influencia de las antiguas Grecia y Roma. En este movimiento, el "humanismo" fue la tendencia de pensamiento más influyente y el núcleo de este cambio. Los humanistas abogan por poner a las personas en primer lugar, alientan a las personas a expresar su humanidad, deshacerse de los grilletes de la divinidad y enfatizan que las personas son los amos de la sociedad y no los dioses. Alaban el amor humano por la vida y la sabiduría humana, y creen que el poder humano puede vencerlo todo.
En la historia de la música occidental, el Renacimiento generalmente se refiere al período comprendido entre 1430 y 1600. Los cambios en el campo de la música siguieron a los de la literatura, la pintura y otros campos. La gente cree plenamente que las necesidades estéticas de sus oídos son razonables, requieren música para que su audición sea cómoda y satisfactoria y niegan el concepto teológico de que la música medieval refleja una "armonía celestial". La música de este período estuvo dominada por la polifonía vocal, y el canto sin acompañamiento de varias partes fue el estilo musical principal en este período. Los músicos incorporan las ideas de las obras de teoría musical antigua en sus propias creaciones, se centran en integrar más estrechamente la música y la literatura, utilizan los tonos de la música para imitar el ritmo de la poesía e integrarlos en uno, explorando así formas de expresar las emociones humanas. Por un lado, la música del Renacimiento tenía una clara tendencia secular, pero por otro, todavía mantenía estrechos vínculos con la religión.
1. Escuela de Música de Holanda. La Escuela de Música Holandesa se refiere a un grupo de músicos de los Países Bajos de los siglos XV y XVI, distribuidos principalmente en Francia, Bélgica, Países Bajos y otras regiones nórdicas. Hubo tres generaciones de músicos en la Escuela Holandesa. La primera generación de la Escuela Holandesa, también conocida como Escuela Borgoña, estuvo principalmente activa en la primera y segunda mitad del siglo XV durante el Renacimiento temprano. Entre los representantes importantes se encuentran Dufay (1400-1474) y Gilles Bean Joyce (6544). La segunda generación de la Escuela de Música Holandesa, también conocida como Escuela de Música Flamenca, estuvo activa durante el apogeo del Renacimiento, desde finales del siglo XV hasta mediados del siglo XVI, y estuvo representada por Johannes Okegang (1410-1497). Joskin (1440-1521) fue un representante de la tercera generación de la escuela de música holandesa. Compuso una gran cantidad de canciones de masas, profanas y clásicas.
Sus obras están diseñadas con rigor, manejan los materiales musicales con delicadeza, prestan atención a la armonía de la melodía y la armonía, y prestan atención a la combinación orgánica de música y letra. Entre los compositores importantes posteriores a él se encuentran Nicolas Gumbert (alrededor de 1495-1560) y Viart (alrededor de 1490-1562). La música de la Escuela Holandesa es internacional y tiene una influencia de gran alcance.
2. La música profana en el siglo XVI. En el siglo XVI surgieron algunas nuevas tendencias en la música de Europa occidental. En varios países han surgido varios estilos nacionales de música, que son principalmente música vocal, entre los que se incluyen principalmente el madrigal italiano, el campeón francés, el lied alemán, el madrigal español y el romance, el madrigal británico y la canción de laúd, etc. Las tendencias musicales nacionales de estos países rompieron el dominio a largo plazo del lenguaje musical paneuropeo y gradualmente enriquecieron el lenguaje musical europeo. El madrigal italiano del siglo XVI es una canción polifónica con poesía avanzada como letra, rica y delicada, literaria y aristocrática. Los compositores representativos incluyen a Festa (1490-1545), Basil (Cipriano de Rore, 1515-1565) y Marenzio (1553). El pino francés es un tipo de letras y canciones formadas en el siglo XVI. Todas son típicas del pino francés. Los principales compositores representativos son Claudine de Selmich (alrededor de 1490-1562) y Clement Jennerkin (alrededor de 1485-1558). La "Lide" de Alemania es una canción polifónica cantada por artesanos y cantantes durante el Renacimiento, con un estilo nacional distintivo.
3. La música de la reforma religiosa corresponde al desarrollo de la música secular. La reforma religiosa del siglo XVI también trajo cambios profundos a la música religiosa. El líder de esta reforma religiosa fue el profesor de teología alemán Martín Lutero. El protestantismo que dirigió negó la autoridad absoluta del catolicismo tradicional, enfatizó y afirmó las propias capacidades de las personas y creía que todos tienen derecho a leer e interpretar la Biblia según su propio entendimiento. Lutero creía en la función educativa y la influencia moral de la música. Consideró la reforma musical como una parte importante de la reforma religiosa, exigiendo que los creyentes participaran en ciertas actividades musicales durante los rituales de sacrificio, tratando de hacer que la música ritual fuera más fácil de entender para los alemanes. Lutero compuso un "Himno" para la iglesia protestante que dirigía. Esta música se llamó "Himno protestante". Se canta principalmente en alemán. Al principio era principalmente en forma de canciones monofónicas y segmentadas. Si se trata de música polifónica, también se resaltará la melodía principal para que a todos les resulte más fácil cantar. En respuesta a la Reforma Protestante, surgió un movimiento reformista dentro de la Iglesia Católica, conocido como Contrarreforma. En términos de música, "Respuesta a la Reforma" requiere que la música religiosa excluya todos los factores seculares impuros, y las letras polifónicas deben expresar con precisión y claridad las letras y los sentimientos religiosos. Las obras religiosas del compositor palestino Pierluigi da Palestrina (1525-1594) tienen un estilo fresco y suave, voces equilibradas, letras claras y utilizan en su mayoría sistemas de sonido naturales. Se consideran el ideal más representativo y la encarnación perfecta de. El espíritu de reforma en el campo de la música, también representa el mayor logro de la música polifónica en el siglo XVI. Su contemporáneo Orlando de Lassus (1532-1594) también fue un compositor importante, cuyo estilo contrastaba marcadamente con Palestina. Sus creaciones son más libres y su música más mundana. La canción "Echo" es un clásico que se ha transmitido hasta el día de hoy. La música veneciana se desarrolló enormemente en el siglo XVI. El centro de la cultura musical fue la Catedral de St. Kyle, que gradualmente formó el estilo único del género musical veneciano. Entre los compositores importantes se encuentran: Vierard, Zalino, el tío Gabrieli, etc. Crearon la mejor música para órgano de Italia e hicieron grandes contribuciones al desarrollo de la música pastoral italiana. La Escuela de Música de Venecia tomó como estilo principal el coro temático que representaba la tendencia de desarrollo de la nueva música y tuvo una amplia influencia a principios de siglo. La música instrumental durante el Renacimiento se fue deshaciendo gradualmente de su dependencia de la música vocal y se embarcó en el camino del desarrollo independiente. Sin embargo, la mayor parte de la música instrumental de esta época fue adaptada de música original, como la música instrumental de Nie y la música de imitación. Además, la música de baile, los preludios, las fantasías y las toccatas son música improvisada, pero no se han desarrollado significativamente. La música instrumental verdaderamente independiente apareció en el período posterior, el barroco. Durante el Renacimiento, la industria de fabricación de instrumentos musicales también aceleró su desarrollo. Violines antiguos, trompetas, trompetas, trombones, órganos de tubos y pipas estaban activos en el escenario musical, y más tarde los violines y clavicordios agregaron un brillo deslumbrante a las interpretaciones musicales. Durante este período, el uso de la tecnología de impresión jugó un papel importante en la creación y difusión de la música.
En cuarto lugar, la música del período barroco
El período barroco suele referirse al rango de 150 años, desde 1600 a 1750.
La palabra "barroco" proviene del portugués y su significado original es perlas irregulares. Inicialmente utilizado en los campos de la arquitectura y el arte, poco a poco se fue utilizando en los campos del arte y la música. Históricamente, el estilo barroco ha sido criticado por ser "demasiado ostentoso e irregular". Originalmente tenía una connotación despectiva específica, utilizada para referirse a alguna música extraña y novedosa, y posteriormente se utilizó para referirse a un período único en la historia de la música. La música barroca es un tipo de música majestuosa y enérgica que enfatiza la expresión emocional y el contraste dramático, y concede gran importancia a la decoración detallada. La música del período barroco fue muy diversa. El fenómeno musical más importante fue el nacimiento de la ópera y la verdadera independencia de la música instrumental.
1. El nacimiento de la ópera
La ópera es un tipo de drama expresado en música. Sus predecesores se remontan a las tragedias griegas antiguas, los dramas rituales medievales y las obras de misterio. Las óperas pastorales y los dramas pastorales del Renacimiento son fuentes importantes de ópera. La primera ópera se llamó "Daphne", que fue escrita por el poeta Linuccini basada en el mito de la lucha de Apolo con la serpiente gigante, y la música fue compuesta por el músico Perry. Su nacimiento está directamente relacionado con un club de música Camerata en Florencia. Linuccini y Perry son ambos miembros del club Camerata. Los artistas de la comunidad admiran la cultura griega antigua e intentan crear una nueva forma de música imitando la música griega antigua. Creen que la música griega antigua es un tipo de música que simplemente imita el tono o ritmo del lenguaje, y que la melodía es el vehículo para expresar el contenido de la poesía, por lo que la gente puede entender fácilmente el contenido de la letra, por lo que defienden el principio de Melodía única y acompañamiento instrumental, que promueve el nacimiento de un nuevo género de ópera. La primera ópera, Daphne, está actualmente perdida. La primera ópera con música completa se llamó "Eurídice", y fue representada por segunda vez en 1600 por Pelli y Linuccini. Monteverdi fue el mayor compositor del Barroco temprano y una figura representativa de la ópera veneciana. Entre sus obras de ópera se encuentran "O'Flo", "Arianna", "El regreso de Ulises", etc. Buscó la expresión clara y precisa de letras y emociones en sus obras e hizo un amplio uso de canciones líricas, dúos y danzas en sus óperas. Además, también utiliza un "estilo apasionante" para expresar el mundo espiritual de los personajes de sus obras. Después de la muerte de Monteverdi, sus alumnos Cavalli y Sesti se convirtieron en importantes compositores de ópera en Venecia. Representantes de la ópera romana son el drama sobre el alma y el cuerpo de Cavali Eli y "San Arancio" de Randy. El famoso compositor de ópera napolitana es Giascara Di, cuyas obras representativas incluyen "Griselda", etc. Durante este período también alcanzaron cierto desarrollo las óperas francesas, británicas y alemanas.
Además de la ópera, los géneros musicales vocales a gran escala producidos durante el período barroco incluyen oratorios, oratorios, música de miseria, etc.
2. El desarrollo de la música instrumental
La música instrumental en el período barroco alcanzó una nueva posición destacada, formando una situación tripartita de música vocal, música instrumental y ópera en este período. Por primera vez, la música instrumental y la música vocal se encuentran en pie de igualdad. La industria de fabricación de instrumentos musicales en aquella época estaba muy desarrollada y aparecieron diversos instrumentos técnicamente sofisticados, como el clavicordio, el órgano, la familia del violín, el oboe, el fagot, la flauta, la trompeta, el corno francés, el trombón, los timbales, etc. Además, también aparecieron uno tras otro varios géneros de música instrumental, como sonatas, suites, conciertos, etc.
En Bolonia y otros lugares italianos, la creación e interpretación de música instrumental es muy próspera. Entre los excelentes músicos y compositores instrumentales se encuentran Vitali, Corelli, etc. Los instrumentos de teclado del período barroco incluían el órgano y el clavicordio. La industria de fabricación de órganos en Alemania está especialmente desarrollada y la música para órgano más desarrollada también se encuentra en Alemania. Hay tres géneros principales de música para órgano: toccare (un género relativamente libre cercano a la improvisación con altos requisitos técnicos) (utilizando estrictamente el género polifónico de imitación canónica y obras basadas en himnos); El guqin incluye dos tipos: guqin pulsado y guqin de percusión. Los géneros de clavicordio más importantes son los temas, las variaciones y las suites. La suite consta de cuatro danzas estilizadas, a saber: Alamande, Courante, Sarabande y Kig. El género musical instrumental más importante del período barroco fue el concierto, que se puede dividir en dos categorías, una es el concierto grosso y la otra es el concierto solista. Vivaldi es el compositor que hizo la contribución más importante al desarrollo de los conciertos barrocos. Su obra representativa es el concierto para violín "Las cuatro estaciones".
Una de las características más importantes del periodo Barroco es el uso extensivo del "continuo", que es una melodía principal y textura armónica diferente a la textura polifónica del Renacimiento. Se compone básicamente de melodía y. Compuesto con acompañamiento armonioso.
Hay un bajo separado a lo largo de la obra, unos agudos ricamente decorados en la parte superior, y el alto no está escrito y los intérpretes improvisan. Durante el período barroco se fueron estableciendo gradualmente sistemas tonales mayores y menores y música funcional. La notación también siguió mejorando; surgió la teoría de la "teoría de las emociones", creyendo que el objetivo principal de la música es despertar las emociones de las personas. Utilizan un tipo de música para expresar la emoción de la letra, como las notas altas que representan la luz y las notas bajas que representan la oscuridad. Esta emoción a menudo no es la propia del compositor, sino una emoción humana básica tipificada, una emoción racional e incoherente. El período del Barroco tardío produjo varios de los más grandes compositores de la historia de la música occidental, como Johann Sebastian Bach (1685-1750) y George Friedrich Handel (1685-1759).
verbo (abreviatura de verbo) música del período clásico
La "época clásica" se refiere a la música desde aproximadamente 1750 hasta la muerte de Beethoven en 1827. El llamado "clásico" originalmente se refería al "estilo clásico" de la antigua Grecia y Roma. Posteriormente, la gente intentó restaurar y aprender de la esencia cultural de esa época. Se hizo de esta manera durante el Renacimiento y en el Barroco temprano, pero no fue hasta mediados del siglo XVIII que el "clasicismo" realmente comenzó a redescubrirse. El período clásico fue la etapa cumbre de la historia de la música occidental. Este período comprende dos etapas: el preclásico; el clásico vienés. Hubo tres fenómenos musicales principales en el período preclásico: el surgimiento y prosperidad de la ópera cómica; la reforma de la ópera italiana por parte de Gluck; y la madurez y desarrollo de diversas formas en el campo de la música instrumental (sonata, sinfonía, concierto, conjunto). El período clásico vienés es el período cumbre de la música clásica. Se refiere al estilo musical formado en los campos de la música instrumental y vocal desde finales del siglo XVIII hasta principios del siglo XIX, representado por las creaciones maduras de Haydn. Mozart y Beethoven.
En el siglo XVIII, Europa experimentó una amplia revolución ideológica: el Movimiento de la Ilustración antes de la Revolución Francesa, que se manifestó como un movimiento cultural contra la teocracia de la Iglesia y la autocracia feudal. Sin embargo, su influencia va mucho más allá del ámbito cultural e involucra a la economía, la política, el derecho, la filosofía, la ciencia e incluso los sistemas sociales y las costumbres sociales. Los pensadores de la Ilustración se opusieron a la religión tradicional y defendieron el deísmo; se opusieron a la metafísica y defendieron la ciencia y el conocimiento del sentido común; se opusieron a la autoridad y los privilegios autoritarios, y defendieron los lemas de libertad, igualdad y educación universal. Los llamados de la burguesía y el pueblo a cambiar el status quo intensificaron la contradicción entre las fuerzas feudales y la burguesía, y finalmente estalló la revolución burguesa en Francia en 1789. Bajo la influencia de la Ilustración, también surgió en Alemania el antifeudal y democrático "Movimiento de los Huracanes". El período clásico fue una era de conocimiento generalizado. La filosofía, la ciencia, la literatura y el arte comenzaron a enfrentarse a la burguesía emergente y a las masas. Los músicos también salieron de palacios e iglesias y se dirigieron al público en general. 1. El desarrollo de la ópera cómica y la reforma de la ópera de Gluck En la primera mitad del siglo XVIII apareció en Italia la ópera "Buffa" con ciudadanos corrientes como protagonistas y mostrando escenas de la vida cotidiana. Bajo la influencia de la Ilustración, se trataba de un nuevo tipo de ópera que se oponía a la ópera ortodoxa italiana y perseguía la naturaleza. "La doncella como dama", escrita por el italiano G.B. Pergolesi (1710-1736), está considerada la primera ópera cómica de Italia. Después de su desempeño y éxito, el nuevo género se desarrolló rápidamente. Posteriormente aparecieron "La gentil hija" de N. Piccini (1728-1800) y "El matrimonio secreto" de D. Cimarosa (1749-1801).
En 1752, una compañía de ópera italiana llevó "La doncella como esposa" a París para una representación, lo que provocó una "controversia sobre el drama amoroso" en el círculo cultural francés. Algunos pensadores de la Ilustración, como Rousseau, elogiaron con entusiasmo este popular género operístico. Rousseau también compuso la ópera cómica "Village Prophet" combinando la ópera cómica italiana y el drama tradicional francés del mercado, demostrando que este nuevo estilo musical se puede escribir en francés. El debate finalmente terminó en la popularidad de la ópera. Bajo la influencia de óperas de otros países, Alemania produjo una especie de "ópera cantada" con características nacionales, como "El barbero" de Hiller y "El minero" de Umlauf. El desarrollo de la ópera alemana tuvo una gran influencia en las creaciones operísticas de Haydn, Mozart, Beethoven y otros. La ópera italiana del siglo XVIII era incompatible con los principios "naturales" defendidos por la Ilustración porque se centraba demasiado en el bel canto y las artes escénicas e ignoraba las tendencias dramáticas. Algunos artistas están considerando reformar la ópera. Gluck fue uno de los compositores más exitosos.
Los ideales de reforma de Gluck son: buscar la simplicidad y la autenticidad en el arte, y eliminar la decoración y el espectáculo innecesarios, integrar estrechamente la música con la poesía para mejorar la expresión emocional de la música y hacer que el público conozca la naturaleza de la trama de antemano a través de la música; obertura. Sus óperas "Orfeo y Eurídice", "Ephigeni of Orid", "Ephigeni of the Tropics", etc. Todas ellas son manifestaciones del éxito de sus reformas. Su estética operística inspiró a muchos compositores de ópera famosos de generaciones posteriores a pensar y explorar.
2. El período clásico de las sonatas, conciertos y sinfonías fue una época de prosperidad para la música instrumental. La Sonata también maduró durante este período. Durante el período clásico, se abandonaron los estilos musicales polifónicos complejos en favor de música con melodías claras. La sintaxis melódica y la estructura de párrafos claras y simétricas reemplazaron el enfoque melódico ornamental de los motivos musicales barrocos más variaciones. Entre las formas estructurales de la música clásica, la forma sonata con pensamiento dialéctico abstracto se ha convertido en una forma musical que los compositores han explorado incansablemente. La sonata y la forma sonata son dos conceptos diferentes. El primero es un género musical que consta de un número variable de movimientos, mientras que el segundo es la forma estructural adoptada por un género. La contribución inicial a la formación del género de sonata la hizo D. Scarlatti (1685-1757) en la exploración de nuevos estilos, y el segundo hijo de Bach, C. P. E. Bach (1714-6544). El concierto de la época clásica se desarrolló más plenamente como el "concierto solista", en el que un instrumento solista desempeña el papel principal y la orquesta compite con él. Antes o al mismo tiempo que los conciertos de Mozart, varios compositores ya habían desempeñado un papel pionero en este campo. El hijo menor de Bach, Johann Christian Bach (1735-1782), causó sensación con sus conciertos para piano y sus creaciones tuvieron una gran influencia en Mozart.
El desarrollo de la sinfonía fue otro acontecimiento importante durante este período. A principios del siglo XVIII, las oberturas de ópera italiana (Sinfonia) se separaron gradualmente de las óperas y se convirtieron en un género orquestal independiente interpretado en conciertos. Fue la Academia de Música de Mannheim la que hizo una importante contribución a este respecto. La Escuela de Mannheim dirigida por Johann Stamitz (1717-1757) añadió un minueto como tercer movimiento basado en la estructura rápido-lento-rápido de la obertura de la ópera, convirtiéndola en una obra de cuatro movimientos. También introdujeron temas líricos, elegantes o humorísticos después del tema dinámico del movimiento sinfónico Allegro para formar un contraste en el temperamento y el estilo musical, e hicieron un uso extensivo del aumento y la disminución de la intensidad del sonido para producir ricos cambios de expresión dinámica, marcando la evolución de la música. Estilo. Avances importantes. Además, la Academia de Música de Viena y la Academia de Música de Berlín también hicieron importantes contribuciones al desarrollo de la sinfonía. La verdadera sinfonía fue establecida por Haydn y alcanzó su apogeo gracias a las creaciones de Mozart, Beethoven y otros genios. 3. Características de la música clásica
La música clásica tiene un estricto sistema lógico, que se manifiesta en el modelo de "desarrollo del tema". La forma sonata es un ejemplo clásico.
En comparación con el período barroco, la forma de expresión y el contenido de la música se han ampliado enormemente. La música melódica dominada por una sola melodía ha ido ganando terreno gradualmente y la música polifónica ha perdido su antigua gloria. La música de la era clásica es generalmente objetiva, implícita, suave y mesurada. La música clásica persigue el ideal de la música pura y utiliza el lenguaje de la música misma para expresar el mundo espiritual de las personas. Haydn, Mozart y Beethoven, tres grandes músicos, conocidos como la famosa "Escuela Clásica de Viena", levantaron el cielo de la música clásica.
6. La música en el Periodo Romántico
El periodo Romántico hace referencia a la historia de la música occidental alrededor del siglo XIX (1790-1910), es decir, el Romanticismo dominó y guió a la mayoría de los compositores. período. La palabra "romanticismo" originalmente se refería a historias escritas en escritura romana, más tarde específicamente a novelas o historias de caballería, y más tarde para incluir novelas románticas. Europa en el siglo XIX fue una era llena de cambios dramáticos. Durante este período, el capitalismo se desarrolló enormemente, el progreso científico, la revolución industrial, las reformas económicas y las ideologías políticas surgieron uno tras otro, y la vida de las personas experimentó cambios sin precedentes. En el campo de la ideología, surgió un sistema filosófico idealista, que perseguía los ideales políticos de los "derechos humanos naturales", la libre competencia, la armonía internacional y la independencia nacional, en el campo de la literatura y el arte, la gente comenzó a mostrar moderación frente al clasicismo en la obediencia; la razón y las leyes, si bien enfatizan el genio y la inspiración, enfatizan la creatividad humana y la libertad emocional.
En la historia general de la música, el Romanticismo se divide en el período temprano (10-20 años del siglo XVIII): Weber y Schubert; el apogeo (30-40 años): Berlioz, Mendelssohn, Schumann; , Chopin; período medio y tardío (años 40-80): Liszt, Wagner, Brahms; período tardío (65438+década de 1990 hasta principios del siglo XX): Bruckner, Mahler, Rayshard Strauss. También se intercalan óperas francesas e italianas, así como indicios de géneros musicales folclóricos europeos paralelos o independientes.
1. Características de la música romántica:
(1) Integralidad de la creación musical. En la búsqueda de la libre expresión de las emociones y la expansión de la imaginación, los compositores románticos enfatizaron que la música debe combinarse con otras artes además de la poesía, el teatro y la pintura, y abogaron por un arte integral que incluso esté relacionado con la religión y la filosofía. lleno de significado del Pensamiento. La Novena Sinfonía de Beethoven, que introdujo el coro vocal, a menudo se considera el comienzo de la música romántica.
(2)La música del título es popular.
(3) La creación musical expresa individualidad y expresa emociones. Debido a la búsqueda de la libertad emocional, existe una contradicción entre contenido y forma en la música. Aunque hereda la escuela de música clásica en cuanto a forma artística y técnicas de expresión, es muy diferente en contenido y utiliza mucha exageración. Al enfatizar la expresión de sentimientos subjetivos personales, los compositores se esfuerzan por explorarse a sí mismos y, a menudo, los integran con las obras.
(4) Respetar la naturaleza. Rodeadas de civilización industrial y alejadas de la naturaleza, la gente ha desarrollado una psicología de anhelo por la naturaleza y el mundo misterioso. El siglo XIX fue la era de la pintura de paisajes en la historia del arte. Los músicos no sólo utilizaron la naturaleza como tema, sino también como fuente de fuerza e inspiración. Y la naturaleza es tranquila y libre de contradicciones, lo que la convierte en un refugio ideal para el compositor.